Roman Ondák— Artist of the Year 20121966 Born in Žilina, Slovakia1988 — 1994 Academy of Fine Arts, Bratislava, Slovakia1993 Slippery Rock University, Pennsylvania,

USA

Lives and works in Bratislava, Slovakia

Roman Ondák is one of the most exciting representatives of a young generation of conceptual artists. As Deutsche Bank’s “Artist of the Year” 2012, the Slovakian artist will have a large solo exhibition at the Deutsche Guggenheim this year. With simple means, Ondák creates art that lends everyday experiences and perceptions a philosophical, political, or socio-critical dimension. At the same time, his interventions analyze structures of the art industry. This was the case in 2009, when he represented Slovakia at the Venice Biennale. For his installation “Loop”, for which he made a series of sketches, Ondák extended the landscaping of the exhibition park into the interior of the Slovakian pavilion. Bushes, shrubs, and paths continued through the exhibition building, as though the structure did not exist. The work dissolved boundaries between interior and exterior space and hence the pavilion itself along with its function. “Loop” was a turning point in Ondák’s career, marking his international breakthrough.

Cover Обложка: Loop, 2009Preliminary drawing for the installation Предварительный эскиз инсталляции 18 × 24 cm © Courtesy of the artist

1966 Родился в Жилине, Словакия1988 — 1994 Academy of Fine Arts, Братислава,

Словакия1993 Slippery Rock University, Пенсильвания,

США Живет и работает в Братиславе, Словакия

Роман Ондак является одним из интереснейших представителей нового поколения концептуалистов. Словаку как лауреату премии Дойче Банка «Художник 2012 года» будет посвящена в этом году большая персональная выставка в музее Дойче Гуггенхайм. При применении незатейливых средств Ондаку удается творчество, придающее повседневным событиям и впечатлениям философский, политический или же социально-критический размах. При этом его демарши ставят под вопрос и саму структуру экспонации произведений искусства. Как, к примеру, в 2009 году в составе делегации Словакии на биеннале в Венеции. Для своей инсталляции «Петля», созданной на основе линии зарисовок, Ондак расширил границы озеленения выставочного парка, так называемого джардини, внутрь павильона. Кусты и дорожки вели напрямую через выставочное строение, как будто бы оно и вовсе не существовало. Таким образом, Ондак стер границы между внутренним и внешним пространством и устранил одновременно непосредственную представительскую функцию строения. «Петля» стала переломным пунктом в биографии Ондака. Благодаря инсталляции в Венеции ему удалось добиться успеха на международной арене.

© Roman Ondák, Photo: Fabrizio Giraldi

Eberhard Havekost | Эберхард Хавекост * 1967, Untitled | Без названия, 1996

January Январь 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 11 12 13 14 15 16 17 18 19 20 21 22 23 24 25 26 27 28 29 30 31

Eberhard Havekost1967 Born in Dresden, Germany1984 — 1985 Apprenticeship as a stonemason1991 — 1996 Master of Fine Arts at the Hochschule

für Bildende Künste (HfBK), Dresden, Germany

Lives and works in Berlin, Germany

Eberhard Havekost calls his paintings “user interfaces”. With a distant style, they show a world defied by the media in fragmentary, subdued images. Thanks to these works the Dresden-born artist became one of the most important proponents of new figurtive painting at the end of the 1990s. Using images he fids in print media, on the Internet, or in videos as the starting point for his paintings, Havekost confronts the viewer with frozen moments of a strangely artificialand constructed reality. In his paintings everything, even the most banal motifs and random places, transforms into an impeccable surface, into a setting: trains, airplanes, campers, waste dumps. The made-up, overexposed faces of the people he portrays look like stereotypical facades. Concealed behind a headscarf and sunglasses is an existential emptiness and nothingness. One of Havekost’s great achievements is his ability to use the supposedly outdated medium of painting to refect the attitude toward life that characterizes our emerging age of globalization and digitization.

Untitled Без названия, 1996 Gouache on printed paper Гуашь на запечатанной бумаге 28.5 × 20.9 cm© The artist and Galerie Gebr. Lehmann, Dresden / Berlin

1967 Родился в Дрездене, Германия 1984 — 1985 Учеба на каменотеса1991 — 1996 Master of Fine Arts при Hochschule

für Bildende Künste (HfBK), Дрезден, Германия

Живет и работает в Берлине, Германия

Эберхард Хавекост называет свои полотна «пользовательским интерфейсом». Они иллюстрируют информатизированный мир в отстраненном стиле при помощи сдержанных, фрагментарных изображений. И именно благодаря им уроженцу Дрездена удалось стать в конце 90-х годов одним из важнейших протагонистов обновленной фигуративной живописи. Хавекост использует в качестве образца для своих полотен уже существующие иллюстрации из прессы, Интернета или видеороликов, конфронтируя зрителя с остановленными мгновениями необычайно искусственной и сфальсифицированной реальности. Его живопись превращает все вокруг, включая даже самые банальные мотивы и случайные сцены, в идеальную поверхность, в кулисы: поезда, самолеты, жилые фургоны, дома, внутренние помещения, помойки. А разукрашенные, засвеченные лица на его портретах кажутся стереотипными фасадами. Под головным платком и солнечными очками нет ничего, кроме экзистенциальной пустоты. К значимым заслугам Хавекоста относится то, что ему удается отобразить дух начинающейся эпохи глобализации и дигитализации при помощи такого предположительно устаревшего средства, как живопись.

