Issue 5 : May 2010

21st century art for 21st century artists...Siglo 21 arte para siglo 21 artistas...

Andrew ParmiJinks

BanksyDillon

Magdalen GraalBobok

DocsBCN Film FestivalFrom Mao to Mozart

To Shoot An ElephantSpeaker Junkies

Gaza GraffitiLUA Records – Deep TripQueer Positive Street Art

Simpsons GraffitiVerdensteatretMoscow Graffiti

Lex & StenWorld Bodypainting Festival

Ta MokuOstrale 010

Converse BogotaInternational Neo-Surrealism Exhibition

VJ 249_kCreative Violation

ANIMAC Animation FestivalFilterKik

Kikked! Facebook Group SubmissionsDigital GraffitiDIN A Testbild

Fallout 3

Hello and welcome to issue 5 of Kikked!.

This issue marks Kikked!'s first birthday, and as usual, comes packed with a broad range of art forms to stimulate your senses. We are also very happy to unveil our new logo for this issue, which has been custom designed by the artist Dillon, who is also interviewed in this issue. The logo, and Dillon, can be seen on the front cover.

Music for this issue comes from Italian rock band Magdalen Graal, the Speaker Junkies, German post-punks Din-A Testbild, and Fred from Lua Records talking about their recent "Deep Trip" trilogy to Timothy Leary.

We bring you reports from the recent DocsBarcelona documentary film festival, and ANIMAC animation festival, both from Spain, and we also look at the new Banksy film "Exit Through The Gift Shop".

Graffiti comes from Russia, with some stunning murals from Elk Island and artist Vhils, also from Gaza, where we look at the recent "Gaza Graffiti" photo exhibition, and from France, with the current Lex & Sten exhibition.

In addition to this, we have interviews with French stencil artist Jinks, Dutch VJ artist VJ 249_k, and a visual interview from German artist Bobok, as well as features on Maori Ta Moko tattoo art, Norwegian artists Verdensteatret performing in China, the upcoming Neo-Surrealism exhibition in Portugal, and the upcoming Ostrale 010 exhibition in Germany.

From the Kikked! Facebook group, we bring you an exclusive feature on photographer Andrew Parmi, and we also feature the work of Katarina Radenkovic, Ognjen Karabegovic and more.

Hola y bienvenidos a la edición de 5 de Kikked!.

Esta edición marca Kikked! 'S primer cumpleaños, y como de costumbre, viene embalado con una amplia gama de formas de arte para estimular sus sentidos. También estamos muy contentos de presentar nuestro nuevo logo para esta edición, que ha sido diseñado por el artista Dillon, quien también es entrevistado en esta edición. El logotipo, y Dillon, se puede ver en la portada.

Música para esta edición viene de la banda de rock italiana Graal Magdalena, el presidente Junkies, alemán post-punks Din-A Testbild, y Fred de Expedientes Lua hablando de su reciente "Deep Trip" trilogía de Timothy Leary.

Nosotros le ofrecemos los informes de la reciente festival de cine documental DocsBarcelona, y el festival de animación ANIMAC, tanto de España, y esperamos también en la nueva película de Banksy "Salir por la tienda de regalos".

Graffiti proviene de Rusia, con unos impresionantes murales de Elk Island y Vhils artista, también de Gaza, donde nos fijamos en la reciente "Exposición fotográfica de Gaza Graffiti", y de Francia, y el actual Lex & Sten exposición.

Además de esto, tenemos entrevistas con el francés plantilla artista Jinks, neerlandés VJ VJ 249_k artista, y una entrevista visual del artista alemán Bobok, así como características en el arte del tatuaje maorí Ta Moko, artistas noruegos Verdensteatret del espectáculo en China, el próximo Neo -Surrealismo exposicione en Portugal, y el próximo Ostrale 010 exposicione en Alemania.

Desde el Kikked! grupo de Facebook, te traemos una característica exclusiva de fotógrafo Andrew Parmi, y también presentará el trabajo de Katarina Radenkovic, Karabegovic Ognjen y mucho más.

Kikked! would like to take this opportunity to thank everybody involved in this issue for their support, and also everybody who has supported us over the last year. Without your contributions and your belief in us, Kikked! would not exist. It is quite a long list, but you know who you are...

Kikked! will continue to grow and evolve, but to do this, we need your continued support. We are constantly searching for interesting articles worldwide, so if you are interested in submitting material to Kikked!, please email us directly at : kikkedmagazine@gmail.com.

If you would like to support us, please also consider buying the digital download version of the magazine, or join our mailing list (on the web site, http://kikked.com), or our Facebook group, at :http://groups.to/kikked.

Joining the mailing list is the best way of keeping up-to-date with changes and developments at Kikked!

We hope you enjoy the magazine.

Seamus KikEditor

Kikked! quisiera aprovechar esta oportunidad para agradecer a todos los implicados en este edición por su apoyo, y también todos los que nos ha apoyado durante todo el año pasado. Sin sus aportaciones y su creencia en nosotros, Kikked! no existiría. Es una larga lista, pero ya sabes lo que eres ...

Kikked! seguirá creciendo y evolucionando, pero para hacer esto, necesitamos de su apoyo continuo. Estamos en constante búsqueda de artículos interesantes en todo el mundo, así que si usted está interesado en presentar un artículo a Kikked!, por favor envíenos un correo electrónico directamente a: kikkedmagazine@gmail.com.

Si desea apoyarnos, por favor también considerar la comprar la versión descarga digital de la revista, o suscribirse a nuestra lista de correo (en el sitio web, http://kikked.com), o nuestro grupo de Facebook,

en: http://groups.to/kikked. Uniéndose a la lista de correo es la mejor manera de mantenerse al día con los cambios y la evolución a Kikked!

Esperamos que disfrute de la revista.

Seamus KikEditor

My real world name is Andrew , but I’m better known by the moniker ‘Parmi’. I have a driving passion for photography which began in 1994, when I first picked up an SLR camera in my VCE Studio Arts class. Fast forward to this day and age, and my vision is to capture the world as we know it, and present it in a way that we may not.

My portfolio includes landscape, portraiture and architectural pieces along with abstract realism, and more, often blended with the techniques of digital post processing. Artistically, my endeavors are constantly changing, developing and evolving. My art reflects myself, my influences and how I see the world around me.

Mi nombre es Andrew mundo real, pero soy más conocido por el apodo de “Parmi”. Tengo una pasión por la fotografía de conducción que comenzó en 1994, cuando por primera vez tomó una cámara SLR en mi clase VCE Arts Studio. Un avance rápido hasta este día y edad, y mi visión es la de capturar el mundo como lo conocemos, y presentarlo de una manera que puede que no.

Mi cartera incluye paisajes, retratos y piezas arquitectónicas, junto con el realismo abstracto, y más, a menudo combinadas con las técnicas de procesamiento de la postproducción digital. Artísticamente, mis esfuerzos están en constante evolución, desarrollo y evolución. Mi arte refleja a mí mismo, mis influencias y de cómo veo el mundo a mi alrededor.

“Anamnesis”, by Andrew Parmi

My pieces often takes two avenues of theme: a darker, sometimes scary world of unseen nightmares, and a nostalgic playground of memories, much safer and happier than the former. Everything in between is life as we see it, and even sometimes as we don’t like to see it. I like to think that my art is emotive work that creates a contemplative mood. I tend to notice everything, from the simple objects around us to the wonders of the world in which we live. I like paying attention to the little details we sometimes miss. I really believe it is the image in our mind that creates the eventual photo.

I have one general rule to photography: “Look up. You miss so much at eye level only.”

Mis piezas a menudo tiene dos vías de tema: un tono más oscuro, a veces aterradora del mundo de pesadillas invisible, y un patio de recreo nostálgico de los recuerdos, mucho más segura y más feliz que el anterior. Todo lo que entre ellas está la vida como lo vemos nosotros, e incluso a veces como donâ t ™ € gustaría verlo. Me gusta pensar que mi arte es un trabajo emocional que crea un estado de ánimo contemplativo. Tiendo a cuenta de todo, desde los simples objetos que nos rodean a las maravillas del mundo en que vivimos. Me gusta prestar atención a los pequeños detalles que a veces se pierda. Realmente creo que es la imagen en nuestra mente la que crea la foto final.

Yo tengo una regla general a la fotografía: “Mire hacia arriba. Echa de menos tanto a nivel del ojo solamente”.

“Mindcircus”, by Andrew Parmi

“Clandestine”, by Andrew Parmi

“Delusions”, by Andrew Parmi

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“Rustic Lineage”, by Andrew Parmi

“Happiness Lives”, by Andrew Parmi

“Asylum”, by Andrew Parmi

“Serenity”, by Andrew Parmi

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EXPOSITIONS

Current :

2010 LE CLOU QUI R'SSORT Nantes (44) 23/02/10 au 26/03/10

Upcoming :

2010 AU CUL DE POULE Nantes (44) 05/04/10 au 28/04/10LA CIVELLE Trentemoult (44) 02/04/10 au 30/04/10LE CAFE CULT Nantes (44) 29/04/10 au 27/05/10L'ART EN TRANCHE Nantes (44) Fin AvrilGALERIE ARTS MEL' Nantes (44) A partir du 28 Avril (vernissage le 29/04/10)SEED'LENS STREET & FASHION SHOW Nantes (44) Mai 2010GALLERY THE BRICK LANE London (GB) 01/06/10 au 14/06/10L'ENDROIT Nantes (44) 04/06/10 au 09/07/10NORTH ART SPACE Jakarta 15/06/10 au 08/07/10 FESTIVAL URBAN TROGLO Doué La Fontaine (49) 26/06/10LE CINQ Vevey (Suisse) 29/08/10 au 02/10/10 HOTEL DE VILLE Brumath (67) Courant de l'automne

2011 LE POINT BAR Nantes (44) 05/11/10 au 07/01/11

Past :

2010 L'HURLUBERLU Nantes (44) 11/01/10 au 26/02/10LE SHAFT Nantes (44) 08/01/10 au 12/02/10GALLERY THE BRICK LANE London (GB) 01/06/10 au 14/06/10L'OSLO Soirée Tchatch Session Nantes (44) 12/02/10

2009 LE P'TIT BEDON Nantes (44) 04/12/09 au 26/02/10 HIGHLAND Bressuire (79) 18/11/09 au 22/11/09LE POINT BAR Nantes (44) 11/09/09 au 13/11/09L'HURLUBERLU Nantes (44) 11/09/09 au 31/10/09L'INDEX Nantes (44) 01/09/09 au 29/09/09GALERIE DRAGON ROUGE La Baule (44) 16/07/09 au 02/09/09L'ALCOVE Nantes (44) 07/07/09 au 04/12/09CAFE SUR COUR Nantes (44) 10/07/09L'ART EN TRANCHE Nantes (44) 18/04/09 et 19/04/09LE BOUFFAY Nantes (44) 28/02/09 au 31/03/09GALERIE WAX Nantes (44) 01/01/09 au 27/03/09

2008 LIVE FACTORY Nantes (44) 01/12/08 au 31/12/08TABL'O GOURMAND Nantes (44) 01/11/08 au 30/11/08PATIO'NEMENT Nantes (44) 29/09/08 au 01/11/08COULEURS DU TEMPS Nantes (44) 15/03/08 au 26/04/08ASCENSEUR Nantes (44) 25/01/08 au 03/03/08GALERIE WAX Nantes (44) 17/02/08 au 31/12/08

2007 ASCENSEUR Nantes (44) 02/06/07 au 30/07/07

2006 INTER'ACTION St Herblain (44) 27/10/06 ATELIERS GRAFFITI ET POCHOIR

2009 Avec l’espace jeune des Sorinières, la maison de quartier des Dervalières et Rap à Cité.

2008 Avec l’association Regart’s et Rap à Cité.

2007 Avec l’association Regart’s ainsi qu’avec les maisons de quartier de Bellevue, du Clos Toreau, de la Boissière, de Louhans, de Chalons/Saône, de Blain, de Moncout et des Dervallières.

2006 Avec les maisons de quartier du Clos Toreau, de la Boissière, deSavenay, de Blain, de la Petite Sensive, de Carquefou, de Bellevue et de l’OMJ de St Nazaire.

2005 Avec les maisons de quartier des Bourderies, du Jamet, de Montoir, de St Nazaire, de Louhans et de St Joachim.

DECORATIONS

2007 Au quartier Malakoff avec Bafodie Cie & Nowart, Façade de Pulsomatic, Fête du 7 Juin et Parc de Bouguenais, Festival Plein F'art.

2006 Les Restos du Cœur, Les défis de la vie et le Skatepark de Moncout.

2005 Les Resto du Cœur, une chambres d'hôtes, un camion de marché, une auberge de jeunesse à Fribourg, la discothèque VIP et la fête des bords de Loire à Couëron.

DEMONSTRATIONS

2006 Pour Urban St’île 3, Kaotik Session et Habitat & Humanisme.2005 Pour Urban St’île 2.2004 Pour Urban St’île 1.

PHOTOGRAPHIES

2010 Photos pour le site de la marque Play-art.2009 Royal De Luxe, Shiven, le Touareg à l’Olympic, Lil Wave, Circle Prinz, Festival Histoire d’Avenir.2008 Prince d’Arabee, Hors Pair au Zénith de Nantes, Festival Hip Opsession et Ram Dam.2007 Système Press, Double Identité, Ciacia, Tokriss, Roy Méo, festival 7ème Vague, Hip Opsession, Tissé Métisse et Lauss Party, Juste pour rire, site de Jean-Marc Ayrault.2006 Stars 2 Rue, Hip Opsession, Ramdam, Tissé Métisse, Apocalypse Nantes.2000 Montreux Jazz Festival

AUTRES

2009 Customisations de skate pour la marque Play Art.Création de visuels pour la marque Silom.2008 Membre du Jury au battle « Circle Prinz » au Skate Park le Hangar.2007 Partenaire de Bouche à Oreilles, ATK et Hip Opsession.2006 Création du fanzine hip hop « Apocalypse Nantes ».2005 Reporter « Télénantais » pour la chaine Télénantes.Distributeur de fanzine: Unité, Paper, Last Mag et Fumigène.2002 Création du site T.A.N.K. Tous Artistes Nantais Konfondus www.fatcap.org/?tank1999 Ecole d'arts graphique de Lausanne.1997 Stage à la Télévision Suisse Romande à Box Office. 1995 Stage à France Télévision à Matin Bonheur. Lycée Sacré Cœur en BEP Audio-Visuel.

You come from an artistic family. Do you think that was a benefit to you when growing up ?

In fact, I was fortunate to grow up among artists. My grandfather was a ceramic artist, he has taught me about artists like Dali, Picasso, MC Escher and still many others. I will probably do him homage by reproducing one of his works. My father was a photographer for French magazines, it allowed me to have a camera when I was very young.

All this has educated my mind and my artistic outlook.

You first became interested in rap music in the late 80's. What first drew your attention to it ?

In the late 1980s, French rap is on the air with the first freestyles Saxo, Rico, New Generation MC'S, NTM, Assassin, and MC Solaar Minister Amer. These artists have produced live on the show "Deenastyle" presented by Dee Nasty on Radio Nova. On hearing that, I had the trigger!

Then came the Swiss groups: Sens Unik, Double Pact and Spanish with Arma Blanca among others.

The rap at the time was very demanding, and now he too used just to make money ... On French radio we have no quality ...

Vienes de una familia de artistas. ¿Cree usted que era un beneficio para usted cuando crecía?

De hecho, tuve la suerte de crecer entre los artistas. Mi abuelo era un artista de la cerámica, me ha enseñado acerca de artistas como Dalí, Picasso, MC Escher y otros muchos. Probablemente voy a rendirle homenaje mediante la reproducción de una de sus obras. Mi padre era un fotógrafo de revistas francesas, que me permitió tener una cámara cuando yo era muy joven.

Todo esto ha educado a mi mente y mi punto de vista artístico.

En primer lugar, se interesó en la música rap en los años 80. Lo primero que llamó su atención a ella?

A finales de 1980, el rap francés está en el aire con la primera freestyles Saxo, Rico, Nueva Generación MC'S, NTM, Assassin, y MC Solaar Ministro Amer. Estos artistas han producido vivo en el programa "Deenastyle", presentado por Dee Nasty en Radio Nova. Al oír eso, tuve el gatillo!

Luego vinieron los grupos suizos: Sens Unik, el Pacto de dobles y español con Arma Blanca entre otros.

El rap en el momento era muy exigente, y ahora él también usa sólo para hacer dinero ... En la radio francesa que no tienen calidad ...

Your photography and video work has included working for magazines and TV in France. Has this been useful for you in your development as an artist?

These experiences made me a lot and allowed me to meet real hip hop activists worldwide such as Method Man, Insight, King Solomon ...I also sharpened my sense of image, which now allows me to create my stencils.

T.A.N.K. (Tous Artistes Nantais Konfondus) was an exhibition featuring graffiti from Nantes. Do you have any plans for similar future exhibitions ?

TANK, was the official site of graffiti Nantais which I created in 2004.It aimed to expose the web quality achievements of collective Nantais. The site had just passed the 1,500,000 visitors when I decided to close to allow me to devote to my paintings. But by the end of the year we will remake a new site featuring the history of hip hop in Nantes.

Su fotografía y el vídeo ha incluido el trabajo de trabajo para revistas y televisión en Francia. ¿Ha sido útil para usted en su desarrollo como artista?

Estas experiencias me hicieron mucho y me permitió conocer a verdaderos activistas de todo el mundo del hip hop como Method Man, Insight, el rey Salomón ...Yo también precisó mi sentido de la imagen, que ahora me permite crear mis plantillas.

T.A.N.K. (Tous Artistes Nantais Konfondus) fue una exposición de graffiti de Nantes. ¿Tiene algún plan para futuras exposiciones similares?

TANK, fue el sitio oficial de Nantais graffiti que he creado en el año 2004.Su objetivo era exponer los logros de calidad web Nantais colectiva. El sitio acababa de pasar el 1.500.000 visitantes cuando decidí cerrar que me permitiera dedicarme a mis pinturas. Pero hacia el final del año vamos a rehacer un nuevo sitio sobre la historia del hip hop en Nantes.

What is the scene in Nantes like in relation to graffiti and hip-hop?

The Nantaise Hip-Hop scene is very rich. We have the Hocus Pocus group that mixes rap and acoustic instruments. In Autumn 2009, the group Nantais Akalmy was featured on albums by Cypress Hill! There is also the DJ group "Coup 2 Crosse" 5 times DMC world champion! yeah yeah!!

And concerning graffiti, it all began in the 80s, when Jef Aerosol covered the walls of our city with stencils. Graffiti has also appeared in Nantes in the mid 80's with X Bass. In 1987 comes the Crew "RP1" Šnek, the "LDN" with Lone, Sine and Keno, and the collective "CEO". Nasher In 1990, Luis, and Easy Web's form the "ESC".

In 1991, the first graffiti exhibition in Nantes named "Bomb'art" takes place. Then in 1993 came Ozer, Scot, Shok ... Now, most walls Brownfields are invested by our graffiti.

¿Como es la escena en Nantes en relación con el graffiti y el hip-hop?

La escena Nantaise Hip-Hop es muy rica. Tenemos el grupo de Hocus Pocus, que mezcla rap y los instrumentos acústicos. En otoño de 2009, el grupo Nantais Akalmy apareció en los álbumes de Cypress Hill! También está el grupo de DJ "Coup 2 Crosse" 5 veces campeón del mundo de DMC! sí sí!

