Idea: Diego Centurión

Ligia BergEmiliano Herrera

Realización:Diego Centurión

Redactores:Departamento de Música:

Diego CenturiónAlejandro Cenizacromada

Maxx WildaMarianarchy Deadbilly

Ariel SorianoSergio Arreola Reséndiz

Departamento de Cine:Nicolás Ponisio

José Luis LemosGustavo M. García

Departamento de Literatura:Pablo Ravale

Damián Snitifker

Departamento artes visuales: Arte de tapa realizado por

Diego Segovia

Staff Dirección General:Diego Centurión

Dirección de Arte y Diseño:Diego Centurión

Maquetación:Diego Centurión

Traducción:Marcelo Simonetti

Corrector:Pablo Ravale

Colaboraron:InzendiesFotografías del Concierto

Valentín PriettoCrónica del Concierto

Contactos:REVISTATHE13TH@gmail.comwww.facebook.com/the13thlarevistawww.revistathe13th.com.arissuu.com/revistathe13th@RevistaThe13th

Las fotografias usadas en estaREVISTA son propiedad de sus respectivos autores.

Editorial 14Enero 2015

Comenzamos el nuevo año, un año más y con energías renovadas, en los primeros días de este nuevo año hemos lanzado nuestro primer compilado. La alegría nos embarga y también nos da fuerzas para encarar este nuevo año con muchas más ambiciones.

Empezamos a andar el nuevo año con una incorporación al staff, la portada fue realizada por nuestro nuevo integrante Diego Segovia, quien se ha inspirado en el personaje estelar del número 14, Louis DelWray (vocalista de Nosferatu), quien nos ha concedido una entrevista. Introducimos una nueva sección denominada “Imaginario” en donde daremos espacio a ilustradores y dibujantes de libros y revistas, en esta primera incursión en elmundo del lápiz, traemos a Virgil Finlay. Comenzamos el nuevo año con presentaciones de bandas, para este número te hacemos conocer a Ummagma y Sounds of Sputnik desde Rusia y otros lugares. y del plano Hispano te presentamos y entrevistamos a La Gran Pérdida de Energía. Un dossier sobre Underground Resistence. Rescatamos el trabajo de Jason Molina, para muchos una icógnita. Un homenaje por su cumpleaños al Rey Elvis Presley. Y como todos los números, lo acostumbrado, conciertos, discos que cumplen años, las nuevas publicaciones discográficas, literatura y cine.

Un número que abre un año que traerá renovación y en el cual buscaremos que Revista The 13th continúe creciendo, en calidad y en presencia. Un año con muchas más expectativas...

Revista The 13th.

The 13th 03

RevistaEDITORIAL p.03¿Quién es Jason Molina? p.05Jason Molina Por damián snitifker

La conspiración musical interplanetaria p.12Underground Resistance por Alejandro Cenizacromada

Un Dúo, Dos Bandas. P.18Ummagma y Sounds of Sputnik Por Diego Centurión

nunca planeamos ser instrumentales p.24Entrevista a la gran pérdida de energía por Diego Centurión

estamos en la calma anterior a la tormenta p.30Entrevista a louis dewray por Diego Centurión

Palabras en la arena P.38El sueño de ser escritor p.40“Martin Eden” de jack London Por Pablo Ravale

Cuando la realidad se sirve del absurdo p.42“Alguien iba a tener que limpiar todo eso”, de Damián Snitifker por Pablo Ravale

En Concierto p.44primer festival “El primer color” P.45El primer color – san martín de los andes (Arg) por valentín prieto.

Pura Melomanía p.50White Zombie P.52The Zombies - The Zombies (1965) por José Luis Lemos

La Energía Vino En Mono p.55Dr.Feelgood - Down By The Jetty (1975) por Diego Centurión

El último rapto de Belleza, hasta ahora p.57Siouxsie and The Banshees – The Rapture (1995) Por Diego Centurión

Pequeños Demonios Funkys p.59The Wolfgang Press - Funky Little Demons (1995) por Maxx Wilda

El eterno retorno aniquilante p.60Swans - The Great Annihilator (1995) Por Marianarchy Deadbilly

Humanos, Demasiados humanos P.62The Human League - Octopus (1995) Por Sergio Arreola Reséndiz

Signos p.64Poets of the Fall - Signs of Life (2005) Por Sergio Arreola Reséndiz

La Gran química de los Hermanos Químicos p.66The Chemical Brothers - Push The Button (2005) porAlejandro Cenizacromada

El Amanecer nos curará p.68M83 - Before the Dawn Heals Us (2005) Por Diego Centurión

Hidden Track P.72

Rescate Cinéfilo P.78films vacacionales P.80Por Nicolás Ponisio

vacaciones inolvidables P.80por nicolás ponisio

EL JOHN HUGHES HIPSTER p.82por Gustavo garcía

FIN DE SEMANA DE LOCURA P.84Por José luis lemos

que despiertes asustado P.86Por José luis lemos

QUE POCO FANTÁSTICA ESTA FIESTA P.88Por nicolás ponisio

TURISMO EN LA TIERRA MEDIA: UN RECORRIDO POR LA TRILOGÍA DEL HOBBIT P.90Por nicolás ponisio

Imaginario p.94Virgil Finlay p.96

El Jardin de las Delicias P.108

Efemérides: p.120Elvis presleyPor diego centurión.

Año 2· Número 13 · diciembre 2014

SUMARIO

¿Quién es Jason Molina?Por Damián Snitifker

A mitad de la noche suena el teléfono, del otro lado Jason llora, se ríe, divaga, canta un fragmento de una canción nueva, recuerda anécdotas. Luego de un rato se despide y corta. La escena se repite a menudo. Jason Molina está en Inglaterra, en medio de una etapa crítica de su trágica relación con el alcohol. Quien recibe los llamados es Henry Owings, quien fuera compañero de banda y amigo desde los ´90. Corre noviembre del año 2009 y es el comienzo del final de Molina. Recientemente había editado un disco junto a Will Johnson, y se encontraba a punto de comenzar con la gira europea de promoción, pero unos días antes de la primera presentación, y debido a “problemas de salud” de Jason, es suspendida. Igual suerte corren los conciertos de enero y febrero en Estados unidos. Hecho esto, Molina desaparece de la vida Pública.

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Se titulaba una nota publicada por la familia el 19 de septiembre 2011 en el blog de la discográfica Secretly Canadian. En la misma contaban que Jason había pasado los últimos dos años en distintos centros rehabilitación y hospitales en Inglaterra ,Chicago , Indianápolis y Nueva Orleans; y continuaba con un pedido desesperado de contribución a los fans de Jason ya que él no contaba con seguro médico (algo común entre músicos, recordemos el caso de Vic Chesnutt, debido al cuestionado sistema de salud norteamericano) y se habían

juntado abultadas facturas médicas que tanto familiares y amigos no llegaban a costear. Por último agregaban que en ese momento se encontraba trabajando en una granja en Virginia Occidental en crianza de cabras y pollos. Eran optimistas con respecto a su futuro y dejaban un apartado postal donde los fans podían dirigir las cartas de apoyo. Después de eso todo volvió a ser silencio, hasta Mayo del 2012.

¿Dónde está Jason Molina?

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Una nota de Jason

Así rezaba una pequeña esquela en el blog de Molina. Efectivamente eran palabras suyas, era la primera vez que Jason se dirigía al público en 3 años. Allí contaba que había sido un año duro, y que debido al esfuerzo que todos estaban haciendo se veía obligado a dirigirles una “pequeña nota”. En la misma agradece a todos, que nunca hubiera imaginado el apoyo recibido, decía que todavía necesitaba tratamiento y que no pensaba renunciar porque ellos, “sus amigos”, no habían renunciado a él. También contaba que había escrito casi 500 cartas contestando las recibidas, pero la institución había preferido guardarlas y que además estaba componiendo música nueva. Para finalizar se sincera y confiesa que se “están dando pasos más pequeños” a lo

que él está acostumbrado, pero está seguro de volver pronto a sus proyectos musicales. Luego otra vez silencio, hasta la noticia de su muerte casi un año después: el 19 marzo de 2013 en Indianápolis. Algunas crónicas hablan de la falla del hígado después de año de abuso de la bebida, otras, más fatalistas, de un ataque al corazón tras una recaída y borrachera en un bar, donde solo se le encontró un celular con un numero agendado (el de su abuela). Ahí termina físicamente su historia, pero no su legado. A esta altura muchos de ustedes se preguntaran ¿Quién es Jason Molina?, la respuesta es un poco complicada de sintetizar en un pequeño artículo, pero voy a tratar de dar un breve pantallazo.

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Jason Molina, nacido en Ohio en 1973, dejo este mundo a los 39 años y nos legó, con una carrera que comienza a mitad de los noventa, un total de 10 discos con su banda Song: Ohia, 5 con Magnolia Electric Co., 3 solistas y uno en colaboración con Will Johnson. O sea, un total de 19 discos, además de 8 Ep´s y 13 simples. Luego de tocar el bajo durante años en bandas de heavy metal, Molina decide lanzarse como solista aunque asumiendo un nombre como banda. Lo cierto es que el siempre será el centro de la misma, el motor, y muchos músicos irán entrando y saliendo en diferentes etapas de la banda. Bautizada Songs: Ohia - en referencia tanto a la planta hawaiana “Ohia lehua” como un homenaje a su lugar de nacimiento. Antes de llegar a este nombre había utilizado nombres como “Songs”:

Albian, Songs: Radix, and Songs: Unitas. Su disco debut homónimo del año 1997 es conocido por los fans como el álbum negro. De ahí fueron seis años hasta el último de Songs: Ohia, “Magnolia Electric Co.”. El sonido de blues, intimo, nostálgico, lastimoso se electrifica un poco, pero sin perder su esencia. A partir de aquí Molina refunda la banda, y la bautiza con el nombre de este disco, y aunque para la discográfica este sea el último de Songs: Ohia, el siempre afirmó que era el primero de Magnolia Electric Co., y para alimentar esta ambigüedad el disco no tiene en su portada el nombre de la banda. Un año después lanza su primer disco solista, que en un primer momento estaba pensado para ser parte de un edición doble junto con Magnolia Electric co, el mismo se llama Piramid electric co., un disco muy

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Carrera Musical

íntimo y de tono triste. Si uno cierra los ojos mientras lo escucha, puede imaginarse un escenario de bar perdido al costado de la ruta, luces de neón, piso de madera, dos borrachos barbudos jugando al pool, el lugar semi vacío y Molina con su guitarra, cantando a un público inexistente. Ese es el clima del disco. Los posteriores seis años fueron de consolidación del grupo, también de Molina como compositor, comienza a ser una persona con un reconocimiento en ascenso. Fueron numerosas las giras por Estados Unidos y Europa hasta su retiro prematuro en 2009.

Pero paralelamente, a partir del 2003 es que comienza a agravarse su relación con el alcohol. Los fantasmas contra los que siempre lucho Jason terminaron ganando la pulseada, como canta en Josephine, canción que le da título a su ultimo álbum “he vivido tanto tiempo con las sombras. Señor, me convertí en una de ellas”. Su voz y su guitarra seguirán sonando, y estoy seguro que el tiempo ira respondiendo la pregunta y cada vez seamos un poco más los que no necesitemos preguntarnos ¿Quién es Jason Molina?

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Guía para principiantes:Primer disco para acercarse:

Magnolia Electri co. - Songs: Ohia

5 canciones para complementar: 1- The Dark Don’t Hide It – Magnolia Electric Co.

2- Lonesome Valley - Magnolia Electric Co.3- Hammer Down - Magnolia Electric Co.

4- Division Street Girl – Jason Molina5- Didn’t it rain – Songs: Ohia

Tan pronto como escuché el álbum “Lioness by Songs: Ohia”, Jason Molina se volvió una influencia en mi vida. Estaba en el medio de la composición de mi primer álbum con mi banda “Trespassers William”, debió ser el año 2000… Le envié una copia cuando lo terminamos a Jason, incluso. Fue uno de los primeros Emails que envié en mi vida, tratando de ubicarlo. Le envié un cd por correo y él contestó diciendo algunas cosas bellas sobre las letras. Años más tarde tuve la oportunidad de aprender y tocar en vivo algunas de sus canciones en un show tributo mientras estaba vivo… Elegí dos canciones del disco “Lioness”, que aún es mi favorito. Estábamos tratando de juntar dinero para ayudar a Jason cuando no estaba bien. Conocí a mi novio a raíz de ese show tributo. Nos apenó mucho saber de su muerte unos meses después. Extraño su música. Me hubiese gustado tener la chance de verlo en vivo. Me hubiese gustado que tuviera un poco más de felicidad en su vida. Su voz te rompía el corazón y puedes oír su influencia en mucha música de hoy.

Palabras de allegados a Jason

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Anna-Lynne Williams (Lotte Kestner, Trepassers Williams, Oemonde)

Para entender la importancia de Jason Molina para sus conteporáneos me he comunicado con dos personas allegadas a él, que ante la mención de Jason respondieron lo siguiente:

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Henry Owings (Amigo de Jason)

Lunes, 10 de la mañana. No es la hora en la que esperas recibir el llamado de un viejo amigo. Pero lamentablemente, estoy acostumbrada. Y muy. El sábado 16 de marzo del 2013 por la noche, Jason Molina, quien creó Songs: Ohia y Magnolia Electric Company murió luego de tener el cuerpo ahogado en alcohol por años. Era muy joven para morir y sus amigos y fans experimentaron una gran pérdida. Jason tenía 39 años. Conocí a Jason en los 90 cuando los músicos podían conseguir fechas por teléfono mientras estaban de gira. Jason tenía dificultades para conseguir una fecha en Atenas (yo vivía en Atlanta en ese momento) y yo le conseguí un show en un pequeño bar en College Ave. Era 1998. Después de eso, nos volvimos rápidamente amigos. Giraba por el sur constantemente quedándose en Chunklet HQ donde nos contábamos historias extrañas descostillándonos de risa. Jason era fenomenal en sí mismo, pero con el séquito que tuvo alrededor de Magnolia Electric Company, realmente brilló muchísimo. Quizás demasiado. Lo que muchos de nosotros no pudimos notar es que Magnolia encerraba un gran problema con la bebida. Ésta enfermedad, que le quitó la vida, controló a Jason en su última década.Lo que hizo a Jason tan querible fue su falta de ostentación. Pero así como escribió tan intensamente, así de tonto fue. Y quizá, sólo quizá, su música estaba aludiendo a la pelea que libraba internamente. Los demonios. Los fantasmas. El dolor. La enfermedad. Lo he entendido. Y desgraciadamente, lo entiendo bien. Alrededor de un año y medio antes, escribí una plegaria apasionada a los fans de Jason. La esposa de la cual estaba distanciado, y sus compañeros de banda podían direccionar a la gente para entender por lo que estaba pasando. Como amigo, y como fan, no quise quedarme sentado viendo mientras él se mataba. Por supuesto, aún con todos los amigos que nunca lo abandonaron, se fue un sábado por la noche en Indianápolis con nada más que un celular en su bolsillo. Mis sinceras condolencias a su familia cuando recibieron la noticia. Jason deja detrás suyo una envidiable obra que continuamente será redescubierta porque lo que Jason escribió no era una moda. Era su corazón. Su amor. Sus demonios. Y en última instancia, lo que terminó con su vida.