© Courtesy Galerie Gebr. Lehmann, Dresden / Berlin

Paulina Olowska | Паулина Оловска * 1976, Car Mobile Collage, 2009

February Февраль 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 11 12 13 14 15 16 17 18 19 20 21 22 23 24 25 26 27 28 29

Paulina Olowska1976 Born in Gdańsk, Poland1996 Bachelor of Fine Arts, School of the Art

Institute of Chicago, Illinois, USA2000 Master of Fine Arts, Academy of Fine Arts,

Gdańsk, Poland Lives and works in Berlin, Germany, and in Warsaw, Poland

Paulina Olowska combines all kinds of influeces in her work. References to modern utopias meet autobiographical elements; pop art is juxtaposed with visual relics from Eastern bloc socialism. “Car Mobile Collage” shows a stylish young couple in a convertible. An oversized umbrella protects them from the tribulations of life, symbolized by the cryptic “PIT-53”, an abbreviation for a Polish tax form that consistently drives those who have to fillit out to despair. Olowska’s paintings of Polish punk bands, many of which were not allowed to play in front of audiences in the 1980s, also refer to state repression. To make such allusions to real social issues, Olowska reproduces and collages pictures from newspapers, which she subsequently transforms into serigraphs. She then works on the latter with foils and colored pencils. Few contemporary artists make use of the store of images from art history and pop culture with such virtuosity as the young Pole, who uses the method of photomontage to scrutinize our ideas of progress and modernity.

Car Mobile Collage Коллаж Автомобиль, 2009 Serigraph on paper Шелкография на бумаге 251.5 × 184.2 cm © Courtesy of the artist and Metro Pictures

1976 Родилась в Гданьске, Польша1996 Bachelor of Fine Arts, School of the Art

Institute of Chicago, Иллинойс, США2000 Master of Fine Arts, Akademia Sztuk

Pięknych, Гданьск, Польша Живет и работает в Берлине, Германия, и Варшаве, Польша

Паулина Оловска комбинирует в своих работах самые различные влияния: ссылки на утопии современного искусства сочетаются с автобиографическим, поп-арт — с визуальными пережитками социализма восточного блока. Например, «Коллаж Автомобиль» изображает молодую стильную пару в кабриолете. Огромный зонт защищает их от повседневных невзгод, символизированных загадочным «PIT-53». Эта аббревиатура олицетворяет польский налоговый бланк, регулярно приводящий в отчаяние заполняющих его лиц. Изображения польской панк-группы, которой в 80-х нередко запрещалось выступать, также указывают на репрессии со стороны государства. Для подобных ссылок на реальные общественные темы Орловска копирует газетные иллюстрации, составляет из них коллажи, а затем создает на их основе эстампы. В заключение она дорабатывает их при помощи цветных карандашей и фольги. Лишь немногие современные художники так виртуозно черпают изображения из современной истории искусства и поп-культуры, как это делает молодая полячка, задаваясь вопросом о наших представлениях о прогрессе и новизне.

Thomas Werner | Томас Вернер * 1957, Bergkristall, 2005

March Март 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 11 12 13 14 15 16 17 18 19 20 21 22 23 24 25 26 27 28 29 30 31

Thomas Werner1957 Born in Neu-Ulm, Germany1979 — 1984 Studied at the State Academy of Fine Arts,

Karlsruhe, Germany Lives and works in Frankfurt am Main, Germany

Narcissus in the digital age: a young man studies his refection, as the son of the Greek river god Chephissus once did, falling in love with his own countenance. But in the era of photo-editing programs such as photoshop, in the age of social media and anonymous chat rooms, terms like beauty and identity are hazy and intangible. The abstract color surfaces surrounding the figurein Thomas Werner’s painting are similarly diffuse.Indeed, the artist composes his images on the computer by means of an elaborate design pro- cess. He works with photos from the mass media and cites art history as well as his own works. The young man from “Bergkristall” can be found on other paintings by the artist. When the digital draft is finished,it is printed out and transferred to canvas. With this artistic strategy, Werner points to the fact that images are constructs whose authenticity increasingly dissolves.

Bergkristall Горный хрусталь, 2005 Acrylic on canvas Акрил на холсте220 × 280 cm © Galerie Bärbel Grässlin, Frankfurt am Main

1957 Родился в Ной-Ульме, Германия1979 — 1984 Учеба в Staatliche Akademie der

Bildenden Künste, Карлсруэ, Германия Живет и работает во Франкфурте-на-Майне, Германия

Нарцисс в цифровом веке: молодой человек изучает свое отражение, как прежде сын греческого речного бога Кефиса, влюбившийся в свой собственный лик. Но в век графических редакторов наподобие Photoshop, социальных сетей и анонимных форумов такие понятия, как красота и личность, размыты и малоосязаемы. Такими же диффузными представляются абстрактные цветовые поля, обрамляющие фигуру на картине Томаса Вернера. Картины художника являются фактически результатом трудоемкого творческого процесса за компьютером. При этом он работает не только с фотографиями из СМИ или же воспроизводит изображения из истории искусства, но использует и собственные произведения. Молодого человека из «Горного хрусталя» можно встретить и на других полотнах художника. По завершении цифрового эскиза он распечатывается и переносится на холст. Эта художественная стратегия Вернера напоминает о том, что изображение — это только образ, чья подлинность постепенно растворяется.

