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18/07/12 PUBLIESCENA - Publiescena

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EN PORTADA PROYECTOS PRÓXIMAMENTE CONTACTO

CONVOCATORIAS DE PRENSA

La 35ª edición del Festival de Almagro tiende un puente conIberoamérica

El Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro refuerza este año más que nunca sus lazos con Iberoamérica y nos

permite disfrutar de siete espectáculos procedentes de la otra orilla del Atlántico. Lógico puente que nos enriquece y

sirve de paso a países como Cuba, Colombia, Argentina y México, teatro que, con cuatro propuestas, será este año el

Invitado de Honor.

Teatro Mexicano, Invitado de Honor

México, llamado la Nueva España durante el Barroco. Un país que genera un rico caudal artístico del que da muestra esta

35ª edición. El teatro mexicano se ha volcado desde el inicio con el Festival, con quince propuestas que aspiraban a

formar parte de la programación. Cuatro serán finalmente las programadas entre la sección oficial y el II Certamen

Internacional Almagro OFF. La prueba de las promesas, de Juan Ruiz de Alarcón, llega de la mano de la Compañía

Nacional de Teatro de México para contarnos una historia de amor con mayúsculas. Cuenta su director, Carlos Corona,

que según un estudio, el enamoramiento es un estado inducido por la segregación de ciertas sustancias del cerebro y

que posee un tiempo máximo de cuatro años de duración. “Inmediatamente pensé: y eso ¿te consuela cuando te

rompen el corazón?”.

También de amor, cristalizado en una comedia de enredos, habla la obra Casa con dos puertas, mala es de guardar, de

Calderón de la Barca, que trae la compañía mexicana Perro Teatro. Un colectivo que lleva en escena desde 1985 y del

que la prensa mexicana ha destacado en varias ocasiones “su indudable talento”. Parten de una puesta en escena limpia

y sobria para que el verso y el trabajo actoral ocupen el papel protagonista.

La noche de San Juan, de Lope de Vega, es otra de las obras procedentes de México que se verá en Almagro. El

Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA) y la Universidad Autónoma de México (UNAM), brindan su apoyo a una

generación de jóvenes artistas interesados en el Siglo de Oro español, por ser un referente universal y por la vigencia de

sus temas. En su nombre, la compañía capitaneada por Ricardo Zárraga, propone una combinación de teatro clásico y

moderno, una experiencia que aúna comedia física, clown y música en directo para los espectadores del II Certamen

Almagro Off.

También dentro del Almagro OFF podremos ver El castigo sin venganza, del colectivo Seres Comunes, laboratorio de

experimentación que activa la imaginación del espectador sin mostrarle apenad nada. Formato, entre el cine y el teatro,

que la compañía viene trabajando desde su fundación en 1999.

• La prueba de las promesas. Compañía Nacional de Teatro de México.

21 y 22 de julio. AUREA. 22.45h

• Casa con dos puertas, mala es de guardar. Perro Teatro. 20 y 21 de julio. Plaza de Santo Domingo. 22.45h

• La noche de San Juan (Almagro Off). INBA y UNAM. 18 de julio. Teatro La Veleta. 20.00h

• El castigo sin venganza (Almagro Off).Seres comunes. 20 de julio. Teatro La Veleta. 20.00h

Un Moliére colombiano

El atolondrado será, sin duda, una de las propuestas más divertidas para disfrutar en familia. La primera comedia escrita

por Molière, que narra las vicisitudes de Lelio, hombre enamorado, inocente y torpe en las lides amorosas, fue

representada desde su estreno en 1655 en Lyon en infinidad de ocasiones, conectando con todo tipo de audiencias.

En esta ocasión, la prestigiosa compañía colombiana La Máquina de Molière, integrada por reconocidos actores, será la

encargada de poner en escena este clásico, que en la versión y dirección de Ricardo Behrens llega envuelta en aires de

clown y atmósferas poéticas, precedida por estupendas crít icas.