Esta es una historia que me encanta. Me encanta porque como en todo buen género musical que se respete el componente social es preponderante. Me encanta por que en su país de origen, solo fueron vistos como algo cool; pero al cruzar al otro lado del océano fueron convertidos en un inspirador objeto de culto, en contra de la corriente de todo prejuicio racial escribieron un capítulo importante en la historia de la música electrónica mundial. Soy consciente que los apreciados lectores de esta revista son poco asiduos al concepto de la música de baile electrónica que no esté emparentada con el EBM o el electro industrial; pero el Techno de Detroit es un género de alguna manera omnipresente en la cultura electrónica. Hoy escribiré sobre un colectivo que admiro

profundamente y que esta ad portas de cumplir 25 años de carrera, los guerreros interestelares de Underground resistance. Para abordar el tema hay que hacer un poco de historia, Detroit hoy en día declarada una ciudad en quiebra con poco más de 600.000 habitantes, en la segunda guerra mundial fue la encargada de suministrar la aviación y los vehículos de combate a las fuerzas aliadas. Posteriormente fue una pujante industria automovilística; pero los problemas raciales dejaron una fuerte huella en su identidad. En los 70 la población blanca fue migrando hacia los límites de la ciudad consolidando las zonas residenciales, en la parte central e industrial quedó la población afro americana, que eran solo suburbios y fábricas abandonadas. El

la conspiración musical interplanetaria

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Underground Resistance Por alejandro cenizacromada

sustento era el trabajo en las fábricas de autos y los niños veían como sus padres interactuaban con máquinas y robots. Es así como impactados con la literatura futurista de escritores como Alvin Toffler y la música que ponía un díscolo Dj conocido como Electrifyng Mojo, quien fusionaba en sus sets artistas europeos como Kraftwerk y The Human League, con íconos del funk futurista como George Clinton e incluso artistas más conocidos como Prince, terminan teniendo una visión. Armándose de cajas de ritmo, sintetizadores, e intercambiando su precario arsenal sónico tres personajes crearían un movimiento en el cual buscaban reflejar esa sensación de desasosiego de comunión entre el hombre y la máquina, buscando rescatar el lado humano. Juan Atkins empieza con “Cybotron” un proyecto formado con un ex veterano de la

guerra de Vietnam, después se marcha para formar “Model 500” donde desarrollaría una faceta polifacética y que marcaría historia. Kevin Saunderson quien era de New York; pero que había llegado a Detroit desde chico, tocaría el éxito influenciado por el house de Chicago con su proyecto “Inner city” con la cantante Paris Grey. Por último, pero no de últimas, está Derrick May (uno de mis héroes musicales) tuvo la osadía de como el mismo dijo, buscar la sofisticación en la música de baile con piezas hermosas como su clásico “Strings of life” ¿Techno jazz? No lo sé; pero con la enseñanza en estos tiempos dominados por el ordenador de la importancia del alma en las canciones por encima de la máquina aun a costa del error. De Derrick May recomiendo su compilación de 1998 “Innovator” es de escucha obligada para todo aquel que se precie amigo

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de las máquinas, pero trabajador incansable del corazón. Rythim is rythim, Mayday toda la antología de su obra está aquí. Nunca un grupo de loops, beats habían transmitido tanta alma desde una vista panorámica de una ciudad en ruinas.Paradójicamente para que ellos marcaran un camino a seguir en la música, en Estados Unidos no tuvieron la fuerza y la influencia que consiguieron en Europa. Para que los managers lograran en países como Inglaterra y Alemania elevarlos a artistas de culto tuvieron que lanzarlos como remezcladores de temas de grupos europeos, ¿la razón? A nadie le cabía en la cabeza que un artista negro pudiera realizar semejante música. Si lo miramos bien en el contexto actual y el vacío concepto de lo que hoy es el mainstream electrónico, los ídolos son los Djs blancos con rasgos cincelados y porte de modelo de revistas, mainstream basura, mainstream de mierda. Y volviendo al tema, a lo que vinimos, de esta primera generación de artistas, pasamos a los 90 y encontramos a tres personajes: “Mad” Mike Banks un tipo que considera que él es nada comparado con la grandeza de la música, definiéndose a sí mismo como “un indio de América que contempla las estrellas”, músico de

sesión de artistas como Parliament (la banda de George Clinton). Tenemos también a Jeff Mills un Dj amante de los beats furiosos y al señor Robert Hood, muy recomendada su obra como de “The Vision”. En un sótano el trio empieza a producir música interestelar de baile, bajo el pseudónimo de “Underground Resistance”, empiezan a prensar material de edición limitada, reclutando a la causa artistas no solo norteamericanos sino también centroamericanos como Dj Rolando alias “The mystic aztec” quien firmaría uno de los grandes temas del Techno de todos los tiempos “Knights of the jaguar”. La resistencia subterránea harta de lo mediático no colocan créditos de autores en muchos de los discos que prensan. Mad Mike Banks no da declaraciones a la prensa mostrando su rostro sino siempre lo hace encapuchado (aunque en los últimos años ha cedido a dejarse tomar fotos). Siempre en muchos de sus temas hacen alusión a movimientos radicales en la lucha por la comunidad afro como las panteras negras, caratulas crudas que reflejan la violencia y la desigualdad social. Jeff Mills abandona el proyecto al igual que Robert Hood, quedando para la posteridad la brillante trinidad formada en uno de tantos proyectos gestados en UR que fue X 101 (escuchar Sonic Destroyer). Mad

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Mike Banks desde entonces ha estado al frente del colectivo. Es difícil abordar su discografía y la cantidad de estilos que han adoptado: decenas de singles, tan solo 3 álbumes en más de 20 años de carrera, creando una solida reputación, en esa búsqueda de que la música sea una de las manifestaciones sublimes del ser humano. UR convoca a los niños alrededor de los sintetizadores para que se alejen de la violencia y aprendan a tocar algún instrumento. El colectivo dentro de su variado trabajo parte de un sonido techno bastante alucinado, loops inquietantes, beats furiosos como en el caso del single Seawolf (1992). Otro de sus EP más celebrados es “The final frontier” (1991), uno de los discos que más refleja esa fascinación por el espacio exterior con un sonido bastante ácido y espacial que te conecta con las estrellas, incluso recomendado por el gran Derrick May entre sus discos de antología del Techno de Detroit. Un álbum importante es la compilación “Interestellar Fugitives” (1998) que trae entre

sus artistas a los atlantes afroamericanos ya desaparecidos “Drexciya” y al imprescindible “Suburban Knight” que ha escrito grandes clásicos de la música electrónica como “Big Fun (Inner city)”. Gradualmente el colectivo ha incorporado elementos del funk y del jazz dando como resultado super grupos como “Galaxy 2 Galaxy” (2005) donde un combo de virtuosos músicos y artistas electrónicos dejan bien claro quién es quién en la cultura del beat y el loop. Una vuelta a los instrumentos tocados en tiempo real, liderados por un gran “Mad” Mike Banks, en una época en que la música futurista ha perdido en lo comercial su esencia en las manos de pseudoartistas mediocres. “World 2 World” (1992) con la bellísima pieza de house interplanetario “Jupiter Jazz”. Otro E.P que desde mi punto de ver plasma esa energía cósmica es “Electronic Warfare” (1995) sobre todo por la canción “Illuminator”. Homenajes a lo que debería ser como “Ganas” (2012)” un tema con aire latino y que rescata el valor de

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los educadores hecho por el centroamericano Nomádico o Dj Dex. “High tech dreams “un tema que adoro y que me remite a una metrópolis futurista llena de samplers oníricos. Esto es tan solo un pequeño puñado de temas y discos con respecto todo lo que hay para escuchar de UR.Vale la pena mencionar también que parte de los miembros de Underground Resistance han colaborado como músicos en vivo del proyecto del padrino del Techno Juan Atkins y su Model 500. Girando alrededor del mundo con “Mad” Mike en los sintes y personajes como Dj Skurge disparando samplers y loops. Esta es una gran historia inconclusa donde nuevos guerreros

toman la bandera de la honestidad y luchan por causas nobles. Desde el cuartel general de Submerge Records en un sótano, en un terreno baldío en Detroit se teje una conspiración entre el cosmos y la música.

¡¡¡Larga vida a Underground Resistance!!!...

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En el panorama de la Web uno llega a encontrase con bandas nuevas o no tanto que aún están escondidas esperando que uno llegue a descubrirlas. En The 13th solemos hacer este tipo de búsquedas con las agrupaciones de habla hispana o con base en Latinoamérica. Pero en The 13th queríamos empezar a salir un poco más de los límites del idioma español y buscar, en otras lenguas, nuevos u ocultos artistas que tengan algo que decirnos. Esta vez buceando en grupos de Facebook y dando vueltas por otros sitios, me fui cruzando con dos bandas que me habían llamado la atención, primero fue como apariciones de fotos de perfil, publicaciones en YouTube empezaron a aparecerme como sugerencias, hasta que decidí ver de qué se

trataba (será que el espíritu de búsqueda adquirido y practicado desde los años ochenta hasta la actualidad nunca cesa de seguir patrones desconocidos en busca de algo diferente). Esa búsqueda me llevó a descubrir que los dos proyectos que me llamaban la atención compartían algunos integrantes. Así que decidí conectarme con uno de sus integrantes, pero no pudimos arreglar para una entrevista, para este número, tal vez más adelante la hagamos. Pero este contacto me inspiró a armar esta presentación de estos dos proyectos, que tienen en sus inicios tres países Canadá, Ucrania y Rusia, con ustedes: Ummagma y Sounds of Sputnik.

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Un Dúo, Dos BandasUmmagma y Sounds of Sputnik Por Diego Centurión

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Ummagma (con sueños Floydianos)

Shauna McLarnon nacida en Whitehorse, York (Canadá) y Alexx Kretov nacido en Kremenets (Ucrania Occidental) son los personajes principales de esta historia. Para empezar desde el principio de este dúo tenemos que remontarnos al 2003. En un concierto acústico de unos amigos de McLarnon se conoce ella con Alexx y más allá de un entendimiento musical nace una relación amorosa que aún hoy continúa. Podemos pensar en muchas relaciones de este tipo, para empezar tenemos dos muy conocidas, Brendan Perry y Lisa Gerrard o Robin Guthrie y Elizabeth Fraser. Pero volvamos a nuestra historia, En ese momento, en esa noche acústica se puede decir que nace Ummagma. El nombre está basado en el cuarto

álbum de Pink Floyd, Ummagumma. ¿Y qué es Ummagma? Básicamente un dreampop con alta dosis de shoegaze, y un interesante contenido electrónico. Voces etéreas, sólidas bases, y guitarras soñadoras, simplemente un producto encantador. El 12 de julio del 2012 editan dos álbumes en simultáneo “Ummagma” y “Antigravity”, el homónimo está dedicado (según ellos), a la riqueza de colores del mundo y al mar dentro de nosotros (reitero según ellos), mientras que “anti gravedad”, está dedicado al tiempo, espacio y a todo lo que hace que la realidad sea más ligera. Pero más allá de lo que expresen ellos, Antigravity”, musicalmente es una combinación de dreampop y shoegaze, con elementos de

electrónica. Con canciones que nos traen a la mente sonidos dreampop electrónico de Lamb, muchas sonoridades de los Cocteau Twins, y pasajes que nos llenan de belleza y calidez sonora. En cambio “Ummagma” es un álbum de canciones netamente más rockeras, con algunos momentos más pop, pero con un marcado acento guitarrístico en todas sus canciones, a veces más orientado al rock y otras pocas veces a las guitarras acústicas.

Luego de recibir menciones y premios, la banda se dedicó a editar simples y algún que otro Split. Y en el 2014 editan dos discos de remixes primero “Lama” en mayo y “Kiev” en octubre.

Este grupo es un proyecto de Roman Kalitkin. Con base en Rostov-on-Don, Rusia. Creado en el 2013, en el pasado 2014 editó su primer álbum llamado “New Born”, en donde participan activamente los

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Sounds of Sputnik (Con sabor a Rusia)

integrantes de Ummagma. El álbum consta de trece canciones, de las cuales seis son originales y el resto son remixes. La dulce voz de Shauna en la canción “New Born”, es simplemente celestial. En “Light Scheme” la presencia de las delicadas armonías de voces entre Alexx y Shauna crean un clima de distención fabuloso, que trae a la mente lo mejor de Lush. “Blizzard” es un hermoso y ambiental paisaje instrumental, al igual que “Shades of the Cosmos”, que marcan un momento introspectivo y delicioso en el álbum. “Overdrive” es sonoramente más shoegaze, con dosis de elevada ductilidad en la voz de Shauna y con la presencia en la batería del Swervedriver, Graham Bonnar. Y luego llegan los remixes de

“New Born” y “Light Scheme”. El trabajo de Roman Kalitkin es simplemente genial y valioso. Y nos hace esperar más de este proyecto.

Entonces en Revista The 13th les dejamos todos los motivos y lugares para que conozcan a estas dos bandas, Ummagma y Sounds of Sputnik.

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Queda en ustedes echar una mirada y una oída a estos sonidos.

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Ummagma:http://ummagma.com/

Facebook: https://www.facebook.com/ummagmaTwitter: @Ummagma

Bandcamp: https://ummagma.bandcamp.com/

Sounds of Sputnik:Facebook: https://www.facebook.com/SoundsofSputnik

Twitter: @SOSputnikBandcamp: https://soundsofsputnik.bandcamp.com/

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Nunca planeamos ser instrumentalesEntrevista a La Gran Pérdida de Energía por Diego Centurión.

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Banda casi instrumental oriunda de Argentina, pero con base en el sur del país, Villa La Angostura. Aunque han residido en La Plata y en Buenos Aires. Armados de dos Eps y un álbum, están recorriendo silenciosamente el país desparramando su energía instrumental, con algún apoyo de voz. Por momento post rock, por momento post punk, en algunos shoegaze y en otros noise. Emparentarlos con otras bandas es difícil porque se pueden escuchar influencias por muchos lados pero no muy definidas y bien ocultas. Axel Inda, Salvador Barcellandi, José

Delgado e Ignacio Cordoba le dan vida a una banda, que bajo el ala de Fuego Amigos Discos, hoy presentamos en Revista The 13th. Miéntras se encuentran en medio de una gira por la Patagonia (región del sur de Argentina),se detuvieron y nos respondieron unas preguntas. Así que dejemos que ellos mismos, nos hablen de “La Gran Pérdida de Energía”.

La primera pregunta es inevitable, ¿Por qué la Gran Perdida de Energía?Nace de la frase “La Gran Pérdida de Energía en el mundo”, pero era demasiado largo.

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Realmente ¿De dónde provienen geográficamente?La banda nace en una escuela secundaria de Villa La Angostura y después continua en Capital Federal y La Plata.

¿Quiénes los influencian? Y ¿qué sonoridades han incorporado en estos últimos años, más allá de la búsqueda de un sonido propio e identificatorio?Nos influencian las bandas del momento y Limbo Junior.

Si no me equivoco ya entran en el Octavo año de vida, digamos aún en la infancia, ¿Cómo fue la idea de armar la banda y que sea casi instrumental?Si, ya entramos en el octavo año de vida y con muchos proyectos por delante. Nunca planeamos ser instrumentales, quizás nos entretuvimos más tratando de entender los sonidos que íbamos descubriendo para lograr nuestras canciones.

“Volvemos en diez años fue su primer EP, lanzado en su primer año de vida. La canción que le da nombre a la producción, fue como tomárselo en serio, casi se cumple (Broma). ¿De ese primitivo sonido que mantienen aún?El EP “Volvemos en diez años” fue nuestro primer trabajo, si bien fue un tanto precaria la manera en la que lo producimos, lo entendemos y creemos que nos ayudó a evolucionar.

Después, casi como una profecía, el proyecto parece desaparecer. ¿Qué es lo que sucedió? y ¿Qué hicieron en ese tiempo sin “La Gran Perdida de Energía”?Desaparecimos un montón de veces. Lo que sucedió fue que laburamos mucho y estudiamos cosas que no tenían nada que ver con la música en lugares distintos del país y eso nos desunió como banda pero no como amigos.

Se reencuentran en Buenos Aires y vuelven a rearmar la banda. ¿Cómo se produce ese reencuentro?Después de idas y vueltas nos reencontramos en La Plata, se suma Axel y Nacho con la idea de trabajar en nuestro siguiente disco.

¿Cuánto tiempo pasa hasta que graban su primer álbum “La Gran Pérdida de Energía”?Pasaron cuatro años y un montón de cosas.

El cambio sonoro es notorio. Se vuelven más etéreos, más ambientales, con algunos paisajes de soundscapes. Sacando la última canción.¿Cómo se sienten trabajando con un sello independiente?Trabajar con “Fuego Amigo Discos” nos hace sentir tranquilos porque nos ayudan en muchos aspectos, como la edición física de material, presentaciones en vivo, difusión, entre otros trabajos.

Llegamos al 2014 y editan un nuevo EP, “El otro Continente”, en donde se deciden más hacia lo ambiental, pero con mucho más ritmo, yo diría por momentos más cercano al post punk de la Sobrecarga. Y aparecen voces de nuevo. ¿Sienten que el sonido se ajustó mucho más? Si bien es un EP en vivo, las canciones tienen otra profundidad compositiva.Si sentimos que el sonido se ajustó mucho más, porque tres de las canciones son reversiones de nuestro disco homónimo que hemos explotado por demás durante estos últimos años. La primera canción de “El otro continente” es la única nueva y marcará el camino de lo que se viene.

Su último trabajo lo han editado en cassette, es algo que se está poniendo de moda, ¿Por qué el cassette?Porque queríamos tener un cassette editado, todos teníamos casetera y vimos que estaba accesible

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Gira Patagónica, cubriremos “El Primer Color - 1º Festival de Música Emergente S M Andes”. Más allá de esta gira ¿qué planes tienen para este 2015?Estamos muy contentos de tocar en “El Primer Color - 1º Festival de Música Emergente S M Andes”, y valoramos la manera en la que se está gestionando. Tenemos varios planes para este 2015, entre ellos, seguir tocando, grabar un nuevo disco y editar más material audiovisual.

¿Cómo se sienten trabajando con un sello

independiente?Trabajar con “Fuego Amigo Discos” nos hace sentir tranquilos porque nos ayudan en muchos aspectos, como la edición física de material, presentaciones en vivo, difusión, entre otros trabajos.

Accesos a la banda:http://www.lagranperdidadeenergia.com/http://lagranperdidadeenergia.bandcamp.com/

https://www.facebook.com/lagranperdida/timeline

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Cuando la banda Nosferatu definía su camino y antes de registrar su primer trabajo discográfico, ingresa Louis DeWray como vocalista, desde ese primer paso fundamental para la banda, los nombres en ese puesto fueron cambiando. Pero en 1993 abandona la banda. En el 2000 aparece nuevamente en la edición en vivo de “Reflections Through A Darker Glass”, una compilación en directo de los años 1991-1999. Pero su regreso definitivo se realiza en el 2005 cuando editan el single “Somebody Put Something In My Drink” en Junio del 2005. Y luego de algunos compilados y simple editan el gran disco “Wonderland” en el 2011. Hoy tenemos el agrado de poder entrevista a Louis, quien nos ha comentado

que están grabando nuevo álbum, de eso también hablaremos.Hola Louis, antes de empezar con la entrevista quiero agradecerte por permitirnos tener este contacto contigo. Sabemos que la banda está inmersa en el nuevo álbum y que te tomes el tiempo para respondernos es para agradecer.

¿Qué recuerdos tienes de aquellos primeros años de Nosferatu, los años de “Vampires Cry” y de “Rise”?Mayormente horas en la ruta, sentado en la parte trasera de nuestro coche fúnebre itinerante por toda Inglaterra. Era un poco estrecho de mente en esos días, y me escondía de un montón de gente que pude haber conocido. Quizá lo esté viendo en

Estamos en la calma anterior a la tormenta Entrevista a Louis DeWray por Diego CenturiónTraducción: Marcelo Simonetti.

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retrospectiva, pero recuerdo una atmósfera muy particular en esos días, como un sueño, como el pasado suele parecer.