© Galerie Bärbel Grässlin, Frankfurt am Main Photo: Wolfgang Günzel, Offenbacham Main

James Rielly | Джеймс Райлли * 1956, Signing, 2003

April Апрель 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 11 12 13 14 15 16 17 18 19 20 21 22 23 24 25 26 27 28 29 30

James Rielly1956 Born in Wrexham, Wales, United Kingdom1975 — 1978 Studied at Gloucester College of Art &

Design, Cheltenham, United Kingdom1980 — 1981 Studied at Belfast College of Art, Belfast,

Northern Ireland

Lives and works in London, United Kingdom, and in Paris, France

“I am not a political artist”, says Rielly, “but I mock certain things, power, relations in families, the constraints to which we’re subject, the role we’re forced to play, the narcissism of any individual who wants to be exceptional”. Since he took part in the exhibition

“Sensation” at the London Royal Academy in 1997, the Welsh artist’s works have regularly unsettled viewers. Lurking behind his delicately pallid portraits, for which he often uses pictures from newspapers and magazines or snapshots that he finds, are emotional, sexual, and psychological precipices. With caustic humor, Rielly exposes stereotypical representations of family idylls and childhood, turning the roles on their head. Adults behave like children, while boys and girls adopt adult attitudes. The girl in the watercolor “Signing” is strangely disturbing. She looks at the viewer challengingly. Her hands form a crown but at the same time recall the “devil’s sign” of heavy-metal fans— a balled fist with the index finger and little finger extended. It is a questionable gesture which for Rielly signals that childhood as a time of innocence is a thing of the past.

Signing Знаки, 2003Watercolor on paper Акварель на бумаге133 × 95 cm© James Rielly, www.jamesrielly.com

1956 Родился в Рексэме, Уэльс, Великобритания

1975 — 1978 Учеба в Gloucester College of Art & Design, Челтнем, Великобритания

1980 — 1981 Учеба в Belfast College of Art, Белфаст, Северная Ирландия

Живет и работает в Лондоне, Великобритания, и Париже, Франция

«Я не являюсь политическим художником, — говорит Джеймс Райлли, — но я высмеиваю определенные вещи: власть, внутрисемейные отношения, стесняющие нас рамки, навязываемые нам роли, нарциссизм отдельных личностей, стремящихся быть чем-то особенным». Работы уэльского художника регулярно озадачивают зрителя с момента его участия в выставке «Sensation» в лондонской Royal Academy в 1997 году. В его пастельных портретах, для которых он нередко использует иллюстрации из журналов и газет, а также случайные моментальные снимки, таятся эмоциональные, сексуальные и психические бездны. С горькой иронией Райлли разоблачает стереотипное изображение семейной идиллии и детства, переворачивая с ног на голову привычные роли: взрослые ведут себя как дети, в то время как мальчики и девочки перенимают поведение взрослых. Девочка на акварели «Знаки», к примеру, тоже выглядит достаточно странно. Вызывающе смотрит она на зрителя. Ее руки сложены при этом в форме короны, но напоминают также и «дьявольский знак» любителей тяжелого рока — сжатый кулак с выпрямленными указательным пальцем и мизинцем: сомнительный жест, сигнализирующий о том, что для Райлли детство уже давно перестало быть периодом невинности.

© Sunflowers and Oldman, Lucas Rielly 2011

Roman Ondák | Роман Ондак * 1966, Glimpse, 2010

May Май 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 11 12 13 14 15 16 17 18 19 20 21 22 23 24 25 26 27 28 29 30 31

Roman Ondák— Artist of the Year 20121966 Born in Žilina, Slovakia1988 — 1994 Academy of Fine Arts, Bratislava, Slovakia1993 Slippery Rock University, Pennsylvania,

USA

Lives and works in Bratislava, Slovakia

Roman Ondák executed his series “Glimpse” in 2009 for the exhibition of the same name at the Fondazione Morra Greco in Naples. “Glimpse” plays with the expectations that we have of certain places and events. Ondák focuses on one of the landmarks of the region: Vesuvius not only fascinates tourists from all over the world but also represents the possibility of a disaster. Ondák ironically reflects both the tourists’ view of the volcano and the latent danger of a natural hazard. The series consists of 16 old prints that show recurring eruptions of the volcano in different epochs. The event is always watched by a group of people. As though traveling back in time, Ondák adds a drawing of himself as a fascinated outsider who can experience the scene impartially and observe how others observe. We, in turn, observe Ondák. All that remains of the actual event is a reproduced echo, a fleeting glance.