• El atolondrado. La Máquina de Molière. 26, 27 y 28 de julio. Plaza de Santo Domingo. 22.45h

Humor y picaresca

Cuba y Argentina completan la oferta latinoamericana. Del primer país aterriza en el festival Donde hay agravios no hay

celos, de Francisco de Rojas Zorrilla. Estrenada en 1636 y publicada en 1645, esta obra ha sido de las más representadas

en vida del autor, también en la corte francesa, y de las más imitadas tras su muerte. Una joya de humor y picaresca,

que en Almagro se verá en versión y dirección de Liuba Cid y la Compañía Mephisto Teatro.

Desde Argentina la compañía La Quadrille presentará en el espacio La Veleta Amar el día, aborrecer el día, una obra

inspirada en la literatura de María de Zayas y Sotomayor, autora iniciática del feminismo contemporáneo y el psicoanálisis,

y destacada artista del Barroco. Una propuesta multimedia y sensorial con música en vivo que trata de emular la

fragmentación del lenguaje poético.

• Donde hay agravios no hay celos. Mephisto Teatro. 22 de julio. Plaza de Santo Domingo. 22.45h.

• Amar el día, aborrecer el día. (Almagro Off). La Quadrille. 21 de julio. Teatro La Veleta. 20.00hs.

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Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro. Del 5 al 29 de julio.

18/07/12 Casa con dos puertas Teatro del Siglo de Oro

1/2www.oem.com.mx/elheraldodechihuahua/notas/n1549450.htm

Desde el Distrito Federal l legó el grupo Perro Teatro para

brindar al público chihuahuense una de las obras festivas más

notables del dramaturgo español. Foto: El Heraldo de

Chihuahua

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Casa con dos puertas Teatro del Siglo de Oro

El Heraldo de Chihuahua

10 de marzo de 2010

Aracely Sánchez Ruiz

Chihuahua, Chihuahua.- El Teatrode los Héroes fue testigo de unajornada más del XI Festival deTeatro del Siglo de Oro, con lapuesta en escena de Casa con dospuertas mala es de guardar, dePedro Calderón de la Barca.

Desde el Distrito Federal llegó elgrupo Perro Teatro para brindar alpúblico chihuahuense una de lasobras festivas más notables deldramaturgo español. Un público ensu mayoría juvenil que poco supoapreciar el buen teatro, a juzgar porlos interminables murmullos, gritosen las graderías y pies sobre lasbutacas. Sin embargo, con una

escenografía muy sencilla, un impecable vestuario e indudable talento por parte de losjóvenes actores, la obra en tres actos resultó muy entretenida.

Más allá del juego dramático característico del Siglo de Oro, la obra alcanza gran perfecciónen su estructura dramática y en su lenguaje poético, de extraordinaria belleza. Asimismo,muestra una agilidad teatral tan moderna y una comicidad que llega a los límites mismos delo permitido en la época, dicen los expertos.

El gentil Lisardo, su buen amigo Félix, la egoísta Marcela y la celosa Laura son interpretadospor Antonio Rojas, Ortos Soyuz, Mariana Gaja y Sonia Franco, respectivamente. Completan elreparto Martín Becerra como Calabazas, Isabel Almeida como Silvia, Sandra Cobián Bichircomo Celia/Leilo y Jorge Ávalos como Fabio.

Casa de dos puertas cuenta la historia de dos parejas: Lisardo y Marcela, Laura y Félix,cuyas vidas se enredan a través de las dos puertas por las que entran y salen, se confundeny se aclaran, se esconden y se descubren, aman y sufren, en una divertida puesta en escenaque no sólo habla de amor, sino del mal de amores que causan los celos.

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Donde hay agravios no hay celos

Jesús Dueñas Becerra, 05 de diciembre de 2011

Es mejor que los hombres se besen y no se maten

TONY DÍAZ

No me parece que, en el lenguaje dramatúrgico contemporáneo,

haya un parlamento con un carácter humanista y anti homofóbico

por excelencia, como el que el talentoso director Tony Díaz pone

en boca de un polémico personaje (travestido), creado por su

fecunda imaginación en una controvertida obra teatral, llevada —

hace ya algunos años— a la capitalina sala El Sótano.