Y sobre graffiti, todo empezó en los años 80, cuando Jef Aerosol cubrían las paredes de nuestra ciudad con stencils. Graffiti también ha aparecido en Nantes a mediados de los 80's con X Bass. En 1987 llega el Crew "RP1" Šnek, la LDN "con Lone, del seno y Keno, y el colectivo" CEO ". Nasher En 1990, Luis y Easy Web constituyen la "ESC".

En 1991, la primera exposición de graffiti en Nantes llamado "Bomb'art" se lleva a cabo. Luego, en 1993, entró Ozer, escocés, Shok ... Ahora, la mayoría de los terrenos baldíos paredes están invertidos por nuestro graffiti.

When did your interest in stencils begin ?

For several years I have graffiti'd on walls, trains ... When I reached 30 years I am a bit challenged. Graffiti is costly and not without risk. In 2007 I re-discovered work of two great Stencils: Jef Aerosol and Logan Hicks. This corresponded perfectly to my desire to speak differently in the graffiti. I cut stencils every day for 3 years - I have made 1600 stencils. It became a drug! At first I was doing personality portraits, then with time I improved in my technique, so I pushed quality up treating a subject that touches me more.

How would you define yourself as an artist ?

I define myself as a committed artist. I put in scene the cruelty of our world: death live Omayra Sanchez, famine, war, capitalism ... to better expose. I also caricatured politicians, Sarkozy among others I put on an electric chair.Then, I also paint a lot of artistic personalities from film, music that touches me. For all these artists express something special.

¿Cuándo empezó su interés en iniciar las plantillas?

Durante varios años he graffiti'd en las paredes, trenes ... Cuando llegué a 30 años soy un poco cuestionado. El graffiti es costoso y no exento de riesgos. En 2007 volví a descubrir el trabajo de dos grandes plantillas: Aerosol Jef y Hicks Logan. Esto se corresponde perfectamente a mi deseo de hacer uso de manera diferente en el graffiti. Corté plantillas todos los días durante 3 años - He hecho 1600 plantillas. Se convirtió en una droga! Al principio yo estaba haciendo retratos de la personalidad, a continuación, con el tiempo he mejorado en mi técnica, así que empujé calidad hasta el tratamiento de un tema que me toca más.

¿Cómo te definirías como artista?

Me defino como un artista comprometido.Puse en escena la crueldad de nuestro mundo: la muerte en directo Omayra Sánchez, el hambre, la guerra, el capitalismo ... para exponer mejor. Yo también los políticos caricaturizados, Sarkozy, entre otros me puse una silla eléctrica.Entonces, yo también pinto un montón de personalidades artísticas del cine, la música que me toca. Por todos estos artistas expresan algo especial.

You work with a variety of material, wood, metal, canvas, etc. Are there any materials you find more comfortable to work with or is it relevant ?

I love working in all media, but I have my preference for the walls of Nantes.What is important for me is that my work speaks to people, either painting on canvas or body!

Who or what influences you ?

I'm influenced by everything around me in the street, television, newspapers ...I am sensitive to forms of power and the infamy that it can cause.

What advice would you give to fellow artists ?

Do not ever let go of your art! Our walls need you!

Usted trabaja con una variedad de materiales, madera, metal, tela, etc ¿Hay materiales que encuentran más cómodo para trabajar con o ¿es relevante?

Me encanta trabajar en todos los medios, pero tengo mi preferencia por las paredes de Nantes.Lo que es importante para mí es que mi trabajo habla a la gente, ya sea la pintura sobre lienzo o el cuerpo!

¿Quién o qué te influye?

Estoy influenciado por todo a mi alrededor en la calle, televisión, periódicos ...Soy sensible a las formas de poder y la infamia de que puede causar.

¿Qué consejo le daría a otros artistas?

No lo dejes ir de tu arte! Nuestras muros que usted necesita!

Es el graffiti una religión?

Creo que en cierto sentido, el graffiti es como una religión. Creemos en nuestro arte, somos los reclamantes ... pero ¿quién es nuestro dios? Montana?"Dare" se ha unido a nuestro dios.

¿Dónde ves tu trabajo en desarrollo en el futuro?

Espero que mi arte puede viajar por todo el mundo y es capaz de vivir.

¿Cómo puede ser contactado?

Jinks.kunst @ live.fr y http://www.jinkstencil.jimdo.fr

Cualquier mensaje de despedida?

Gracias Kikked, y todos los que me apoya!Unidad, Paz y de divertirnos!

Is graffiti a religion ?

I think in a sense the graffiti is like a religion. We believe in our art, we are claimants ... but who is our god? Montana?"Dare" has joined our god.

Where do you see your work developing in the future ?

I hope my art can travel around the world and is able to live.

How can you be contacted ?

Jinks.kunst@live.fr & http://www.jinkstencil.jimdo.fr

Any parting messages ?

Thank you Kikked, and everyone who supports me!Peace Unity and Having Fun!

The story of how an eccentric French shop keeper and amateur film maker attempted to locate and befriend Banksy, only to have the artist turn the camera back on its owner with spectacular results. Billed as 'the world's first street art disaster movie' the film contains exclusive footage of Banksy, Shephard Fairey, Invader and many of the world's most infamous graffiti artists at work.

La historia de cómo un excéntrico encargado de la tienda francesa y cineasta amateur intentado localizar y trabar amistad con Banksy, sólo para que el artista a su vez la cámara de nuevo a su titular con resultados espectaculares. Anunciada como "la primera película de desastres de arte de la calle" la película contiene imágenes exclusivas de Banksy, Shepard Fairey, Invader y muchos de los artistas de graffiti más famoso del mundo en el trabajo.

http://www.banksyfilm.com/

http://www.banksyfilm.com/

http://www.banksyfilm.com/

First things first.  I'd be wasting my time and yours trying to define what kind of artist Dillon is.  It'd be easier to gaze upon his work and decide for yourself. But then what would you need me for? 

In order to understand why ultramodern pop artist Dillon is the subject of universal conversation you would have to step inside his small 8 foot by 10 foot studio.  In the confines of this room rest "the universe", at least what can be described as a mix of post-modern-classic-realism in one room where all things that matter come to life?  This is where Dillon stretches, stencils, spray-paints, blotches, moulds, and perfects his works.  In this small room, let’s call it a pop epic time capsule, a psychedelic topless Mona Lisa rest gently upon a Jimi Hendrix so life-like you'd swear his eyes follow you around the room.  You become envious of the half finished young Michael Jacksons, an iconic painting infused with texture and lighting.  

Dillon: The Subject of Universal Conversation, by Bobby Breeze

Primero lo primero. Estaría perdiendo el tiempo y los suyos tratando de definir qué tipo de artista Dillon. Sería más fácil de contemplar su obra y decidir por ti mismo. Pero entonces, ¿qué me necesitas?

Para entender por qué ultramoderno artista pop Dillon es el tema de conversación universal que tendría que paso dentro de su pequeño pie de 8 por 10 pies de estudio. En los confines de esta sala de descanso "el universo" , por lo menos lo que puede describirse como una mezcla de post-moderno-clásico-realismo en una habitación donde todas las cosas que importan vienen a la vida? Aquí es donde se extiende Dillon, plantillas, spray de pinturas, manchas, moho, y perfecciona sus obras. En esta pequeña habitación, llamémoslo un pop épico cápsula de tiempo, un psicodélico topless Mona Lisa suavemente al resto de Jimi Hendrix para que la vida-como usted juraría que sus ojos te siguen por la habitación. Usted se convierte en envidia de los jóvenes a medio terminar, Michael Jackson, una pintura icónica infundido con la textura y la iluminación.

Reality is you may never be able to step into Dillon's private studio so you'll have to settle for the next best thing - a classy bar in the downtown district of historically quaint Pordenone, Italy.  

Dillon is quickly becoming the Italian art collector's best friend.  His use of color and daring subjects is a site to behold.  His work plasters the walls of the La Perla ("The Pearl") Lounge.  Yet the real treasure, the masterpiece that has yet to be experienced is the artist himself.

Cordial and honest, much like his work, Dillon is always true to form.  I find him sitting in the main section of the La Perla Lounge located in the heart of Pordenone, Italy. No doubt, in the midst of a sale, he sees me and greets me as if we where old friends.  We begin to discuss the story you are reading now and I ask him the pivotal question every groundbreaking artist must answer at some point in their lives, "Why art?"  

La realidad es que nunca puede ser capaz de paso en estudios privados de Dillon por lo que tendrá que conformarse con la segunda mejor opción - un elegante bar en el distrito centro de la ciudad de Pordenone históricamente singular, Italia.

Dillon se está convirtiendo en el mejor amigo del coleccionista de arte italiano. Su uso del color y temas atrevidos es un sitio digno de contemplar. Su trabajo de revoques de los muros de La Perla ( "La Perla") Lounge. Sin embargo, el verdadero tesoro, la obra maestra que aún no se ha experimentado es el propio artista.

Cordial y sincera, al igual que su trabajo, Dillon es siempre fiel a su estilo. Lo encuentro sentado en la sección principal de la Sala La Perla ubicado en el corazón de Pordenone, Italia. Sin duda, en medio de una venta, él me ve y me saluda como si en los viejos amigos. Empezamos a hablar de la historia que está leyendo ahora y le pido que la cuestión central de todo artista revolucionario debe responder en algún momento de sus vidas, "¿Por qué el arte?"

It is at once an invasive and irritating question, but Dillon seems eager to answer. “I do it because I enjoy the notoriety and favorable attention. If I was alone on this Earth I highly doubt I would have become an artist? “You need an audience, a spectator, a critic, someone to provide feedback”, He explains. “Art is about squeezing your brain like a sponge and letting the juices land all over the canvas for someone to soak up... with their brain."  

Fortunately for us, and our brains, there is a lot to soak up. Dillon cleverly uses isolation and texturing to create shadows and light that bring added gusto to his work.  Dillon's work is trim. It leaves nothing to interpretation and invites appreciation. Each work is the definition of the word spectacle. This particular night at La Perla marks the fourth week his work has been on display. Owners and patrons agree - to behold Dillon's interpretation of iconic figures is to make that interpretation your own. 

Es a la vez una cuestión invasoras e irritante, pero Dillon parece ansioso por responder. "Lo hago porque me gusta la notoriedad y la atención favorable. Si yo estaba sola en esta Tierra Dudo mucho que se habría convertido en un artista? "Se necesita un público, un espectador, un crítico, alguien que les proporcione retroalimentación", explica. "El arte es sobre exprimiendo su cerebro como una esponja y dejar que los jugos de la tierra en todo el lienzo para que alguien para absorber ... con su cerebro.

Afortunadamente para nosotros, y nuestro cerebro, hay una gran cantidad de absorber. Dillon hábilmente utiliza el aislamiento y la textura para crear sombras y la luz que el trabajo de traer gusto añadido a su trabajo. Dillon es recortar. Se deja nada a la interpretación e invita a la apreciación. Cada obra es la definición de la palabra espectáculo. Esta noche en particular en La Perla marcas de la cuarta semana de su trabajo ha sido en la pantalla. propietarios y clientes de acuerdo - de contemplar la interpretación de Dillon de figuras icónicas es hacer que la interpretación de su propio .

Dillon's approach to pop avant-garde began at the tender age of 9 when he attended private art lessons.  He made his first sale at the age of 14, and since he has been a one man operation - booking and promoting his own shows, setting records on eBay (hollyworx), and using the progresses of social media to develop a sizeable following.  

Taking a sip from his Red Bull he comments, "It all started with the push of a pencil.  Most kids were playing four square or reading some weird-ass book.  I was lost in my doodles and sketches of random subjects - mostly comics.” As I got older I started trying new things, new mediums, but my subjects remained."  That playful spirit is evident in Dillon's work; his Uncle Sam Joker is testimony to ability to not take himself too seriously while he enjoys what he does.  

Enfoque de Dillon al pop de vanguardia se inició a la tierna edad de 9 años cuando asistió a clases de arte privadas. Hizo su primera venta a la edad de 14 años, y desde que ha sido un hombre de una operación - reserva y la promoción de sus propios espectáculos, el establecimiento de registros de hollyworx eBay (), y el uso de los progresos de los medios de comunicación social para desarrollar un seguimiento importante.

Si bebe un sorbo de su Red Bull, comenta, "Todo comenzó con el empuje de un lápiz. Mayoría de los niños estaban jugando con cuatro cuadrados o la lectura de algunos extraños libro de culo. Yo estaba perdido en mis garabatos y dibujos de temas al azar - en su mayoría cómics. "A medida que fui creciendo comencé a probar cosas nuevas, nuevos medios, pero mis pacientes permanecieron". Ese espíritu lúdico es evidente en la obra de Dillon, y su tío Sam Joker es testimonio de la capacidad de no tomarse demasiado en serio mientras que él disfruta lo que hace.

"My artwork is everything I want and the sum of what I give.  It is everything I am and everything I am not.  It is my backbone and my instability, my insecurity and my ego, my uncertainty and my optimism.  It reveals my fears, obsessions, and beliefs", offers Dillon - his eyes fixed on his work.  

Don't let the sober commentary fool you, Dillon is a dreamer.  Yet, unlike many dreamers, Dillon is putting his talent and his heart into everything that he does; enter Dillon Boy, a DIY version of his own iconic respirator mask image boxed and ready for customization.  If imitation is flattery, Dillon wants to give us all a chance at it.

"Mi obra de arte es todo lo que quiero y la suma de lo que doy. Es todo lo que soy y todo lo que no. Es mi espina dorsal y mi inestabilidad, la inseguridad de mi y mi ego, mi incertidumbre y mi optimismo. Revela mis miedos , obsesiones y creencias ", ofrece a Dillon - los ojos fijos en su trabajo.

No se deje engañar por comentarios sobrio que, Dillon es un soñador. Sin embargo, a diferencia de muchos soñadores, Dillon está poniendo su talento y su corazón en todo lo que hace; entrar Dillon Boy, una versión DIY propia imagen icónica mascarilla en caja y listo para la personalización. Si la imitación es la adulación, Dillon quiere darnos a todos la oportunidad a él.

So, let’s review. Why is Dillon the subject of universal conversation?  

Because he takes the images that have defined generations and he makes them his own.  Because he crafts modern exquisiteness effortlessly - using his entrepreneurial drive to take control of his own destiny in the art world. Because he is as passionate about his work as his is about life.  Because he is approachable and honest, inviting you to know him as a person first and an artist second.  

None of these definitions can stand alone.  Dillon is the subject of universal conversation because he embodies all of these factors and he uses them all to present his insight and focus on what he considers a reflection of the cultural influences with an ultramodern twist while being bold enough to put them on canvas.

Por lo tanto, vamos a revisar. ¿Por qué es Dillon, el tema de conversación universal?

Debido a que toma las imágenes que han definido las generaciones y las hace suyas. Debido a que la artesanía moderna exquisitez sin esfuerzo - con ayuda de su capacidad de iniciativa empresarial para tomar el control de su propio destino en el mundo del arte. Porque él es tan apasionado por su trabajo como el suyo es sobre la vida. Debido a que es accesible y honesta, que invita a conocerlo como una persona primero y un segundo artista.

Ninguna de estas definiciones puede estar solo. Dillon es el tema de conversación universal ya que incorpora la totalidad de estos factores y que los utilice todo para presentar su visión y enfoque en lo que considera un reflejo de las influencias culturales con un toque ultramoderno, mientras que se atreven a ponerlas en tela.

http://www.dillonboy.comhttp://www.hollyworx.com

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During the last two years thanks to Myspace, Magdalen Graal has reached a huge popularity, collecting fans all over the world.

Everything started in September 2008, when she started this production, recorded her self-named album and built her page on Myspace. Within few months she already gained the trust of thousands fans. Then came the propose, by the American Enigma Films, to collaborate to the soundtrack of their last film, “Alarum”. The Alarum production has chosen two songs from Magdalen’s album, ”You will arrive” & “Goodbye”, apart from the first single “There’s no end” and the video of the song.

Things went on perfectly, and with the film “Alarum”, Magdalen gained the FMPTA (Florida Motion Picture and Television Association) “Crystal Reel Award” as “Best female vocalist & best video”. Things can’t go better!

Durante los dos últimos años, gracias a Myspace, Magdalen Graal ha alcanzado una gran popularidad, recolección de fans de todo el mundo.

Todo comenzó en septiembre de 2008, cuando comenzó esta producción, grabó su álbum auto-denominado y construyó su página en Myspace. Dentro de pocos meses que ya se ganó la confianza de miles de fans. Luego vino el proponer, por las películas de American Enigma Films, a colaborar a la banda sonora de su última película, "Alarum". La producción Alarum ha elegido dos canciones del álbum de Magdalena, " You will arrive " y " Goodbye ", además de su primer sencillo " There’s no end " y el video de la canción.

Iban las cosas perfectamente, y con la película "Alarum", Magdalena ganó el FMPTA (Florida Motion Picture and Television Association) "Crystal Reel Award" como "mejor vocalista femenina y mejor video". Las cosas no pueden ir mejor!

Magdalen Graal started in 2008.  Can you tell us a little about why the band started ?

The band started because we, me and my producer in particular, wanted to create something new, based on high principles even if we had to write about  tough themes, like paedophile priests, 2012 and so on.

What is your current line-up?

The line-up is composed by:Vega – guitars, Zetar – bass, Virgo - dub, synth & piano and Drako – drumsAnd I do adore my guys who always work hard to find the best sound everytime we are working on new stuff!!

You recently were awarded a FMPTA (Florida Motion Picture and Television Association) “Crystal Reel Award” as “Best female vocalist & best video” for the film “Alarum”.  How did that feel?

It was crazy!!! When Krista Grotte, the main actress in the film “Alarum”, first contacted us asking to have some of my music I realized that something was going to happen. Even without winning a prize I knew that something was changing because, damn, someone was asking for my music!!! I just couldn’t believe that!

Well so together with the production of the film and mine, we decided which songs had to be part of the DVD, and it was done, we just had to wait until the official release. Nothing special happened for few months (apart from the excellent comments coming from all over Florida) until Krista mailed me saying we had won the FMPTA!!!I was there with my producer and we looked at each other and just didn’t know what to say!

Magdalena Graal se inició en 2008. ¿Puedes contarnos un poco acerca de por qué la banda comenzó? La banda comenzó porque nosotros, yo y mi productor, en particular, quería crear algo nuevo, basado en principios de alto, incluso si tuviéramos que escribir acerca de temas difíciles, como los sacerdotes pederastas, 2012 y así sucesivamente.

¿Cuál es su formación actual del grupo? La formación está compuesta por: Vega – guitarras, Zetar – bajo, Virgo - dub, sintetizador y piano y Drako – batería. Y yo adoro a mis muchachos que siempre trabajo duro para encontrar el mejor sonido cada vez que estamos trabajando en cosas nuevas!

Hace poco se otorgaron un FMPTA (Florida y la Asociación Cinematográfica de Televisión) "Crystal Reel Award" como "Mejor vocalista femenina y mejor vídeo" para la película "Alarum". ¿Cómo te sentiste?

Era una locura! Cuando Krista Grotte, la actriz principal en la película "Alarum", en primer lugar en contacto con nosotros pidiendo que algo de mi música me di cuenta de que algo iba a suceder. Incluso sin haber ganado un premio que sabía que algo estaba cambiando porque, maldita sea, alguien estaba pidiendo mi música! Simplemente no podía creer eso!