Glimpse Беглый взгляд, 2010From a twelve-part series, pencil on found printПолотно из серии, состоящей из двенадцати картин, простой карандаш на готовой печатной основе26 × 17.4 cm© Courtesy of the artist

1966 Родился в Жилине, Словакия1988 — 1994 Academy of Fine Arts, Братислава,

Словакия1993 Slippery Rock University, Пенсильвания,

США Живет и работает в Братиславе, Словакия

Серия работ Романа Ондака под названием «Беглый взгляд» была создана для одноименной выставки в Fondazione Morra Greco в Неаполе. «Беглый взгляд» разрушает наши представления об определенных местах или событиях. Для этого Ондак использует в качестве мишени один из символов региона: Везувий является не только предметом восхищения туристов со всего света, но и таит в себе возмож- ность катастрофы. Оба аспекта — взгляд туриста и латентная опасность, исходящая от природных стихий, — с иронией отображаются Ондаком. Серия состоит из 16 старинных эстампов, изображающих в своей общности вновь повторяющиеся извержения вулкана в различные эпохи. За событием постоянно наблюдает группа людей. Ондак изобразил и самого себя в качестве путешественника во времени, постороннего, восхищенно и совершенно бездеятельно следящего за происходящим, наблюдающего за тем, как наблюдают другие. А мы, в свою очередь, наблюдаем за ним. От события собственно здесь остается лишь повторяющееся эхо, беглый взгляд.

© Roman Ondák, Photo: Fabrizio Giraldi

Peter Holl | Петер Холль * 1971, Weißer Saal, 2003

June Июнь 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 11 12 13 14 15 16 17 18 19 20 21 22 23 24 25 26 27 28 29 30

Peter Holl1971 Born in Heilbronn, Germany1991 — 1997 Studied painting at the State Academy

of the Arts, Stuttgart, Germany1993 — 1997 Studied German language and literature

at the University of Stuttgart, Germany1998 — 2011 Studio scholarship at the State Academy

of the Arts, Stuttgart, Germany

Lives and works in Stuttgart, Germany

In Peter Holl’s series “The Villas of Friaul”, completely different motifs and worlds overlap, creating new pictorial spaces. The figure of the model dressed in shorts and a T-shirt, who looks like a giant in a light-flooded Renaissance hall, transcends not only the architecture but also the levels of reality and representation, image and actuality. Through the detailed portrayal, which borders on hyperrealism, the three-dimensional illusion of the picture is both destroyed and exaggerated. Holl’s watercolors are based on photographic images, often taken from high-gloss magazines or catalogues. He transforms the commercial images into ambivalent, hermetic compositions that are at once seductive and puzzling. The historical ambience houses fashion and the cult of the body, reflecting today’s grandiose, pompous lifestyle. On account of this amalgamation, the longing for timeless beauty and perfection obtains something futile. Holl’s composition illustrates the banality and ephemerality that we cannot escape even in clever self-portrayals.

Weißer Saal, 2003Watercolor on paper Акварель на бумаге122 × 144 cm© Galerie Rainer Wehr / VG Bild-Kunst, Bonn 2011

1971 Родился в Хайльбронне, Германия1991 — 1997 Учеба живописи в Staatliche Akademie

der Bildenden Künste, Штутгарт, Германия

1993 — 1997 Изучение немецкого языка и литературы в Университете Штутгарт, Германия

1998 — 2011 Studio scholarship at the State Academy of the Arts, Штутгарт, Германия

Живет и работает в Штутгарте, Германия

В серии Петера Холля «Виллы Фриули» перемешиваются абсолютно различные мотивы и жизненные пространства, создавая таким образом новые изобразительные пространства: фигура модели, одетой в шорты и майку, посаженная, как великанша, в пронизанный светом зал в стиле эпохи Возрождения, взрывает не только архитектурную данность, но и измерения реальности и изображения, картины и действительности. Благодаря граничащей с гиперреализмом детальности изображения трехмерная иллюзия картины разрушается и одновременно преувеличивается. Акварели Холля базируются на фотографических образцах, нередко опубликованных в глянцевых журналах и каталогах. Коммерческие мотивы он претворяет в амбивалентные, герметичные композиции, соблазняющие и оконфуживающие одновременно: историческая среда становится вместилищем для моды и культа тела, для чрезмерно раздутого стиля жизни сегодняшних дней. Этот прием наплыва придает стремлению к вечной красоте и совершенству нечто тщетное. Композиция Холля раскрывает в конечном итоге банальность и бренность, которых нам не избежать, как изощренно мы бы ни стремились выставить себя в лучшем свете.

© Peter Holl, Photo: Roberto Bulgrin

Jakub Julian Ziólkowski | Якуб Юлиан Зиолковски * 1980, Untitled | Без названия, 2009

July Июль 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 11 12 13 14 15 16 17 18 19 20 21 22 23 24 25 26 27 28 29 30 31

Jakub Julian Ziólkowski1980 Born in Zamość, Poland2005 Studied at the Jan Matejko Academy of Fine Arts,

Faculty for Painting and Drawing, Kraków, Poland

Lives and works in Kraków and Zamość, Poland

The butterfly is a symbol of transformation and renewal. The insect appears to be an emblematic motif for Jakub Julian Ziólkowski’s proliferating cosmos of images. The young Polish artist’s paintings and works on paper are akin to biotopes in which the motifs lead a strange life of their own. Bodies lose their form, fuse with one another, reveal their interior to the outside world. All kinds of influences mix in his surreal sceneries: Ziólkowski has figuration collide with abstraction and ornamentation. Picasso reminiscences meet creatures recalling Hieronymus Bosch. The artist shares a predilection for skeletons with James Ensor. “Painting is a crazy machine that propels itself”, he explains.