¿Cómo era ese momento, en donde surgían las nuevas bandas góticas, las que fueron denominadas como de la segunda ola?No fui a muchos conciertos chicos en ese entonces, así que la mayoría de las bandas que vi fueron aquellos que tocaron con nosotros. Cuando recién entré a la banda, Vlad y Damien me llevaron a ver a Rosetta Stone, y eran algo así como “ésta es la competencia”. Pensé que era geniales, la verdad. Tengo un casete de una banda llamada The Witching Hour en la cocina que me puse a escuchar el otro día. Me

gusta la simplicidad. Me gustaba Ancestry, aunque siempre fueron un poco jodidos con nosotros. ¡Había mucho puterío! Siempre pensé que es importante no escuchar demasiadas otras bandas de la misma escena en la que estás, porque una empieza a influenciar a la otra, lo cual es sofocante.

¿Qué has hecho cuando abandonaste la banda?Toqué en un par de otras bandas, Fashionable Living Death, y Ditzy Micro. Fashionable Living Death era una apasionante banda punk, y ciertamente la banda más divertida en la que uno puede estar, me imagino.

¿Cómo se produjo el regreso a la banda?

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Damien empezó a telefonearme, tratando de enroscarme con promesas de fama y fortuna. Supongo que caí en la trampa.

“Somebody Put Something In My Drink” fue la primera grabación luego de varios años de ausencia en la banda. ¿Qué cambios notaste en Nosferatu después de tantos años?Nadie pudo recordar cómo escribir una canción decente, jaja, pero enseguida lo resolvimos. Damien todavía tiene los mismos cables rosas de la guitarra y el mismo equipo del comienzo, así que fue todo muy familiar. Lo más excitante fue que pudimos tocar fuera de Inglaterra, algo que no pude hacer la primera vez. Siempre me han fascinado nuestros fans del extranjero. Me hace muy feliz poder escribir canciones y conectarme con gente de todo el mundo.

Casi diez años de ese single, hubo poca actividad discográfica, recién en el 2011, Wonderland. ¿Por qué no han dado a conocer el nuevo material durante tantos años?No hay apuro. Creo que la gente se puede aburrir de nosotros si sacamos un disco nuevo cada seis meses. Me gusta estar seguro de que cada álbum es mejor que el último, de otra manera ¿cuál sería el punto?

Wonderland, el gran álbum de Nosferatu para mí. En cierta forma ¿Para ti, fue un renacer dentro de la banda? Y el sonido de la banda es muy maduro y exquisito. Estamos muy orgullosos de él. He aprendido muchas cosas, técnica y creativamente desde que hicimos Rise,

así que Wonderland fue la culminación de esos años. Tomó un tiempo después de la reunión para sentirnos Nosferatu otra vez, y tener un line-up estable. También tomó un tiempo para ver como sonábamos después de tantos años separados, y ¡a mí también me costó decidirme por un corte de pelo!

Ahora, hay en proceso un nuevo álbum. ¿En qué estado se encuentra?Encontramos un estudio fascinante en París para trabajar. En vez de grabar las canciones mientras las escribimos como en Wonderland, ésta vez primero escribimos todo y lo ensayamos, así que básicamente grabamos en vivo. Cuando tengamos en el estudio el panorama completo no nos va a tomar más de 14 días, así que estamos en la calma anterior a la tormenta supongo.

¿Cuándo piensan editarlo?Si todo sale bien, saldrá antes de fin de año.

¿Cómo ves la escena Gótica hoy en día?No estoy seguro de si alguien sabe que es la escena gótica realmente. Hay un montón de gente que piensa que sabe, pero siempre pensé que lo importante era que las bandas sean espontáneas y originales, atrevidas, que indaguen más profundo, de otro modo es como un guetto musical y creativo. Alguien una vez me dijo: “la música gótica es una fuente”, lo cual inspiró el primer verso de “Horror Holiday”. Es un poco una sentencia dura, pero a veces me pregunto si no tiene razón.

Para Nosferatu ¿Qué importancia tienen

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las Redes Sociales?Nos ayudó a conectarnos con muchos fans, que de otro modo, nunca podrían haber escuchado de la existencia de Nosferatu y supongo que a estos días ya no podemos calcular cuántos son... Igual todavía me gusta escribir y recibir cartas. Creo que es difícil para los artistas conservar el halo de misterio cuando la gente espera ver fotos de lo que pediste para cenar. Cuando sea que posteo lo que realmente pienso, ¡la gente cree que estoy loca!

¿Se te ha ocurrido realizar un Tour por Latinoamérica con Nosferatu?

¡Ciertamente! ¡Nos encantaría tocar allí! Sabemos que tenemos muchos fans en el sur, así que esperamos poder llegar allí pronto.

¿Qué Planes tienen para este 2015?Tenemos algunas fechas europeas para mediados del 2015, las cuales me hacen ilusionar realmente. Más allá de eso, me estoy recluyendo a escribir canciones, y perfeccionando un recipiente para ¡la torta perfecta!

Muchas Gracias Louis por tu tiempo.¡El placer es mío!

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PALABRAS EN LA ARENA-LITERATURA-

El sueño de ser escritor: “Martin Eden”, de Jack London Por Pablo Ravale

Martin Eden es un libro apabullante, es un viaje

catártico desde el fango de la ignorancia humana hasta

la cumbre de la sublimidad. Más el medio de transporte

de ese viaje es la palabra impresa, la leída, la soñada.

Analizándolo ahora en el tiempo, considero que todo

aquel que guste de la lectura, y, desde luego, todo escritor que

esté empezando su oficio, debería zambullirse en las páginas

de esta impresionante historia. Pues, en lo personal, Martin

Eden no sólo es que me ha conmovido, sino también me ha

identificado. Más que nada por el hecho de las inquietudes

que puede sentir alguien que escribe y que ansia publicar.

Que yo recuerde, fue en muy pocos libros que me he

visto tan reflejado como en este. London nos desborda con

un compendio de sabiduría que, cual manantial, brota y

brota hasta cubrirnos por completo. Toda la obra es un canto

por mejorar, por aprender, por superarse. No obstante, el

punto de partida no puede ser más desolador: la ignorancia

acunada en la pobreza, enquistada en ella. Es ahí, donde un

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marinero hasta entonces embrutecido (Martin), un día,

hechizado por una mujer de clase alta de la que se enamora,

percibe que “hay algo más”, que algo fluctúa en la realidad

que lo rodea, dotándola de hermosura. Esa hermosura se

encuentra en los libros, apresada sin saber cómo ni de qué

forma. Sorprendido por la existencia de esa belleza, la fija

como meta para triunfar, asegurando con ello el amor de

dicha mujer. Pasa de ser un marinero a un buscador de la

belleza, una belleza que ansía expresar en voz alta, pero que

se le escapa, se le escabulle entre las manos porque carece

de las herramientas con la que lograr dominarla. Y, es tan

grande ese sentimiento, tan puro, y él es tan obstinado, tan

perseverante, tan acostumbrado a tener que conseguir lo que

quiere a través del esfuerzo, que no se detiene hasta alcanzarlo.

La lucha del personaje por dar con su tan anhelada

belleza literaria es narrada con todos los intentos fallidos y

las trabas que puedan conocerse. Arranca con la ingenuidad

del artista incipiente, pobre, relativamente esperanzado, que

al sentirse seguro de sí mismo se relame con el sueño de las

futuras venideras fortunas ganadas gracias a las letras. Más

es allí donde el destino lo vapulea de forma constante y sin

concesiones por medio de los anónimos y despóticos rechazos.

Sin embargo, por el camino, cual flor a la que se le van

cayendo los pétalos, Martin va perdiéndolo todo (familia,

amigos, amantes) y se encuentra cara a cara con la soledad

más absoluta del artista. El artista que pasa hambre, que

no duerme, que no vive por poder escribir. Nadie cree en

él, y sólo él tiene fe en sí mismo. Por ende, y como dije al

principio, Martin Eden es un libro apabullante, porque

como tal, es fiel a sí mismo. En tanto, ese es único “pero”

que se le puede poner a la historia, y no porque no sea real u

honesta, sino porque el mensaje desolador que le deja a quien

escribe. Un rasgo, desde ya, profundamente autobiográfico

en London. De hecho, hay quienes afirman que las siglas

del título del libro (ME, palabra que en inglés significa “yo)

es una alusión directa a sí mismo, puesto que, al igual que

en el final de la narración, el autor terminó por suicidarse.

De todos modos, y, a pesar de ello, Martin Eden es

una obra de un profundo enaltecimiento de la supervivencia

del más apto en la lucha de vivir. Es una oda a la vida, al

poder de la voluntad, a la disciplina y, por sobre todo,

al orgullo. Háganse un favor, y vayan a buscarla…

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Para ser sincero, no sabía muy bien con que me iba a encontrar al momento de zambullirme en esta obra. Desconocía por completo el estilo del autor. Aún así, Damián, conforme a que yo avanzaba en la lectura de sus relatos, fue de a poco acaparando más y más mi interés, amén de hacerse el primer lugar entre la pila de tres o cuatro libros que siempre suelo

tener sobre la superficie de mi mesa de luz. Ahora bien, si alguien me pidiese que tratara de definir en una sola palabra la impresión que me dejó este Alguien iba a tener que limpiar todo eso (segundo trabajo literario de Snitifker), utilizaría “desconcierto”. Pero no un desconcierto de estupor, sino más bien el de estar a poquitos pasos de descubrir un misterio que no sé si todos podrían

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Cuando la realidad se sirve del absurdo“Alguien iba a tener que limpiar todo eso”, de Damián Snitifker por Pablo Ravale

aguantárselo. Pues precisamente ahí es donde considero que reside el talento de Damián, en lograr inyectarte una dosis de tensión que de a momentos se vuelve realmente perturbadora. De todos modos, y hasta por paradójico que suene, lo particular es que esa tensión, producto de esa extrañeza, él la extrae a través de su lente minucioso de las situaciones más cotidianas y normales del mundo. Lo cual, convengamos, es doblemente desconcertante. Para empezar, entonces, tenemos al humorístico y hasta dramático “El malvón”, relato magistralmente narrado que cuenta las peripecias de un individuo que cree tener alojado al espíritu de su padre muerto dentro en una planta que crece en el fondo de su casa. Seguidito nomás llega “Pensé que te había pasado algo”, una de las historias más logradas e intrigantes de las ocho que conforman el libro. Luego, “Un regalo para el Tano”, con el cual Snitifker nos vuelve a deleitar con su humor irónico y sus anécdotas de barrio. Después de “Un regalo para…”, nos metemos de nuevo en la intriga y la tensión de la mano de “El plan”, una suerte de pequeña fábula que nos cuenta nada más y nada menos que la historia de un hombre que vende su alma al Diablo por amor a una mujer. Al texto que titula la obra, es decir, a “Alguien iba a tener que limpiar todo eso”, más que un

relato yo lo siento toda una declaración de principios por parte de Damián. En “¿Quién mierda me nada?”, sin embargo, esta vez, sí, el autor retoma esa tensión subyacente para nunca dejarnos respirar… el mejor del libro, lejos. Entrando ya en la recta final, está “Memorias de hospital”, cuentito emotivo si los hay, por ese aura tan cargada de replanteos existenciales. Más tarde, y como cereza del postre, nos topamos con “La pinza y el Pigmeo”, crónica de las rabietas que se agarra un sujeto por prestarle a un vecino una pinza, la cual, obviamente, nunca le devuelve. Otro drama plagado de absurdo, pero, a la vez, súper divertido y refrescante. Acertada elección de Snitifker para cerrar un libro que es justamente lo contrario a los que hoy se leen y se escriben. En definitiva, que todavía queda gente con talento y que en verdad puede que haya esperanza en el territorio de la literatura argentina, el día de mañana, eso sí es algo que la lectura de este libro me ha dejado a modo de impresión. Aún así, y siendo Damián por el momento tan sólo una promesa, no tenemos nosotros, los lectores, más que salir a buscar entonces su obra y permitir que ésta nos encuentre, si es que no también que nos transforme.

Bien por vos, Damián.

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En Concierto

Acontecido durante los días del 23 y 24 de enero El Festival “El Primer Color” celebró en San Martin de los Andes, en el sur de la Argentina; un pueblo de 40.000 habitantes rodeado de montañas y bosques, su primera edición, una elección no casual pensando en que la escena actual musical independiente de Argentina se nutre cada vez mas de artistas que, residentes o no en Buenos Aires, no se limitan a la promulgación de un “folcklore” platense o porteño,

Primer Festival “El Primer Color”Festival “El Primer Color” en san martín de los andes - Neuquén (Argentina)

23 y 24 de enero 2015 por valentín prieto y Julieta Nogara. Fotografías: Inzendies

sino que consolidaron su imaginario en sus ciudades y provincias de origen. En tal caso el paisaje resultó ideal y acogedor para escuchar algunas de estas propuestas, y el impulso del festival motivó un circuito interno patagónico que logró el tránsito de músicos, público y gestores de todas partes del país en este verano 2015.

Día 1 Más centrado en la herencia autogestiva de Discos Laptra, el primer día albergó a algunas bandas que claramente se presentan como punta para una posible renovación generacional en la impronta del indie rock local. Tal fue el caso del combo langosturense (Villa La Angostura) de Limbo Junior - La Gran Pérdida de Energía (aunque en el caso de los últimos ya llevan una vasta trayectoria en el post-rock platense). A los primeros les tocó cerrar cerca de las 2 de la mañana la primera jornada de El Primer Color, y salieron a escena con una energía jovial envidiable para la hora a base de sus pequeños himnos juveniles como “La Gran Sonrisa”. Las canciones de los Limbo Junior aún promueven un poco el imaginario “laptriano” que caracterizó al indie platense de los últimos años, pero le suman una gran irreverencia a la hora de ejecutar sus instrumentos: los muchachos tocan y no le temen a sonar virtuosos, un conflicto que parece haber un poco condenado a la generación anterior. Los que definitivamente no le tienen miedo a nada son los muchachos de Nunca Fui a Un Parque de Diversiones: con la aún sorprendente cálida noche sanmartinense recién caída, los barilochenses no dudaron en poner a bailar a niños desaforados y madres curiosas por igual con su genialmente impune

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cruza entre Animal Collective y Eduardo Mateo.

Limbo Junior

La Gran Pérdida de Energía

Nunca Fui a Un Parque de Diversiones

Bosques

Anteriormente, y aún con los últimos rayos de sol cayendo sobre el valle, unos muy inspirados Bosques sacaron a relucir sus mantras de Space Rock, lo que resultó una banda de sonido perfecta para el ocaso de la tarde. Y cuando el sol aún pegaba fuerte en los curiosos y diversos espectadores congregados en Plaza San Martín, los tucumanos de La Vida en Familia demostraron que ese folk de vanguardia

que convirtió a Diosque en una estrella de la blogosfera, lejos aún de perecer aún promete buenos y nuevos capítulos. Folk, Indie, post-rock y géneros afines fueron la línea conductora del primer día de este prometedor festival: un caso bastante único de movilización entre una ciudad mágica y una población curiosa. Tanto bandas como público se marcharon agradecidos. Este tipo de manifestaciones de engranaje comunitario siguen demostrando que en los máximos márgenes de la industria es donde la música recapitula ese impulso primero, el Primer Color.

La Vida en Familia

Elefante

Día DosCon un line-up mayoritariamente localista, el segundo día de El Primer Color parece haber servido más para consolidar a los jóvenes artistas de San Martín de los Andes ante su público. En consecuencia la plaza se llenó de un tinte más familiar y festivo. La decisión de los organizadores de ubicar a Fémina como banda de cierre fue definitivamente acertada. No hacerlo hubiese significado un despropósito, dado que de ellas parece desprenderse esta interesante camada de artistas locales, mayoritariamente femeninas y de arriesgadas propuestas. El neofolk de tintes andinos de Weste sonó de maravillas y en continuidad con el carisma de las cantantes de Shona y su muy atractiva puesta en escena la tarde del sábado en San Martín de los Andes se llenó de psicodélica andina de sintetizadores. Entrada ya la noche le llegó el turno al cantautor de Buenos Aires, Juan Manuel López Manfré, quien acompañado sólo de algunos samples y efectivas programaciones repasó con gracia y solvencia las canciones de

su banda Superfluo. El comienzo del súper clásico de verano Boca River atemorizó a los organizadores con una deserción masiva del público de la plaza, pero el gigante carisma del número fuerte del festival Cristóbal Briceño, llenó de magia la joven noche. Al líder de la banda chilena de culto “Ases Falsos” se lo vio algo nervioso ante su debut absoluto en tierras argentinas, pero a fuerza de sus canciones en sorpresivo formato de power trío se sobrepuso a las interrupciones permanentes de un simpático borrachín local y a un sonido no tan amable. Con gemas como “Misterios del Perú”, de los Ases Falsos y “Libres”, de la más aún de culto “Los Mil Jinetes”, logró enfervorizar al puñado de jóvenes que lo considera un héroe de la canción latinoamericana. El resto del repertorio se basó principalmente en las canciones de su único disco solista “Deja un rato piola”, editado paradójicamente en Argentina durante el año pasado y un emotivo cierre con una interpretación de “Madre, escúchame”, el inexpugnable clásico del grupo Los Gatos.

Mi Amigo Invisible Mi Amigo Invisible

Acá Hay Truenos Acá Hay Truenos

El Primer Color resultó un broche de oro para una región que vio como una importante cantidad de artistas de gran presente se acercaron a la magia del Lago Lacar, y la comunidad lo tomó como algo propio y único.

Entusiasmo, euforia y un festival con un futuro prometedor para intentar consolidar lo que se vislumbra convertirá San Martín de los Andes en una nueva y fértil sede de la vanguardia musical argentina.

Marcos Díaz (Bosques)

Juan Artero (Limbo Junior)

Antuantu (Nunca Fui a Un Parque de Diversiones)

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Pura Melomanía

hay discos que cumplen años en este mes de enero, a continuación algunos de ellos.