Por esa y otras muchas razones, he decidido dedicarle esta

crónica al clásico Donde hay agravios no hay celos, del

dramaturgo toledano, don Francisco de Rojas Zorrilla (1607-

1648), una de las puestas en escena más representadas desde el siglo XVII hasta la actualidad,

interpretada magistralmente en el contexto del XIV Festival Internacional de Teatro de La Habana,

por los actores y actrices cubanos y españoles, que integran el elenco artístico de la compañía

teatral Mefisto Teatro, jerarquizada por Tony Díaz.

No obstante sus más de cuatrocientos años de haber sido estrenada y vuelta a reponer, en infinidad

de ocasiones, esa simpática comedia de enredos, caracterizada por el gracejo criollo, exponente de

nuestra legítima cubanía, no solo hace reír al espectador, sino también pensar, reflexionar, o mejor,

meditar (hacer silencio interior para escuchar los sonidos que emite nuestro yo, el auténtico, el

verdadero).

Por otro lado, continúa generando, en el público cubano y extranjero, sonoras carcajadas y cerradas

ovaciones, sobre todo cuando se escenifica —como en el caso que nos ocupa— con amor al buen

teatro y entrega en cuerpo, mente y espíritu al arte de las tablas.

De acuerdo con mi apreciación, dos factores esenciales mediatizan la deliciosa versión dirigida por

Liuba Cid: el vestuario, que sigue la línea adoptada por el director general de la compañía en

Escándalo en la trapa y La ratonera (por solo citar dos ejemplos), para enviarle al auditorio un

mensaje simbólico, que hace alusión a la estrechez mental o a la luz corta que poseen algunos/as

personajes, y que les impide percibir —desde una óptica objetivo-subjetiva— lo que tienen delante y

no quieren o no desean ver y enfrentar.

Esa es la impresión que reciben los amantes de las artes escénicas y los colegas de la prensa

especializada en presencia de esos rígidos trajes confeccionados a modo de parodia, y que

trascienden el contexto referencial en que se desarrolla la trama de Donde hay agravios…

Las impecables actuaciones de artistas consagrados (Vladimir Cruz, Yolandita Ruiz, Ramón Ramos) y

noveles pero talentosos/as en potencia (Justo Salas, Claudia López, Dayana Contreras), prestaron

piel y alma a los personajes que llevaran a las tablas, tanto en sus humorísticas intervenciones como

en sus identidades trastocadas.

La XIV Edición del Festival Internacional de Teatro de La Habana convocó a un público joven y no tan

joven, que acudió a dicho evento ávido de intereses cognoscitivos y espirituales. Entre ellos, para

descubrir los insondables «secretos» de la actuación que, en apretada síntesis, se podrían resumir

con pocas palabras:

Transmitir al prójimo las vivencias, pensamientos, emociones y sentimientos

sobre los cuales se estructura el universo psicológico y espiritual del

personaje que el actor o actriz interpreta en el escenario. Es hacer partícipe

al espectador de algo que se sabe, se tiene, se percibe en el ambiente; es

descubrir, contagiar, convencer; no es solo dominar la técnica dramatúrgica

y el lenguaje teatral. Es sentir, que no es otra cosa que liberar tu yo

artístico, para entregar en escena lo mejor y más puro de ti, no sólo como

actor o actriz, sino también como ser humano; es vivir, amar y respetar lo

que haces... con sencillez y humildad.

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Colectivo de

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El vuelo del Samandar

(concurso de haikus)

LA NOCHE DE LOS LIBROS

Premio Luis Rogelio Nogueras

2012

Pruebas de galera

Publicado por Ediciones

Caserón, aborda la situación

del negro en la colonia y en la

naciente república.

Esta noveleta, que ha visto la

luz por la Editorial Gente

Nueva, marcó una época en

la ciencia ficción en Cuba.

Enlaces relacionados

Sin duda alguna, quienes disfrutamos de la original puesta en escena de Donde hay agravios… nos

convencimos de que actuar es eso y muchísimo más.