“And the faster it moves, the more unpredictable the decisions are and the more unconventional the results”. His idiosyncratic pictures, which are diametrically opposed to a conceptual painting concept, have quickly catapulted Ziólkowski to the ranks of the young stars of the international art scene. An entire floor of the Deutsche Bank Towers in Frankfurt is devoted to his work.

Untitled Без названия, 2009Gouache on paper Гуашь на бумаге33 × 24.9 cm© Jakub Julian Ziólkowski

1980 Родился в Замостье, Польша2005 Учеба в Академии Искусств им. Яна

Матейко на факультете живописи и рисунка, Краков, Польша

Живет и работает в Кракове и Замостье, Польша

Бабочка считается символом перерождения и обновления. Так и для расширяющегося художественного космоса Якуба Юлиана Зиолковски это насекомое является как бы эмблемой. Холсты и работы на бумаге этого молодого поляка напомина- ют биотопы, в которых мотивы живут своей странной собственной жизнью. Тела теряют форму и сливаются друг с другом, выворачиваясь наизнанку. В его сюрреальных сценариях смешиваются совершенно различные влияния: фигурация сталкивается по велению Зиолковски с абстракцией и орнаментикой, реминесценция Пикассо встречается с созданиями на манер Иеронимуса Босха. Его так же увлекают скелеты, как и Джеймса Энсора. «Живопись — это безумная машина, приводимая в действие самой собой, — объясняет художник. — И чем быстрее она движется, тем неожиданнее принимаемые решения и необычнее результаты». Его своевольные картины, диаметрально отличающиеся от общепринятого понятия живописи, стремительно вознесли Зиолковски в созвездие молодых звезд на небосклоне международного искусства. Его творчеству посвящен отдельный этаж в башнях Дойче Банка во Франкфурте-на-Майне.

© Jakub Julian Ziólkowski

Alessandro Pessoli | Алессандро Пессоли * 1963, Untitled | Без названия (AP 163), 1998

August Август 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 11 12 13 14 15 16 17 18 19 20 21 22 23 24 25 26 27 28 29 30 31

Alessandro Pessoli1963 Born in Cervia, ItalyLives and works in Milan, Italy

One of the most distinguished artists of his generation, the Italian Alessandro Pessoli embodies an alternative to the artists who play masterfully with cynicism, such as Martin Kippenberger. Pessoli, too, pillages the history of painting in a postmodern manner, collages every conceivable style and technique, and has developed a completely divergent oeuvre. But unlike his predecessors’ work, the irony in Pessoli’s art never seems malicious. While he borrows from symbolism, surrealism, expressionism, and the Italian Transavanguardia in a tongue-in-cheek way, he does so respectfully. In his luminous watercolors from the late 1990s, soft-edged shadows and points of light produce psychedelic- looking, magically charged landscapes. But the characters are rooted entirely in the everyday world and convey something of Pessoli’s image of the artist. They are not “painter princes” or dandies, but desperadoes—restless, modern nomads.

Untitled Без названия (AP 163), 1998Watercolor on paper Акварель на бумаге28.2 × 37.6 cm© Alessandro Pessoli; Courtesy Anton Kern Gallery, New York

1963 Родился в Червиа, ИталияЖивет и работает в Милане, Италия

Один из наиболее знаменитых художников своего поколения, итальянец Алессандро Пессоли, представляет собой полную противоположность художникам, виртуозно владеющих цинизмом, наподобие Мартина Киппенберга. Он также ворошит закрома истории искусства на постмодернистский манер и смешивает в кучу всевозможные стили и техники, создавая при этом совершенно дивергентное творчество. Но в отличие от его предшественников, ирония Пессоли никогда не кажется злой. Его заимствования из символизма, сюрреализма, экспрессионизма или же итальянского трансавангарда хотя и несут определенную долю юмора, но все же исполнены уважения. Размытые тени и блики света на его ярких цветных акварелях поздних 90-х годов порождают полные магии ландшафты с психоделическим налетом. Но его актеры полностью погружены в повседневность и повествуют нам о личности самого художника Пессоли. Это не знаменитые отцы живописи или франты, а сорвиголовы — неутомимые современные кочевники.

© Alessandro Pessoli

Keith Tyson | Кит Тайсон * 1969, 12 Harmonics, 2010

September Сентябрь 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 11 12 13 14 15 16 17 18 19 20 21 22 23 24 25 26 27 28 29 30

Keith Tyson1969 Born in Ulverston, Cumbria, United

Kingdom1984 — 1989 Studied at Barrow-in-Furness College

of Engineering, Cumbria, United Kingdom

1989 — 1990 Studied at Carlisle College of Art, Cumbria, United Kingdom

1990 — 1993 Bachelor in Alternative Practice at the University of Brighton, United Kingdom

Lives and works in London, United Kingdom

Keith Tyson’s oeuvre defies categorization, because the British Turner Prize winner works with a number of media. The spectrum ranges from painting and photography to installations or machines he develops himself. In the 1990s, with the help of computer programs, flow diagrams, and books, he had his “art machine” create random combinations of words and ideas which inspired him to develop new installation-like works. His complex work has almost cosmic dimensions and is characterized by an intensive preoccupation with science, philosophy, literature, and science fiction. Tyson deals with fundamental existential issues, exploring the boundaries and possibilities of human knowledge. Alluding to ancient myths, art history, natural sciences, everyday culture, and astrology, Tyson’s series “12 Harmonics” attests to the artist’s untiring engagement with the world we live in—a world that is becoming increasingly inscrutable.