White zombieThe Zombies - “Begin Here” o “The Zombies” (1965) por José Luis Lemos

Zombi: (Voz, de or. africano occid.). 1. m. Persona que se supone muerta y que ha sido reanimada por arte de brujería, con el fin de dominar su voluntad. 2. adj. Atontado, que se comporta como un autómata

El nombre de esta banda puede sonar inapropiado luego de escuchar los 14 tracks de su primer álbum, “Begin Here” (12 en su versión americana, llamada simplemente

“The Zombies”), y parecería más adecuado para una de esas bandas garageras pre-punk de mediados de los 60. Sin embargo, a Paul Arnold, primer bajista de la banda cuyo aporte más notorio fue darle su nombre ya que ni siquiera pisó el estudio de grabación, el tiempo le terminó dando la razón. Pero vayamos por partes. En 1962 el merseybeat estaba en pleno auge. Además de compartir su cercanía a Liverpool, las bandas también abrevaban en

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un estilo musical que consistía, generalmente, en hacer covers de rythm n’ blues con una sensibilidad pop más afín al doo woop. Bajo la sombra de los Beatles nacieron infinidad de grupos, algunos con más suerte, como los Hollies, y otros igual de talentosos pero menos afortunados…como los Zombies. Como tantos otros grupos de la época, la banda liderada por Rod Argent se especializaba en lanzar un single tras otro con una velocidad apabullante y sin intenciones de convertirlos en un álbum larga duración. Los productores no habrán pensado lo mismo cuando se editó “She´s not there”, el hit absoluto de los Zombies. Este clásico de los 60s no se contentaba con sus melodías beat e incorporaba ritmos más jazzeros, afianzados por el piano eléctrico de Argent y la voz taciturna de Colin Blunstone. Esta faceta, absolutamente original para la época, contrastaba con otra más tradicional, aunque no por ello menos disfrutable, que se manifestaba cuando los Zombies homenajeaban a sus raíces musicales haciendo interpretaciones de artistas como Bo Diddley, Sam Cooke y Solomon Burke. Esa pulseada entre tradición e innovación recorre los 14 temas del primer Long Play (LP) de los Zombies, que como muchos de la época carece de una unidad sonora muy definida, hecho que cambiaría radicalmente meses después con la edición del “Rubber Soul” de los Beatles. Begin Here abre con “Roadrunner”, cover del tema de Bo Diddley cuya potencia los acerca más a los Who circa 65 (quienes, por cierto, también lo interpretaban en vivo) que a The Originator. Sin ningún indicio previo, uno podría suponer aquí que está ante una banda más al estilo The Animals, pero inmediatamente después arremeten con otro cover, esta vez del “Summertime” de

George Gershwin. El jazz estilo New Orleans de la versión original muta en una melodía cuya atmósfera podría haber encajado tranquilamente en el “Something Else” de los Kinks, y donde la intimista voz de Colin Blunstone se presenta ante el oyente de la mejor forma. Habrá que esperar al track 3 para escuchar una composición original, la pegadiza “I Can´t Make Up My Mind”, que representa el costado más merseybeat de la banda. Estas tres primeras canciones son un resumen perfecto de las aguas por las que se moverán Argent y compañía en el resto del disco: por un lado los covers, representados por versiones de “You Really Got A Hold On Me” (más influenciada por los Beatles que por Smokey Robinson, y enganchada con “Bring It On Home” de Sam Cooke), “Can´t Nobody Love You” y “Sticks and Stones”, y por el otro las composiciones propias, que a su vez se dividen en las melodías mersey interpretadas por Rod Argent (“Woman”, “What More Can I Do”) y en las baladas susurradas por Colin Blunstone, entre las que se destacan “I Remember When I Love Her” y esa hermosa semi-canción de cuna que es “The Way I Feel Inside”, con Blunstone solo acompañado por un tímido órgano apenas audible. El disco cierra con un cover de “I Got My Mojo Working”, que no da ni el menor indicio de lo que será el próximo disco de los Zombies, que recién verá la luz tres años después. “Begin Here” fue editado en diciembre de 1964, y un mes después fue editado en Estados Unidos a caballito del éxito de “She´s Not There” con el título cambiado y el listado de canciones modificado. “Roadrunner” desaparece y, en cambio, el disco comienza con “She’s Not There”. Igual suerte corren “I Can´t Make Up My Mind”, “The Way I Feel Inside”, “Sticks and Stones” y “I Remember When I Love Her”. Para compensar tal falta

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de respeto, se suman la intrascendente “It’s Alright With Me” pero también las geniales “Tell Her No” y “Sometimes”, insignes representantes de la British Invasión que estaba llegando a America. Mientras tanto, en el Reino Unido, las cosas eran muy diferentes. Tras el éxito de “She´s Not There”, sus singles no lograban entrar en los charts de su país de origen. Mientras los demás grupos del estilo merseybeat intentaban arañar los rankings volcándose al folk dylaniano o al music hall, los zombies seguían fieles a su estilo mientras el público inglés les daba la espalda. Muchos de sus singles posteriores a “Begin Here” estaban destinados a formar parte de un segundo disco, intención que no pudo realizarse por las flojas ventas, pese a que la calidad sonora seguía intacta e incluso comenzaban a aventurarse por terrenos más cercanos a la psicodelia, como lo testimonian canciones como “Indication” o “She Does Everything To Me”. El salto hacia el pop barroco dado con su siguiente álbum, “Odessey and Oracle” (1968) tampoco logra convencer al público y significa la muerte definitiva de la banda en ambos continentes. Y aquí volvemos a la pregunta inicial: ¿por que se llaman The Zombies? La respuesta comenzaba a vislumbrarse en las encuestas realizadas por revistas especializadas a la hora de elegir los mejores discos de la historia. Allí, entre discos como Sgt Pepper, Blonde on blonde

y London Calling, solía figurar un disco que al momento de su edición había pasado sin pena ni gloria. Si, se llamaba “Odessey and Oracle”. Ahora los ojos (y los oídos) se posaban en esos cinco tipos, en sus discos y en sus interesantes carreras solistas, que comenzaban a reeditarse en cd con abundantes bonus tracks. El cine, un medio que no le era ajeno a la banda ya que en 1965 habían compuesto tres temas para el film “Bunny Lake Is Missing”, de Otto Preminger, tampoco ignoró el revival: films como “Kill Bill” y “Vida acuática” incluyeron en sus soundtracks canciones de su primer disco (una versión de “She’s Not There” remixada por Malcom Mc Laren y “The Way I Feel Inside”, respectivamente). No solo eso, sino que además Lars Von Trier, fascinado con la banda, escribió el guión de “Dear Wendy” (Thomas Vinterberg, 2004) un film sobre un grupo de jóvenes obsesionados con las armas y con los Zombies en el que, como cierta vez declaró Von Trier, “la historia por momentos está construida en base a las canciones”. Hasta el mundo de la publicidad no pudo resistirse, y una marca conocidísima de perfume utilizó “She´s Not There” para seducir al potencial consumidor. Los Zombies finalmente hacían honor a su nombre y volvían a la vida tras un largo tiempo bajo tierra, obteniendo el reconocimiento que en su época les había sido negado. Y no hizo falta brujería alguna.

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la energía vino en monoDr.Feelgood - Down By The Jetty (1975) por Diego Centurión

Ya hemos abordado a Dr. Feelgood en el número anterior. Pero no podemos dejar de hablar de “Down by The Jett”, lanzado en un enero de hace cuarenta años. Si no han leído el artículo del número 13, fue la banda que devolvió el rock and roll a los pubs, por eso Dr. Feelgood lideró el movimiento llamado Pub Rock en Inglaterra. Pero todo este contexto está explicado en el artículo de diciembre. Ahora me voy a centrar única y exclusivamente en este álbum debut. En noviembre de 1974 la banda editó el single adelanto “Roxette” que como lado B trajo el

clásico “(Get Your Kicks On) Route 66”. Pero en enero de 1975 llegó el sorprendente álbum debut de los Feelgood. Lee Brilleaux, Wilko Johnson, Sparko y The Big Figure registraron este trabajo entre agosto y noviembre de 1974, sin contar la última canción “Bonie Moronie/Tequila” que fue registrada en vivo en Dingwalls Dance Hall, Camden Lock, el 8 de julio de 1974; el grueso del álbum fue grabado en los estudios Rockfield Studios y Jackson’s Rickmansworth. Fue producido por Vic Maile, quien había trabajado como ingeniero de sonido y había producido algunas canciones. Éste fue uno de sus primeros

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trabajos de producción íntegro, antes había trabajado en un disco de la superbanda “Lord Sutch And Heavy Friends”, quien entre sus miembros tenía a Jeff Beck, Jimmy Page, John Bonham, Nick Simper ( Johnny Kidd & The Pirates) y Nick Hopkins ( Jimi Hendrix Experience). Seguramente a Wilko sólo le importó Nick Simper, ya que amaba a Johnny Kidd & The Pirates. Wilko le dijo a Vic que quería que las canciones se grabaran en vivo, con toda la banda junta tocando, sin sesiones de arreglos posteriores. Maile aceptó y por eso el sonido es simple, directo y enérgico. Otra cosa que la banda quiso fue que el producto se editara y se grabara en Mono, algo raro para la época en que se trataba de que la grabación sea lo más espectacular posible, bueno ellos querían volver a las fuentes en todo. Feelgood descargó todo su furioso rock y su inquieto Rhythm & Blues en sus trece canciones, una alta dosis de energía y ferocidad que sería rescatada unos pocos años después por el punk y lo expondrían a niveles extremos. En este álbum se encuentran joyas que se destacarían en la historia de la banda, la apertura del álbum con “She Does It Right”, que tiene un potente e incansable ritmo rutero, el sólo de Wilko es bien punk (aunque todavía no existía el género); la ajustada y directa base (bajo-batería) dan pie a la seca y ruda actitud vocal de Lee. Luego otra es la versión del clásico de John Lee Hooker, “Boom Boom”, con Wilko en la voz y la enérgica casi histérica armónica de Brilleaux, pero el bajo de Sparko es simplemente Tremendo. Un blues que derrocha energía e histrionismo,

más cuando la canción se acelera y la armónica de Lee estalla. “Roxette” es un Rhythm & Blues que contiene un latente estallido, pero que a lo largo de la canción se va sosteniendo, incluso con la entrada de la armónica pero al final pasa lo que todos esperamos, explota. “I Don’t Mind”, otra frenética rítmica de Wilko que va llevando a la banda por una ruta que no parece ser muy amistosa. “Twenty Yards Behind” una especie de reggae acelerado, a lo que luego sería patrimonio de The Clash, cantada por Wilko y la perfecta armónica de Lee. “Keep It Out Of Sight” otra clásica que tiene unos cortes geniales, aunque no tiene el frenetismo de otras pero que no pierde la intensidad. “All Through The City”, regresa la potencia histérica de la banda, con una canción que nos lleva de paseo descontrolado por la ciudad, lo Wilko es casi punk a gogó. Luego destacan el instrumental “Oyeh!”, de Tha Dakotas, banda del ídolo de Wilko, Mick Green y el cierre (la canción en vivo) las versiones de las canciones “Bonie Moronie/Tequila”. Los tracks destacados, debido a su dureza sonora y en actitud, hacen de “Down by The Jett” un álbum lleno de energía y una patada a lo que se veía en ese momento. Hoy en día, a cuarenta años de ese momento, podemos sentir la fiereza en la interpretación y en la actitud sin perder un decibel, aun escuchándola versión original y en mono. Como dato para finalizar… en el 2006 se editó una versión remasterizada de dos CDs con algunos extras. ¡Aunque eso no me importe!.

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El último rapto de belleza que la banda nos ha entregado hasta hoy, hay noticias de que están tramando algo para este 2015, veinte años de éste, su último trabajo en estudio. The Rapture es el decimoprimer álbum y fue lanzado el 17 de enero de 1995. Contiene la misma formación que grabó los álbumes “Peepshow” de 1988 y “Superstition” de 1991, Siouxsie, Severin y Budgie, más Martin McCarrick y Jon Klein. El disco fue grabado en 1993 y estaba listo para editarlo en octubre de ese año. La banda había grabado las canciones “Stargazer”, “Fall From Grace”, “Not Forgotten”, “Sick Child”, “The Rapture”, “The Double Life”, “Love Out Me” y los que se utilizarían como lados B: “Ourselves”, “Hang

Me High” y “Black Sun”. La producción estuvo a cargo de la banda, y si bien, Polydor estaba contento con el trabajo, los Banshees decidieron que el ex Velvet Underground, John Cale, participara en el álbum produciendo parte del material. Durante este tiempo lavanda grabó “O Baby”, “Tearing Apart”, “The Lonely One”, “Falling Down” y “Forever”, que reemplazaron a las que usarían como caras B de los singles. En el tracklist definitivo Cale produjo los tracks 1, 2, 7, 8 y 9. El álbum marca un quiebre interesantísimo en la sonoridad de Siouxsie and The Banshees, éste trabajo es mucho más pensado y cuidado que el resto de sus anteriores trabajos. Cada instrumento, cada melodía, cada silencio, o cada momento de

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El último rapto de Belleza, hasta ahoraSiouxsie and The Banshees – The Rapture (1995) Por Diego Centurión

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las canciones que lo integran, parecen estar muy estudiado y está ejecutado con gran maestría y grabado con excelencia y elegancia. Las canciones tienen un nivel compositivo superior, no es que lo anterior no lo tenga, pero en este trabajo la diferencia en el trabajo compositivo es simplemente exquisito. The Rapture tiene canciones de una belleza insuperable como “Tearing Apart”, “Stargazer”, “Fall From Grace”, “Falling Down” y “Love Out Me”, con mucho brillo y tenacidad compositiva. Pero también encontramos la atrapante oscuridad en las canciones como “Not Forgotten”, con un bello trabajo de percusión de Budgie; “Sick Child”, un destacable y armoniosos trabajo en el bajo. “Forever”, con un intrigante halo de misterio en todo el track; “The Rapture” tiene una impecable y maravillosa estructura de

cuerdas de McCarrick, y mantiene una oscura belleza que engalana la voz de Siouxsie. Después tenemos dos canciones que le ponen un poco de liviandad y pop al álbum, ellas son el primer corte “O Baby” y “The Lonely One”. “The Rapture” es un trabajo delicioso de principio a fin. Un álbum cuidado y tratado como un tesoro en la producción, realzando la belleza de composiciones extremadamente delicadas y con muchos detalles, que se dejan escuchar y no se superponen, sino que la ingeniería sonora está delicadamente al servicio de la mayor calidad posible. Siempre pensé a este álbum como uno de los mejores trabajos de la banda, y ahora escuchándolo nuevamente para esta reseña, y veinte años después, veo que la calidad está tan intacta. Y luego de escuchar la remasterización del año pasado, todo vuelve a florecer.

Pequeños Demonios FunkysThe Wolfgang Press - Funky Little Demons (1995) Por Maxx Wilda

Algunas veces es bueno tomar riesgos; en este caso la elección de una reseña de una banda que por años me he resistido a escuchar: The Wolfgang Press. Tomaré este riesgo inclusive desestructurando el orden de temas y preparándome un Moscatini (moscato + vodka + twist de limón). Luego de observar los títulos de Funky Little Demons, espectacularmente acordes con el título del disco, elijo para empezar “Blood Satisfaction”, que junto con “11 Years” y “Going South”, muestran una marcada influencia soul/motown con pegadizas melodías, coros y algún que otro inconfundible sample. “Christianity” y “Executioner” comienza a mostrar el lado

más dance de este disco, sin dejar de lado un sabor synthpop tal como ese inconfundible dulzor del moscato subyace en mi trago. Entre ambos mundos encuentro a “So Long Dead!” con una buena combinación de elctrobeats y riffs de guitarras, una osadía perpetuada por muy pocos en la época, pero que con el correr de los años sería moneda común del género (si es que hay algún sentido de pertenencia). Inesperadamente me topo con una fase más cool y relajada con “Derek the Confesor”, “Fallen not Broken” y “People Say”, buen groove acompañado por esa voz de Michael Allen, que intenta por momentos ser “nickcaveana” pero se escucha más a la empalagosa tonada del vocalista de

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Beloved. Esta fase, como las anteriores cumplen muy bien su cometido, pero definitivamente deberían haberse encontrado en diferentes lanzamientos, entiendo ahora mi resquemor de la época, no era ni una cosa ni la otra, no cerraba como su antecesor Queer (1992), buscaron tibiamente abarcar los flancos mainstream de la época. Pero creo que estoy siendo un poco duro y dejo de lado una colección de muy buenas

letras, inclusive mejor que la música en algunos puntos. También dejo de lado un par de tracks (“She’s So Soft”, “New Glass” y “Chains”) que no suman ni restan pero de los que se rescatan algunas pinceladas de innovación. Termino esta corta reseña, junto con mi riesgoso Moscatini, conclusión: no creo que vuelva a repetir a ninguno de los dos pero si les recomiendo tomarlos, tal vez vean, escuchen o sientan algo que a mí se me pasó.