Bueno asi que junto con la producción de la película y el mío, hemos decidido qué canciones tenía que formar parte del DVD, y fue hecho, solo hemos tenido que esperar hasta el lanzamiento oficial. Nada especial sucedió por unos meses (aparte de los excelentes comentarios que vienen de todo Florida) hasta que me escribió diciendo Krista habíamos ganado el FMPTA! Estuve allí con mi productor y nos miramos unos a otros y acaba de hacer no sé qué que decir!

But the best moment ever was when Krista mailed me the award. I remember holding that white package in my hands and then me looking at that perfect mirror(see pics on my MySpace page)!!!It was amazing, one of the best moment ever!!

Your first album was self-produced.  Can you tell us how you achieved that ?

Well I already knew my producer, but nothing started since one evening when he was by chance playing the piano and I was there and so I started singing something . We immediately understood that something huge and important could start.That’s when,and how, “Together” was born!

You've built up a presence and following from your debut album and your MySpace page.  What tools or strategies do you use online for marketing and how effective have you found them ?

Absolutely. I think that the net is the best way to promote your music. There’s one thing you absolutely need to become “someone” in this world, and that is the heart of the people who listen to your music. There isn’t another way that can reach their hearts such as the net;everyone spends the most part of the day in front of a computer, so it’s all up to this, and to you, of course, you have to work really hard to do this. And of course you must have a valid product. You can’t become famous if you don’t have something that deserves it.

Pero el mejor momento fue cuando me envió Krista el premio. Recuerdo al considerar que el paquete blanco en mis manos y luego me busca en ese espejo perfecto (ver fotos en mi página de MySpace)! Fue increíble, uno de los mejor momento!

Su primer álbum fue auto producido. ¿Puede decirnos cómo lograr eso?

Bueno, yo ya sabía mi productor, pero nada se inició desde una noche en que fue por casualidad a tocar el piano y yo estaba allí y me puse a cantar algo. De inmediato comprendió que algo muy grande e importante puede start.That 's cuándo y cómo, "Juntos" ha nacido!

Has construido una presencia y siguientes de su álbum debut y su página de MySpace. ¿Qué herramientas o estrategias utiliza usted en línea para la comercialización y el grado de eficacia tienen las has encontrado?

Por supuesto. Creo que la red es la mejor manera de promocionar su música. Hay una cosa que es absolutamente necesario para convertirse en "alguien" en este mundo, y que es el corazón de la gente que escucha su música. No hay otra forma que pueda llegar a sus corazones, como la red, todo el mundo pasa la mayor parte del día delante de un ordenador, así que todo depende de esto, y para usted, por supuesto, usted tiene que trabajar muy duro para hacer esto. Y, por supuesto, debe tener un producto válido. Usted no puede llegar a ser famoso si no tienes algo que se merece.

Do you see the internet and web 2.0 sites such as MySpace, Ning, etc., as useful ways for independent artists to distribute their music ?

Yes, of course! There’s always a need of places where you can create your own network of fans, upload your music and share thoughts and be in contact with them! This is the first thing: being in contact with those who love your work, it’s really important, because in some ways they know you’re not just a picture!

Why did YouTube remove your video ?

I think that it happened because someone found it too uncomfortable; you know, “There’s no end” is a strong video, it’s not so easy to watch and it’s not so easy to face the truth it communicates. So someone thought that we were “talking too much”, and decided that it had to be taken aways from the eyes and the minds of those who didn’t yet know about this reality.

How do you feel about censorship in music / art ?

Angry. I don’t think that censorship is something “possible” when you’re talking about Art. Art, with all the forms it can have, is something that needs freedom, first of all, freedom to speak, to communicate with the world. There are people who can communicate only with a form of art, and they need to speak, they need to say what they have in their minds and in their hearts. And what about freedom of opinion? We’re talking about countries who build their strength on it!That’s why I get so angry when it comes to this matter!!

¿Ve usted la Internet y sitios Web 2.0 como MySpace, Ning, etc, como medios útiles para los artistas independientes para distribuir su música?

Sí, por supuesto! Allí, los oficiales administrativos siempre una necesidad de lugares donde usted puede crear su propia red de fans, subir su música y compartir sus pensamientos y estar en contacto con ellos! Esto es lo primero: estar en contacto con aquellos que aman su trabajo, que, aos realmente importante, porque de alguna manera te conozcan a ti, Aore no sólo una foto!

¿Por qué YouTube que retirase el vídeo?

Creo que ocurrió porque alguien resultaba demasiado incómodo, ya sabes,, ÄúThere, el AM no tiene fin, la UA es un video fuerte,, el AM no es tan fácil de ver y que, el AM no es tan fácil enfrentarse a la verdad que se comunica. Así que alguien pensó que éramos, Äútalking demasiado, la Unión Africana, y decidió que había que tomar la distancia desde los ojos y las mentes de los que ¿No, AOT sabe todavía acerca de esta realidad.

¿Cómo te sientes acerca de la censura en la música / arte?

Enojado. Yo no, AOT pensar que la censura es algo, Äúpossible, Au cuando, Aore hablando de arte. Arte, con todas las formas que puede tener, es algo que necesita la libertad, en primer lugar, la libertad de hablar, de comunicarse con el mundo. Hay gente que sólo puede comunicarse con una forma de arte, y tienen que hablar, que decir lo que tienen en sus mentes y en sus corazones. Y ¿qué pasa con la libertad de opinión? Nosotros, Aore hablando de países que construyen su fuerza en él! Que, el AM por qué se enfada tanto cuando se trata de este asunto!

How would you describe your music ?

I always answer that it is “alternative goth rock”, which means a mix of gothic rock and something “alternative” which can be the synths, that I love and for which we still are inspired by Depeche Mode, which are the kings of synth-rock!

Would you say that your music has a slight Celtic feel to it ?

Yes, I love Northern music, and I feel really inspired by its sound!

You mention 2012 and Mayan predictions in your blog. What are your thoughts on this area?

My thoughts?It’s quite easy: I think that something’s going to change, the world is no more the same, the earth is in rebellion, and we can’t ignore this. I believe in the Mayan predictions and the Dresda Code are true. I can’t say what is going to happen, but I believe something is going to change!

What are your plans for the future ?

I am currently working on the second album which is almost done, but we work hard on the instrumental parts, and I know it will be absolutely wonderful!(and not just because it’s mine!!LOL)

How can your fans get in contact with you?

Well it’s quite easy to find me: on my official website www.magdalengraal.com you can find all the main links to the social networks where I have a page! I always reply to the emails I receive from the fans, so don’t worry and write whenever you want!!=)

¿Cómo describirías tu música?

Siempre respondo que es "goth rock alternativo", lo que significa una mezcla de rock gótico y algo "alternativo" que pueden ser los sintetizadores, que me encanta y del que aún se inspiran en Depeche Mode, que son los reyes del sintetizador -rock!

¿Diría usted que su música tiene un ligero Celtic sienten a la misma?

Sí, me encanta la música del Norte, y me siento muy inspirado por su sonido!

Usted habla de 2012 y las predicciones mayas en su blog. ¿Cuáles son sus pensamientos en este ámbito?

Mis pensamientos? Es muy fácil: Yo pienso que algo va a cambiar, el mundo no es más la misma, la Tierra está en rebelión, y no podemos ignorarlo. Yo creo en las predicciones mayas y el Código Dresda son verdaderas. No puedo decir qué va a pasar, pero creo que algo va a cambiar!

¿Cuáles son tus planes para el futuro?

Actualmente estoy trabajando en el segundo álbum que está casi hecho, pero trabajamos duro en las partes instrumentales, y sé que será absolutamente maravilloso! (Y no sólo porque es mío jijiji)

¿Cómo pueden sus fans ponerse en contacto con usted?

Bueno, es bastante fácil de encontrar de mí: en mi http://www.magdalengraal.com, sitio web oficial se pueden encontrar todos los enlaces principales de las redes sociales donde tengo una página! Yo siempre respondo a los correos electrónicos que recibo de los fans, así que no te preocupes y escribir cuando quieras!! =)

Any parting messages ?

Mmmm..let me think..well all I can say is that if I am where I am now, it’s because I’ve always strongly believed in myself and in what I do, and that is all you have to do to be someone,and remember to always keep in contact with the people who follow you, because it’s thanks to them that you’re heard  and loved! Never forget that beyond the screen there are real people who need to “feel” you! And good luck to everyone who shares this beautiful dream!

Cualquier mensaje de despedida?

Mmmm .. déjame pensar .. y todo lo que puedo decir es que si estoy donde estoy ahora, es porque siempre he creído firmemente en mí y en lo que hago, y eso es todo lo que tienes que hacer para ser alguien , y recuerda mantener siempre en contacto con las personas que te siguen, porque es gracias a ellos que usted es escuchado y amado! No olvides nunca que más allá de la pantalla hay personas reales que necesitan "sentir" usted! Y buena suerte a todos los que comparten este hermoso sueño!

http://www.magdalengraal.com

"Tomorrow", from Magdalen Graal's debut album, is available as MP3 on this edition's digital download!

“Tomorrow", desde álbum debut de Magdalen Graal, está disponible como MP3 en la digital descarga versión de esta edición! http://www.magdalengraal.com

Fullmoon Festival 2010 - 5 Nights & Days

MAINFLOOR - LIVE ACTS:TALAMASCA (France) / TICON (Sweden) / VIBE TRIBE (Israel) / S-RANGE (Sweden) /

FATALI (Israel) / X-NOIZE (Israel) / PERPLEX (Denmark) / MEKKANIKKA (Spain) / DIGICULT (Belgium) / BURN IN NOISE (Brasil) / MR.PECULIAR (Australia) / KRAMA

(Greece) / HEADROOM (S.Africa) / MASSIVE (Ibiza) / LOST & FOUND (S.Africa) / TICKETS (S.Africa) / BITPULSE (Germany) / RE:ACTOR (Sweden) / ITAL (Chile) / BPM (Serbia) /

EPHEDRIX (Belgium) / AVALON (England) / SOLAR PLEXUS (Guatemala) / AQUILA (Belgium) / PAUSE (Greece) / DNI (Brasil) / RITMO (Israel) / EGORYTHMIA

(Maceconia) / ELECDRUIDS (Germany) /PHAXE (Denmark) / LIQUID SPACE (Germany) / E-CLIP (Serbia) / SYNESTHETIC (Netherlands) / PROTONICA (Germany) /

ANIMATRONICA (Italy)

Fullmoon Festival 2010 - 5 Nights & DaysMAINFLOOR - DJ SETS:

Djane SUNGIRL (Russia) / Djane ANNELI (Sweden) / Djane THATHA (Brasil) / Djane ALIYE (Turkey) / DJOANNA (Germany) / Djane ANGEL (Germany) / Djane AKHSUNA (Germany) / PAINKILLER (Spain) / CHRISS (Fullmoon) / SCOTTY (VuuV) / DR.CHANGRA (Germany) /

CUBIXX (Germany) / GANDALF (Germany) / DAKSINAMURTI (Germany) / SYNCRON (I.Spirit) / BPM (Italy) / STARSKY (Germany) / FIUZZ (Spain) / JUGGLER

(Portugal) / AMIT (Spain) / LARS LEE (Germany) / NATRON (Germany) / TSUBI (Hungary) / PSYCROW (Germany) / MURUS (Germany) / K-ISUMA (Germany)

Parvati Records 10th AnniversaryDARK PSY STAGE - LIVE:

DERANGO (Sweden) / DIGITAL TALK (Old School Set - France) / HUTTI HEITA (Norway) / PROCS (Sweden) / SYNTHAX ERROR (Denmark) / PAPIYAN (Denmark) / MUSSY MOODY (Denmark) / ONKEL DUNKEL (Denmark) / ATRIOHM (Macedonia) / ENCEPHALOPATICYS

(Macecedonia) / DRONEBIXIE (Denmark) / ARJUNA (Italy) / VERTICAL (Finland) / BABA YAGA (Russia) / MUBALI (USA) / FLIPKNOT (India) / ANNOYINGNINJAS (Denmark) / FAREBI JALEBI (India) / KARASH (Switzerland) / WHRIKK (Holland) / MEGALOPSY (Argentina) / FRANTIC NOISE (Argentina) / GLOSOLALIA (Argentina) / WILL O'WISP

(Argentina) / MAGIC SEEDS (Germany) / STEREOGRAPHIC (Brazil) / ECTOGASMICS (Sweden/Germany) / SYSTEM CRASH (Germany) / INSECTOR (Hungary) / M3DRA

(Germany)

Parvati Records 10th AnniversaryDARK PSY STAGE - DJs:

GIUSEPPE (Italy) / ANKUR  (Germany) / IGUANA (Germany) / JAHBO (Denmark) / SYSTEM OVERLOAD (Denmark) / ILSE (Germany) / ZOOLOG (Denmark) / KEN (Japan) / FRODOHM (Norway) / DENNIS THE MENACE (Sweden) / GOVINDA (Italy) / Djane IKEN

(Austria) / BASTEL (Germany) / BOTEON (Brazil) / Djane GIGIX (Brazil) / Djane CORIOUS (Germany) / JAIRAM (Germany) / JANCZUR (Brazil) / DJane THATY  (Brazil) / TADAYAN

(Japan) / DSOMPA (GER)

http://www.fullmoon-festival.com

Bobok, 2008 “Lily”, 80x120cm

m.giltjes/bobok

born 1966 in emmerich

works as cross-media-artist / webdeveloper and musican in visselhövede-germany.

bobok´s works are "snapshots".... catching his private moments of madness, pain, brightness, fear, senselessness and love... but - basically - there are no final "works" by bobok - just new pieces of material. 

for m.giltjes/bobok anything is mateterial.

every "piece"  he does - possibly could be part of a new project or any new "work". anything - he create´s - will ever be save not to be destroyed or reworked...

it´s about:  everything has a start and a consequence. and lots of emotions. by chance things are changing permanently... this is what pushes bobok.

if anybody needs a message to "commuicate" with works of bobok... i am sorry! 

there is no message! 

maybe: nothing is safe.... it´s a bad and soul-destroying world. the only thing that counts: " DIE LIEBE"

m.giltjes / bobok nacido en 1966 en Emmerich trabaja como cross-media-artist / webdeveloper y músico en vede ¶ visselhövede-Alemania. De obras de bobok son "instantáneas ".... la captura de sus momentos privados de la locura, el dolor, el brillo, el miedo, la insensatez y el amor ... pero - básicamente - no hay final "obras" por bobok - sólo nuevas piezas de material. para m.giltjes / bobok cualquier cosa es mateterial. cada "pieza" Â lo hace - podría ser parte de un proyecto nuevo o una nueva "obra". cualquier cosa - que el crea - no será nunca salvar a ser destruido o reelaborado ... es sobre: todo lo que tiene un comienzo y una consecuencia. y un montón de emotions.por casualidad las cosas están cambiando permanentemente ... Esto es lo que empuja bobok. si alguien necesita un mensaje a "Comunícate" con obras de bobok ... Lo siento!  no hay ningún mensaje!  tal vez: nada es seguro .... ita es una mala y destructora del alma world.Âlo único que cuenta: "Die Liebe"

Over the following pages, we feature a very special interview with Bobok. For the interview, Bobok was sent the questions below via email. Instead of giving traditional text responses, Bobok used a drawing for each response. We feel that this gives a very special, unique feeling to the interview, and we hope feel the same.

Is it difficult juggling life as a cross-media-artist, webdeveloper and musican ?You describe your work as 'snapshots', that there are never any final works. Can you explain what you mean by that?What was the response to your recent 'Hunger' exhibition in Dresden ?Your work has included both video installations and online installations. Do you have any future installations planned ?Can you describe the hardware/equipment setup in a typical video installation ?You were a founding member of the "media-art-project" Gvoon. How would you define the term "media art" ?What is the concept behind ostrale-zentrum.de ?You have worked with a large number of recording artists over the years. Who are you currently working with or is there anyone you would like to work for ?Can you describe the making of "Bullerbü Deathmatch" ? You seem to move between styles and disciplines with ease. Would you describe yourself as someone who is constantly evolving ?Your performances and installations have so far largely been in Germany. Are there any plans for international appearances ?What other artists keep your attention ?How can you be contacted ?Any parting message?

En las páginas siguientes, vamos a presentar a una entrevista muy especial con Bobok. Para la entrevista, Bobok se envió a las siguientes preguntas por correo electrónico. En lugar de dar respuestas de texto tradicional, Bobok utiliza un dibujo para cada respuesta. Creemos que esto da una muy especial, sensación única a la entrevista, y esperamos que sienten lo mismo.

¿Es difícil malabares la vida como un cross-media-artista, músico y webdeveloper?Usted describe su trabajo como "instantáneas", que nunca hay ninguna obra final. ¿Puede explicar qué quiere decir con eso?¿Cuál fue la respuesta a su reciente 'Hambre' exposición en Dresden?Su trabajo ha incluido tanto a las instalaciones de vídeo y las instalaciones en línea. ¿Tiene algún futuras instalaciones proyectadas?¿Puede describir el hardware y equipos de instalación en una instalación de vídeo típico?Usted fue miembro fundador de la "media-art-proyecto" Gvoon. ¿Cómo definiría usted el término "media art"?¿Cuál es el concepto detrás de ostrale-zentrum.de?Has trabajado con un gran número de artistas de grabación durante los años. ¿Quién se está trabajando con o hay alguien que le gustaría trabajar?¿Puede describir la realización de "Bullerbü Deathmatch"?Parece que se mueven entre estilos y disciplinas con facilidad. ¿Podría usted se describe como alguien que está en constante evolución?Su performances e instalaciones hasta ahora han sido en gran parte en Alemania. ¿Hay algún plan para partidos internacionales?¿Qué otros artistas mantener su atención?¿Cómo puede ser contactado?Cualquier mensaje de despedida?

m.giltjes/bobok : info@bobok.com / http://www.bobok.com

http://www.myspace.com/bobok09 / http://www.culture-net.euprojekt1: http://www.krisenflutschi.de / projekt2: http://www.mettwurst-crash.de

m.giltjes/bobok - Hunger - Weltkrieg ohne WurstMalerei / Installation - Ausstellungsbeitrag zur Ostrale 2009 / Dresden

m.giltjes/bobok - Hunger - Weltkrieg ohne WurstMalerei / Installation - Ausstellungsbeitrag zur Ostrale 2009 / Dresden

m.giltjes/bobok - Hunger - Weltkrieg ohne WurstMalerei / Installation - Ausstellungsbeitrag zur Ostrale 2009 / 14.08. - 06.09.2009 / Dresden

http://www.bobok.com/

http://www.bobok.com/

V/A - BrainZcrew - Prvcd19 - Compiled by DJ Ilse

Tracklist

01. Farebi Jalebi - Hollywood Muscles02. Insane Behavior - Devils Debate03. Kerlivin - R U OK04. Flipknot vs. Fuzulu - Alien Medicine05. Ectogasmics - Drumstains06. SynDzaDza - Ulitka07. Speakerhuggers - Switchboard08. Gidra - Gridlines09. Purosurpo - Hello World

Mastered by sonoa.deGraphic Design by fluosaure.com

V/A - Parvatrip - Prvcd18

Tracklist

01. Derango - Parvatrip02. Abrahadabra - Kundalini Magik 03. Drone Bixie - Bee's Nest 04. Derango - Irrbloss prt.2 (Gidra rmx) 05. Digitalian - Sonic Marsh 06. SpeakerHuggers - Huggernaut 07. Baba Yaga - Transformer 08. Nomad Souls (Arjuna & Seb) - Non Guilty09. ComaDust - MetallOrganicO 10. Gappeq - El Chupacabra

As part of their 10th Birthday celebrations, Parvati Records have organised a Parvati Stage inside the Full Moon Festival from 22 to 27 July near Berlin.