12 Harmonics, 2010Twelve-part series, various techniques on aluminumСерия из двенадцати картин, различные техники на алюминиевой основеEach : 350 × 198 cm© The artist

1969 Родился в Алверстоуне, Камбрия,

Великобритания1984 — 1989 Учеба в Barrow-in-Furness College

of Engineering, Камбрия, Великобритания

1989 — 1990 Учеба в Carlisle College of Art, Камбрия, Великобритания

1990 — 1993 Bachelor Alternative Practice при University of Brighton, Брайтон, Великобритания

Живет и работает в Лондоне, Великобритания

Творчество Кита Тайсона не поддается категоризации, поскольку британский лауреат премии «Turner» работает с множеством носителей. Его диапазон охватывает спектр от живописи и фотографии до инсталляций и машин, созданных им же самим. Например, в 90-х годах он рассчитывал при помощи компьютерных программ, блок-схем и книг на своей «art machine» случайные комбинации слов и идей, вдохновлявших его на дальнейшие, схожие с инсталляциями работы. Его комплексное творчество имеет почти космический размах и несет отпечаток интенсивного погружения в науку, философию, литературу и научную фантастику. При этом Тайсон рассматривает основные вопросы нашего существования, нащупывая границы и возможности человеческого познания. Вот так же и серия «12 гармоний» свидетельствует посредством намеков на древние мифы, историю искусства, естественные науки, повседневную культуру и астрологию о неустанном стремлении Тайсона познать мир, в котором мы живем, мир, становящийся все более и более непонятным.

© Scott Douglas

Yesim Akdeniz Graf | Есим Акдениз Граф * 1978, Enigmatic Girls 1, 2006

October Октябрь 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 11 12 13 14 15 16 17 18 19 20 21 22 23 24 25 26 27 28 29 30 31

Yesim Akdeniz Graf1978 Born in Izmir, Turkey1997 — 2002 Studied at the Düsseldorf Art Academy,

Germany2002 — 2004 De Ateliers, scholarship of the Residency

Program in Amsterdam, The Netherlands2010 Studio residency, Platform, Istanbul,

TurkeyLives and works in Düsseldorf, Germany, and in Istanbul, Turkey

In Yesim Akdeniz Graf’s works all kinds of motifs are brought together with no seeming links. Props of modern architecture meet Islamic ornamentation or references to art and cinematic history. Her “Enigmatic Girls” recall stylized figures on ancient Greek vases and Expressionist dancers from the 1920s. Akdeniz Graf placed three young women on an object composed of abstract color fields, with the famous dome of the Florence cathedral designed by Brunelleschi rising up in the background. The detailed style of painting gives the motifs a presence and at the same time stands in tense contradiction to the puzzling arrangement. The German-Turkish artist’s hermetic, at times almost surreal compositions possess the “logic” of dreams but elude any clear interpretation. Thus, it is not surprising that Akdeniz Graf has repeatedly drawn inspiration from Edgar Allan Poe and René Magritte.

Enigmatic Girls 1, 2006Ink and oil on paper Тушь и масло на бумаге200 × 150 cm© Yesim Akdeniz Graf, Istanbul; Neff, Frankfurt am Main

1978 Родилась в Измире, Турция1997 — 2002 Учеба в Художественной Академии

в Дюссельдорфе, Германия2002 — 2004 De Ateliers, стипендиатка The Residency

Program в Амстердаме, Нидерланды2010 Стипендиатка Platform, Стамбул, Турция

Живет и работает в Дюссельдорфе, Германия, и Стамбуле, Турция

Абсолютно разные мотивы присутствуют в работах Есим Акдениз Граф, казалось бы, абсолютно несвязаннo друг с другом — части современной архитектуры переплетаются с магометанскими орнаментами или изображениями из истории кинематографа и искусства. Ее «Таинственные девушки» напоминают стилизованные фигурки на древнегреческих вазах и характерныx танцовщиц 20-х годов. Акдениз Граф разместила изображения трех молодых женщин на объекте, состоящем из абстрактных цветовых пятен. На заднем фоне возвышается знаменитый купол Флорентийского Собора по проекту Брунеллески. Точная манера выполнения выдвигает мотивы на передний план и является интересной противоположностью по отношению к загадочной композиции. Закрытые, иногда почти сюрреальные работы немецко-турецкой художницы не лишены мечтательной «логики», и в то же время не поддаются однозначному толкованию. Это неудивительно, поскольку Акдениз Граф вновь и вновь черпает вдохновение у Эдгара Аллана По и Рене Магритта.