Las criadas asesinas

Adria Santana: figura insignia de las tablas

cubanas

Retratos

Jesús Dueñas Becerra, 2012-07-10

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Publicado en Cuba Trabajadores (http://www.trabajadores.cu)

Inicio > Memorable puesta de Mefisto Teatro

Memorable puesta de Mefisto Teatro

Creado 2011-11-07 10:06

Si en el recién concluido Festival de Teatro de La Habana hubiese sido concebidoun gran premio de diseño de vestuario, seguramente se lo habría llevado Tony Díaz

con sus creaciones para la obra Donde hay agravios no hay celos,Jorge Rivas Rodríguez / 07-11-2011 / 10:06

Si en el recién concluido Festival de Teatro de La Habana hubiese sido concebidoun gran premio de diseño de vestuario, seguramente se lo habría llevado Tony Díaz

con sus creaciones para la obra Donde hay agravios no hay celos, de Franciscode Rojas Zorrilla (Toledo, 1607 - Madrid, 1648), puesta en escena de la compañíaMefisto Teatro, bajo la dirección de Liuba Cid y coproducida por Arte PromocionesArtísticas (España) y el Consejo Nacional de las Artes Escénicas.

Por tal singularidad, antes de referirme a la escenificación, quiero subrayar laexcepcional imaginería de Díaz en el diseño de los vestuarios de esta comediaestrenada en 1636 y publicada en 1645 —una de las más representadas en vidadel autor, y de las más parodiadas luego de su muerte—, calificada por Felipe B.Pedraza Jiménez, profesor de la Universidad de Castilla-La Mancha, como genial y“de perfecta estructura, de singular fuerza cómica, de juego de teatro en el teatro,de guiños ‘metateatrales’, de tensión emotiva y risa simpática. Una joya, palabrade honor”.

En su labor creativa, el prestigioso teatrista cubano establece una suerte de sátiracontemporánea recreada en las críticas expuestas por Zorrilla al sistema de rígidasnormas sociales del siglo XVII; interés que establece igual concordancia con lainclusión de máscaras que de cierta forma aluden al esplendor del teatro bufo en laisla. Esa combinación, con marcada suntuosidad plástica, deviene graciosacaricatura de la sicología de cada uno de los personajes, lo cual favorece lacomunicación de los actores en sus respectivos desempeños al encontrarapoyatura en sus singulares y sobredimensionadas apariencias.

Valiéndose de un flexible engranaje de formas y molduras de papel cartón, maderay aluminio, Díaz realizó un cuidadoso estudio de la pieza, deteniéndoseparticularmente en la época en que fue escrita y en la modernidad escénica,entretejido creativo que en última instancia se inserta en el universo caribeño

actual. De tal modo, el vestuario de Donde hay agravios… fue pensado más enfunción de resaltar o rememorar las características del teatro bufo cubano del sigloXIX e inicios del XX que mantener su fidelidad en torno a los atuendos utilizados entiempos en que esta “joya de humor y picaresca” fue representada no solo en loscorrales de comedia de Madrid y de toda España, sino también en la corte

francesa.

Como en su anterior puesta en escena de Fuenteovejuna, Liuba Cid sostiene aquíun estilo de dirección y representación que ante todo se caracteriza por el interésde establecer puentes entre diferentes estéticas teatrales, entre culturas distintasaunque conectadas entre sí, “abriendo sus puertas a proyectos clásicos ycontemporáneos de Cuba, España e Iberoamérica”, como se afirma en elcatálogo.

La sala del Mella, con lleno total, ovacionó esta pieza mediante la cual el ingeniosoZorrilla divierte al espectador con malentendidos y trampas, prepotencias ysumisiones, engaños y celos, dimes y diretes, odios y aventuras y, especialmentecon agravios y amor; en un palpitante intento por dibujar, a través del teatro, lasesencias de la sociedad de su tiempo, principalmente la “admirable y ridícula”condición humana de los caballeros y damas del siglo XVII ibérico, asunto que ensu versión explora la Cid para subrayar momentos de refinado humor caribeño queagradece el público entre la complejidad de un texto original que igualmente tiendeanclas sobre el perfil sicológico de la aristocracia postrenacentista española,audaz y distintiva temática que distingue buena parte de las obras de este autor del

resto de sus contemporáneos —Entre bobos anda el juego, Del rey abajo,

ninguno, Lo que son mujeres, Abre el ojo, Cada cual lo que le toca, entre otras.