El eterno retorno aniquilante swans - - The Great Annihilator (1995) por Marianarchy deadbilly

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Es 1995, Swans edita su noveno álbum de estudio. Enciérrate en una habitación, desconéctate del mundo y conéctate contigo mismo, en soledad, a oscuras, decepcionado, frustrado, aburrido e impotente…. Dale “play”… “In” es la introducción instrumental del álbum, que suena como su anterior trabajo “Love Of Life”, pero… “I am The Sun”: “Yo soy el sol”, comienza diciendo Michael Gira con su voz hastiada, grave y penetrante. Nuevos sonidos desgarran el ambiente, algo más industrial. Loops de una batería hardcore y descarnada nos envuelven. Los coros de niños vibran intensamente. “Asesino a otro

niño” (esboza Gira). Sus palabras son claras, profundas y consistentes. Y un mensaje irónico para el final: “I love everyone” (Los amo a todos) infinitamente perdido en un rulo de batería… “She lives”: atmósfera similar a las épocas de Skin (proyecto paralelo de Swans). Una guitarra acústica densa, sobregrabaciones, pocas notas de un teclado, atmósfera oprimente, delay. Un blues suicida cantado por el sarcástico Gira “Ahora sólo quiero darte las gracias por volverme loco”. Repentinamente vomita un teclado con sonido hammond en esta hermosa canción “antirock” de 7 minutos de duración, y finaliza con un fade in de una instrumentación similar a “In”. “Celebrity lifestyle”: la banda en su

plenitud. Una canción más “escuchable” (para lo que es Swans) y maravillosa. Michael canta nuevamente, Jarboe se asoma tímidamente en los coros. Gira ronronea: “Y ella es solo una adicción a las drogas” Una hermosa canción de amor a lo Swans. “Mother/Father”: podríamos decir que es la segunda canción digerible del álbum, también aquí la banda está en su plenitud y Jarboe aparece por primera vez deleitándonos con su voluptuosa y versátil voz, nos demuestra su potencial. Descarnada y descarada Jarboe grita: “Y la creación y el tiempo están hechos de destrucción, de puta destrucción”. Y estas palabras son un manifiesto sobre Swans. “Blood Promise”: Michael Gira relajado nos invita a flotar en una promesa sangrienta, al compás de una guitarra acústica rasgada y rasguñada. Insiste, inviste. “Mind/Body/Light/Sound”: cuatro palabras, una canción que nos demuestra que Swans está vivo y vive. Michael canta, Jarboe se incorpora en los coros. Escuchamos: “La eternidad no dura mucho tiempo”. Cuatro palabras vibran y caen en un fade out. “My Buried child”: Jarboe regresa como voz principal, ella recita un poema y se rellena en diversas capas de coros. “Y la soledad está enterrada aquí, en agujeros podridos debajo de tu miedo”. Gracias Jarboe soy tu Buried Child (niño enterrado). “Warm”: el segundo instrumental del álbum, como cortina de un programa de salud de niños, brindando Jarboe la calidez de una diosa-madre que llamea calidez. “Alcohol The seed”: En Alcohol la semilla, Michael esparce en palabras simples su sentir (o su necesidad de borrarse como sujeto para dejar de sentir): “Necesito alcohol porque abre mi sangre. Necesito alcohol porque vacía mi cabeza. Necesito alcohol”. “Killing for Company”: estamos ante una de las mejores canciones de Swans. Con una duración densa y extensa de 6.55, y una instrumentación que nos acurruca, Gira declama: “Yo no

podía detenerme” y termina diciendo “Voy a mantener tu compañía”. El vínculo es una guerra, el mundo es un escenario desértico en el que dos amantes en el medio de un bombardeo se preparan para hacer el amor y matar por compañía... “Mother´s child”: la dulce voz de Jarboe nos envuelve en papel de regalo como una golosina. Mientras dice “Y dulce es el azúcar que voy a beber de tu cráneo”. Algo hay de tenebroso en ella. “Y quién es el muerto que mi cuerpo hizo el amor la noche anterior“. “Where does a body end?”: ¿Qué es lo que se pregunta Gira en esta canción? La muerte pulula como un eco eterno. Folk denso, el cuerpo es el territorio “El aire es de color negro y no tiene oxígeno”. “Quién tiene la respuesta ¿Qué siente tu cuerpo ahora? ¿Dónde comienza tu cuerpo?, ¿Cómo escapará tu cuerpo? Ahora tu cuerpo eres tú”. “Telepathy”: Gira canta “Y mi cuerpo comienza donde termina tu memoria”, “Y la sabiduría contenida en la telepatía de miedo” ¿Entonces no hacen falta las palabras? El mensaje se reproduce por otros canales. ¿Es un espejismo?, ¿eres real? Al final, un aullido femenino... “The Great Annihilator”: en esta canción Swans destruye lo construido, no tiene que ser digerible, es lo que es. El gran aniquilador, aniquila. El cuerpo, reiterativamente, en la lírica de Gira la palabra “cuerpo”, arde, desaparece, brilla, muere. “Dentro de tu cuerpo sentimos tu vacío”. “El tiempo es relativo, la luz física”. Siempre el cuerpo. “Y vamos a caer a través de la pared del lugar donde nos hicieron, justo en la boca abierta del gran aniquilador”. “Out”: fuera, es el fin, nos relajamos, la banda junto al protagonismo de Jarboe ameniza la despedida.

En resumen, este álbum posee elementos de todos sus anteriores trabajos y una búsqueda constante, insistente, recalcitrante. Swans nos convoca en esta ocasión (y una vez y otra vez más) con el eterno retorno aniquilante.

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Humanos, Demasiado HumanosThe Human League – Octopus (1995) por Sergio Arreola Reséndiz

Toda palabra tiene vida propia, nace de la oscuridad del pensamiento y se ilumina en el aire, sin embargo su significado va más allá de los formalismos que la significan, de la ortodoxia que le impone una o varias formas para comprenderla. Entender una palabra es de cierto modo conocer lo que significa, más comprenderla tendrá paradójicamente nuestra propia significación, nuestra idea de cómo concebimos el mundo o la idea del mundo mediante las palabras. “Pop” es una de esas ideas con diversas significaciones, a veces pareciera que no es una palabra, empero define culturalmente a las masas, les da identidad e intelectualidad.

En muchos países subdesarrollados la palabra pop se malentiende con algo que pareciera estar hecho sin conocimiento, pseudo intelectualmente se le sataniza con la maldición del consumo aunque subconscientemente me parece una egomanía del Ser culto de no querer pertenecer a los gustos del vulgo. Cuando en 1977 se formó la banda inglesa de música pop The Human League liderada por Philip Oakey, nos dejaron claro que el tener un sonido comercial en Inglaterra era algo que se tomaba con mucha seriedad. No quiero adentrarme a la cantidad de grupos populares en el Reino Unido porque me estaría metiendo en serios problemas con este modesto artículo, ya que

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tendría que iniciar una labor casi religiosa (o sería mejor decir pagana) para hablar de la cantidad de bandas y solistas de música pop que este país ha otorgado al mundo. Algunos críticos han comentado que The Human League son pioneros en el desarrollo de los sintetizadores y que generaron una escuela en todo el amplio recorrido del pop ochentero, lo segundo es cierto de cierta manera, lo primero es falso, en Alemania hubo grupos como Kraftwerk y Tangerine Dream con un sobresaliente manejo del sintetizador, en Grecia estaba Vangelis y en Francia Jean Michel Jarre entre muchos otros. Mas esta es una de esas bandas con el toque fino que para muchos parece no tener valía porque gozaron de una gran popularidad y fama en su tiempo, de ahí nace mi argumento primario con la palabra pop, en la Gran Bretaña como en todo el mundo hicieron de este género una industria enajenante, redituable hasta la estupidez y carente de substancia, de significación. Todo lo que en los ochentas generaron bandas como Depeche Mode, OMD, Tears For Fears, The Human League, New Order, etc., no fue una parafernalia del consumo, ni mucho menos algo carente de significados.

Quizá fue algo muy sencillo pero lleno de honestidad lo que legaron los años ochenteros, fue un revolucionar, una nueva mirada, la lluvia que anhela todo desierto. Cuando The Human League regresó al panorama musical en 1995 después de una ausencia de más de cinco años con la obra “Octopus” nos dejó entrever el vacío que la década de 1980 dejó en los amantes de la música, algo estaba claro ya nada volvería a ser igual, pero el retorno de esta banda con esa obra nos acercó a un nuevo comienzo del pasado, disfrutando de un sonido más maduro, con reminiscencias de sus obras pasadas. “Octopus” los puso en un sitio en el que nunca dejaron de estar, sin ser una producción exitosa dejó ver los alcances que Oakey siempre tuvo como compositor, “Don’t you want” me fue el éxito más destacado de esta banda que parecía que llegaba parchada y mal remendada a su nueva cita noventera. Esta producción volvió a darle al verdadero pop una identidad a la manera del vox populi e inclusive a creer en lo que forma parte de nuestro ordinario de nuestra cotidianeidad, porque somos humanos, demasiado humanos para nunca quitarnos nuestras significaciones, nuestro vocabulario popular.

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signosPoets of the Fall - Signs of Life (2005) por Sergio Arreola Reséndiz

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…el hombre pasa a través de bosques de símbolos que lo observan con miradas familiares…

Charles Baudelaire.

Científicamente se ha comprobado que los video juegos ayudan al desarrollo cerebral, a tener una mejor apreciación cognitiva y a la regeneración neuronal, se dice lo mismo de algunas series y películas animadas, el caso es que este tipo de industrias son maravillosamente bien logradas, van desde los encargados en crear un software, el guion que desarrollará la historia, diseñadores gráficos, músicos, si, músicos. Quizá los que no estemos

tan acercados a los juegos de video no sabremos qué diablos es Max Payne 2, pero si nos gusta el buen rock nórdico comprenderemos si se nos habla de Poets of the Fall, excelente banda finlandesa nacida en el año del 2003 a manos de Marko Saaresto (cantante y compositor) y Olli Tukiainen (primer guitarra), más adelante se les uniría Markus “Captain” Kaarlonen (productor y tecladista), Jari Salminen (batería), Jaska Mâkinen (segunda guitarra y

voz) y Jani Snellman (bajo). Pocas bandas contemporáneas tienen en sus primeras producciones la fina forma de componer, equilibrando los bellos acordes de la distorsión con sublimes pasajes atmosféricos, Genesis, Camel y Pink Floyd lo hicieron en los 70s en Inglaterra, en esa misma década pero en Italia estaban Le Orme, Premiata Forneria Marconi, Corte dei Miracoli o Il Balleto di Bronzo, Alan Parsons en los 80s, Dream Theater en los 90s, actualmente me parece que muy pocos grupos alcanzan esa perfecta y equilibradora forma de componer, pienso en Porcupine Tree y en Tool, pero a 10 años de distancia también pienso en la producción debut del 2005 “Signs of Life” de los finlandeses Poets of the Fall, grupo que se dio a conocer por participar en parte de la creación musical del video juego Max Payne 2 y que les valió ganar el primer lugar en los G.A.N.G. Awards. Después de ese premio mucha gente sintió curiosidad por saber que seguiría con esta banda, lo que vino fue este álbum debut del que estoy escribiendo, se le reconoció como grupo revelación y mejor álbum del año en

Finlandia. No es que los premios avalen la calidad de dicha banda, esto tomémoslo como un dato solamente, este disco nos mostró el potencial de las bandas que se están creando en los países nórdicos, si bien se notan influencias palpables como Porcupine Tree y me atrevo a decir que ciertas tonalidades vocales del Mayrnad James Keenan de A Perfect Circle esto no les resta ni originalidad, ni frescura. Estos músicos del norte de Europa son fieles a su tradición musical, siendo creadores de un estilo que profundiza no sólo en la vida, hay algo más, sus signos, sus metáforas, todas las correspondencias que bien podemos ver a través de un juego o un “anime” e incluso de nuestros propios prejuicios y cercanías, esas generosas causas que nos unen como especie sin importar que habitemos en Dinamarca, Nigeria, México, Nepal, Finlandia o Argentina. Poets of the Fall desde la fría Finlandia nos dijo hace 10 años paradójicamente que su sonido estaba colmado de calidez, un calor tan fresco que nos hizo sentir una sónica quietud.

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Viendo un gran documental sobre la música house llamado Pump up the volume (The history of house music) de 2001, me preguntaba por qué no aparecían Chemical Brothers. Ellos fueron punta de lanza en esa gran revolución electrónica de finales de los 90, teniendo en cuenta que en documental aparecen grandes artistas de la época como: Orbital, Goldie o Leftfield. Era ese punto de redescubrimientos sonoros en la música digital: Goldie y Roni Size destrozaban cajas torácicas con los bajos y beats fracturados del Drum’n bass. Massive Attack y Portishead, ampliaban lugares aparentemente simples y los transformaban en espacios terrosos e intensos con el Trip hop de Bristol. The Chemical Brothers y Prodigy con el genio Liam Howlett se alimentaban de

energía roquera y la traducían en beats y loops inmisericordes, en un género que los críticos denominaron Big Beat. The Chemical Brothers antes Dust brothers, dúo inglés formado por Tom Rowlands y Ed Simons fueron responsables de llevar la música puramente electrónica a los estadios reservados para los ídolos del rock. Aunque bandas que partieron de los sintetizadores como Depeche Mode lograron antes profanar ese tipo de santuarios; pero hay una diferencia. Depeche Mode se acercó al rock añadiendo guitarras y baterías en vivo, Chemical Brothers mantuvieron su identidad electrónica (y lo reconozco yo, que soy un Depechero consumado). En una entrevista dada en 1999 a Chemical Brothers les preguntaban cuál sería su paso a seguir en

La Gran química de los Hermanos QuímicosThe Chemical Brothers - Push The Button (2005) por Alejandro Cenizacromada

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cuanto a lo creativo, a lo cual respondieron algo así como: “No haremos nada que no tenga que ver con lo que realmente somos, no somos Dave Gahan…” haciendo alusión a que en cierta manera DM tuvo con el tiempo que alejarse de su sonido netamente Europeo, en su interés por acercarse más al público norteamericano. Chemical Brothers han sido adoradores de sitios míticos para el desarrollo de la música de baile como el club Hacienda en Manchester (Inglaterra). Han atesorado con uñas y dientes la obra de New Order, tanto así que Bernard Sumner ha colaborado en sus discos. Este “Push the button” es un disco relajado, no tiene esa carga tan potente de discos como “Surrender” (1999) ni siento en él, una presión por demostrar quién es quién en este tipo de sonidos, simplemente es una colección de muy buena música. El sencillo “Galvanize” parte de un sonido puramente étnico con elementos de música de la India y de alguna manera es un buen punto de referencia para entender la heterogeneidad del disco. Galvanize es una canción que me hace acordar de un gran clásico del techno llamado “Afroleft” de Leftfield. Todo funciona como una revisión por diferentes subgéneros de la electrónica donde lo digital se fusiona con lo análogo. En “The Boxer” aparece el burgués de Tim Burgess de The Charlatans U.K con un tema bastante festivo y de cierta carga funky. “Believe” es un tema contagioso, uno de los más potentes de la placa y basado en sintes que disparan sonidos deliciosos y retorcidos, una plegaria hedonista para creer en algo, mientras uno se desdobla en una danza contagiosa pero en línea recta con un marcado acento disco, como rememorando de manera subliminal al padrino Giorgio Moroder.

“Hold tight London” se abre paso de manera más difuminada y con ciertas percusiones latinas de fondo. La voz de la cantante aporta uno de los temas más ensoñadores de “Push the button” con ciertos espacios para el frenesí. “Come Inside” es el tema puramente Chemical Brothers que rememora clásicos del dúo como “Electro bank” o “Hey boy hey girl” demarcado por bajos y loops potentes, que incita a que uno no pare de saltar. “The Big Jump” mantiene la línea del tema anterior pero de onda más minimal con fuerte influencia del electro disco y el funk más festivo. Bandas de rap como los míticos Public Enemy fueron una fuerte influencia para Chemical Brothers es así como en el track “Left Right” se traen a Anwar Superstar en un tema contundente y que tiene cierto trasfondo Dub. “Close you eyes” es la canción más suave del disco, un sonido ya mucho más pop con delicadas ambientaciones. Considero que si uno escuchara esta canción de primera no se le pasaría a uno por la mente que es Chemical Brothers. Con “Shake Break Bounce” van retomando la fuerza característica añadiendo beats sincopados, instrumentos de cuerda sampleados y un hipnótico halo étnico. “Marvo Ging” es otro tema con el clásico sonido “Chemical”, beats fuertes una lisérgica dosis indie y un minimalismo mántrico envolvente. El disco cierra de una manera acertada con “Surface to air” una canción más afincada al ambient que va en crescendo como un pequeño y delicioso trip en que a medida que corren los segundos va añadiendo delicados pero determinados ingredientes a la composición hasta culminar en un grandioso climax.

Gran química de los hermanos químicos.

El Amanecer nos curaráM83 - Before the Dawn Heals Us (2005) Por Diego Centurión

Haciendo un juego de palabras con el título, el amanecer de un nuevo M83, ya que es el primero sin su miembro original y fundador Nicolas Fromageau. Curará toda herida que hubiera quedadoen esta nueva etapa de la banda bajo el manejo de Anthony Gonzalez, adueñándose del proyecto que se iniciará como dúo. “Before the Dawn Heals Us” es el tercer trabajo de esta banda francesa. Y fue lanzado el 24 de enero del 2005, bajo el sello “Gooom”

en Europa y “Mute” en los Estados Unidos. Más allá de todos estos datos reconozco que no había escuchado nunca este álbum, y que lo hice exclusivamente para esta reseña. “Moonchild” es una bellísima y celestial canción instrumental, con unos coros de otro mundo (cantados por Kate Moran y el coro “Les Petits Chanteurs De St. Louis”) y el ritmo cadencioso casi solemne. Uno comienza el álbum elevado hacia un cielo despejado casi sin proponérselo, con algunos resabios

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del Pink Floyd de “The Division Bell”, sobre todo al comienzo y al final del track. “Don’t Save Us From The Flames”, el comienzo de batería rompe toda armonía arrastrada de la canción anterior. El segundo track es una potente mezcla de shoegaze y canción pop. Las guitarras están bien al frente y cuesta distinguir su sonido ya que la mezcla las pone al mismo nivel de los otros instrumentos. Excelente canción. “In The Cold I’m Standing” es un track etéreo, ambiental, espacial, que al final nos vuelve a dejar elevado en alguna esponjosa nube. “Farewell Goodbye”, relajados momentos con mucho aire, espacial, dreampop, con las voces de Ben Pleng y Lisa Papineau, que sugieren un dulce despertar en esas mañanas húmedas luego de una noche de tormenta. Brillante. “Fields Shorelines And Hunters”, por momentos no sé si “Shelter” de Alcest, porque parece que han escuchado bastante este disco de sus coterráneos M83. Esta canción tiene ese sonido acelerado de los Alcest (aunque sabemos ahora que es al revés). “Asterick” (escrito en el disco como: *) trae el sonido shoegaze enérgico, con mucha velocidad y susurros que apenas se escuchan. “I Guess I’m Floating”, es un bello paisaje sonoro, instrumental, dulce y manso. El track ocho “Teen Angst”, fue su primer single. Nuevamente el shoegaze enérgico se hace dueño de los parlantes. “Can’t Stop”, es

la canción más floja del álbum, con unas voces que repiten todo el tiempo “I can’t stop, I can’t stop, yeah”, tornándose molesto. “Safe”, una canción con piano, algo distinto en el álbum, melodía melancólica, introspectiva, luego se vuelve etérea, acá nuevamente aparece el coro “Les Petits Chanteurs De St. Louis”. “Let Men Burn Stars”, que se une a la anterior por medio de unas lejanas explosiones de fuegos artificiales y continúa en la misma temática que su antecesora. “Car Chase Terror”, nuevamente con Kate Moran en voz, parece ser una banda sonora de una escena de terror. “Slight Night Shiver” y “A Guitar And A Heart” van en los caminos de todas las canciones del álbum. Y cierra el álbum “Lower Your Eyelids To Die With The Sun”, que como en el principio es etérea y participa el coro “Les Petits Chanteurs De St. Louis”. Un precioso final para un gran disco. En definitiva descubrí un sorprendente disco, el tercero de la banda, Anthony Gonzalez se luce al editar un trabajo tan sensible, luego de que su coequiper Nicolas Fromageau abandonara la banda. Cabe destacar la marcada influencia que este disco (la estructura y sonoridad) en el último trabajo de Alcest, Shelter, nueve años después. ¿Si todavía no lo han escuchado? No esperen más y búsquenlo.