Como parte de las celebraciones de su 10 cumpleaños, Parvati Records han organizado una etapa Parvati dentro del Full Moon Festival, 22-27 julio cerca de Berlín.

http://www.parvati-records.comhttp://www.fullmoon-festival.com/

The DocsBarcelona International Documentary Film Festival, a point of convergence in Barcelona for debate, entertainment, screenings of today’s finest and most diverse documentaries and talks with the creators of those films, was held between 2-7 February 2010.

This year, the festival featured two new sections, in addition to its Panorama, Le Dernier Repas, Historia, 12-16, Catalan Day and Xtra. D’Amèrica brought documentaries from different Latin American countries to Barcelona’s audiences, whilst the 7-11 section aims to open up the world of the documentary film to younger children.

With a total of 8 different sections, the festival programmes were selected by expert guests who guaranteed an interesting range of international titles and master classes that offer privileged insight to the situation of the documentary genre.

El DocsBarcelona Festival Internacional de Documentales, un punto de convergencia en Barcelona para el debate, entretenimiento, proyecciones de documentales más finos y más diverso de hoy y las conversaciones con los creadores de las películas, se llevó a cabo entre 2-7 febrero de 2010.

Este año, el festival contó con dos nuevas secciones, además de su Panorama, Le Dernier Repas, Historia, 12-16, Catalán Day y Xtra. D'Amèrica trajo documentales de diferentes países de América Latina para el público de Barcelona, mientras que la sección 7-11 tiene como objetivo abrir el mundo de la película documental para los niños más pequeños.

Con un total de 8 diferentes secciones, el festival de los programas fueron seleccionados por invitados expertos que garantizan una interesante gama de títulos internacionales y clases magistrales que ofrecen una visión privilegiada a la situación del género documental.

Closing Ceremony (J. Anguera)

The festival featured 8 sections put together by documentary experts. Moreover, in keeping with every year, well-known directors and producers were there to discuss the films with their viewers following the screenings.

The 8 sections were :

Opening and Closing Ceremonies :Each year, the festival kicks off on a Wednesday with a session for viewers, institutions, professionals and guests, presenting the line-up for the upcoming days and offering a screening of a specially selected documentary film. The Opening Ceremony served as the backdrop for this year’s presentation of Televisió de Catalunya’s annual TV3 Awards. The screening of another documentary, a musical, was the central focus of the Closing Ceremony on Sunday evening.

El festival incluyó 8 secciones elaborado por expertos documental. Por otra parte, de acuerdo con todos los años, directores de renombre y los productores estaban allí para hablar de las películas con sus espectadores tras la proyección.

Las secciones son:

Inauguración y Clausura:Cada año, el festival arranca el miércoles con una sesión para los espectadores, instituciones, profesionales e invitados, la presentación de la alineación para los próximos días y con una proyección de un documental seleccionado especialmente. La ceremonia de inauguración sirvió como escenario para la presentación de este año de premios anuales de TV3 Televisió de Catalunya. La proyección de otro documental, un musical, fue el tema central de la Ceremonia de Clausura en la tarde del domingo.

Panorama - Fresh from the Lab : A total of 4 documentary films make up Panorama, a section that offers a sampling of the most important and interesting recent documentary productions in the international scene.

Featured film included Constantine and Elena (Andrei Dascalescu). A film about the simple life of an elderly couple in a small village in Romania. In love for over 50 years, they still enjoy everyday life with the little things they have. A film about an ancestral way of living and loving almost extinct.

Historia - The Good "Old" Times : The documentary as the ideal format to explore history’s oddities. This section focuses on those particular types of films that serve as organisers for the memory and as prisms to examine the reality of the facts and events of our most recent history and of a more distant past.

Featured films included Cooking History (Peter Kerekes), a film that introduces a new angle on European history through the testimonies of different military cooks who served in various armies in European wars of the 20th Century.

Panorama - Fresco del Laboratorio:Un total de 4 películas documentales componen Panorama, una sección que ofrece una muestra de las producciones documentales más importantes e interesantes recientes en la escena internacional.

Películas figuraron Constantino y Elena (Andrei Dascalescu). Una película sobre la vida sencilla de una pareja de ancianos en un pequeño pueblo de Rumania. En el amor desde hace más de 50 años, todavía disfrutar de la vida cotidiana de las pequeñas cosas que tienen. Una película sobre una ancestral forma de vivir y de amar casi extinto.

Historia - El Bueno "Viejo" Tiempos:El documental como el formato ideal para explorar rarezas de la historia. Esta sección se centra en los tipos de películas que sirven como organizadores de la memoria y como prismas de examinar la realidad de los hechos y acontecimientos de nuestra historia más reciente y de un pasado más lejano.

Películas figuraron Cocina Historia (Peter Kerekes), una película que introduce un nuevo ángulo en la historia europea a través de los testimonios de diferentes cocineros militares que sirvieron en varios ejércitos en las guerras europeas del siglo 20.

Constantine and Elena Andrei Dascalescu

Catalan Day : An evening of tribute to the most important and famous documentaries from Catalunya. Programme by Daniel Jariod, a filmmaker and a film theory and history professor at the ESCAC. Featured films included El perdón (The Forgiveness) (Ventura Durall) which is a journey into the depths of the human mind following the story of Andrés Rabadán, who after killing his father with a crossbow, was diagnosed with delirious paranoid schizophrenia and senteced to 20 years in a psychiatric penitentiary.

Le Dernier Repas - A Personal Choice : “At my last supper, I want to see my brothers…” So goes the song by Jacques Brel. Each year, DocsBarcelona invites a key figure from the documentary world to present his/her favourite works. This year, Roc Villas was doing the honours. Roc Villas, a film club devotee, independent filmmaker and critic. The Director of the Sitges International Film Festival in 1999 and 2000, he has served as the Director of the Film Library of Catalonia from 2001 to 2009.

Catalán Día:Una noche de homenaje a los documentales más importantes y famosos de Catalunya. Programa de Daniel Jariod, un director de cine y una teoría del cine y profesor de historia en la ESCAC. películas figuraron Perdón (El Perdón) (Ventura Durall) que es un viaje a las profundidades de la mente humana siguiendo la historia de Andrés Rabadán, quien después de matar a su padre con una ballesta, se le diagnosticó esquizofrenia paranoide y delirante senteced a 20 años en una penitenciaría psiquiátrica.

Le Dernier Repas - una opción personal:"En mi última cena, quiero ver a mis hermanos ..." Así dice la canción de Jacques Brel. Cada año, DocsBarcelona invita a una figura clave del mundo documental para presentar su obra favorita. Este año, Roc Villas estaba haciendo los honores. Roc Villas, un devoto del club de cine, cineasta independiente y crítico. El Director del Sitges Festival Internacional de Cine en 1999 y 2000, se ha desempeñado como Director de la Filmoteca de Cataluña desde 2001 hasta 2009.

El perdón & Ventrada (L. Huertas)

D'America Looking Over Seas : A new section devoted to productions that come from Central and South America. A showcase for the excellent work of Latin America’s documentary filmmakers. Programme by Joan Gonzàlez, the Director of DocsBarcelona and the Director of the production company Parallel40. Featured films included El último aplauso (The Last Applause) by German Kral, the emotional story of a group of old forgotten tango singers from Buenos Aires who for many years performed in the famous tango bar “El Chino.”

Doc! Doc! Doc! - Freshmen First Docs : Doc! Doc! Doc! (Which comes from an onomatopoeic play on words, evoking a knock at the door) unveils the freshest films of today’s up-and-coming filmmakers. Programme by Joan Gallifa, a journalist. He has been a member of the Televisió de Catalunya - TV3 team since 1984, where he works with the broadcaster’s news programmes and in social documentary series production. Today, he is the Director of the documentary programme Taller. Featured films included Icaro (Pep Martín Closas), a film which explores the final stages of César’s terminal cancer, and shows the testimonies of the people who were by his side during his last days.

D'Latina mirando por encima de los mares:Una nueva sección dedicada a las producciones que vienen de Centro y Sudamérica. Un escaparate de la excelente labor de los documentalistas de América Latina. Programa de Joan González, director de DocsBarcelona y el Director de la Parallel40 compañía de producción. películas figuraron El Aplauso Ultimo (El Último Aplausos) por el alemán Kral, la historia emocional de un grupo de antiguos cantantes de tango olvidadas de Buenos Aires que durante muchos años realizó en el bar del famoso tango "El Chino".

Doc! Doc! Doc! - Estudiantes de primer año Docs:Doc! Doc! Doc! (Que viene de un juego de palabras onomatopéyicas, evocando un golpe en la puerta) dio a conocer los más frescos películas de cineastas con mucho futuro a día de hoy. Programa de Joan Gallifa, un periodista. Ha sido miembro de la Televisió de Catalunya - TV3 equipo desde 1984, donde trabaja con los programas de noticias de la emisora y en la producción social series documentales. Hoy, él es el director del documental del programa Taller. películas figuraron Icaro (Pep Martín Closas), una película que explora las etapas finales de un cáncer terminal de César, y muestra los testimonios de las personas que estaban a su lado durante sus últimos días.

El último aplauso (The Last Applause) Icaro (Pep Martín Closas)

Kids and Teens :

12-16 - Docs 4 Teens : In an increasingly more global and interconnected world, 12-16 offers adolescent viewers a new means of travel and a new prism to discover realities all around the planet that are nevertheless close to them, through an otherwise seemingly distant genre. Each year, students from different schools around Barcelona and its surrounding towns fill the city’s theatres at matinee show times. The result is an entertaining, educational and interactive experience, where the students moreover have the opportunity to meet the directors and discuss their films.

7-11 - Docs 4 Kids : Thanks to the success of the 12-16 section at past celebrations, DocsBarcelona has decided to reach out to an even younger audience, this time targeting children between ages 7 and 11. With this initiative, the festival opens up the documentary genre to their youngest viewers yet.

Niños y adolescentes:

12-16 - Docs 4 Teens: En un mundo cada vez más global e interconectado, 12-16 ofrece a los espectadores adolescentes un nuevo medio de viaje y un nuevo prisma para descubrir la realidad de todo el planeta que son, sin embargo cerca de ellos, a través de una otra manera aparentemente género lejano. Cada año, los estudiantes de diferentes escuelas por Barcelona y sus ciudades circundantes llenan teatros de la ciudad en horarios de matinée. El resultado es una experiencia entretenida, educativa e interactiva, donde los estudiantes, además, tienen la oportunidad de conocer y discutir los directores de sus películas.

7-11 - Docs 4 Kids: Gracias al éxito de la sección de 12-16 en las celebraciones anteriores, DocsBarcelona ha decidido llegar a un público aún más joven, esta vez dirigida a los niños entre las edades de 7 y 11. Con esta iniciativa, el festival se abre el género documental a sus televidentes más jóvenes todavía.

Espai Jove la Fontana (J. Anguera)

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Programme by Joan Gonzàlez, the Director of DocsBarcelona and the Director of the production company Parallel40. The 7-11 and 12-16 sessions were exclusively for educational centres.

Featured films included Barraques. La ciutat oblidada (12-16) (Alonso Carnicer & Sara Grimal). During the Spanish post-war period thousands of people came to Barcelona, fleeing poverty and political persecution. Many of them spent years living in caves and shacks. A forgotten part of the history of Barcelona that is now told through the voices of those who endured it.

Xtra - Meet the Masters : Xtra is structured in two major sections: master classes and documentary screenings.

This year, the four scheduled discussions were held in the auditorium of La Pedrera of Caixa Catalunya. These were: 7 plans 7 featuring cameraman and director Josep Maria Domènech; the master class by Slovak director Peter Kerekes; the Off-line session of the project Història d'una francesa i d'un torero by Miquel Àngel Raió and a case study of Barraques. La ciutat oblidada presented by the film's directors Alonso Carnicer and Sara Grimal and researcher Miracle Tous.

Programa de Joan González, director de DocsBarcelona y el Director de la Parallel40 compañía de producción. Las sesiones de 7-11 y 12-16 fueron exclusivamente para los centros educativos.

Películas figuraron Barraques. La oblidada ciutat (12-16) (Alonso Carnicer y Sara Grimal). Durante el período español miles de posguerra de personas vinieron a Barcelona, huyendo de la pobreza y la persecución política. Muchos de ellos pasaron años viviendo en cuevas y chozas. Una parte olvidada de la historia de Barcelona que ahora es contada a través de las voces de quienes lo sufrieron.

Xtra - Encontrar los Maestros: Xtra se estructura en dos grandes secciones: clases magistrales y proyecciones de documentales.

Este año, los cuatro debates programados se llevaron a cabo en el auditorio de La Pedrera de Caixa Catalunya. Estos fueron: 7 planes 7 con el camarógrafo y director Josep Maria Domènech, la clase magistral por el director Peter Kerekes Eslovaca; el período de sesiones fuera de línea del proyecto Història d'Una francesa i d'torero de la ONU de Miquel Àngel Raio y un estudio de caso de Barraques. oblidada La ciutat presentada por los directores de la película Alonso Carnicer y Sara Grimal e investigador Milagro Tous.

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Xtra also featured a number of screenings that are interesting for their treatment or their meaning with a joint sessions, with Con Sandra, by Raúl Cuevas, and Immersió, by Neus Ballús, and with the Jospeh Morder’s magnificent J’aimerais partager le printemps avec quelqu’un, programmed by two young documentary film critics and filmmakers, Miquel Martí Freixas and Anna Petrus. Moreover, this year kicked off a new block titled Focus on: Italy, which explored Italy’s most recent productions. Held within the framework of the DocsBarcelona Festival, this focus event forms part of a schedule of activities organized in cooperation with Catalan Films & TV.

Lastly, this year, DocsBarcelona hosted the screenings of the two TV3 Awards 2009: The Coca Cola Case, by directors Germán Gutiérrez and Carmen García, and Imma Serra’s Calidoscopi. 41,2ºN-1,8ºE.

Calidoscopi. 41,2ºN-1,8ºE (TV3 Awards) (Imma Serra Maroto) : Who has never allowed his/her imagination to run wild while observing others from a corner? Imma Serra is captivated by the small gestures, by the glances, by the intuited exchanges. By all of those things that we do when no one else is paying attention.

Xtra también contó con un número de proyecciones que son interesantes para su tratamiento o su significado con una sesión conjunta, con Con Sandra, por Raúl Cuevas y Immersió, por Neus Ballús, y con la magnífica partager Morder José J'aimerais le printemps avec quelqu "programada de la ONU, por dos jóvenes críticos de cine documental y cineastas, Miquel Martí Freixas y Anna Petrus. Por otra parte, este año se inició un nuevo bloque titulado Enfoque en: Italia, que exploró las producciones más recientes de Italia. Celebrada en el marco del Festival DocsBarcelona, este evento se centran forma parte de un programa de actividades organizado en colaboración con el catalán Films & TV.

Por último, este año, DocsBarcelona acogió la proyección de los dos Premios de TV3 de 2009: El Caso Coca Cola, por directores alemanes Gutiérrez y Carmen García, y Calidoscopi Imma Serra. 41,2 º N-1, 8 º E.

Calidoscopi. 41,2 º N-1, 8 º E (Premios TV3) (Imma Serra Maroto): ¿Quién nunca ha permitido que su imaginación vuele mientras observa a otros de una esquina? Imma Serra es cautivado por los pequeños gestos, las miradas, por los intercambios intuido. Por todas esas cosas que hacemos cuando nadie está prestando atención.

TV3 National Award (J. Anquera)

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From Mao to Mozart: Isaac Stern in China, Muray Lerner, USA 1980 84 min.

In 1979, as China re-opened its doors to the West, virtuosos Isaac Stern received an unprecedented government invitation to tour the country. This extraordinary experience became the landmark, Oscar-winning documentary From Mao to Mozart – a beautiful expression of two differing cultures brought together by the warmth and dedication of a great musician and humanitarian.

During his month-long journey, Stern conveyed the inner life of Western music, which had only recently been made available at the end of the Cultural Revolution. From individual session and school visits to public performances, often with Chinese musicians, Stern established a warm contact with his hosts, “first as musicians, then as friends”.

Some of the children he had taught have become master musicians themselves on the international scene. From Mao to Mozart is a heartwarming presentation of Isaac Stern’s incredible cultural odyssey.

En 1979, mientras China re-abría sus puertas al mundo occidental, el virtuoso Isaac Stern recibía una invitación del gobierno sin precedentes para ir de gira por el país. Esta extraordinaria experiencia se convirtió en el documental ganador de un Oscar From Mao to Mozart – una bella expresión de dos culturas diferentes reunidas por la cordialidad y la dedicación de un gran músico y humanitario.

Durante su mes de viaje, Stern transmitió el espíritu de la música occidental, que sólo recientemente había estado disponible al final de la Revoulión cultural. A través de sesiones individuales y visitas en escuelas a actuaciones públicas, a menudo con músicos chinos, Stern estableció un cálido contacto con sus anfitriones, “primero como músicos, después como amigos”.

Algunos de los niños que enseñó se han convertido en músicos expertos en la escena internacional. From Mao to Mozart es una conmovedora presentación de la increíble odisea cultural de Isaac Stern.

http://www.docsbarcelona.comhttp://en.wikipedia.org/wiki/Isaac_Stern

by Alberto Arce & Mohammad Rujailah, Spain 2009, 112 min.

"(...) Afterwards, of course, there were endless discussions about the shooting of the elephant. The owner was furious, but he was only an Indian and could do nothing. Besides, legally I had done the right thing, for a mad elephant has to be killed, like a mad dog, if its owner fails to control it." George OrwellGeorge Orwell defined a way of witnessing Asia that still remains valid.

To Shoot an Elephant is an eye witness account from The Gaza Strip. December 27th, 2008, Operation Cast Lead. 21 days shooting elephants. Urgent, insomniac, dirty, shuddering images from the only foreigners who decided and managed to stay embedded inside the Gaza strip in ambulances, with Palestinian civilians.

"(...) Después, por supuesto, había discusiones interminables sobre el tiroteo del elefante. El dueño estaba furioso, pero no era más que un indio y no podía hacer nada. Además, legalmente yo había hecho lo correcto, por un elefante loco hay que matarlo, como un perro rabioso, si su propietario no lo controlan. " George Orwell George Orwell definió una forma de dar testimonio de que Asia sigue siendo válida.

To Shoot an Elephant es un relato de testigos oculares de la Franja de Gaza. 27 de diciembre 2008, la Operación Plomo Fundido. 21 días elefantes de tiro. Urgente, insomne, sucio, temblando imágenes de los únicos extranjeros que han decidido y permanecer incrustado dentro de ambulancias Franja de Gaza, con los civiles palestinos.

Gaza Strip has been under siege since June 2007, when Israel declared it an "enemy entity".

A group of international activists organised a siege-breaking movement, the Free Gaza movement. Thanks to their efforts, and despite the Israeli ban on foreign correspondents and humanitarian aid workers to cover and witness operation "Cast Lead" on the ground, a group of international volunteers: self organised members of the International Solidarity Movement were present in Gaza when the bombing started on December, 27th 2009.