La trama comienza con la llegada a Madrid de Don Juan y su torpe criado Sancho,quienes buscan en la calle de Alcalá la casa de don Fernando de Rojas, con cuyahija, Doña Inés, el aristócrata galán mantiene amoríos a través de un retrato. Yadelante de la mansión, el servil criado confiesa a su amo que por equivocación, elretrato que ha entregado a la joven es el suyo y no el de él…

Luego vienen los equívocos, los enredos sustentados en un pasado lúgubre cuyaprincipal carga emotiva recae en la muerte violenta del hermano de Don Juan amanos de un desconocido, que resulta ser Don Lope, sobrino de don Fernando,quien también pretende a Doña Inés, y que en el pasado estuvo también implicadoen la fuga deshonrosa de Doña Ana, hermana de Don Juan… Así se establece undiseño dramatúrgico signado por una revoltosa confusión que, como es lógico eneste tipo de comedias, termina por aclararse al materializarse el amor entre DonJuan y Doña Inés.

La actuación, en general, bien mereció las palmas del público, aunque pienso quelos roles mejor defendidos correspondieron a los de Claudia López (Doña Inés),Vladimir Cruz (Don Juan) —ambos promotores de la impaciencia del auditorio pordisfrutar nuevamente de sus desempeños en la isla—, Justo Salas (Sancho),Ramón Ramos (Don Fernando), y Dayana Contreras (criada).

El resto del elenco, aunque sin sobresalientes particularidades histriónicas,mantuvo bien el ritmo de esta divertida fábula llevada por la Cid a deleitablemovida caribeña.

Donde hay agravios no hay celos fue una de las entregas mejor recibidas por losespectadores en esta edición del Festival de Teatro de La Habana. Éxitosustentado en la investigación, la experiencia y la entrega total de un elencodistinguido en el panorama internacional del teatro actual.

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Sábado, 10 de Marzo de 2012 16:30

Mefisto combina el texto clásico y el teatrocolonial cubano en un "Donde hay agravios no haycelos" vestido con trajes de cartón

tamaño fuente Imprimir Escribir un comentario

Mefisto combina el texto clásico y el teatro colonial cubano en

un "Donde hay agravios no hay celos" vestido con trajes de

cartón

Con espectaculares trajes de época confeccionados en Cuba

con papel y cartón, con respeto al verso del siglo XVII y con

la cadencia de la dicción de la isla antillana se presenta el

"Donde hay agravios no hay celos" de Mefisto Teatro, que

llega al Teatro Cervantes con Vladimir Cruz (Don Juan), Justo

Salas (Sancho) y Claudia López (Doña Inés) como

protagonistas. El montaje de la obra de Francisco de Rojas

Zorrilla está dirigido por Liuba Cid, quien ha intentado fusionar el carácter clásico del teatro del XVII español con el teatro colonial de

máscaras cubano. El resultado, una joya de humor y picaresca que fue estrenada en 1636 y representada incluso en la corte francesa en

una versión que ha sido tildada por la crítica como “sugerente y hermosa, sarcástica, irónica, graciosa y admirable”. En Málaga se

podrá ver esta noche (20.00 horas).

La compañía cubana Mefisto Teatro representó el año pasado en el Echegaray un Fuenteovejuna en el que el texto del Siglo de Oro

adquiría tintes de sincretismo religioso, y en el que el verso de Lope de Vega se encontró con las palabras del poeta y pensador cubano

José Martí. En esta ocasión, Liuba Cid (también directora en aquel montaje) firma y dirige una versión que se ajusta a las pautas

clásicas del verso español, aunque la mayoría de las voces que se escucharán en el Cervantes tienen el sabor del acento cubano

(Dayana Contreras, Ramón Ramos, Cristina Arranz, Rey Montesinos, Gabriel Buenaventura y Joanna González completan el

elenco). La principal novedad del montaje es estética: usa la máscara como transformación y todo el vestuario de época, diseñado por

Tony Díaz, está confeccionado en Cuba con papel y cartón, desde las pelucas hasta los zapatos.