© Courtesy Yesim Akdeniz Graf, Istanbul & NEFF,Frankfurt am Main

Anni Leppälä | Анни Леппэлэ * 1981, Window (Forest), from the series | из серии Possibility of Constancy, 2009

November Ноябрь 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 11 12 13 14 15 16 17 18 19 20 21 22 23 24 25 26 27 28 29 30

Anni Leppälä1981 Born in Helsinki, Finland2000 — 2004 Bachelor at the Arts Academy at Turku

Polytechnic, Turku, Finland2004 — 2011 Master of Fine Arts at the University of Art

and Design, Helsinki, FinlandLives and works in Helsinki, Finland

Anni Leppälä’s poetic photographs vacillate between reality and dream. Time seems to stand still, and the visible world is imbued with memories and emotions. The young Finnish artist uses classical painting genres, including interior, portrait, and landscape, to create timeless, almost magical motifs. In her series “Possibility of Constancy”, Leppälä tries to counter constant change in the world by means of photography. The artist’s photos function as fixed points in a process of continuous transformation. Her atmospheric pictures document a certain moment but at the same time refer to the other side of photography—a tendency towards the non-specific and the invisible. What the viewer ultimately recognizes in her photos does not have to be visible as an object, but can lie outside the picture. Leppälä says that her photographs are like a transparent skin under which faded memories loom.

Window (Forest), from the seriesиз серии Possibility of Constancy, 2009Inkjet print on aluminum Струйная печать на алюминиевой основе31.5 × 46 cm© Anni Leppälä

1981 Родилась в Хельсинки, Финляндия2000 — 2004 Бакалавр при Arts Academy / Turku

Polytechnic, Турку, Финляндия2004 — 2011 Master of Fine Arts при University of Art

and Design, Хельсинки, ФинляндияЖивет и работает в Хельсинки, Финляндия

Поэтические фотографии Анни Леппэлэ переливаются, как голограммы, между сном и явью: время как бы остановилось, видимый мир полон воспоминаний и ощущений. Молодая финка создает вечные, почти волшебные мотивы, используя такие классические жанры живописи, как интерьер, портрет или ландшафт. В своей серии «Possibility of Constancy» Леппэлэ пытается при помощи фотографии противодействовать постоянным переменам мира. Снимки художницы служат ей координатами в круговороте беспрестанных перемен. Воздушные изображения документируют определенный момент, ссылаясь одновременно на другую сторону фотографии — тенденцию к неопределенному и незримому. То, что зритель обнаруживает в конечном итоге на снимках, необязательно представляется в виде предмета, но может скрываться и за пределами изображения. По словам Леппэлэ, ее фотографии — как прозрачная оболочка, под которой вырисовываются выцветшие воспоминания.

© Anni Leppälä

Robert Lucander | Роберт Лукандер * 1962, Kadso 1, 2006

December Декабрь 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 11 12 13 14 15 16 17 18 19 20 21 22 23 24 25 26 27 28 29 30 31

Robert Lucander1962 Born in Helsinki, Finland1989 — 1995 Hochschule der Künste, Berlin, GermanyLives and works in Berlin, Germany

Robert Lucander has always been interested in stereotypes as well as standardized materials and forms. The Finnish artist, who now lives in Berlin, even executed his early abstract works on pressboards with standardized industrial paints. And the models for his portraits are also prefabricated, so to speak. He finds them in high-gloss magazines, in paperback novels, or on record covers from past decades. He coolly stages his protagonists by using graphic lines and striking colors. Their bodies and faces are rendered in extreme close-ups or in outlines against monochrome backgrounds. Only rudiments of their clothes, facial expressions, and gestures remain. This forms the scaffolding for a kind of dialectic painting that plays with the contrast between absolute flatness and the illusion of spatial depth. The fact that his reduced, virtually bodiless figures act in a vacuum, as it were, stresses their stereotypical character even more clearly. The people in Lucander’s figurative paintings seem abstracted, ciphers of a world which seems to consist solely of surfaces. But they also speak of society’s dreams and longings, which have special significance at the turn of the year.

Kadso 1, 2006Woodcut and lithograph on paper Резьба по дереву и литография на бумаге65 × 47 cm© Courtesy of Contemporary Fine Arts, Berlin

1962 Родился в Хельсинки, Финляндия1989 — 1995 Учеба в Hochschule der Künste, Берлин,

ГерманияЖивет и работает в Берлине, Германия

Стереотипы, стандартизированные материалы и формы всегда являлись предметом интереса Роберта Лукандера. Проживающий в Берлине финн работал уже в своей ранней абстрактной фазе с плитами ДСП и нормированными промышленными лаками. А модели для его портретов тоже являются как бы полуфабрикатами. Он находит их на иллюстрированных страницах глянцевых журналов и романов, на конвертах грампластинок минувших десятилетий. Графическое построение рисунка и палитра в стиле плаката сдержанно представляют его протагонистов. Их тела и лица воспроизводятся предельно крупным планом или повторяются в очертаниях монохромного заднего плана. От одежды, мимики и жестов остаются лишь рудименты. Они и служат каркасом для диалектической живописи, играющей на контрасте между абсолютным отсутствием объема и иллюзией пространственной глубины: тот факт, что его практически бестелесные фигуры висят буквально в пустоте, еще более подчеркивает их стереотипный характер. Люди на фигуративных картинах Лукандера изображены абстрактно — как коды цивилизации, в которой, очевидно, лишь поверхности играют какую-то роль. Однако они повествуют нам также о влечениях и мечтах нашего общества, приобретающих именно к концу года особое значение.