Together with two international correspondents from Al Jazeera International (Ayman Mohyeldin and Sherine Tadros), they were the only foreigners who managed to write, film and report for several radio stations what was happening inside the besieged Palestinian strip.

La Franja de Gaza vive en estado de asedio desde junio de 2007, cuando Israel la declaró una “entidad enemiga”.

Un grupo de activistas internacionales impulsó un movimiento, “ Free Gaza ” , que tiene como objetivo romper ese asedio. Gracias a sus esfuerzos, y a pesar de la prohibición impuesta por Israel a todos los corresponsales y trabajadores de ayuda humanitaria extranjeros de cubrir y ser testigos directos de la “Operación Plomo Fundido”, un grupo de voluntarios internacionales, miembros auto-organizados del International Solidarity Movement, estuvieron presentes en Gaza el 27 de diciembre, en el momento justo en que comenzaron los bombardeos.

Junto a dos corresponsales internacionales de Al Jazeera International, Ayman Mohyeldin y Sherine Tadros, ellos fueron los únicos extranjeros que consiguieron escribir, filmar e informar para varios medios de comunicación sobre lo que estaba sucediendo dentro de la asediada franja palestina.

Were they journalists? Were they activists? Who cares!. They became witnesses. Being a journalist or being whatsoever depends on how you feel. It is an ethical responsibility that you manage to share with a wider audience what you and those who are around you are going through. It will be the result of your work that will lead you to a professional career as a journalist or not, rather than pre-assumptions and labels. Make them know. Make those who you want to: listen and be aware of what you are aware of. That is a journalist. Having a card, with "press" written on it, or getting a regular salary is not necessary to be a witness with a camera or a pen. Forget about neutrality. Forget about objectivity.

We are not Palestinians. We are not Israelis. We are not impartial. We only try to be honest and report what we see and what we know. I am a journalist. If somebody listens, I am a journalist. In Gaza´s case, no "official journalists" were authorized to enter Gaza (apart from those who were already inside) so we became witnesses. With a whole set of responsibilities as regarding to it.

¿Eran periodistas? ¿Eran activistas? ¡A quién le importa! Ellos se convirtieron en testigos. Ser periodista o ser cualquier cosa depende de cómo tú lo sientas. Es una responsabilidad ética que te lleva a compartir con un público más amplio lo que está pasando a tu alrededor. Será el resultado de tu trabajo lo que te conducirá (o no) a una carrera como periodista, no las presuposiciones o las etiquetas. Haz que se enteren. Haz que los que tú quieres que escuchen, escuchen y sean conscientes de lo que tú estás siendo consciente. Esto es ser periodista. Para ser testigo, con una cámara o un lápiz, no es necesario tener un sueldo o una tarjeta que ponga “PRESS”. Olvidad la neutralidad, olvidad la objetividad.

No somos palestinos. No somos israelitas. No somos imparciales. Sólo tratamos de ser honestos y contar lo que hemos visto y lo que sabemos. Soy periodista. Si alguien me escucha, soy periodista. En el caso de Gaza, ningún “periodista oficial” tenía autorización ese 27 de diciembre para entrar (excepto los que ya estaban dentro), por lo que nos convertimos en los únicos testigos, con todas las responsabilidades que eso conlleva.

I have always understood journalism as "a hand turning the lights on inside the dark room". A journalist is a curious person, an unpleasant interrogator, a rebel camera and a pen making those in power feel uncomfortable. And that is the concept of my work in Gaza: To fulfil a duty in the most narrated conflict on earth, where the story of the siege and the collective punishment that is being imposed by Israel on the whole population of the territory in retaliation for rockets sent by Hamas will never be told with enough accuracy.

For this it has to be lived. I sneaked inside Gaza despite Israeli attempts not to allow us to enter and I was "politely" asked to leave by those in power in Gaza. That is my idea of journalism.

Every government on earth should feel nervous about somebody going around with a camera or a pen ready to publish what he or she manages to understand. For the sake of information, one of the biggest pillars of democracy.

Yo siempre he entendido el periodismo como “una mano encendiendo la luz en una habitación oscura”. El periodista es una persona curiosa, un interrogador desagradable, una cámara y un lápiz rebelde que hacen sentir incómodos a los que están en el poder. Ésta es la esencia de mi trabajo en Gaza, cumplir un deber en el conflicto más narrado de la Tierra, donde, sin embargo, nunca será contada la historia del asedio y del castigo colectivo que Israel está imponiendo a toda la población en respuesta a los cohetes lanzados por Hamas.

Por ello, debía ser vivido tal como fue. Entré sigilosamente en Gaza, a pesar de los intentos de Israel por impedirlo. Los que están en el poder en Gaza nos “pidieron cortésmente” que nos fuésemos. Mi idea del periodismo es eso.

Cada gobierno del mundo debería sentirse nervioso cuando alguien va por ahí, con una cámara o un lápiz, dispuesto a publicar lo que consiga entender. Y todo ello por el bien de la información, uno de los más grandes pilares de la democracia.

This is an embedded film. We decided to be "embedded within the ambulances" opening an imaginary dialogue with those journalists who embed themselves within armies. Everyone is free to choose the side where they want to report from. But decisions are often not unbiased. We decided that civilians working for the rescue of the injured would give us a far more honest perspective of the situation than those whose job is to shoot, to injure and to kill. We prefer medics rather than soldiers. We prefer the bravery of those unarmed rescuers than those with -also interesting, but morally rejectable experiences who enlist to kill. It is a matter of focus. I am not interested in the fears, traumas and contradictions of those who have a choice: the choice of staying home and saying no to war”.

Alberto Arce

Esto es una película de “periodismo empotrado”. Decidimos “empotrarnos” dentro de las ambulancias, abriendo un diálogo imaginario con aquellos periodistas que se empotran dentro de las ejércitos. Todo el mundo es libre de elegir desde qué lado quiere informar. Pero, en muchas ocasiones, las decisiones no son imparciales. Decidimos que los civiles que trabajan en el rescate de los heridos nos dan una perspectiva mucho más honesta de la situación que para quienes su trabajo es disparar, herir y matar. Preferimos médicos en vez de soldados. Preferimos la valentía de aquellos rescatadores desarmados a aquellos que se alistan y que tienen experiencias tal vez interesantes, pero moralmente rechazables. Es una cuestión de enfoque. A mí no me interesan los miedos, traumas y contradicciones de aquellos que pueden elegir quedarse en casa y decir no a la guerra.

Alberto Arce

http://www.toshootanelephant.com

http://www.toshootanelephant.com

"To Shoot An Elephant"is available to download from

http://www.toshootanelephant.com

"To Shoot An Elephant"está disponible para descargar enhttp://www.toshootanelephant.com

Islamic University, Gaza

Tokyo Fantasy : http://tokyogenso.exblog.jp/

Speaker Junkies, founded in 1999 by Tekno Tom (keytar) and Rezn Tokes (synths), have evolved from a revolutionary underground live duo into a complete band with the addition of Summer Daniels’ vocals and Tempo on drums, pushing and blurring the lines of live and electronic music and are set to storm the mainstream. “We have transformed into a band that many describe as Gwen Stefani, Lady Gaga, Fergie, DJ Tiesto and electro/pop/techno music in a blender,” explains Tom. Rezn elaborates on their musical evolution: “I would describe Speaker Junkies today as futuristic, fun, upbeat, melodic, edgy, spacey, hard and energetic.

If you were able to fly a U.F.O. through space or take a journey through your veins and the various lobes of your cerebral cortex you would find that early Speaker Junkies would be the perfect complement to that journey.” “Makes you wanna’ dance all night long!” says Tempo. “We’re an electro-pop band that knows how to get ‘ish started!” says Daniels, summing it up. “Party music!”

Speaker Junkies, fundada en 1999 por Tom Tekno (keytar) y Rezn Tokes (sintetizadores), han evolucionado desde un dúo revolucionario viven bajo tierra en una banda completa con la adición de voces de Verano de Daniels y Tempo en la batería, empujando y borrando los límites de música en vivo y electrónicos y se ponen a la tormenta de la corriente principal. "Hemos transformado en una banda que muchos describen como Gwen Stefani, Lady Gaga, Fergie, DJ Tiesto y electro / pop / techno música en una licuadora", explica Tom. Rezn elabora en su evolución musical: "Me gustaría describir Speaker Junkies hoy como futurista, divertido, optimista, melódico, nervioso, Spacey, duro y enérgico.

Si fueron capaces de volar un U.F.O. a través del espacio o hacer un recorrido por las venas y los diversos lóbulos de su corteza cerebral, se verá que Junkies principios de altavoces sería el complemento perfecto para ese viaje "." Dan ganas de "bailar toda la noche!", dice el Tempo. "Somos una banda de electro-pop que sabe cómo conseguir« ish comenzar! ", Dice Daniels, resumirlo. "La música de fiesta!"

Their new self-titled album, a culmination of their talent and experience, can be equally attributed to a tireless work ethic and devotion to a single, driving passion: music. It’s midnight and Tom is still hard at work in the studio, surrounded by posters of his favorite bands and album plaques of his record releases. The music bumps as he monitors the levels, remixing a track called “I Party” by Far East Movement . “The upcoming CD also features our friends from Ultraviolet Sound as well as label-mates DJ ei8ht and Bitter Persona. We are definitely excited and proud of this new CD. This album truly defines what we are today.”

With the members of this now complete live electronic outfit carrying a variety of influences in their arsenal (from Depeche Mode to No Doubt and Madonna), an already impressive list of accomplishments (extensive live performances including opening for chart-toppers LMFAO, music featured in iPod commercials and spun by the likes of Tommy Lee and DJ Christopher Lawrence), a live performance unique to their genre and a new self-titled full length with the infectious single “Shut Up and Let Me Dance” already in heavy rotation, there’s nowhere to go but up.

“Everything we’ve been working toward all these years is in the hands of the future. Our dreams can be crushed or they can be granted,” says Rezn. “But the only way to find out is to work hard.” One thing seems certain: Speaker Junkies are here to stay.

Su auto nuevo álbum, la culminación de su talento y experiencia, puede ser igualmente atribuida a una ética de trabajo incansable y la devoción a una sola pasión, la conducción: la música. Es medianoche y Tom sigue siendo difícil en el trabajo en el estudio, rodeado de pósters de sus bandas favoritas y las placas de los álbumes de sus lanzamientos de registro. Las protuberancias de la música como él supervisa los niveles, remezclar una canción llamada "I" por el Lejano Oriente Movimiento. "El próximo CD también cuenta con nuestros amigos de Katy Perry, así como compañeros de sello Ei8ht DJ y Bitter Persona. Estamos muy entusiasmados y orgullosos de este nuevo CD. Este álbum realmente define lo que somos hoy ".

Con los miembros de este equipo ha finalizado electrónica en vivo llevando una variedad de influencias en su arsenal (de Depeche Mode en No Doubt y Madonna), una ya impresionante lista de logros (extensivo actuaciones en vivo, incluyendo la apertura de grandes éxitos LMFAO, la música aparece en anuncios de iPod y giró por la talla de Tommy Lee y el DJ Christopher Lawrence), una actuación en vivo única de su género y una nueva auto-titulado de larga duración con el contagioso single "Shut Up and Let Me Dance" ya en la rotación pesada, no hay ningún lugar más que subir.

"Todo lo que hemos estado trabajando todos estos años está en manos del futuro. Nuestros sueños pueden ser aplastados o pueden ser otorgadas ", dice Rezn. "Pero la única manera de averiguarlo es trabajo duro." Una cosa parece segura: Junkies altavoz están aquí para quedarse.

Who provided the soundtrack to your corruption as a youth ?

Summer: I grew up around rock and roll and love Metallica and Guns N’ Roses. I also love house music ‘cause that’s what we listened to all the time at gymnastic practices. My favorite song was “Sweet Dreams.” I always would sing and play the piano but everything I played was by ear. I never had any professional help. I wanted to become a singer because I’ve danced my whole life and I love being in front of a crowd and getting people pumped up! Every time I’m on stage I feel as though it’s what I was born to do.

Rezn Tokes: I developed my own musical interest when I was about 8 or 9 years old. I mainly listened to metal throughout high school. Throughout my college years I listened to a lot of alternative and underground music. Robert Miles is what really got me into the dance music scene. The song “Children” is just so beautiful that it really inspired me. I wanted to create that kind of music after listening to his stuff. Prodigy, Orbital, Daft Punk, Diesel Boy and Aphex Twin all had to do with my musical inspirations. I never knew how that music was created until one of my friends introduced me to his friend over at USC. He had a little studio (Mac connected to a keyboard). He basically showed me how a keyboard connected to a computer can be used to create music. I laid down my first track there and instantly fell in love with the whole home studio thing. I began talking to people at Guitar Center for tips and advice on how to create a home studio environment. This was the time where I became a musician.

¿Quien puso la banda sonora de su corrupcion como su juventud?

Summer : Crecí en torno a rock and roll y el amor Metallica y Guns N 'Roses. También me encanta la música de la casa porque eso es lo que escuchamos todo el tiempo en las prácticas de gimnasia. Mi canción favorita es "Sweet Dreams". Yo siempre cantar y tocar el piano, pero todo lo que tocaban era de oído. Nunca tuve ninguna ayuda profesional. Yo quería ser cantante, porque he bailado toda mi vida y me encanta estar frente a una multitud y gente que se bombea! Cada vez que estoy en el escenario me siento como si es lo que nací para hacer.

Rezn Tokes : He desarrollado mi propio interés musical cuando tenía unos 8 o 9 años de edad. Yo escuchaba todo el metal en toda la escuela secundaria. A lo largo de mis años de universidad he escuchado un montón de música alternativa y subterráneo. Robert Miles es lo que realmente me metió en la escena de la música de baile. La canción "Niños" es tan hermosa que realmente me inspiró. Quería crear ese tipo de música, después de escuchar a sus cosas. Prodigy, Orbital, Daft Punk, Diesel Boy y Aphex Twin todos tenían que ver con mi inspiración musical. Nunca supe lo que la música fue creada hasta que uno de mis amigos me presentó a su amigo a través de la USC. Tenía un pequeño estudio (Mac conectado a un teclado). Básicamente, me mostró cómo un teclado conectado a un ordenador se puede utilizar para crear música. Entregué mi primera pista y de inmediato se enamoró de todo lo casa de estudio. Empecé a hablar a la gente en Guitar Center de sugerencias y consejos sobre cómo crear un ambiente de estudio en casa. Este fue el momento en que me convertí en un músico.

Tekno Tom: I liked all sorts of music at a young age. I loved Nirvana, Depeche Mode, New Order, Pet Shop Boys, Beethoven, Chopin, Duran Duran just to name a few. I guess I turned into a musician when I was given a piano when I was 9 years old. My parents were told by my piano teacher, that starting at such a late age I wasn’t going to excel like the other kids. I proved to everyone three years later doing recitals and playing the most difficult compositions. I quit piano lessons at 15 and began teaching myself and learning the songs I wanted to play.

Tempo: My first influences were the drummer that played at my father’s club when I was 10, my father playing acoustic guitar and my mother singing since I was a child. I grew up listening to from everything in the ‘70s that my parents listened to everything we listen to now. ABBA, Beatles, Blondie, Queen, Metallica, G N' R, Poison, Led Zeppelin Bon Jovi, Michael Jackson, Madonna, the Smiths and so much more! The transition from fan to musician was the time I played my first written song to a crowd at my first show in Westminster for a graduation party.

Tekno Tom: Me ha gustado todo tipo de música a una edad temprana. Me encantaba Nirvana, Depeche Mode, New Order, Pet Shop Boys, Beethoven, Chopin, Duran Duran sólo para nombrar unos pocos. Supongo que se convirtió en un músico cuando me dieron un piano cuando tenía 9 años de edad. Mis padres se les dijo a mi profesor de piano, que a partir de una edad tan tardía que no iba a sobresalir como los otros niños. He demostrado a todo el mundo tres años más tarde haciendo recitales y tocar las composiciones más difíciles. Dejé de lecciones de piano a los 15 y comenzó a enseñar a mí mismo y aprender las canciones que yo quería jugar.

Tempo: Mis primeras influencias fueron el baterista que jugó en el club de mi padre cuando yo tenía 10, mi padre tocando la guitarra acústica y mi madre cantando desde que era un niño. Crecí escuchando de todo en los años 70 que mis padres escuchaban a todo lo que escuchamos ahora. ABBA, The Beatles, Blondie, Queen, Metallica, GN 'R, Veneno, Led Zeppelin Bon Jovi, Michael Jackson, Madonna, The Smiths y mucho más! La transición del ventilador con el músico fue el tiempo que jugué mi primera canción escrita a una multitud en mi primera exposición en Westminster para una fiesta de graduación.

We know your beats are addicting, but why else do you call yourselves “Speaker Junkies” ?

Rezn Tokes: My friend and I were at a rave that was held at the Alexandria, a hotel in Los Angeles back in 1999. Once we got to the event, we went straight to where all the speaker junkies hung out. We both danced and meditated in front of a wall of speakers in the trance room for about five hours. I kept saying, “We are speaker junkies!” while pounding the back of a total stranger with my fists to the beat. I had a revelation. I told myself I wanted to be that DJ up there, spinning these sick tracks and making all these people feel what I was feeling. That leads up to how we got the name Speaker Junkies. After Tom and I decided we were going to venture into this musical journey together weasked each other what we should call our band. We brainstormed for a while until this one morning. I woke up one morning reminiscing about that rave I went to at the Alexandria hotel. I started to think about all the speaker junkiesand said to myself, “Ah ha, I’ve got it!” So I called Tom and told him, “I think I found our band name!” He goes, “What?” I said, “Speaker Junkies!” We both agreed on it and that’s all she wrote.

Sabemos que su beats son adictivos, pero por qué más te llaman a sí mismos "Speaker Junkies"?

Rezn Tokes: Mi amigo y yo estábamos en una rave que se celebró en la Alejandría, un hotel en Los Ángeles en 1999. Una vez que llegamos al evento, fuimos directamente a que todos los adictos al orador frecuentaba. Ambos bailaron y meditar frente a una pared de los altavoces en la sala de trance durante cinco horas. Yo decía: "Somos adictos al orador!", Mientras que golpear la parte trasera de un total desconocido con los puños al ritmo. Tuve una revelación. Me dije que quería ser DJ que allá arriba, dando vueltas estas pistas enfermos y hacer todas estas personas se sientan lo que yo sentía. Que conduce a la forma en que recibió el nombre Speaker Junkies.

Después de que Tom y yo decidimos que íbamos a aventurarse en este viaje musical juntos preguntaban unos a otros lo que debe llamar a nuestra banda. Tenemos una lluvia de ideas por un tiempo hasta esta mañana. Me desperté una mañana, recordando que fui a la rave en el hotel Alejandría. Empecé a pensar en todos los adictos a orador y me dije, "¡Ah, lo tengo!" Así que llamé a Tom y le dijo: "Creo que he encontrado nuestro nombre de la banda!" Él dice, "¿Qué?" le dije, "Speaker Junkies!" Nosotros ambos estuvieron de acuerdo en ello y eso es todo lo que ella escribió.

Graffiti began in Gaza in 1987, during the first Intifada, when there was no Palestinian television or radio in the Gaza Strip, and no newspapers: the messages

that spread along the walls became an important means of communication. Over the years, all political groups have had their own graffiti artists. Scrawl is not tolerated—it has to look good. Hamas even offers evening classes in graffiti.