Un criado que se hace pasar por señor, un señor que actúa como criado, una aristócrata que se enamora de quien ella cree criado, un

turbio pasado familiar... Infinitos enredos esconde un de las más populares comedias de Rojas Zorrilla. El Donde hay agravios no hay

celos de Mefisto acentúa el espíritu bufo y grotesco de la obra, “mucho más hilarante” que el Don Juan Tenorio convencional, según

precisa Vladimir Cruz. “Aquí el personaje de Don Juan termina mal, termina casado”, revela el intérprete americano.

Sinopsis

El aristócrata Don Juan y el servil y torpe criado Sancho llegan a Madrid de noche. En la calle de Alcalá buscan la casa de Don

Fernando de Rojas, con cuya hija, Doña Inés, se ha prometido el galán a través de un retrato. Ante las puertas de la casa, Sancho

confiesa a su amo que por equivocación el retrato que ha entregado a la joven es el suyo y no el de su amo. Del balcón de Doña Inés

ven descolgarse a un desconocido. De inmediato, Don Juan sospecha de la infidelidad de Doña Inés y propone a su criado Sancho

intercambiar las identidades ya que el equívoco del retrato facilitaría averiguar la verdad de los hechos. Se presentan así, Don Juan

como criado y Sancho como Don Juan.

Entre las paredes de la casa de Don Fernando se encuentran los personajes relevantes de un tempestuoso pasado que incluye la

muerte violenta del hermano de Don Juan a manos de un desconocido, que resulta ser Don Lope, sobrino de Don Fernando, quien

también pretende a Doña Inés, y que en el pasado estuvo también implicado en la fuga deshonrosa de Doña Ana, hermana de Don

Juan, que también se encuentra en la casa. Sancho, ahora en el rol de Don Juan, requiebra a Inés de manera grotesca. Pero la dama, por

quien siente un extraño y sorprendente afecto es por el criado, o sea, por el auténtico Don Juan.

El agravio de Don Lope y Don Juan acaba en un duelo de espadas pero finalmente, dadas todas las explicaciones, se da por zanjada la

situación y el agravio queda satisfecho. Todos los personajes se ven inmersos en una confusión que termina por aclararse. Don Lope

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18/07/12 Proceso » La prueba de las promesas, de Ruiz de Alarcón

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La prueba de las promesas, de Ruiz de Alarcón

Cartel de la obra

MÉXICO D.F. (apro).- Por primera ocasión desde que Luis de Tavira asumió su dirección artística, la Compañía Nacional de

Teatro (CNT) lleva a escena una obra del dramaturgo mexicano del Siglo de Oro, Juan Ruiz de Alarcón: La prueba de las

promesas, en un montaje a cargo de Carlos Corona.

Dentro de su propósito de articular un repertorio, la CNT tenía la asignatura pendiente de escenificar una obra de uno de los

dramaturgos centrales en la historia del teatro mexicano, quien irrumpió en la escena del teatro del Siglo de Oro con la misma

fuerza y hondura que un Tirso de Molina o un Lope de Vega.

Carlos Corona interviene el texto original de Ruiz de Alarcón, para incluir un prólogo tomado de una escena de La cueva de

Salamanca y un epílogo en torno al tema de la ilusión, como un homenaje al autor y al teatro en general, respetando en todo

momento la actuación en verso.

En este sentido destaca el trabajo que el director, con la asesoría de Jorge Ávalos, realizó con los actores en torno a la correcta

entonación del verso, respetando técnica y métrica, para ir mucho más allá de “decir bien” un texto y ofrecer al público un verso vivo, que se respeta incluso en

las adiciones al texto original.

Alarcón ofrece un texto en el que nos muestra que la ilusión a veces se percibe como más “verdadera” que la propia realidad, y lo hace con una gran profundidad

basada en el fundamento psicológico de la maquinaria de la intriga.

Como en todas sus obras, en La prueba de las promesas se ponen en tela de juicio dos de sus principales obsesiones, la amistad y la verdad, en este caso

particularmente a través de la veracidad de las promesas.