© Courtesy of Contemporary Fine Arts, Berlin,Photo: Jan Bauer

Figurative Tendencies— Recent Works from EuropeThe image of people remains a central motif of art. The works from the Deutsche Bank Collection selected for the 2012 calendar illustrate how differentlyartists can approach this subject. The spectrum is very broad, ranging from investigations of images from the media to photographic works influeced by painting to conceptual approaches, such as that taken by Roman Ondák, Deutsche Bank’s “Artist of the Year” 2012. Although it seems as though abstraction, conceptual art, performance, and new media characterize recent global art, figurtion continues to play an important role. It interprets an increasingly complex world from an artistic perspective and transports political and biographical content. It has often been claimed that figurtive tendencies are no longer up to date because the concept of art has expanded. Today, however, it is no longer contradictory to use figurtive representation to convey concepts and utopias. The topicality of a work is not determined by its formal means but by the spirit of the artist. The selection of works for this Deutsche Bank Calendar 2012 concentrates on artists from Germany and Europe, two

of the fie regions that serve as the basis for presenting the art in the Deutsche Bank Towers. Here at Deutsche Bank’s reopened Group Head Offi in Frankfurt am Main, 1,800 drawings, collages, and photographs by 100 artists from more than 40 countries invite the viewer to embark on a voyage of discovery of global contemporary art. Works on paper are especially suited to understanding an artist’s view of people and the world. Their “draft character” directly refects the creative process. At the same time, they prompt the viewer to engage with important issues of our time, with cultural diferences, and with diferent ways of life. The discursive potential of contemporary works addressing current issues characterizes Deutsche Bank’s art program. Our motto, “passion to perform”, is always a passion for creative performance, because we are convinced that creativity is the source of innovation and progress. That‘s why with “Art works est. 1979” Deutsche Bank has been opening up the world of contemporary art for more than thirty years: with its substantial collection, in exhibitions, and through joint projects around the world.

Art builds.Art questions.Art transcends borders.Art works.

Deutsche Bank has been opening up the world of contemporary art to the public through its own substantial collection, its exhibitions, and its joint projects with partners. Around the world. For more than thirty years.More information can be found in the online art magazine at www.db-artmag.com.

Art Calendar 2012

Фигуративные тенденции — Современное искусство в ЕвропеОдним из ведущих мотивов современного искусства по-прежнему является изображение человека. Насколько разнообразно может быть представлена эта тема, демонстрируют произведения из коллекции Дойче Банка, выбранные для календаря на 2012 год. Их диапазон достаточно широк: начиная с рефлексии на тему изображений из СМИ и рекламы или фотографических работ под влиянием живописи до концептуальных подходов, как например, у Романа Ондака, лауреата премии Дойче Банка «Художник года 2012» .Несмотря на то, что, по-видимому, в молодой глобальной среде доминируют прежде всего абстракционизм, концептуализм, перформанс и новые СМИ, важную роль по-прежнему играет фигуративизм. Он толкует становящийся все более сложным мир, исходя из художественной точки зрения, и содержит политические и биографические элементы. Уже довольно часто звучало мнение, что, вследствие расширения определения искусства, фигуративные тенденции устарели. Однако использование фигуративного изображения для передачи концептов и утопий очевидно перестало быть антагонизмом. Ведь актуальность произведения искусства выражается не формаль- ными средствами его выполнения, а замыслом художника. Для календаря Дойче Банка на 2012 год были отобраны

в основном работы художников из Германии и Европы — двух из пяти регионов, лежащих в основе организации выставки произведений искусства в башнях Дойче Банка. Здесь, во вновь открывшейся главной резиденции Дойче Банка во Франкфурте-на-Майне, вас приглашают в путешествие по миру современного международного искусства 1 800 фотографий, рисунков и коллажей от 100 художников из более 40 стран. Работы на бумаге в особенности подходят для демонстрации восприятия худож-ником мира и людей. Их «черновой» характер непосредственно отображает творческий процесс. Одновременно они заставляют задуматься над насущными вопросами нашего времени, культурными различиями, а также чужими жизнен-ными пространствами. В первую очередь новые поступления придают художественной программе Дойче Банка дискурсивный потенциал. Наш девиз «Стремление к совершенству» относится равным образом и к совершенствованию в творческом плане. Поскольку мы уверены в том, что творчество является источником новаторства и прогресса. По этой причине Дойче Банк вот уже более 30 лет в рамках программы «Art works est. 1979» обеспечивает доступ к современному искусству во всем мире благодаря своей обширной коллекции, выставкам и международному сотрудничеству.

Art builds.Art questions.Art transcends borders.Art works.

Дойче Банк делает современное искусство доступным. Благодаря своей обширной коллекции, выставкам и сотрудничеству. По всему миру. Вот уже более 30 лет. Более подробную информацию вы найдете в художественном онлайн-журнале www.db-artmag.com.

Календарь 2012