Documenting the writings on the walls of Gaza over a period of seven years, celebrated Swedish photojournalist Mia Gröndahl lays before us the many roles that they perform, the colourful and surprising range of their artistic expression,

and their reflection of the changing political situation. And apart from political slogans, the walls bear witness too to joy and sadness: the wedding celebrations, the many victims of the conflict, and the ever present hope of peace and freedom.

For us on the outside, Mia Gröndahl’s photographs offer an exciting and unexpected view of life in Gaza.

Graffiti comenzó en Gaza en 1987, durante la primera Intifada, cuando no había televisión o la radio palestina en la Franja de Gaza, y los periódicos no: los

mensajes que se propagan a lo largo de las paredes se convirtió en un importante medio de comunicación. Con los años, todos los grupos políticos han tenido sus

propios artistas de graffiti. Scrawl no se tolera, se tiene que lucir bien. Hamas incluso ofrece clases nocturnas en el graffiti.

La documentación de los escritos en las paredes de Gaza durante un periodo de siete años, famosa sueca fotoperiodista Mia Grøndahl establece que tenemos ante nosotros los múltiples roles que desempeñan, la gama de colores y sorprendente

de su expresión artística, y su reflejo de la cambiante situación política. Y aparte de consignas políticas, las paredes dan testimonio también a la alegría y la tristeza: las celebraciones de bodas, las numerosas víctimas del conflicto, y la esperanza siempre presente de la paz y la libertad. Para nosotros en el exterior, fotografías Mia Grøndahl ofrecen una maravillosa y inesperados vista de la vida en Gaza.

Writing graffiti became an important part of the Palestinian resistance. The occupying power was well aware of the graffiti’s explosive potential. The Israeli military often invaded a refugee camp at dawn and forced the inhabitants out of their graffiti-covered houses with the order: “Wash the walls clean!” But as soon as the soldiers had disappeared in their jeeps, the graffiti activists returned with their battery of paint cans and sprayed new slogans in the fight for a free Palestine. The attempt to clean the walls would be repeated many more times. The largest—and most fruitless – initiative to wash away Gaza’s graffiti came not from Israel but from the Palestinians themselves. After the six-year-long intifada had ended and Israel and the PLO had signed the Oslo Accords in Washington in 1993, and as the Palestinian territories were preparing to receive Yasser Arafat and his leadership, the slogans on Gaza’s walls had to go. The peace process would begin in an environment scrubbed clean of the previous era’s warlike graffiti. It was claimed that the graffiti had also outlived itself. As a communication channel it was hopelessly outdated and unnecessary in a self-governing territory that planned to set up its own television, radio and printed press. With a generous contribution of five million dollars from the Japanese government, the Palestinian authority set to work. Paint patrols were dispatched throughout Gaza to whitewash over thousands of kilometers of graffiti.

La escritura de Graffiti se convirtió en una parte importante de la resistencia palestina. La potencia ocupante era muy consciente del potencial explosivo de las pintadas. Los militares israelíes a menudo invadido un campo de refugiados en la madrugada y obligó a los habitantes de sus casas cubiertas de graffiti con el orden: "Lávese las paredes limpias!" Pero tan pronto como los soldados habían desaparecido en sus jeeps, los activistas regresaron con sus graffiti batería de latas de pintura y rociado nuevas consignas en la lucha por una Palestina libre.

El intento de limpiar las paredes se repetiría muchas veces más. El mayor y más inútil - la iniciativa para quitar el graffiti de Gaza no vino de Israel, sino de los propios palestinos. Después de la Intifada de seis años de duración había terminado e Israel y la OLP habían firmado los Acuerdos de Oslo en Washington en 1993, y como los territorios palestinos se preparaban para recibir Yasser Arafat y su liderazgo, las consignas en las paredes de Gaza tuvo que ir. El proceso de paz se iniciaría en un medio ambiente limpio borrado de graffiti bélico de la era anterior. Se alegó que el graffiti también había sobrevivido a sí mismo. Como canal de comunicación estaba herméticamente obsoletas e innecesarias en un territorio autónomo que prevé la constitución de su propia televisión, radio y prensa escrita. Con una generosa contribución de cinco millones de dólares del gobierno japonés, la Autoridad Palestina puso a trabajar. La pintura se enviaron patrullas a lo largo de Gaza para encubrir lo largo de miles de kilómetros de graffiti.

After just a few weeks it was clear that the expensive clean-up was completely wasted. Of course the graffiti came back. In fact, it spread from wall to wall like wildfire. The combination of liberated streets and cleanly painted walls was irresistible. In the words of one graffiti artist: “Suddenly all these naked white surfaces were all over Gaza, as if the walls had been prepared especially for us. All we had to do was to start spraying!”

Después de unas pocas semanas quedó claro que la costosa limpieza se perdió por completo. Por supuesto, el graffiti regresó. De hecho, se extendió de pared a pared como reguero de pólvora. La combinación de las calles liberada y las paredes pintadas limpiada era irresistible. En palabras de un artista de graffiti: "De repente todas estas blancas desnudas superficies estaban por todas partes de Gaza, como si las paredes se habían preparado especialmente para nosotros. Todo lo que teníamos que hacer era comenzar a rociar! "

"The sky is a beautiful blue; dusty bushes and trees line the road; people are out on the streets; we drive past cars and donkey carts, but nothing helps. The first impression of Gaza is depressingly gray.

For this reason, the first explosion of colour feels like a liberation. More colour follows as we travel into the densely populated area. The buildings are covered with graffiti that dances along the walls in all the colours of the rainbow. Scarcely a shabby surface has been left to its otherwise gray, silent fate. Gaza’s walls capture my attention. They cry out in green, red, black and yellow: Look at us! Read our messages!"

"El cielo es un hermoso azul; arbustos y árboles polvorientos bordean la carretera, la gente está en la calle; conducimos pasar coches y carros tirados por burros, pero nada ayuda. La primera impresión de Gaza es deprimente gris.

Por esta razón, la primera explosión de color se siente como una liberación. Más color sigue a medida que viajamos a la zona densamente poblada. Los edificios están cubiertas de graffiti que baila a lo largo de las paredes de todos los colores del arco iris. Apenas una superficie miserable se ha dejado a su otra gris, el destino de silencio. Los paredes de Gaza captura mi atención. Lloran en verde, rojo, negro y amarillo: Míranos! Lea nuestros mensajes! "

Gaza Graffiti: Messages of Love and Politics (Paperback)

Paperback: 152 pagesPublisher: Auc Press (Mar 15 2010)Language: EnglishISBN-10: 9774163214ISBN-13: 978-9774163210

Mia Gröndahl is a Swedish journalist and photographer who has been based in the Middle East since 1996. After five years in East Jerusalem, she is now living in Cairo. During her years in the Middle East she has documented the lives of the Palestinians in numerous exhibitions and books. Some of the photographs in this book were included in her exhibition ''UNRWA and the Palestinian Refugees: 50 Years,'' which was inaugurated by Secretary General Kofi Annan at the UN headquarters in New York.

The photography exhibition Gaza Graffiti by Mia Grondahl opened at The Freedom Theatre on March 6, 2010.

The opening programme included Mural Painting, an activity open to local artists and the public, Mia Grondahl introducing her exhibit, “My Gaza” – documentaries made by young filmmakers in Gaza, Sharp Rhymes, a rap/hip-hop band from Jenin, and rap band DAM.

The exhibition ran from March 7 to 14 and included daily screenings of The Freedom Theatre's own student short films.

Mia Grøndahl es periodista y fotógrafo sueca que se ha basado en el Oriente Medio desde 1996. Después de cinco años en Jerusalén Este, ahora vive en El Cairo. Durante sus años en el Oriente Medio se ha documentado la vida de los palestinos en numerosas exposiciones y libros. Algunas de las fotografías de este libro se incluyeron en su exposición ''UNRWA y los refugiados palestinos: 50 años'', que fue inaugurado por el Secretario General Kofi Annan en la sede de la ONU en Nueva York.

La exposición fotográfica de Gaza Graffiti por Mia Grondahl abrió en el Teatro Libertad el 6 de marzo de 2010.

El programa de apertura, que incluyó Pintura Mural, una actividad abierta a artistas locales y el público, Mia Grondahl al presentar su exposición "Mi Gaza" - los documentales realizados por jóvenes cineastas en Gaza, Sharp Rhymes, un rap / banda de hip-hop de Jenin, y rap DAM banda.

La exposición se desarrolló entre 7 a 14 marzo e incluyó sesiones diarias de estudiantes del propio Teatro Libertad de cortometrajes.

Mia Gröndahl: http://www.miagrondahl.com/Freedom Theatre : http://www.thefreedomtheatre.org/Gaza Graffiti Blog : http://gazagraffiti.wordpress.com/

The words, in Arabic, say "We are returning." Many residents still have the keys to their original homes in what has now become Israel.

Las palabras, en árabe, dicen "Estamos regresando". Muchos residentes todavía tienen las llaves de sus hogares originales en lo que se ha convertido en Israel.

Palestinian boys carrying Hamas and Palestinian flags in the Gaza Strip, as they walk past graffiti showing the death of 12-year old Mohammad al-Durra.

Chicos palestinos llevar Hamas y palestinas banderas en la Franja de Gaza, mientras caminan pasado graffiti que muestra la muerte de 12-años Mohammad al-Durra.

L.U.A Records compilation (VA / Deep Trip) is a tribute to DR.Timothy Leary, writer, psychologist, futurist and advocate of psychedelic drug research.This VA/ register a second coming of a psychedelic culture, where psychedelic music has a transformation.

Not just the music but the counterculture have demanded a more incisive ideology in time, making the awareness of the others,to a new way to deal with the world and everything around us.

Mind is Universal and a new Psychedelic community grows stronger in our days with a new look about spirituality,awareness, the World, Justice and all the things that our Ordinary human species have been ignoring for many centuries.

That is called awareness !

Is no responsible for this change in the world, other than the open mind of the new generation.

More then a style, Psychedelic electronic music brings people together in a happening of happiness, share, friendship, equality and valuable Ecological and philosophical information never seen in any other music style.

Icon of the 60s Psychedelic culture, DR. Timothy Leary is famous as a proponent of the therapeutic and spiritual benefits of LSD. He popularized the catch phrase "Turn on, tune in, drop out“.

Over the following pages, we talk with Fred, Radio & Record Label Manager for Trancemoon and LUA Records (based in Portugal/UK), about the Deep Trip Trilogy.

LUA compilación Records (VA / Deep viaje) es un homenaje a DR.Timothy Leary, escritor, psicólogo, futurista y defensor de la investigación de drogas psicodélicas.? Este VA / registro de una segunda venida de una cultura psicodélica, donde la música psicodélica tiene una transformación. No sólo la música, pero la contracultura han exigido una ideología más incisivo en el tiempo, la conciencia de los otros, a una nueva manera de tratar con el mundo y todo lo que nos rodea.

Mente es universal y una comunidad Psychedelic nuevo se hace más fuerte en nuestros días con una nueva mirada sobre la espiritualidad, la conciencia? El mundo, la justicia y todas las cosas que nuestra especie Ordinario humanos han estado ignorando durante muchos siglos.

Eso se llama conciencia! No es responsable de este cambio en el mundo, excepto la mente abierta de la nueva generación.

Más que un estilo, música electrónica Psychedelic reúne a la gente en un acontecimiento de la felicidad, compartir, la amistad, la igualdad? Y Ecológico de información valiosa y filosófica nunca visto en ningún otro estilo de música.

Icono de la cultura de los años 60 Psychedelic, DR. Timothy Leary es conocido como un defensor de los beneficios terapéuticos y espirituales de LSD.? Se popularizó la frase "truco?" Turn on, tune in, drop out ".

En las siguientes páginas, nos hablamos con Fred, director de Trancemoon Radio y para LUA Rcords (basado en Portugal y Reino Unido), sobre la Deep Trip Trilogía.

Can you describe the concept behind the Deep Trip trilogy ?

This Trilogy is a tribute to Dr. Timothy Leary. The concept behind is to spread awareness of an idea that is of interest to all of us. Is the exposure of a single ideology that can change the whole society. Its a simple message: If we have the right to vote for a president, we should have a right of vote for any decision made by them.

The trilogy includes contributions from a large number of artists. How long did the project take to complete ?

Took me one year to make all the trilogy. I was not in a rush and I had something in mind, so I took my time to be sure everything was fine.

You mention Timothy Leary's philosophy (not just as an LSD guru but also a philosopher and free thinker). Do you see these roles as being separate or were they more closely linked ?

LSD opens minds but doesn't mean it is the inspiration of the free thinkers or philosophers. Many people know Timothy Leary as a LSD guru but he was an activist too. He was the one who stood up and faced the consequences of his actions in the name of all of us. Not just on LSD but on social and spiritual level.

Do you think the trance scene owes a debt to Timothy Leary ? (in that he influenced it in a big way ?)He was a big influence of the psychedelic movement in the 60s and still influences the new psychedelic scene. He probably left some influences like Albert Hoffman did but I don't say, we owe something to them. They are just icons of a new generation.

¿Puede describir el concepto detrás de la Deep Trip trilogía ?

Esta trilogía es un homenaje al Dr. Timothy Leary. El concepto detrás es difundir el conocimiento de una idea que es de interés para todos nosotros. ¿Es la exposición de una ideología única que puede cambiar toda la sociedad. Es un mensaje simple: si tenemos el derecho a votar por un presidente, que deberían tener el derecho de votar por cualquier decisión tomada por ellos.

La trilogía incluye las contribuciones de un gran número de artistas. ¿Cuánto duró el proyecto se llevarán a completar?

Me tomó un año para que todos la trilogía. Yo no tenía prisa y yo tenía algo en mente, así que me tomé mi tiempo para estar seguro de que todo estaba bien.

Usted habla de la filosofía de Timothy Leary (no sólo como un gurú de la LSD, sino también un filósofo y libre pensador). ¿Ves estos papeles como algo separado o estaban más estrechamente vinculadas?

LSD abre las mentes, pero no significa que sea la inspiración de los libres pensadores o filósofos. Mucha gente sabe Timothy Leary como un gurú de LSD, pero fue un activista también. Él fue quien se puso de pie y se enfrentó a las consecuencias de sus acciones en nombre de todos nosotros. No sólo sobre el LSD, pero a nivel social y espiritual.

¿Crees que la escena trance tiene una deuda con Timothy Leary? (En que influyó en gran manera?)Él fue una gran influencia del movimiento psicodélico de los años 60 y todavía influye en la nueva escena psicodélica. Es probable que dejó a algunos factores como Albert Hoffman hizo, pero no digo, que debemos algo a ellos. Ellos son sólo los iconos de una nueva generación.

Do you think this influence also crossed over into other areas of art, e.g. film or computer graphics ?Psychedelic influences are everywhere and now they are stronger. Is 3D a psychedelic influence ? Are fluor colours a psychedelic influence ? Giger, Dali and Picasso are pure hallucination ! Federico Fellini was a surrealist. Before the discovery of LSD the Mexican Tribes had peyote and the American Indians was doing Tribal rituals with mushrooms. They are the real psychedelic influence. Just look around you.

Do you think Timothy Leary's message is as relevant today as it was in the 60's ?Yes ! If we listen to Timothy Leary's speech in the 60s about government, you will notice very little has changed since then but all depends of your point of view. For example, if you really believe the rules and regulations imposed by governments are for our own good, maybe you don't agree with me. Its not a case of conspiracy theory but is more a case of a reality check !

¿Cree usted que esta influencia también se cruzaron en otras áreas del arte, por ejemplo, película o gráficos por ordenador?influencias psicodélicas están por todas partes y ahora son más fuertes. ¿Es una influencia psicodélica en 3D? ¿Son los colores fluor una influencia psicodélica? Giger, Dalí y Picasso son pura alucinación! Federico Fellini era un surrealista. Antes del descubrimiento del LSD las tribus mexicanas habían peyote y los indios americanos estaba haciendo rituales tribales con setas. Ellos son la influencia psicodélica real. Basta con mirar a tu alrededor.

¿Cree usted que las páginas de Timothy Leary es tan relevante hoy como lo fue en los años 60?¡Sí! Si escuchamos el discurso de Timothy Leary en los años 60 sobre el gobierno, se dará cuenta muy poco ha cambiado desde entonces, pero todo depende de tu punto de vista. Por ejemplo, si usted realmente cree las reglas y regulaciones impuestas por los gobiernos son para nuestro propio bien, tal vez usted no está de acuerdo conmigo. No es un caso de teoría de la conspiración, pero es más un caso de una revisión de la realidad!

How would you define "freedom" in today's society ?Under control. You are free to do what they tell you... Just !

How do you feel the making of the trilogy went ?Very well. Of course I have some delays but that was not a big issue. There were many people involved in this Trilogy, Graphic artists, Mastering engineers and the artists himself, they are all busy people and not always the things are ready at the right time. On other hand, I didn't want to rush no one, I wanted the things to be made in the right way and to give them space to work in the most pleasant way, for I can get then get the work in the best way too.

What other artists is Lua Records working with at the moment ?At the moment Lua Records is in standby. I still have music producers contacting me to participate in more compilations but for now, I want to rewind and make a deep analysis of all the work. The only thing in my agenda at the moment is a video that is being produced by VJ Sub (http://www.myspace.com/vjsub) He is doing a 40 minutes video about the trilogy.

How has the Internet and social media changed your work as a record label ?Internet and social media changes the work of any artist but in my case, I see this change as an open door not just to spread music around the world but to spread a message too. I think this open door gives access to a majority of listeners, so in this case, is better to use it with some sense and spread some useful information instead of just fill the space with unreal topics that don't make any impact in our social lives. If I do, I do it for real !

¿Cómo definiría usted la "libertad" en la sociedad actual?Bajo control. Usted es libre de hacer lo que le dicen ... Justo!

¿Cómo se siente la realización de la trilogía ha estado?Muy bien. Por supuesto que tengo algunos retrasos, pero que no era un gran problema. Había muchas personas que participan en esta trilogía, diseñadores gráficos, ingenieros de masterización y el propio artistas, todos ellos son personas muy ocupadas y no siempre las cosas están listas en el momento adecuado. Por otra parte, yo no quería correr a nadie, yo quería las cosas que se hicieron de la manera correcta y darles espacio para trabajar de la manera más agradable, porque pueden obtener en tiempo real el trabajo de la mejor manera también.

¿Qué otros artistas es que trabajan con registros Lua en este momento?Por el momento Lua Records está en espera. Todavía tengo contacto con los productores de música me a participar en más trabajos, pero por ahora, quiero retroceder y hacer un análisis profundo de todo el trabajo. La única cosa en mi agenda en este momento es un vídeo que está siendo producido por VJ Sub (http://www.myspace.com/vjsub). Él está haciendo un video acerca de 40 minutos de la trilogía.

¿Cómo ha de Internet y los medios de comunicación social cambió su trabajo como un sello discográfico?Internet y los cambios medios de comunicación social el trabajo de cualquier artista, pero en mi caso, veo este cambio como una puerta abierta no sólo a difundir la música de todo el mundo, sino para difundir un mensaje también. Creo que esta puerta abierta da acceso a la mayoría de los oyentes, así que en este caso, es mejor utilizarlo con cierto sentido y difundir algunas informaciones útiles en lugar de llenar el espacio con temas irreales que no tienen ningún impacto en nuestra vida social vidas. Si lo hago, lo hago de verdad!