En el texto de Juan Ruiz también podemos vislumbrar el origen del país de la mordida en que tristemente se ha convertido y de las promesas incumplidas de

muchos políticos que, una vez en el poder, no tienen el menor interés en volver realidad lo ofrecido en campaña, tema muy ad hoc con nuestros tiempos

electorales.

Al igual que en la época en que fue escrita, la combinación de idealismo y realismo de La prueba de las promesas resulta profundamente moralizadora y

muestra también cómo las diferencia de las clases sociales fueron en la época de Juan Ruiz, y lo siguen siendo ahora, un detonador de prejuicios y

calamidades.

Como dato interesante, el Teatro Juan Ruiz de Alarcón de la UNAM fue inaugurado en 1979 con esta obra, en cuyo elenco participó Rosenda Monteros en el

papel de la dama joven, bajo la dirección de Juan José Gurrola. Ahora, Monteros, actriz de número de la CNT, participa con un personaje creado por Carlos

Corona para ella.

Además, actúan Diego Jáuregui, Mariana Gajá, Héctor Holten, Everardo Arzate y Carmen Mastache, entre otros miembros del elenco estable de la CNT.

La escenografía e iluminación son de Juliana Faesler, vestuario de Jerildy Bosch, música original de Leonardo Soqui y movimiento corporal de Ruby Tagle.

La prueba de las promesas realizará temporada hasta el 6 de mayo con funciones jueves y viernes a las 20:00, sábados a las 19:00 y domingos a las 18:00

horas, en la Sala Héctor Mendoza de la Casa de la Compañía Nacional de Teatro.

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De suculenta factura

A diferencia de otras formas artísticas, el teatro necesita dela interpretación. El asunto tiene tanto de largo como deancho, porque si los directores y actores capturan elespíritu del autor, y trasmiten la esencia del original,pueden incluso sublimar una obra.

Pero cuando no se consigue el mínimo nivel aceptable sobreviene el

desastre o, lo que es peor, se bordea esa mediocridad que suele ser bastante

común.

Por estos contornos, pocas veces se lleva a escena un clásico con tanto

respeto por la intención y por el lenguaje del autor, y a la vez con tan

acertada dosis de innovación y de amenidad para el público

contemporáneo, como ocurre con la versión de El atolondrado, de Molière,

que se presenta por estos días en la Casa del Teatro Nacional. La primera

obra del dramaturgo y actor cómico francés llega de la mano del director

argentino Ricardo Beherens, quien, a través de una acertada adaptación y

sabrosa revisión en clave de clown, obtiene un resultado sobresaliente con

cinco actores que interpretan a siete payasos que, a su vez, recrean los

principales caracteres del original y robustecen la hilaridad del equívoco.

Valga destacar la marcación precisa que, sin embargo, no produce las

aristas antipáticas de las direcciones obvias al revestirse de una sutileza

que, sin menoscabar la vivacidad, le confiere al desarrollo de una trama

disparatada y crítica un permanente aroma a libertad en la creación de los

personajes.

La puesta sugiere esa frescura que debía de ser la tónica en las obras que

llevaba el autor, cómico de la legua, a la provincia francesa y que por su

genialidad, punzante hondura y astucia dramática solazaban a todos los

públicos.

El desempeño de un elenco, sobre todo equilibrado, completa el plato

fuerte.

Andrés Aramburo, Orlando Valenzuela, Daniel Rocha, Rafael Zea y Luz

Estrada apoyan sus chispeantes actuaciones en la limpieza de unas

vocalizaciones que incluyen la cómica recreación de los sonidos

ambientales; en una gestualidad con intención y en la agilidad, casi

coreográfica, que acentúa la atmósfera circense. Aplausos para la

iluminación, escenografía, música incidental y vestuario, cuya función es

redondear sin excesos una producción brillante que, además del pertinente

acercamiento a un clásico, permite la carcajada, por un texto ocurrente y

bien dicho, disfrutar de la picardía de la comedia barroca y gozar un

espectáculo poco común en términos de ingenio y de finura

Publicacióneltiempo.comSecciónEditorial - opiniónFecha de publicación

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Miércoles 18 de julio de 2012

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