Hay discos que son enigmáticos, románticos, que traducen imágenes en sonidos, que capturan momentos sin importar tal vez tanto la estructura de canción pop (estrofa, estribillo, estrofa,…), pero que hacen más hincapié en la arquitectura sonora de un paisaje inalterable y buscan captar ese instante de lo visual y transformarlo en un inspirador momento de armonías sucesivas. “The English Cold” es uno de esos trabajos, July Skies es una banda que sabe muy bien capturar imágenes y hacerlas canción. Y en este lanzamiento es un trabajo que recrea paisajes visuales en paisajes sonoros. Así como un documental sobre la segunda guerra mundial, llenos de imágenes y narraciones, July Skies crea su propio relato sobre paisajes desoladores y abandonados en las zonas rurales de East Anglia. Un álbum conceptual dedicado e inspirado en los aviadores de la segunda guerra mundial, pero no como en de Dark Side of The Moon o The Final Cut, con esa explícita narración vocal o sonora, sino con una fantasmal ambientación, evocando esos fantasmas de un tiempo pasado, que aún habitan en los hangares abandonados, de los que alguna vez fue inundado de pilotos y aviones de guerra.

Hace mucho había leído que, para inspirarse para la composición, Antony Harding, había estado por las zonas de East Anglia (zona que durante la segunda guerra mundial fue base de la Royal Air Force y construyó varios aeropuertos, hoy algunos abandonados). Harding había estado observando y sacando fotos en una tarde nublada, luego esas imágenes fueron la Musa inspiradora de las ambientaciones del álbum. Para afirmar esta declaración sólo basta con mirar la dedicatoria, “para los aviadores perdidos” y el subtítulo del álbum, “1939 – 1945”, años de la segunda guerra mundial. La mayoría de las trece canciones se mueven en un letargo cautivante, a veces hipnótico, lleno de naturalidad y frescura. Logrando momentos de vacíos cargados de vida y coloraciones múltiples. Las sonoridades de las guitarras crean climas espectrales, calmos, con mucha espacialidad, pero no del espacio exterior, sino de espacio terrenal, de campos largos bajo una nubosidad tenue y gris, como en “East Anglian Skies”, en donde los efectos sonoros de las guitarras crean paisajes desolados y lánguidos. Un álbum con muchas canciones instrumentales, sólo hay voces en “The English Cold”, “Strangers In Our Lanes”, “Death Was

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Hidden trackDavid Bowie ha cumplido años, acáles mostramos unas fotos con amigos.

RESCATE CINÉFILO

films vacacionales Por Nicolás Ponisio

Enero, comienza un nuevo año y la ciudad queda prácticamente vacía cual holocausto nuclear. Una planta rodadora atraviesa las calles, recientemente abandonadas por la gente desesperada en escapar unos días de la rutina. Aquellos que no pueden vacacionar fuera de su casa, lo harán dentro de ella y buscarán actividades como salidas a shows, cines, cenas y demás opciones. Esto considerando el lidiar con los inquietos niños de turno. Por eso es que decidimos ofrecerles una nueva opción a esas almas en pena que no pueden escapar de su hogar y están al borde del suicidio por aburrimiento. El staff del departamento de cine les ofrece con orgullo a continuación una serie de notas sobre “films vacacionales” donde la aventura, la amistad y el horror conviven en esos viajes de relax que lejos están de serlo. Ya saben, préndanse el ventilador, tomen algo fresco y maten el aburrimiento de estas vacaciones con este número de The 13th.

Parajes naturales, a simple vista inhabitados, son recorridos por el hombre. La imagen de lagos, ríos y montañas es invadida poco a poco por voces en off, vehículos y hasta

construcciones que irrumpen la tranquilidad del lugar. El director John Boorman viaja junto al espectador así como sus cuatro protagonistas lo hacen recorriendo los montes apalaches. El

VACACIONES INOLVIDABLES

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viaje que ofrece comienza como debería ser todo escape vacacional. Apacible, con una armonía expresada en el piar de los pájaros, en la luz del sol que baña a los árboles y el sonido del arroyo que fluye a sus pasos. La construcción de ese clima ofrece una mirada respetuosa para con la naturaleza que, con la llegada de los avances urbanos, está en vía

de extinción. La llegada de cuatro amigos ( John Voight, Burt Reynolds, Ned Beatty y Ronny Cox), que quieren realizar un viaje en canoa por el río Cahulawassee, pondrá el respeto en juego, sacando a la luz otro tipo de naturaleza. La naturaleza humana.

Mientras que expresan a través de miradas y diálogos el respeto por el entorno que los rodean, no lo hacen por medio de sus actos. El encuentro con los lugareños deja en evidencia la arrogancia de ciudad de Bobby (Beatty) o la forma en que Lewis (Reynolds) desafía sin respeto alguno al río y sus rápidos. El viaje de ensueño se convierte en un infierno y el alejamiento de la ciudad no hará más que acrecentar la ausencia de ley y la pérdida de civilización. El director utiliza la tranquilidad del ambiente y la enfrenta con situaciones y personajes que rayan en alarma. Quietud e inquietud a la vez. A los pocos minutos del film se produce un encuentro entre Drew (Cox) y un niño montañés, ambos se enfrentan en un duelo de banjo contra guitarra que funciona como anticipación de esa lucha que se llevará

a cabo entre campo y ciudad. El propio Drew, al no poder seguir con el ritmo al inquietante niño, confiesa estar perdido. No faltaría mucho para que él y el resto de sus amigos lo estuvieran para siempre. La palabra arroyo, además del término fluvial ya conocido, también se asigna a un ambiente de miseria y marginación. Justamente todo lo que produce el encuentro del progreso urbano y la naturaleza geográfica. Los actos que se dan dentro del paisaje solo son el anuncio de la completa pérdida de naturaleza. La violencia con la que se sacuden los rápidos parece haber bañado a los lugareños con un poco de ella. El río termina tragándoselo todo a su paso y lo único que escupe son los recuerdos de las verdaderas vacaciones que se pueden llamar inolvidables.

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La nostalgia y las no perecederas latas televisivas no nos permiten olvidar la detallista (y un poco naif ) mirada con la que John Hughes relataba los problemas de la adolescencia. Obras como Some kind of wonderful (1987), Sixteen Candles (1984) o la maravillosa The Breakfast Club (1985) convertían el dolor, la pasión, la búsqueda de identidad, los lazos, las inseguridades y los brotes hormonales de los adolescentes en películas épicas. Éstas, se sostenían por la fuerza de un guión que hablaba como lo hacían los jóvenes americanos de los ochenta. Por esa misma época, concretamente en 1986, Rob Reiner se sumerge en la novela “The Body” (1982) de Stephen King para traernos otra gran “coming of age movie” (como se denominan este tipo de películas), en la que el vínculo entre cuatro amigos, a través de un viaje íntimo por los bosques de Oregón, es el protagonista de una aventura emocionante que juega entre los códigos y la confianza de unos niños que quieren convertirse en “hombres”: ni más ni menos que Stand by me.

Casi treinta años después, el joven director de televisión Jordan Vogt-Roberts apareció en la pantalla grande para traernos una hermosa experiencia que nos retrae a la fabulosa forma de reflejar la atmósfera adolescente que existía en estas películas de los ochenta: The Kings of Summer (2013). Utilizar los mismos modismos, los mismos códigos que los jóvenes contemporáneos y, sobre todo, no subestimar al público con diálogos vacíos, puede ser la clave del éxito para una obra que sorprende con la simpleza de la trama, combinada con el delicado y sofisticado trabajo de fotografía. La premisa es simple: dos jóvenes, Joe y Patrick (Nick Robinson y Gabriel Basso, hartos de las reglas de su hogar, deciden escaparse en busca de una libertad que encuentran en los confines de un bosque. Junto a ellos, aparecerá un extravagante compañero, Biaggio (Moises Arias), que terminará de completar el trío y le dará a la película sus más altos toques de humor. Así comienza un viaje de supervivencia semireal, en la que los tres amigos deciden gastar sus vacaciones veraniegas en construir

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EL JOHN HUGHES HIPSTER Por Gustavo García

una asombrosa casa y vivir de los “manjares que la naturaleza les provee” (al verla sabrán por qué las comillas), y así construir su más grande ambición: ser “hombres independientes”. Pero pronto sabrán que ser dueños de sus propios destinos nos es una tarea fácil…aunque sí divertida. Vogt-Roberts se apoya en actores prácticamente desconocidos, o los clásicos “aaah, este es el de tal peli” (como Nick Offerman de We’re the Millers, o Alison Brie de la serie Mad Men) para contarnos una película inteligente sobre las relaciones humanas, la amistad, la lealtad y la voluntad de crecer antes de tiempo, y confirmarnos que una buena historia puede no requerir nombres para funcionar. Aunque sí necesita otros aliados. Y en este caso, hay que reconocer que la dirección de fotografía lograda por Ross Riege es clave para la puntuación

positiva y los aplausos al finalizar los 95 minutos del relato. La manera en que captura la esencia de la naturaleza de ese bosque, hace que tengamos ganas de perdernos en él y no en algún otro (más quisiera Caperucita que la abuelita se mude allí). Una mezcla extraordinaria de tomas a las que nos tiene acostumbrados el indie actual, combinadas con el clásico slow motion de la National Geographic. En fin, si John Huges viviera, vería capturada su esencia en las tupidas barbas hipster que construyeron una clásica “coming of age movie” ochentosa, en una bella e inteligente obra de arte moderno.

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FIN DE SEMANA DE LOCURA Por José Luis Lemos

Una pareja en proceso de descomposición debido a la culpa que les genera una muerte reciente van a pasar un fin de semana al campo, donde la naturaleza mostrará su costado más cruel. ¿Es la sinopsis de Anticristo, de Lars Von Trier? No, estamos hablando del argumento de “Long Weekend” (Colin Eggleston, 1978), una película que formó parte de la nueva ola de cine Australiano allá por los setenta. Como muchos films pertenecientes a ese “movimiento”, entre los que se cuentan “Picnic en Hanging Rock” (Peter Weir, 1975) se trata de una apuesta al cine de género con el paisaje australiano como un personaje más. De hecho, la naturaleza funciona de antagonista en ambos films, atrayendo con su belleza a los incautos vacacionistas hacia sus entrañas, para luego devorarlos en un acto de justicia ecológica. Aunque esto último se aplica más a “Long weekend”. Las chicas que iban de paseo a Hanging rock y desaparecían entre sus ominosas rocas eran jóvenes inocentes que comulgaban con la naturaleza al punto de pasar

a ser parte de ella. Con los protagonistas del film de Eggleston sucede exactamente lo opuesto. Peter y Marcia ( John Hargreaves y Briony Behets) están pasando por el peor momento de su matrimonio. Ella está a punto de pedir el divorcio, pero su marido se niega a aceptar el mal momento que atraviesa la pareja y decide ir con ella y su perro al mar, aprovechando el fin de semana largo para tratar de recomponer la relación. Algo ha pasado entre ellos que parece irremediable, y se manifiesta en interminables discusiones que ponen en evidencia el carácter irascible de Marcia y la soberbia de Peter. La agresión mutua también se traslada al paisaje que los rodea, dañando la naturaleza de diferentes formas: arrojando un cigarrillo que comienza a quemar la vegetación, disparando hacia unos patos, atropellando un canguro y dándole hachazos a un árbol solo por diversión. A través de diferentes fuentes (una noticia acerca de una invasión de pájaros en la tv, otra sobre el avistamiento de un ovni

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y pruebas nucleares en la radio) se nos van dando indicios de que algo está pasando, y si bien nunca se explica del todo exactamente qué, al igual que en “The Birds” (Alfred Hitchcock, 1963) o “Night of the Living Dead” (George A. Romero, 1968), sabemos perfectamente que la naturaleza se está revelando. Tal vez esa sea una de las mayores virtudes del film, ya que si bien tenemos elementos para creer que la tierra activó algún sistema de inmunidad frente a la amenaza humana, también se nos brindan pistas de que estamos ante un lugar maldito, como sugiere la escena en la cual los habitúes de un bar observan a la pareja fijamente mientras entran en la oscuridad del bosque. El guion de Everett de Rocha (también autor del argumento de Patrick, Road Games, Razorback y Fortress, auténticas joyas del cine de terror australiano) maneja con maestría esa ambigüedad, arrojando información para que el espectador haga con ella lo que mejor le plazca, y probando que cuanto menos se explica, más miedo da. Y es que “Long Weekend” es una película de horror construida en base a climas. No hay monstruos, no hay asesinos seriales; Eggleston se vale de sonidos y de tomas propias de un documental del National Geographic para provocar la incomodidad del espectador. El aullido de una vaca marina llamando a su cría, el

graznido de pájaros en la oscuridad de la noche, hormigas caminando sobre una mesa y hasta un plano detalle de un huevo arrojado contra un árbol enrarecen la atmósfera hasta hacerla irrespirable, tanto para los protagonistas como para el espectador. El irónico final cierra a la perfección esta moraleja ecológica que nos hará pensar dos veces antes de matar un mosquito. Not quite Hollywood: The Story of Ozplotation, un excelente documental sobre el cine Exploitation australiano dirigido por Jamie Blanks (Urban Legend, 1998) puso nuevamente en el mapa a un film olvidado como Long Weekend, sobre todo por los halagos de Quentin Tarantino. Esto contribuyó a una remake realizada por el propio Blanks y protagonizada por Jim Caviezel, el Jesús de The Passion of the Christ (Mel Gibson, 2004), que aunque no modifica demasiado los elementos de la original (tan solo hay un nivel más elevado de gore en cierta escena) es igual de interesante.

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QUE DESPIERTES ASUSTADO

“Wake in fright es una película profundamente (y muy profundamente) perturbadora. Cuando la vi en Cannes en su premiere del año 71, me dejó sin habla. Visualmente, dramáticamente, atmosféricamente y psicológicamente, es hermosa.”

Esas palabras de Martin Scorsese deberían bastar para convencerlos de ver este film, haciendo que mi reseña sea completamente inútil. De todos modos voy a escribir algo para justificar mi trabajo. Pero confío en que ya la están buscando, de forma legal o no, y que solo están leyendo esto para quedar bien.

Un maestro de escuela de Tiboonda, una región inhóspita de Australia, espera con ansias el fin del ciclo lectivo para viajar como todos los veranos a Sidney. Pero antes debe hacer una parada en Bundanyabba, un pueblo que es, según dicen, el paraíso en la Tierra. Un paraíso que se irá convirtiendo, progresivamente, en un descenso al infierno a medida que los modales civilizados del profesor van dejando paso al salvajismo.

Wake in fright proviene de una frase popular en Australia que reza “Que sueñes con el Diablo y que despiertes asustado”. John Grant (Gary Bond) protagonista del film y también de la

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Por Jose luis lemos

novela en la que se basa, definitivamente despertará lleno de sudor y con los ojos desorbitados luego de la odisea pesadillesca que comienza cuando acepta tomar unas cervezas con unos habitués de un bar. Este simple acto de cortesía, al que inicialmente Grant se resiste, podrá parecer inofensivo a primera vista. Pero estamos hablando de lugareños del outback, como se conoce al interior de Australia, un lugar desolado donde la falta de agua se compensa con cantidades industriales de cerveza, y donde rechazar un trago es casi un delito. Al alcohol dará paso al juego, y como rechazar una apuesta también está mal visto, en pocos minutos Grant terminará con los bolsillos vacíos, deambulando por caminos desérticos y posadas de mala muerte, participando de cruentas cacerías de canguros camino hacia su propia destrucción.