Where can you see the label developing in the future ?I hope in virgin soil. At the moment Lua Records is totally directed for Psychedelic Music but for me, making the same thing for the rest of my life means no evolution ! In this line of thoughts, I can say Lua Records will have a transformation at some point, not an ideologic point of view, but on a musical point of view. I always look for new music whatever style comes in. Anyway, I will keep it as an electronic music label, whatever that can mean, Psytrance, Industrial, Experimental or any other style but always, electronic music with a message.

Is Lua Records connected to Trancemoon Radio or are they separate entities ?Lua Records was born from Trance Moon Radio. They are connected by some music style but like everything, both have their own personality and I didn't want to castrate Lua Records. For a start, Lua Records was there to edit new artists coming to Trance Moon asking for exposure but I have other plans for Lua Records, one of them was to promote a personal ideology, the other one is versatility to change the music direction if I want to. The same can not happen with the Trance Moon radios. Trance Moon is an established Radio network directed only to Psy Trance and Dark Psychedelic music. I would say, Trance Moon Radio works for a community and Lua Records is my personal project.

¿Dónde se puede ver la etiqueta en desarrollo en el futuro?Espero que en el suelo virgen. Por el momento Lua Records está totalmente dirigida a la Música psicodélica, pero para mí, lo que hace lo mismo para el resto de mi vida significa que no hay evolución! En esta línea de pensamiento, puedo decir Lua Records tendrá una transformación en algún momento, no el punto de vista ideológico, sino en un punto de vista musical. Siempre busco la nueva música sea cual sea el estilo entra en juego todos modos, voy a mantenerlo como un sello de música electrónica, lo que puede significar, Psytrance, Industrial, experimental o de cualquier otro estilo, pero siempre, la música electrónica con un mensaje.

Está Lua Records conectado a Trancemoon Radio o son entidades separadas?Lua Records nació de Trancemoon Radio. Están conectados por algún estilo de música, pero como todo, tienen su propia personalidad y yo no quería castrar Lua Records. Para empezar, estaba allí Lua Records para editar nuevos artistas que vienen a TranceMoon pidiendo la exposición, pero tengo otros planes para los expedientes de Lua, una de ellas es promover una ideología personal, el otro es la versatilidad para cambiar la dirección musical si desea. Lo mismo no puede suceder con las radios TranceMoon. TranceMoon es una red establecida de radio dirigido sólo a Psy Trance Psicodélico y la música oscura. Yo diría, TranceMoon Radio trabaja para una comunidad y Lua Records es mi proyecto personal.

¿Cómo se puede obtener más información sobre Lua Records y Trancemoon?Al visitar los sitios web y escuchar la música. He estado trabajando en estos proyectos desde hace 6 años y están en toda la web, es una lista extensa, sitios web, foros, blogs, redes y amigos.

Aquí algunos de los más activos en este momento: Trance Moon Radios (x2 websites) :http://www.trancemoon.comTrance Moon Foro :http://www.forum.trancemoon.comTrance Moon myspace :http://www.myspace.com/trancemoonTrance Moon Twitter :http://www.twitter.com/trancemoonTrance Moon Facebook :http://www.facebook.com/alienatureLua Records : http://www.lua-records.comLua Records myspace : http://www.myspace.com/luarecords

Cualquier mensaje de despedida?Sí, fiesta fuertemente y ser feliz :)

How can people find out more about Lua Records and Trancemoon?By visiting the websites and listen the music. I have been working on these projects for 6 years and they are all over the web, is an extensive list, websites, forum, blogs, networks and friends.

Here some of the most active at the moment: Trance Moon Radios (x2 websites) :http://www.trancemoon.comTrance Moon Forum : :http://www.forum.trancemoon.comTrance Moon myspace :http://www.myspace.com/trancemoonTrance Moon Twitter :http://www.twitter.com/trancemoonTrance Moon Facebook :http://www.facebook.com/alienatureLua Records : http://www.lua-records.comLua Records myspace :http://www.myspace.com/luarecords

Any parting messages ?Yes , party hard and be happy :)

Deep Trip - Turn on (vol1)

Deep Trip is the first compilation of a trilogy tribute to Dr. Timothy Leary - Deep Trip Trilogy: Turn on/Tune in/Drop out - icon of the 60s psychedelic culture.

Dr. Timothy Leary is famous as a proponent of the therapeutic and spiritual benefits of LSD. He popularized the catch phrase "Turn on, Tune in, Drop out". LUA Records register a second coming of a psychedelic culture, where psychedelic music has a transformation.

More then a style, psychedelic electronic music brings people together in a happening of happiness, share, friendship, equality and valuable ecological and philosophical information never seen in any other music style.

Mind is universal and a new psychedelic community grows stronger in our days with a new look about spirituality, awareness, the world, justice and all the things that our ordinary human species have been ignoring for many centuries. That is called awareness!

Is no responsible for this change in the world other than the open mind of the new generation! This compilation has the participation from known and upcoming psychedelic music producers around the world. All tracks have been compiled by Kabbalien@Trance Moon Studio.

During his last decade, Dr Timothy Leary proclaimed that the PC is the LSD of the 1990s "turn on, boot up, jack in" reworked the existing phrase to suggest, joining the cyberdelic counterculture (1920 - 1996).

Limited edition of 200 CD copies for each compilation.

Deep Trip – Turn On (vol1)

Deep Trip es la primera recopilación de una trilogía de homenaje al Dr. Timothy Leary - Deep Trip Trilogía: Turn on/Tune in/Drop out - icono de la cultura psicodélica de 60 años.

El Dr. Timothy Leary es famosa por ser un defensor de los beneficios terapéuticos y espirituales del LSD. Él popularizó el eslogan " Turn on, Tune in, Drop out ". Documentos LUA registrar un segundo advenimiento de una cultura psicodélica, donde la música psicodélica tiene una transformación.

Más que un estilo, la música electrónica psicodélica une a las personas en un suceso de la felicidad, compartir, la amistad, la igualdad y la valiosa información ecológica y filosófica nunca antes vista en cualquier estilo de música.

La mente es universal y una nueva comunidad psicodélica se hace más fuerte en nuestros días con una nueva mirada sobre la espiritualidad, la conciencia, el mundo, la justicia y todas las cosas que nuestra especie humana ordinaria han estado ignorando durante muchos siglos. Eso se llama conciencia!

¿No hay responsables de este cambio en el otro mundo que la mente abierta de la nueva generación! Esta compilación cuenta con la participación de los productores de la música psicodélica conocida y próxima en todo el mundo. Todas las canciones han sido recopiladas por Kabbalien @ Trance Moon Studio.

Durante su última década, el Dr. Timothy Leary proclamó que la PC es el LSD de la década de 1990 " turn on, boot up, jack in " reelaborado la frase existente para sugerir, uniéndose a la contracultura cyberdelic (1920 - 1996).

Edición limitada de 200 copias de CD para cada compilación.

Deep Trip - Tune in (vol2)

"Tune in" is the second volume of the Trilogy "VA - Deep Trip" Tribute to Dr. Timothy Leary, brought to light by Lua Records Label outputting innovate psychedelic upcoming and known music producers around the world. Compiled by Kabbalien.

The concept idea of this trilogy is to bring new night psychedelic sounds and spread a message of freedom and awareness. Tune in means interact harmoniously with the world around you, externalising, materialising, express your new internal perspectives. (ext. from Timothy Leary book, Turn on, Tune in, Drop out).

Lua Records bring to light again, the psychedelic pleasure of night electronic music with a message attached,

"The one is mind, the universe is mental and created by the

mind of the one... your world"

Working under a shared psychedelic ideology, Kabbalien compiled 9 tracks to take you into a journey of psychedelic dreams, composed from a good choice of music producers and tracks to give you the vibe needed to Turn on, Tune in and Drop out.

Limited edition.

Deep Trip – Tune In (vol2)

“Tune In" es el segundo volumen de la trilogía "VA - Deep Trip" Homenaje al Dr. Timothy Leary, sacado a la luz por Lua Records Label la salida innovar los próximo y conocido productores de música psicodélica en todo el mundo. Compilado por Kabbalien.

La idea de concepto de esta trilogía es traer nuevos sonidos psicodélicos noche y se extendió un mensaje de libertad y conciencia. Conéctate significa interactuar en armonía con el mundo que te rodea, la externalización se materialice, expresar sus perspectivas internas nuevas. (Ext. de Timothy Leary libro, Turn on, Tune in, Drop out).

Lua Records sacar a la luz de nuevo, el placer de la música psicodélica noche electrónica con un mensaje adjunto,

"El uno es la mente, el universo es mental y creado por la mente del

su ... un mundo“

Trabajando bajo una ideología compartida psicodélico, Kabbalien compilado 9 temas que lo lleve a un viaje de sueños psicodélicos, compuesto de una buena elección de los productores de música y canciones para darle el ambiente necesario para activar, Conéctate y de abandono.

Edición limitada.

VA/ : Drop out

Third Compilation from the Trilogy Deep Trip Tribute to Dr. Timothy Leary, outer-space advocate, ex-Harvard professor, psychologist, philosopher, explorer, teacher, optimist, humorist, author and revolutionary avatar of a generation. Proudly compiled by Kabbalien

Drop out compilation is the end of this Trilogy, having been constructed since last year (2009) and finally reveals the base ideology of a mind concept truly directed to awaken anyone.

The music was highly selective and compiled in a way, to take you in a journey with a wide view of psychedelic sounds made by music producers known in our scene. They are the veins of a new generation !

Warning: This compilation has very strong music and message attached. We live in the real world and it is about that we have to direct our minds, for tomorrow, we can do better.

Means: Drop out - is part of a spiral, the spiral of the society ! Drop out means the end and all ends, are the start of something. Again, we are back turning on, tuning in and at the end, we reach the drop out. Drop out is the reflection of turn on and tune in made into a consolidated thought where we decide if we will turn on again or just drop out at once. Its the final decision !

Drop out is when we understand that we are free to do whatever they want !

Since the start of this Trilogy, Lua Records takes the night sounds into a new level of musicology, making music to be not just a consuming matter but a tool to express an ideology that is shared by all of us... Freedom, mind setting and awareness !

VA / Drop Out :

En tercer compilación de la Trilogía “Deep Trip” Homenaje al Dr. Timothy Leary, defensor del espacio exterior, ex-profesor de Harvard, psicólogo, filósofo, explorador, profesor, optimista, humorista, escritor y revolucionario avatar de una generación. Orgullosamente compilado por Kabbalien.

Drop Out compilación es el final de esta trilogía, después de haber sido construido desde el año pasado (2009) y finalmente le revela la ideología de base de un concepto de mente verdaderamente dirigido a cualquier persona despierta.

La música era altamente selectiva y recopila de manera, que le llevará en un viaje con una visión amplia de sonidos psicodélicos realizados por productores musicales conocidos en nuestra escena. Son las venas de una nueva generación!

Aviso : Esta compilación tiene música muy fuerte y el mensaje adjunto. Vivimos en el mundo real y se trata de que tenemos que dirigir nuestras mentes, para mañana, lo podemos hacer mejor.

Medios: “Drop out” - es parte de una espiral, la espiral de la sociedad! “Drop out” significa el final y termina todo, son el comienzo de algo. Una vez más, estamos de vuelta de encender, sintonizar y al final, llegamos a la “Drop out”. “Drop out” es el reflejo de encender y sintonizar convertido en un pensamiento consolidación cuando decidimos si vamos a encenderla de nuevo o simplemente abandonan a la vez. Es la decisión final!

“Drop out” es cuando entendemos que somos libres de hacer lo que quieran!

Desde el comienzo de esta trilogía, Lua Records tiene sonidos de la noche a un nuevo nivel de la musicología, haciendo música que no es sólo cuestión consumir sino una herramienta para expresar una ideología que es compartida por todos nosotros ... Libertad, el establecimiento de la mente y la conciencia!

The message is simple, we all complain in our days about the social situation but not much has been made to change the social approach made to our private lives, as we continue to accept the rules and laws imposed, slowly castrating our freedom day by day with the argument of it being for our own good.

"Truth may be found in a language other than one's own"

(Adeline Yen Mah)

The matter of social repression through government decisions are paid by any one of us despite the country or language.

Under Timothy Leary's Philosophy ( not just as a L.S.D guru but also a Philosopher and free thinker) we have to abandon the idea that we can not do nothing about it... we can !

Ideology Behind:Music is the universal language. In a case of a band (more than 1 musician) they write the music to play. If one of the band members is not happy with some part in the song, he talks with the other members and together they decide if they will change that part of the song or not, or maybe they end up finding a better solution for that part of the song.

This is exactly the same way how government rules in our days ! They are the musicians and our lives is their music. They play, they make changes, they do arrangements and they take decisions about us. We need them to manage our country, not our lives ! We are the majority and we can do something about it!

In this Trilogy, lua records does not want to make a revolution but wants to tell you that it is not difficult to make changes.

El mensaje es simple, todos nos quejamos en nuestros días sobre la situación social, pero no se ha hecho mucho para cambiar el enfoque social hecho a nuestra vida privada, a medida que continuamos a aceptar las normas y leyes impuestas, lentamente castrar nuestro día a día la libertad con el argumento de que sea por nuestro propio bien.

"La verdad se puede encontrar en un idioma que no sea la propia"

(Adeline Yen Mah)

La cuestión de la represión social a través de las decisiones del gobierno son pagados por cualquiera de nosotros a pesar de el país o idioma.

Bajo la filosofía de Timothy Leary (no sólo como un gurú de la LSD, sino también un filósofo y libre pensador) tenemos que abandonar la idea de que no podemos hacer nada al respecto ... se puede!

Detrás de la ideología: La música es el lenguaje universal. En el caso de una banda (más de un músico) que escribir la música para jugar. Si uno de los miembros de la banda no es feliz con alguna parte en la canción, habla con los demás miembros y juntos deciden si van a cambiar esa parte de la canción o no, o tal vez acaban de encontrar una solución mejor para la parte de la canción.

Esto es exactamente de la misma manera cómo las reglas del gobierno en nuestros días! Son los músicos y nuestra vida es su música. Ellos juegan, hacen los cambios, que hacen arreglos y se toman decisiones acerca de nosotros. Los necesitamos para administrar nuestro país no, nuestras vidas! Somos la mayoría y podemos hacer algo al respecto!

En esta trilogía, los registros de lua no quiere hacer una revolución, sino que quiere decir que no es difícil hacer cambios.

http://www.lua-records.com

Governments make rules and laws, they govern the country but we should have the last word !

If we have the right to vote for a president, we should have a right of vote for any decision made by them.

Its that simple !

Timothy Leary words:

"My advice to people today is as follows: If you take the game of life seriously, if you take your nervous system seriously, if you take your sense organs seriously, if you take the energy process seriously, you must turn on, tune in, and drop out.“

(Dr. Timothy Francis Leary 1920 - 1996)

Los gobiernos hacen las reglas y leyes, que gobiernan el país, pero debemos tener la última palabra!

Si tenemos el derecho a votar por un presidente, que deberían tener el derecho de votar por cualquier decisión tomada por ellos.

Es así de simple!

Las palabras de Timothy Leary :

"Mi consejo para la gente de hoy es la siguiente: si usted toma el juego de la vida en

serio, si se toma en serio su sistema nervioso, si se toma en serio los órganos de su

sentido, si se toma en serio el proceso de la energía, debe

activar, sintonice , y el abandono."

(Dr. Francisco Timothy Leary 1920 a 1996)

http://www.lua-records.com

http://www.sonar.es

http://www.sonar.es

New drag queen stencils from San Francisco street artist Jeremy Novy.

"This project is intended to bring gay imagery into a homophobic subculture, covering hateful and distasteful graffiti in our communities. It is nothing less then empowering our gay culture. Street art has become an accepted art form, reaching a larger demographic than just the patrons of museums and gallery shows. However, with that wider audience there is a problem. Street art itself is a dominantly male heterosexual community; being out of the closet is not accepted. Gay street artists have been assaulted, their art supplies stolen or damaged, and their works covered up." -Jeremy Novy

Nueva ‘drag queen’ plantillas de San Francisco artista de la calle Jeremy Novy.

"Este proyecto tiene por objeto poner las imágenes gay en una subcultura homofóbico, que cubre el graffiti de odio y de mal gusto en nuestras comunidades. Es nada menos que faculta a nuestra cultura gay. Street art se ha convertido en una forma de arte aceptado, llegar a un mayor demográfica no sólo los patrones de los museos y galería de muestra. Sin embargo, con una audiencia más amplia que existe un problema. Street art en sí mismo es una comunidad predominantemente heterosexual masculino; estar fuera del armario no es aceptada. Gay artistas de la calle han asaltado, su arte, artículos robados o dañados, y sus obras cubierto. " -Jeremy Novy

http://www.jeremynovy.com/

Graffiti mural inspirado en Los Simpson realizado en Vancouver (Canadá) en honor de los Juegos Olímpicos de Invierno de 2010.

Graffiti mural inspired by The Simpsons in Vancouver (Canada) in honor of the Winter Olympics 2010.

Tracklist:

1. Mind Distortion System - Psychologue2. Antagon - Floating Point

3. Regravity a.k.a. Savely - Waves4. Eq Tunkul - Mama Africa

5. Eq Tunkul - Paul Gauguin & New Millenium Cyanide Christ6. aGh0Ri TanTriK - Para Brahman

7. T.G.B. & Arcek - Docemasuno8. Metadelic - Musical Terrorist9. Pharmacore - Petlya Oriona

Cover Art Work by Ilya Starilov

Download album here / Descargar album aquí :

http://www.sonictantra.com/cosmogenezis.html

In the context of contemporary culture, the concept of “crossover” has been well acknowledged by the general public and artists, as evidenced in everyday life and artistic research and practice. “Crossover” refers to the reciprocal inclusion of and permeation between different disciplines and media. The boundaries between traditionally separate areas have become blurred, and not one part can exist independently of others. Strong collisions and fusions between various elements and the active involvement and transformation of participants generate a personalized, self-synthesizing organization within the art system. In the field of visual culture, the notion of “crossover” has brought about a series of media, visual, pictorial and cultural revolutions, providing an opportunity to rethink and explore the phenomenon of contemporary visual culture characterized by an ever changing audio-visual experience and the constant reconfiguration of media and their linguistic implications. "Verdensteatret - A Media Art Exhibition from Norway” organized by GDMOA is another new media art highlight in China following the "Synthetic Times" media art exhibition hosted by NAMOC in 2008. Founded in 1986, the Oslo-based Norwegian multimedia art group Verdensteatret (Theater of the World) attracts artists from different fields. Their cross-disciplinary cooperation bridges boundaries among artistic disciplines.

Verdensteatret’s solo exhibition “Telling Orchestras and Funeral Machines” at the Guangdong Museum of Art, Guangzhou, China opened 19 March, and ran until 18 April 2010.

The exhibition presented the large scale installation works Electric Shadows and The Telling Orchestra.

En el contexto de la cultura contemporánea, el concepto de â € œcrossoverâ € ha sido bien reconocido por el público en general y artistas, como lo demuestra en la vida cotidiana y la investigación artística y la práctica. â € € œCrossoverâ se refiere a la inclusión recíproca y la permeabilidad entre las distintas disciplinas y medios de comunicación. Los límites entre las zonas tradicionalmente separadas se han desdibujado, y no una parte pueden existir independientemente de los demás. Fuertes colisiones y fusiones entre diversos elementos y la participación activa y la transformación de los participantes generar un trato personalizado, la auto-organización de síntesis en el sistema del arte. En el ámbito de la cultura visual, la noción de â € € œcrossoverâ ha traído consigo una serie de medios de comunicación, visuales, de las revoluciones pictóricas y culturales, proporcionando una oportunidad para reflexionar y estudiar el fenómeno de la cultura visual contemporánea se caracteriza por un audio-visual en constante cambio la experiencia y la reconfiguración constante de los medios de comunicación y sus implicaciones lingüísticas.