No es extraño que a Scorsese le haya fascinado el argumento del film. Después de todo, estamos ante una versión desértica y sin humor de la genial After Hours (1985). Ambos films están protagonizados por personajes cobardes, que se ven envueltos en una

situación que creen poder manejar pero que finalmente los supera. El antagonista podría parecer a simple vista el entorno que rodea a Grant y a Paul Hackett (Griffin Dunne) el protagonista del film de Scorsese, pero finalmente son ellos sus propios enemigos, al no poder tomar decisiones por sí mismos. Los dos films plantean un viaje en la personalidad del individuo y su lugar en la sociedad (John y Paul creen estar por encima de esa galería de personajes con los que cruzan.) Pero Wake in fright va un paso más allá. Es fácil identificarse con el protagonista de After Hours. ¿Quién no estuvo alguna vez varado en algún lugar, deseando volver a las comodidades del hogar? Pero John Grant da inicio a un periplo de autodestrucción de forma casi inconsciente, llevándolo a tomar decisiones que lo enfrentan a su supuesta condición de hombre civilizado. El film de Ted Kotcheff parece decirnos que nuestro lado primitivo está a la vuelta de la esquina, y que tan solo basta con tomar una cerveza de más para encontrarlo.

El apartado visual es tan estimulante como el argumento: el calor se siente en

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cada uno de los fotogramas, y los áridos paisajes de Australia son estupendamente fotografiados por Brian West, ayudados por la muy cuidada puesta de cámaras (a prestar atención a la escena del juego con las monedas). Por allí también anda un Donald Pleasence en estado salvaje, demostrando que podía encarar roles más complejos además de perseguir a Michael Myers en las noches de Hallowen.El film de Kotcheff se consideró por mucho tiempo un film perdido. Pese a que se presentó en el festival de Cannes allá por 1971 (con polémica incluida por la imagen que el film da de los australianos) no se

podía conseguir ni en dvd ni en vhs. En el 2009, y tal vez como consecuencia del antes mencionado documental sobre el Ozplotation, Not quite Hollywood, el film se reestrenó en su país de origen y se lanzó en dvd y Bluray.

¿Todavía estan leyendo esto? ¿Qué esperan para comenzar a rastrearla? ¿No leyeron lo que dijo Scorsese? ¿No les bastó? Bueno, los dejo con una frase de Nick Cave luego de ver el film:“El mejor y más terrorífico film sobre Australia que existe”. Y si con eso no logro convencerlos…

QUE POCO FANTÁSTICA ESTA FIESTAPor Nicolás Ponisio

Harmony Korine planteaba la idea de descontrol con su último film, Spring Breakers. Fiesta, drogas y mujeres ligeras de ropa (o directamente sin ella) no llegan a un punto de jolgorio o al menos del estilo trash al que el director de Gummo (1997) nos tiene habituados, quedándose a mitad de ese viaje de vacaciones frenético que momentos antes nos ofrecía. La estética videoclipera y las estrellas Disney (además de Selena Gomez y Vanessa Hudgens se les suma James Franco a la factoría del ratón luego de haber realizado Oz de Sam Raimi) son una búsqueda consciente por parte del director de acercarse al trash estético, lo grasa justificado. Tomemos estas caras bonitas y revelemos su verdadera identidad. Es allí donde las ex princesitas Disney son de cierta forma prostituidas y arrastradas hacia la debacle total y la cámara, que en ocasiones ocupa una mirada cuasi documental, es la entrada al verdadero día a día de las estrellas. El realismo cada vez más cerca... y André Bazin contento.

Lo kitsch y el grotesco junto a Korine van muy bien de la mano: fotografía fluorescente, adolescentes sacudiendo sus partes en cámara lenta, consumo de drogas acompañado con música de Britney Spears y sobre todo una escena y montaje muy graciosos protagonizados por Franco. Sin embargo la cáscara del film solo recubre un vacío argumental que no termina de llegar a un punto en concreto y cuando parece alcanzarlo decae sin fuerzas en lo reiterativo, sobre todo a través de líneas de diálogo. Así como en Mulholland Drive de David Lynch el showman decía: “No hay banda, no hay orquesta”, acá bien se podría decir: “No hay ideas, no hay fiesta”. La próxima vez será, Harmony.

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Luego de ser capturado y torturado por Sauron, el mal que cobra fuerzas junto a los espectros del anillo, el mago Gandalf (Sir Ian McKellen) se encuentra apaleado, casi inconsciente, sin fuerzas. ¿Un simple fragmento del film o alegoría de una saga ya demasiado agotada y castigada por el interés comercial? Lo cierto es que la misma ya demostraba un agotamiento desde la idea de adaptar un libro de tan solo 350 páginas en una trilogía de casi ocho horas. La extensión de las entregas permite una mayor fidelidad con el material original, pero también implica un desarrollo fallido donde la invención de personajes y la inclusión de escenas de encuentros y diálogos solemnes tienen como resultado un viaje con tropiezos y demasiado largos. El solo visionado es productor de ampollas en los pies del espectador.

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TURISMO EN LA TIERRA MEDIA: UN RECORRIDO POR LA TRILOGÍA DEL HOBBIT

Por Nicolás Ponisio

The Hobbit: An Unexpected Journey, la primera parte de esta saga iniciada en 2012, debería de tener por título La conversación (de no ser porque Coppola lo utilizó mucho antes), o simplemente El aburrimiento. Las casi tres horas de film de puro diálogo y carente de ritmo, tiene como única función estirar la trama. Su exagerada duración apenas logra disfrutar cuando los buenos momentos llegan, y estos hacen su aparición recién hacia su media hora final (una vez que los personajes abandonan la ciudad élfica de Rivendel… escena de relleno si las hay y que simula ser una especie de reencuentro de compañeros egresados de la saga anterior). Escape de gigantes de piedras o el encuentro con Gollum (Andy Serkis) permiten alcanzar el ritmo que debería haber mantenido desde el comienzo y se convierte en una película de aventuras y no en una pretenciosa y shakespeariana obra de teatro a base de diálogos. Como si quisiera enmendar todo error cometido, Peter Jackson apuesta todo en The Hobbit: The Desolation of

Smaug, una segunda parte que recupera el espíritu aventurero y que invade por completo la pantalla. La solemnidad, las caminatas interminables y los diálogos con refrito de personajes son dejados de lado para meterse de lleno en la aventura y no solo volver al ritmo de fantasía de The Fellowship of the Ring (quizás la mejor de la saga previa… o posterior si se refiere a los libros), sino también triplicando la experiencia. Esta segunda parte está compuesta por una vorágine visual que lo retrotrae a uno a ser un niño que observa maravillado el despliegue fílmico, narrativo y la presencia de ese impresionante villano con clase (el tipo de personaje siempre atractivo) que fascina desde la oratoria y su postura, provocando una gran dosis de respeto y cariño hacia él. Otro que no se queda atrás es Martin Freeman, quien caracteriza a un muy querido, dinámico y gracioso Bilbo. La dupla de actores que tan bien funciona en la serie Sherlock, también lo hacen aquí. Ambos hacen honor al título del film.

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Todo viaje tiene su final y particularmente con The Battle of the Five Armies (tercera y última parte), el cansancio se hace presente pero con los momentos oportunos que permiten reponer fuerzas y continuar el viaje. Desde el comienzo, con el breve ataque aéreo del dragón Smaug (Benedict “Sherlock” Cumberbatch) las imágenes gozan del espíritu de aventura que se había revitalizado con la entrega anterior, y si bien se repiten las fallas mencionadas, la épica cumple con su dosis de entretenimiento visual y argumental... aunque sea momentáneamente.

En esta tercera parte no es tanto el problema la invención de situaciones y personajes (a excepción del insoportable personaje del consejero que no es útil a la trama ni cumple con su función humorística), sino la forma de adaptar un libro infantil, que en teoría es más ágil y liviano que la trilogía de The Lord of the Rings, con el tono solemne y oscuro de esta otra. Este (ab)uso del material hace que,

junto a una edición donde se notan “las tijeras” haciendo su trabajo, entorpezcan su desarrollo. Ese apego a perpetuar la impronta de Lord of the Rings es la que termina costándole su propia identidad al film y elimina casi toda sorpresa. Genera una sensación constante de algo que ya se ha visto más de una vez. Mientras que el atractivo de la segunda parte era el encuentro con el dragón, en esta es prácticamente nulo.

Uno de los grandes aciertos es el cambio de ambiente durante la batalla. Escenarios rodeados de nieve y hielo son bien aprovechados tanto visualmente como elementos de resolución para las batallas, siempre y cuando se eviten las proezas de videojuego del elfo Legolas (Orlando Bloom). Otro eje de salvación es la actuación. Si bien debido al protagonismo coral hay un desaprovechamiento de personajes como Gandalf y Bilbo (Martin Freeman brilla siempre por más escaso sea el tiempo que aparece en pantalla),

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el mismo deja centrarse más en Thorin (Richard Armitage) y sus distintas facetas: consumido por la ambición de poder, su heroicidad y la amistad (el gran tema protagónico de las novelas de Tolkien y transmitido a la perfección por el actor); o en la relación de otros más secundarios como Kili y Tauriel (Aidan Turner y Evangeline Lilly). Apela mayormente al costado sentimental, permitiendo empatizar aún más, generando la sensación de sorpresa que se echaba de menos y brindando un final mejor construido en cuanto a clímax y argumento en comparación a la primera

trilogía de Peter Jackson.

Una obra algo fallida que, sin su empeño de abarcar más de lo que debía y más de lo mismo, podría haber funcionado de mejor manera. Los golpes y equivocaciones están notoriamente marcados en una batalla demoledora pero que, al igual que Gandalf, el film logra levantar y recuperar sus fuerzas en los momentos oportunos. Quizás es tiempo de que Jackson guarde finalmente el anillo único y descanse hasta tener la energía suficiente para viajar lejos de la Tierra Media.

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Imaginario

Esta sección trata de recuperar el arte de los ilustradores y dibujantes que tuvieron injerencia en el arte de revistas y libros. algo que no es muy común, pero en revista the 13th valoramos su trabajo y le dedicamos un espacio.

Virgil Finlay

Virgil Finlay fue una ilustrador de revistas pulp (ciencia ficción, fantasía y horror) entre ellas en la prestigiosa Weird Tales.Nació en 1914 en Nueva York y falleció en 1971. Es considerado como uno de los más famosos ilustradores de fantasía de mediados del siglo XX.Comenzó su carrera en 1927 en la revista “Amazing Stories” y en “Weird Tales” en 1928. H. P. Lovecraft le compuso un poema sobre sus obras.

Un fragmento del poema:“Sin embargo, sobre la página estremecida Encuentra formas monstruosas que ningún ojo humano debería ver; Pistas de aquellas blasfemias cuyo rostro Esparce la muerte y la locura a través del infinito.”

Ha creado más de 2.600 obras en sus 35 años de carrera. En el 2012 fue ingresado al Salón de la Fama de la Ciencia Ficción.

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El Jardín de las delicias-nuevas ediciones-

BosquesEl centro del vacío

Label: Pleroma Discos / Fuego Amigo Discos Fecha de lanzamiento: 25 de abril de 2014

La fórmula de Bosques nunca ha sido sencilla, sin embargo en este, su segundo y maravilloso LP, podemos encontrar mucha más cohesión tanto desde la faceta musical como también desde la letrística. “El centro del vacío”, por ende, es un trabajo con una gran variedad de ritmos y colores; en él hay momentos intimistas, percusiones tribales, folk espacial, melodías majestuosas, paisajes abstractos, explosiones psicodélicas… y todo, para colmo, cuidadosamente armado y ejecutado bajo una producción que es realmente excelsa (sobresaliente la labor de Francisco Marafioti). A diferencia de su primer disco (“Eomaia Nam”, de 2012), en esta nueva entrega el dúo integrado por Juan Cruz Del Cerro y Marcos Díaz pareciera querer electrizar su propuesta todavía un poco más -aunque nunca, por supuesto, dejando de conmover al oyente con esos climas tan mágicos y sensibles, bien propios de ellos-. Como último, y ya, sí, para ir cerrando, diré que, entre capas y capas de teclado y sintetizador, y guitarras con delay, esta banda no sólo se ha convertido, sino

que también ha encontrado, sin lugar a dudas, el viaje perfecto para que todos nos dejemos caer en la fascinación de lo Desconocido. A no perdérnosla entonces por nada del mundo. Temas destacados: “Yuco”, “Interferencia”, Cada cuerpo es la nave”, “El alimento hace bien”, “Umbral”, “El centro del vacío”.

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NFD - Walking The Dead Label: Jungle Records

Fecha de lanzamiento: 24 de Noviembre de 2014

Quinto álbum de esta banda de Goth Rock con raíces en Fields of The Nephilim y The Nefilim. Este nuevo trabajo de diez canciones no sorprende ni se aparta de lo esperado. Si bien se lanzó en el 2014 recién ahora lo podemos reseñar. La sonoridad de la banda está intacta, lo hemos comprobado en en su anterior mini álbum “Reformations” del 2013. Canciones como “Walking The Dead”, que abre el disco; “Got Left Behind”, “Let You Fall”, “The Great Divide”, “Evermore” o “The Silence Of The Angels” hacen que el disco sea disfrutable, pero sin sorprender. Por momentos nos trae a la memoria a The Nefilim y en otros a The Eden House, obviamente comparten algunos miembros, como Tony Pettit o Paul Miles. Un disco que no va a atraer manadas de fans nuevos, pero tampoco perderá seguidores.

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The Mission Aura / Aural Delight

Label: OblivionFecha de lanzamiento: 28 de Noviembre de 2014

Es incómodo, porque Aura es un muy buen álbum, de grandes canciones, continuidad respecto al eclecticismo de Neverland de 6 años antes, pero lo que tendríamos que evaluar acá no es el álbum en sí, sino su remasterización. Primero que nada, no es sólo Aura, sino también Aural Delight. Han sido juntados en un cd doble. Del sonido no podemos decir mucho. Es mucho más una reedición con algún bonus track, antes que una remasterización. Cuesta encontrar diferencias, así como pasó con las reediciones de Neverland y Blue, y no pasó con las excelentes remasterizaciones de los primeros álbumes. También desapareció el booklet, lamentablemente, y no hay notas ni información de ningún tipo. Sirve en un principio para que revaloricemos un álbum de la banda que logró excelentes momentos como Evangeline, Dragonfly, In Denial, etc. También Aural había tenido grandes momentos, como todas las reversiones en clave gothic rock del disco Masque, el cover de DM Never Let Me Down Again… Pero volviendo a la reedición, lo que se suma es la versión del tema de Bob

Dylan White Chrsitmas en Aura (no tuvo mucho sentido incluirla ya que es un tema que grabó Wayne en su casa de San Pablo diez años después de la salida del disco, sólo el valor de tenerlo en un cd oficial ya que había estado disponible sólo para quienes éramos miembros del foro de la banda) y algunos temas extra en Aural Delight: She’s Gone Away (out take de las sesiones de Blue), y A Change in The Weather en su versión con la banda Votiva Lux (después incluyó una nueva versión en su disco con Julianne Regan). Éstos últimos dos temas son dos gemas olvidadas que merecían ser editadas en la discografía oficial de la banda. La bronca, quizá, sea que no se decidieron por agregar los demos de Aura, con las versiones de los temas en crudo, sin la subsiguiente producción del disco, que nos daban cortes mucho más potentes y de rock clásico de Mesmerised y Lay your hands on me (por poner sólo dos ejemplos) que hubiesen hecho del disco algo totalmente diferente. Está recomendado sólo si eres fan de la banda (como yo). Sino bájalo, y escucha los tres temas extras.

Bad Sector - AbsoluteLabel: Bad Sector Self-released

Fecha de lanzamiento: 15 de Enero de 2015

Carnage” (más de 16 minutos) nos vuelve al plano del ruido como búsqueda. “Awful Deep” nos proporciona una hueca ambientación que deja, durante ocho minutos, que los tímpanos descansen, pero que busquen en la ambientación que se va transformando en un ruido blanco suave que va in crescendo hacia el final del track. “Social Interaction” es una sombría ambientación casi cinematográfica, parece vacía pero obliga a la concentración y a descubrir los sonidos con baja frecuencia. “Lower”, otro extenso track de veintidós minutos, comienza con sonidos graves, que parecen no estar, pero que se perciben prestando mucha atención. Y se mantienen en esa profundidad expectante hasta el final. El octavo y último track, “The Forthright Fool” es un relajado juego de bajas frecuencias en la cual el protagonismo la tiene la frecuencia más aguda (Que no lo es tanto). Un trabajo interesante (tal vez para muy pocos), lleno de capas de frecuencias y saturaciones, arregladas con maestría por Kevin. Reitero, sólo para entendidos en el tema.

Hablar de un álbum que combina el ruido como forma de arte, es difícil de abordar. Para escuchar este nuevo trabajo de Kevin debemos quitarnos todo preconcepto de lo que uno cree saber sobre el arte como arte mismo. Lo mismo sucede al encontrarse con artistas experimentales o que ven sonoridades interesantes donde la mayoría no la encuentra. Entonces entramos en un terreno ríspido y con múltiples variables. La desestructuración, o simplemente, la destrucción del modelo canción es puesto de manifiesto en estos trabajos y en este tipo de artistas. (Sirva todo este comentario a lo que más adelante leerán). Kevin Drumm no es un principiante en esto, hace casi veinte años que viene lanzando material, creo que el primero salió en 1997. Podemos hablar de un disco oscuro, por momentos con una furiosa franja de saturaciones como en “What Sleep Is” y “Private Fugues”, o de un vacío necesarios luego delos dos tracks anteriores en “The Sinking Quarrel”. En el extenso “Panoramic

Kevin DrummEverything’s going along as usual

and then all shit breaks looseLabel: Editions Mego

Fecha de lanzamiento: 12 de Enero de 2015

Nuevo trabajo de este proyecto del italiano Massimo Magrini, quien viene trabajando de manera interrumpida desde hace más de veinte años. Este nuevo álbum editado independientemente, es básicamente dark ambient. Doce tracks que ambientan este álbum con lúgubres paisajes atmosféricos, la experimentación transcurre dentro de espacios claustrofóbicos, con muchos sonidos industriales y extraños sonidos de pianos. Siempre en la búsqueda de lo que va más allá de una simple comprensión musical. Acá no se busca belleza, acá no se busca la armonía, acá se busca una efectividad climática, sin apelar a los sonidos bruscos o saturaciones. Un trabajo dramáticamente logrado, claustrofóbico, oscuro y por momentos tenebroso.

Marilyn Manson The Pale Emperor

Label: Cooking Vinyl Fecha de lanzamiento: 16 de Enero de 2015

El Anticristo, El Reverendo, y los adjetivos que quieran asignarle a Marilyn Manson, está de vuelta. Luego de “Born Villian” del 2012, se edita “The Pale Emperor”. Trece nuevas canciones que desde su “Killing Strangers”

entendemos que nada ha cambiado, el sonido que fue cristalizando por Manson, en sus más de veinte años de carrera, no se ha modificado, ni perdido eficacia ni potencia. Canciones como el single “Third Day Of A Seven Day Binge” o “The Mephistopheles Of Los Angeles”, “Slave Only Dreams To Be King” o “The Devil Beneath My Feet” hacen que el disco tengas ese gusto a “buen disco”, nada de irreverencia nueva, sólo lo esperado. Un disco que sin sorprender colmará las expectativas de los fans.

INTENT: OUTTAKE Wake Up Call

Label: Sonic-XFecha de lanzamiento: 16 de Enero de 2015

Ya con el primer track, llamado simplemente “Intro”, sabemos que empezaremos a movernos, cosa que con el siguiente track “Seek And Destroy” se confirma. Con “The Edge” no volvemos EBM o Synthpop, más al estilo De/Vision, aunque un poco más saturado. El disco va prometiendo más de lo que va cumpliendo, hasta que llegamos al track seis “Let Me Be” en donde sube un poco el ritmo, sin abandonar ese gusto a sus coterráneos De/Vision. Luego hay que esperar hasta el track diez “Before I Go” y en

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Deicida 69 -Deterioro Nervioso Irreversible

SynesthesiaLabel: Garbage Men Puking

Fecha de lanzamiento: 17 de Enero de 2015

Para entender lo que nos trae este Split entre estas dos bandas de Latinoamérica, deberíamos leer la introducción que hicimos en el álbum de Kevin Drumm. Una vez entendido eso, podemos adentrarnos en el maravilloso mundo de Synesthesia. El trabajo está dividido en dos partes de tres tracks, el primer terceto es de Deicida 69, banda mejicana, quien ha participado en el “Compilado Imaginario” de nuestra revista. Ya he escuchado su trabajo y sé que últimamente ha estado muy activo editando splits y tratando de conectarse con artistas del mundo, como en noviembre pasado que ha editado un Split con nuestro entrevistado del número anterior Yuuko Haii. Synesthesia abre con el track “Lesia Ntoa”, con un vertiginoso y acelerado ritmo, que sirve de base para que una guitarra histérica se luzca a lo largo de los casi tres minutos de la canción. Para tomar la ruta y acelerar a fondo. Luego continúa la velocidad con la corta pero

el once “Break Away” para encontrar ritmicidad. Un trabajo flojo, que comienza prometiendo pero que a lo largo del avance de los tracks empezamos a ver que nunca explota y termina diluyéndose.

contundente “Peyote”, con un tremendo bajo, mezclando secuencias a lo Ministry. El tercer track, “Barbichuettes Night (A Tribute To John Zewizz)”, es más experimental, acá rompe toda construcción armónica de lo conocido como “canción”. Por momentos se vuelve inquietante, más allá de la voz femenina, por momentos se torna sexual y provocativa. Y todo se va deformando y formando un interesante track netamente experimental. John Zewizz (si lo escucha) se pondrá contento de un tributo de esta manera, ya que logra captar el espíritu del trabajo del tributado. A continuación vienen los tres tracks de “Deterioro Nervioso Irreversible”, el proyecto argentino, proveniente de la ciudad de Córdoba. “A.S.C.O.” es el primer track de su participación, totalmente noise experimental. Ruidos, saturaciones, sin aparentes formas o totalmente anárquico, encuentran en la desestructuración la arquitectura sonora del track. “Moloch Blues” es el siguiente track que va en el mismo camino y en las saturaciones va tomando formas extrañas y extremas. “Las Venas Abiertas De Burroughs” es el track que cierra este trabajo en conjunto. Obviamente no es la excepción a la búsqueda impulsada por “Deterioro Nervioso Irreversible”. Celebro que haya este tipo de trabajos conjuntos entre bandas latinas, es el alma de Revista The 13th.

Dead Voices On AirVanklaverland - Anchorage

Label: Dead Voices on AirFecha de lanzamiento: 19 de Enero de 2015fecha de lanzamiento: 25 de enero de 2015

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Dos publicaciones de este proyecto de Mark Spybey llamado Dead Voices On Air. Uno de estudio y otro en vivo. Pero vamos con el primero, Vanklaverland. La verdad es que hay que tener ánimo para escuchar estos trabajos ambient. Cuando uno escucha discos y discos cada vez cuesta más encontrarle las virtudes a los álbumes de este estilo de música. Lo mismo pasa con todos aquellos estilos que empiezan a ponerse en boga y muchos artistas deciden lanzarse a editar material de algo que en algún momento parece acabarse. Este trabajo de Dead Voices On Air me pareció monótono. Salpicado de retazos de una misma tela, casi sin variaciones que me hagan no pensar cuanto falta para que termine el álbum. Cada nuevo track la pregunta se me hizo más recurrente, por lo que a mí, personalmente, concierne prefiero otros álbumes, como “Anchorage”. Un álbum en vivo, con todo lo que eso significa, imaginar a una audiencia entrando en caminos

lánguidamente oscuros e interminables, en donde los sonidos van marcando el estado de ánimo de cada canción. Tracks como “Forge Zee” van entramando ambientaciones de desasosiego e incertidumbre que cubren de miedos los oídos, como que alguien nos sigue. “Angel 3” es una belleza, luminosa y etérea. “Anchorage Blur” nos crea expectativa y a la vez un halo de misterio y de suspenso nos traspasa la espalda. Un gran disco grabado en Brooklyn Anchorage, de Nueva York, el 17 de Julio de 1996. Los músicos que acompañan a Mark Spybey son: James Plokin en guitarra y Jim Coleman en teclados. Magnífico registro en directo.

The Go-Betweens – G Stands For Go-Betweens: Anthology Volume 1

Label: dominoFecha de lanzamiento: 19 de Enero de 2015

Para todos los que valoramos de sobremane-ra la música de King Crimson cabe señalar que fue una espléndida noticia saber que en 2014 regresarían a los escenarios y que era muy probable que se adentraran al estu-dio nuevamente, el año 2015 nos recibe con la noticia de que nuestras plegarias fueron escuchadas, pues la agrupación regresa con una nueva producción: Live at Para todos los que valoramos de sobremanera la músi-ca de King Crimson cabe señalar que fue una espléndida noticia saber que en 2014 regresarían a los escenarios y que era muy probable que se adentraran al estudio nueva-mente, el año 2015 nos recibe con la noticia de que nuestras plegarias fueron escuchadas, pues la agrupación regresa con una nueva producción: Live at the Orpheum. Si bien es cierto que el Crimson no ha estado del todo alejado del estudio pues Robert Fripp nos regaló hace no mucho una obra sobresaliente llamada A Scarcity of Miracles acompañado de Collins y Jakszyk, este nuevo trabajo nos pone en contacto con una de las bandas con mayor entendimiento de la escena del Pro-gresivo, aunque sabemos que King Crimson va más allá del rock ya que se establece de fina manera en el Jazz, el clásico con-temporáneo y la música experimental. ¿Por qué es interesante un nuevo disco del “Rey Carmesí”? Quizá es para sentir de nuevo el rojo, el azul, el negro, la ausencia del color y todos los tonos del prisma, Crimson en-tiende a profundidad desde 1969 la armonía y la visceralidad, ahora regresan con tres bateristas: Gavin Harrison (Porcupine Tree), Bill Rieflin y Pat Mastelotto, Tony Levin en el bajo, Mel Collins en el saxofón y en las guitarras Jakko Jakszyk y Robert Fripp. Nue-va piel para esta banda significa reinvención, para los que gustamos de sus intermitencias significa adentrarnos a los nuevos laberintos de una mente genial como lo es la de Fripp, esperemos este nuevo cd con gusto y con la confianza de que no será en balde. ¡Salud!

King Crimson Live At The Orpheum

Label: Discipline Global Mobile Fecha de lanzamiento: 20 de Enero de 2015

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Extraordinaria reedición de esta primera parte de la discografía de la banda australiana. Una cuidadosa Edición Limitada de ocho cds, en versiones remasterizadas. El primer CD, contiene los cinco primeros singles, Lee Remick (1978), People Say (1979), I Need Two Heads (1980), Your Turn, My Turn ‎(1981) y Hammer The Hammer (1982). El segundo, tercer y cuarto CD, son sus tres primeros álbumes, “Send Me A Lullaby” (1982), “Before Hollywood” (1983) y “Spring Hill Fair” (1984). Luego los cuatro CDs restantes son rarezas, outtakes y presentaciones en vivo que van desde 1978 a 1984. Además trae un libro de 112 páginas con fotos de archivo, historias narradas por su vocalista Robert Forster, además una réplica del cartel del primer single “Lee Remick” y el primer comunicado de prensa de la banda.Aquellos fanáticos de la banda estarán de parabienes con esta caja, y los que no conocen a esta banda de new wave, ésta es la posibilidad.

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björk - VulnicuraLabel: One Little Indian

Fecha de lanzamiento: 20 de Enero de 2015

Nuevo trabajo de la talentosa islandesa. El noveno en su discografía de estudio. Vulnicura es un álbum de nueve canciones, que según la artista trata del sentimiento tras la ruptura con su pareja Matthew Barney. Pensado para editarlo en marzo, se filtró por internet, por lo cual se adelantó dos meses su lanzamiento. Vulnicura es un juego de palabras entre la palabra Vulnus (Herida) y Cura (de curar), lo que vendría a significar algo así como “Curación de las heridas”, en clara alusión de la ruptura sentimental. Y ante ese final el álbum se vuelve más introspectivo y menos arriesgado. Por momentos se vuelve al sonido de “Homogenic”, con arreglos de cuerdas y beats electrónicos, como un volver a un lugar seguro y buscar un punto de conocido para recuperarse. Los primeros tracks “Stonemilker”, “Lionsong” y “History of Touches”, hablan exclusivamente de esa ruptura y su sonoridad recuerda mucho al álbum del 97, “Black Lake” esel track más largo que Björk haya editado, y la letra lo dice todo: “Nuestro amor era mi vientre / Pero nuestro vínculo se ha roto y mi escudo se ha

ido / mi protección ha sido robada.” Luego dos tracks “Family” y “Not Get” no varían en la temática del álbum. “Atom Dance” es una dulce canción que tiene como vocalista invitado a Antony Hegarty (Antony and the Johnsons), en donde un juego de cuerdas se va repitiendo una y otra vez de manera armoniosa, y la voz de Björk juega sobre ellas. “Mouth Mantra” es la única canción coescrita del álbum, está compuesta por Björk y Oddný Eir, quien trabaja con la islandesa desde “Biophilia”. El track final “Quicksand” es el más electrónico del álbum, pero no salta al beat bailable, sino que se mantiene en una secuencia que se va enrareciendo y cierra de manera más optimista hablando del rol de la mujer en las parejas.Vulnicura es un álbum introspectivo, para adentro, en donde Björk expulsa su dolor hacia fuera de su alma regalándonos nueva canciones que nos recuerdan a anteriores trabajos, tal vez no tenga ese paso más allá que siempre nos ofrece, pero está todo armado con aplicaciones e instrumentos armados para la gira de Biophilia. Un trabajo exquisito que sirve de puerta de entrada para algún extraterrestre que aún no conozca el trabajo de esta artista increíble.

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Eisbrecher – SchockLabel: SevenOne Music

Fecha de lanzamiento: 23 de Enero de 2015

Sexto álbum de los alemanes de Eisbrecher. Muy influenciados por Rammstein, ya desde su primer track “Volle Kraft Voraus” podemos sentir esa influencia. El track 2 fue lanzado a principio de enero como single adelanto “1000 Narben”, en donde con potencia la banda no deja de lado las buenas canciones y en donde su vocalista, Alex Wesselsky, hace que las canciones tengan fiereza. “Schock” el tercer track fue uno de los que más me gustó del álbum que tiene muy buenas canciones como el lado B del primer single “Zwischen Uns”, “Dreizehn”, el genial electro de “Nachtfieber”, la dura y rammsteniana “Fehler Machen Leute” o la de corte más épica “Der Flieger” y el final con la tremenda “So Oder So”, hacen de Schock un álbum imperdible para los amantes del rock más industrial a lo Rammstein. ¡Una banda que encontró su norte!

Segundo single adelanto del nuevo trabajo de Blutengel, llamado “Omen” a editarse en febre-ro de este año. Tuvimos en noviembre el prim-ersingle dela canción “Asche Zu Asche”. Y ahora nos encontramos con este nuevo single, que con-sta de la canción principal, “Sing” y dos remix-es “Sing (Fear In Motion-Electro Mix)” y “Sing (Meinhard Alchemusic Version)”, más un Lado B llamado “Starkeeper (Single Edit)”. “Sing” es una canción que en su comienzo recuerda a “We Will Rock You” de Queen, pero enseguida se con-vierte en una tremenda canción (aunque por mo-mentos me recuerda a algo de Rammstein). Pero obviamente tiene el estilo aguerrido y elegante de los alemanes de Blutengel. Un track perfecto con mucha calidad y potencia que hace que es-peremos más ansiosamente el álbum. Luego los remixes no agregan mucho ni mejoran la canción original. Por último el Lado B es bien Electro y Synth-pop, elegante y armonioso, un gran Lado B. Todavía falta unas semanas para escuchar el nuevo álbum, unas largas semanas.

Blutengel – Sing (Single)Label: Out Of Line

Fecha de lanzamiento: 23 de Enero de 2015

Efemérides: 08 de enero de 1935 nace elvis aaron presley

80 años del Rey – El que enseñó el caminoPor diego centurión

Todos sabemos que no fue el que lo inventó, ni aquel que lo perfeccionó. Pero de más está decir que fue el que lo hizo popular, el que lo llevó a las grandes masas. Fue el que lo hizo escándalo con su conocido “meneo de Pelvis”. Elvis es Pelvis y Rock and Roll. Pero Elvis fue erróneamente llevado de la rebeldía al grado de “Héroe Nacional” de los EEUU., lo que le valió admiradores y detractores. Pero lo que todos sabemos que fue un ícono de la cultura de los 50s, 60s y que su brillo siguió en

los 70s, aunque a esta altura estaba un poco más edulcorado por la fama y sus medicaciones. Lo cierto es que fue el puntapié inicial de la historia del Rock (blanco), ya que se venía gestando en la raza negra como un derivado del jazz (esto da para una publicación sobre este tema). Y lo popularizó, horrorizando a los pacatos de la época, pero enloqueciendo a la juventud de la época. Elvis tuvo varias facetas, la netamente rockera (el principio) creando la popularidad del

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rockabilly y el rock and roll. Todo esto en los 50s hasta 1959, el año negro del rock and roll, donde varios acontecimientos marcaron la decadencia, uno de ellos el ingreso al servicio militar de Elvis. En los años 60s, Elvis volvió pero como el “buen chico” domesticado y prolijo para todos los públicos (la etapa de las películas) pero no se olvidaba de rockear de vez en cuando. Luego en el 68 se viste de cuero en partes del especial llamado “Elvis (NBC TV Special)”, también conocido como “68 Comeback Special”. Ya en el 73, realiza el primer concierto (con su típico traje blanco de los 70s) transmitido mundialmente vía satélite (el primer show en la historia visto al mismo tiempo en muchos países). Año en que se divorció de Priscilla, y esto sumó en un deterioro paulatino por el uso de drogas. Aunque ese año realizó 168 conciertos… ¡tremendo! En 1977 sale su último álbum “Moody Blue” que salió justo un mes antes de su muerte.

Dentro de las bandas que nos gustan (puede que todas no te gusten) hay muchísimos que grabaron alguna canción que Presley

interpretó, sólo por nombrar a algunos “Daniel Ash – Blue Moon (Coming Down)”; “Tones On Tail ‎– Heartbreak Hotel (Weird Pop)”; “Peter Murphy ‎– Love Me Tender (Alive Just For Love)”; “Nick Cave and The Bad Seeds - In The Ghetto”; “Danzig – Trouble (Thrall-Demonsweatlive)”; “Brian Setzer (y todos sus derivados han grabado varias)”; “The Cramps – Fever (Songs The Lord Taught Us)”; “John Cale - Heartbreak Hotel (Slow Dazzle)”; “Devo ‎– Don’t Be Cruel (Total Devo)”; “The Residents ‎– Varios canciones (The King & Eye)”; “Buzzcocks ‎– I Can’t Control Myself (Time’s Up)”; “Sigue Sigue Sputnik ‎– le dedicó el álbum “Blak Elvis Vs. The Kings Of Electronic Rock And Roll”; “The 69 Eyes ‎– Burning Love (Bump’N’Grind)”; “69 Cats – She’s not you (Transylvanian Tapes)” o “U.K. Subs – I Couldn’t Be You (Another Kind Of Blues)”.

Podemos mencionar algunas versiones en vivo en bootlegs: “Martin Gore - Crying in the Chapel (Piano Bar Session)”. Y también podemos nombrar el híbrido “Nine Inch Elvis”,

ese proyecto que simulando ser Nine Inch Nails versionaba canciones de Elvis. Elvis fue el primer gran ídolo de la juventud, que logró eclipsar durante décadas al mundo de la música, hasta cuando tenía pancita y se ponía a rockear lo hacía como ninguno. Un ícono de la cultura mundial del siglo XX. Te puede gustar o no, pero Elvis no pasa desapercibido.

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