"Verdensteatret - una exposición de arte de medios de Norway” organizado por GDMOA es otra de relieve los nuevos medios en China tras el "Synthetic Times” exposición de arte organizada por los medios de comunicación NAMOC en 2008. Fundada en 1986, la sede en Oslo, Noruega grupo de arte multimedia Verdensteatret (Teatro del Mundo), atrae a artistas de diferentes campos. Sus cruzadas las fronteras disciplinarias puentes de cooperación entre las disciplinas artísticas.

La exposición individual de Verdensteatret de "Telling Orquestas” y “Máquinas Funeral" en el Museo de Arte de Guangdong, Guangzhou, China se abrió 19 de marzo, y corrió hasta el 18 de abril de 2010.

La exposición que presenta la instalación a gran escala de obras Electric Shadows y la Orquesta Telling.

One of the fundamental concepts of Verdensteatret is that “different elements should blend into one another,” so that every dramatic element is linked to other forms in numerous ways. They build subtle dialogues between seemingly disparate technologies and art forms. By combining experimental audio-visual technology with the traditional medium of theater to create a new artistic expression, their work shuttles between contexts by crossing-over and a methodology of form without form.

Two large-scale hybrid interactive audio-video installation works will be on view for a Chinese audience. This exhibition offers new possibilities for viewers to broaden their ways of seeing and thinking, to explore new forms of expression and team work in the spirit of the artists, and to examine art’s integration into an information society in a global cultural environment.

Uno de los conceptos fundamentales de Verdensteatret es que “elementos different debe mezclarse con otros”, de modo que cada elemento dramático está vinculada a otras formas de muchas maneras. Ellos construyen los diálogos sutiles entre las tecnologías aparentemente dispares y formas de arte. Mediante la combinación de audio experimental de tecnología visual con el medio tradicional de teatro para crear una nueva expresión artística, sus lanzaderas de trabajo entre los contextos de entrecruzamiento y una metodología de la forma sin forma.

Dos grandes híbrido escala de audio interactiva obras de instalación de vídeo era en visión para la audiencia china. Esta exposición ofrece nuevas posibilidades para los espectadores a ampliar sus formas de ver y de pensar, de explorar nuevas formas de expresión y trabajo en equipo en el espíritu de los artistas, y para examinar la integración de arte en una sociedad de la información en un entorno cultural mundial.

Electric Shadows es una composición.

Los elementos están unidos por lazos de parentesco, la proximidad, la simultaneidad y la creencia de que los materiales de diferentes aparecen como un conjunto bien moldeado bajo la circunstancia de derecho la composición, la. Ocho artistas de diferentes culturas han dejado sus huellas en esta labor. Garantizar una multitud de ideas amenaza con dividir el trabajo de separación, la magnitud artística y, en consecuencia, una articulación de la composición. El tratamiento de toda la habitación y todo en él como su material, el grupo ha creado una composición intermedial vasto. Siempre articular el potencial de teatro en su material.

Esta obra ofrece un paisaje de gran esculturas originales, pre-cine de animación, títeres, música, luces y juego de sombras. Todos los objetos producen arte y son también una parte en ella. La idea de las perspectivas simultáneas y múltiples funciones vinculadas a cada objeto crea una obra de las obras.

ELECTRIC SHADOWS is a composition. The elements are tied together by kinship, proximity, simultaneity and the belief that differing materials appear as a well moulded whole under the right circumstance, the composition. Eight artists of different backgrounds have left their prints on this work. Ensuring a multitude of ideas threatening to tear the work apart, artistic magnitude and in consequence an articulation of the composition. Treating the whole room and everything in it as their material, the group has created a vast intermedial composition. Always articulating the theatrical potential in their material.

This work features a landscape of highly original sculptures, pre-cinematic animation, puppetry, music, lights and shadowplay. All objects produce art and are also a part in it. The idea of simultaneous perspectives and multiple functions tied to each object creates a work of works.

A delightful amount of possible connections across media and layers. Some obvious, planned and controlled. Others seenbythe single spectator only, weaving her story, from available threads. It is a gratifying experience to lend this work time. Up close, movable miniatures perform in a theaterlike setting, except everything is exposed. One sees function and the craft gone into making it. From a distance the veil of illusion is drawn and the work takes on a poetic character, following thelogic of dreams.

Kinetic metal sculptures function as mechanical devices that perform and project. It is shadow heater, animation and puppetry. Light is directed onto and through miniature glass-figures held by mechanical arms. The figures perform interplaysin the focal point of a lens and are projected onto the wall. This combination of light, glass object and lenses creates anunusual fine visual quality. The small platform between the light and the lenses becomes a tiny stage where the glass-figures are performers attached to the tip of small robot-arms.

Una cantidad deliciosa de las posibles conexiones a través de los medios de comunicación y las capas. Algunas obvias, planificada y controlada. Otros visto solo espectador POR LA único, tejer su historia, a partir de hilos disponibles. Es una experiencia gratificante para prestar este tiempo de trabajo. De cerca, miniaturas de muebles cabo en un entorno theaterlike, salvo que está expuesto todo. Uno ve la función y la nave entrado en lo que hace. Desde la distancia el velo de la ilusión se dibuja y la obra adquiere un carácter poético, siguiendo la lógica de los sueños.

Esculturas de metal Kinetic funcionar como dispositivos mecánicos que realizan y los proyectos. Es calentador de sombra, la animación y teatro de títeres. La luz va dirigida hacia a través del cristal y figuras en miniatura en poder de los brazos mecánicos. Las cifras de realizar interactúa en el punto focal de una lente y se proyectan en la pared. Esta combinación de luz, objetos de vidrio y lentes genera una multa inusual calidad visual. La plataforma pequeña entre la luz y las lentes se convierte en un diminuto escenario donde el vidrio, las cifras son artistas intérpretes o ejecutantes adjunta a la punta del robot de armas pequeñas.

This platform is the hot-spot or the gravitational point of the instrument/sculpture. A “dark-room” where images emerge and falls apart. A small laboratory for the spectator to witness the creation of moving images. A closer look is a dive into the core of the physical building of images. Down to where the image arises, takes on solid form, twists and winds into constellations and compounded images. Looking up again the viewer sees the finished image projected on the wall. The sculptures are built using thin materials. See-through, like leafless trees. Lending themselves easily to shadowplay when lit up. The movable lenses and arms become limbs on an organism.

Esta plataforma es el punto caliente o el punto de gravedad del instrumento / escultura. Un "cuarto oscuro" donde las imágenes surgen y se desmorona. Un pequeño laboratorio para el espectador en testigo de la creación de imágenes en movimiento. Una mirada más cercana es una inmersión en el núcleo de la construcción física de las imágenes. Hasta donde la imagen surge, toma forma sólida, giros y los vientos en las constelaciones y las imágenes compuesto. Mirando hacia arriba de nuevo que el espectador ve la imagen final proyectada en la pared. Las esculturas están construidas con materiales delgados. Ver-por, como los árboles sin hojas. Se prestan fácilmente a Shadowplay cuando está iluminado. Las lentes de muebles y los brazos convertido en miembros de un organismo.

"FORTELLERORKESTERET" ("The Telling Orchestra") is a "live" room-installation that can be described in many ways: An audio-visual composition where rusty mechanics meets new technology on the backside of a "video-shadow-theatre" on Greenland. A machine, a polyphonic instrument, or  a whole orchestra with many voices and tunes,mutating shapes and interwoven stories. An electro-mechanical construction that functions as an audio-visual "animation-machine"or a mechanical figure-theatre machinery, where images, sculptures, sound and video is deeply integrated into each other to form an audio-visual-spatial composition. By use of  computer controlled motors and robotics the primitive wooden construction of old weather-beaten planks has become an automatized sculpture-machine with the ability to in a second, totally transform the space in radical ways. "THAT CORPSE YOU PLANTED LAST YEAR IN YOUR GARDEN, HAS IT BEGAN TO SPROUT,WILL IT BLOOM THIS YEAR?"

"FORTELLERORKESTERET" ("The Telling Orchestra") es un "vivo" habitación-instalación que puede ser descrito de muchas maneras: un audio-visuales en la composición de la mecánica oxidada cumple la nueva tecnología en la parte trasera de un "video-teatros de sombras" en la Groenlandia. Una máquina, un instrumento polifónico, o una orquesta completa, con muchas voces y melodías, mutando las formas y las historias entrelazadas. Un electro-mecánica de la construcción que funciona como un audio-visual "de animación-máquina" o una figura de teatro de la maquinaria mecánica, donde las imágenes, esculturas, sonido y vídeo está profundamente integrado en sí para formar un audio-visual-espacial de la composición.

Mediante el uso de motores controlados por computadora y la robótica, la madera de construcción primitiva del tiempo viejo golpeado tablas se ha convertido en una escultura-máquina automatizada con la posibilidad de en un segundo, transformar totalmente el espacio de manera radical.

"Ese cadáver que plantaste ÚLTIMO AÑO EN SU JARDIN, HA empezó a brotar, ¿Florecerá este año? "

"The Telling Orchestra" ha tenido un desarrollo constante de casi tres años y se ha convertido en una construcción muy avanzada y compleja. El concepto original y la elección de los materiales originarios de un viaje a Groenlandia en 2003. Dado que el proceso pasó a la interacción de diferentes medios que comenzó a generar imágenes e historias por su cuenta - como si la construcción se estaba insinuando a lo que era capaz de expresar.

La instalación ha convertido en una verdadera orquesta Decir que pueden crear amplias cuentos visuales, ballet mecánico, espejo y plays.It sombra puede producir abstracciones puras, así como de hormigón historias literarias, las relaciones psicológicas entre los fragmentos de motor de los huesos. Visiones religiosas de la carretera, restos de naufragios y el romance máquina, una de nunca acabar.

"The Telling Orchestra" has gone through a constant development for almost three years and has become a very advanced and complex construction. The original concept and choice of materials originate from a journey to Greenland in 2003. As the process went on the different medias that interplay started to generate images and stories on their own - as if the construction itself was hinting to what it was capable of expressing.

The installation has now become a true Telling Orchestra that can create extensive visual tales, mechanical ballets, mirror- and shadow plays.It can produce pure abstractions as well as concrete literary stories, psychological relations among motorized fragments of bones. Religious visions from the roadside, shipwrecks and machine romance, ä never ending.

http://www.verdensteatret.comhttp://www.gdmoa.org/

In 2007, a team of Russian and Dutch artists painted walls of houses in one of the sleeping areas on the North of Moscow (Elk Island). These buildings have already stood there about fifty years. And all of them are to  demolished in the near future and to replace with new buildings according to city program. However such programs in Moscow are usually realised very slowly and there is a chance that the houses will stand for a long time.

To create these pieces of street art, the painters were climbing on the scaffoldings and drawing the outlines. Then they were filled with the paint from the spray cans. This action was organised by one of the Moscow real estate agencies for the company birthday.

En 2007, un equipo de artistas rusos y neerlandesa pintado paredes de las casas en una de las áreas de dormir en el norte de Moscú (Elk Island). Estos edificios ya se quedó allí unos cincuenta años. Y todos ellos son demolidas en el futuro próximo y para reemplazar con nuevos edificios de acuerdo al programa de la ciudad. Sin embargo este tipo de programas en Moscú, suelen obtenerse muy lentamente y hay una posibilidad de que las casas se mantendrá por un largo tiempo.

Para crear estas obras de arte de la calle, los pintores se subían sobre los andamios y dibujar los contornos. Luego se llenaron con la pintura de las latas de aerosol. Esta acción fue organizada por una de las agencias de bienes raíces de Moscú para el cumpleaños de la empresa.

The graffiti groups having been taking part in the project: Pain Breakaz (Russia), Sabotage (Russia), Kwasten met de Gasten (Netherlands), David Orn Haldorson (Island), ZUKclub (Russia), Assume Vivid Astro Focus (Brazil/USA), More Dead Toys (Russia), 310 Squad (Russia), Influx Crew (Russia), Kwasten Met de Gasten (Netherlands). One can see in their art street works the influence by pop art style (especially by Roy Lichtenstein) and surrealism as well.

Nearest metro station - Babushkinskaya, Izumrudnaya Street or Yantarny Passage. 

Los grupos de graffiti de haber tomado parte en el proyecto: Dolor Breakaz (Rusia), Sabotage (Rusia), Kwasten met de Gasten (Países Bajos), David Orn Haldorson (Isla), ZUKclub (Rusia), asuma Vivid Astro Focus (Brasil / EE.UU. ), más muerto Juguetes (Rusia), 310 Squad (Rusia), la entrada de la tripulación (Rusia), Kwasten Met de Gasten (Países Bajos). Se puede ver en la calle, obras de arte de la influencia en el estilo pop art (especialmente por Roy Lichtenstein) y el surrealismo también.

Estación de metro más cercana - Babushkinskaya, Izumrudnaya Street o Yantarny Passage.

http://alexandrefarto.com

http://www.itinerrance.fr

Exposición de abril 8-mayo 23

Galería ItinerranceGoscinny 7 bis, rue René - 75013 Paris

Exhibition April 8-May 23

Itinerrance GalleryGoscinny 7 bis, rue René - 75013 Paris

Sten & Lex are known for their unusual and so tedious practice of stencil art which provides an offset look. Their approach of the street in a monumental way and the iconic poetry of their subjects built their current reputation.

This exhibition marks a step toward the affirmation of their career, with a new concept : the «Stencil Poster». They are now completely challenging the repeatable nature of stencil art ; each stencil is unique. Each stencil is used only once, the stencil itself is destroyed and is incorporated into the artwork itself. The ephemeral of the street reflects the continuity of the work in the gallery.

Sten & Lex son conocidos por su práctica inusual y tedioso para el arte de galería de símbolos que proporciona una mirada offset. Su enfoque de la calle de una manera monumental y emblemática de la poesía de sus súbditos construido su reputación actual.

Esta exposición marca un paso hacia la afirmación de su carrera, con un nuevo concepto: el «Stencil Cartel». Ahora están completamente cuestionando el carácter repetitivo de arte galería de símbolos, cada plantilla es única. Cada plantilla se utiliza una sola vez, la propia plantilla se destruye y se incorpora en la propia obra de arte. Lo efímero de la calle refleja la continuidad de los trabajos en la galería.

http://www.itinerrance.fr

Sten & Lex spend dozens of hours to make a very tedious cutting of their chosen image, by hand, with the eye, producing a pattern of multiple small holes that looks like offset. They call this technique «hole technique».

As part of the Artcock collective alongside Rome based artist Lucamaleonte, Sten & Lex are found of classic Italian culture ranging from the religious iconography from the Renaissance to Dante’s universe. Lex, both model, actress and muse of her own image, is playing the role of a Madonna in the constitution of their work.

Over time, Sten & Lex develop an iconography concerned with figures from anonymous photo albums from the 60’s and 70’s, from here or there. The almost commonplace aspect of these portraits in black and white, however, brings us back to a certain universality that is reminiscent of the work of Christian Boltanski in the iconic status of the work.

Sten & Lex pasar decenas de horas para hacer un corte muy aburrido de su imagen elegida, a mano, con el ojo, produciendo un patrón de múltiples agujeros pequeños que se parece a compensar. Llaman a esta técnica «» técnica agujero.

Como parte del colectivo, junto a Roma Artcock artista que reside Lucamaleonte, Sten & Lex se encuentran clásicos de la cultura italiana que van desde la iconografía religiosa del Renacimiento al universo de Dante. Lex, tanto modelo, actriz y musa de su propia imagen, está desempeñando el papel de la Virgen en la constitución de su trabajo.

Con el tiempo, Sten & Lex desarrollar una iconografía que se trate con las cifras de álbumes de fotos anónimas de los años 60 y 70, de aquí o allá. El aspecto casi un lugar común de estos retratos en blanco y negro, sin embargo, nos lleva de nuevo a una cierta universalidad que es una reminiscencia de la obra de Christian Boltanski en el estatus de icono de la obra.

Galerie Itinerrance opened in the 13th arrondissement in 2004. Close to the Bibliothèque Nationale de France (BNF) and the Frigos, it fits in an economic and cultural growing area.

Referential with srteet art exhibitions such as Berlin based Evol & Pisa73 in 2008, YZ Open Your Eyes, Marko 93, Seize Happy Wallmaker and recently the Franco-Austrian duo Jana & Js - and an outstanding space - 130 sqm, 7 feet high ceilings, rough and concrete walls - Galerie Itinerrance has everything to succeed and become an art essential to Paris.

Galerie Itinerrance is now positioned in the field of street art and stencil art. Btoy opened the 2009-2010 International season, followed by the Belgian Roa which met a great success. Are still upcoming NYC based Logan Hicks, Polish M-City, or the French C215, which has toured the world, both in the streets and in galleries.

Galerie Itinerrance abrió sus puertas en el distrito 13 en 2004. Cerca de la Bibliothèque Nationale de Francia (BNF) y la Frigos, se enmarca en un sector en plena expansión económica y cultural.

Referencial con exposiciones de arte srteet como Evol con sede en Berlín y Pisa73 en 2008, YZ Open Your Eyes, Marko 93, Seize Wallmaker feliz y, recientemente, el dúo franco-austriaca Jana & Js - y un espacio destacado - 130 metros cuadrados, de 7 pies de altos techos, paredes de hormigón en bruto y - Galerie Itinerrance tiene todo para triunfar y convertirse en un arte esencial a París.

Galerie Itinerrance está situado en el campo del street art y el arte galería de símbolos. BTOY abrió la temporada 2009-2010 internacional, seguido por el belga Roa, que se reunió un gran éxito. Todavía próxima ciudad de Nueva York basado en Logan Hicks, el polaco M-Ciudad, o el C215 francés, que ha recorrido el mundo, tanto en las calles y en las galerías.

http://www.itinerrance.fr

Cans Festival, mai 2008, Londres. http://www.itinerrance.fr

12th – 18th July 2010, Seeboden, Lake Millstattersee / Austria

Since 1998 Europe’s most colourful event has taken place in Seeboden, Austria.

The “World Bodypainting Festival” is the largest art event in the bodypainting theme with many different aspects. Up to 30.000 visitors admire every single artist, who arrive from 40 nations worldwide.

The festival week from 12th to 18th of July contains the WBF Academy, Bodycircus & Side Events and the main days in “Bodypaint City”, the festival grounds in the Klauber Park Seeboden.

The Main days in the “Bodypaint City” with the world championships, the “World Bodypainting Awards”, and further special categories are from 16. – 18. July 2010.

The artists have the opportunity to show their own specialties in the different categories - bodies painted with many different materials and techniques, and sometimes combined with the most fantastic costumes, masks and show effects.

Desde 1998 Europas evento más colorido ha tenido lugar en Seeboden, Austria.El "World Bodypainting Festival" es el mayor evento de arte en el tema bodypainting con muchos aspectos diferentes. Hasta 30.000 visitantes admirar cada artista, que llegan de 40 países en todo el mundo.

La semana del festival del 12 al 18 de julio contiene la WBF Academia, Bodycircus y Eventos Paralelos, y las días principal en "BodyPaint City", el tierre del festival en el Parque Klauber Seeboden.

El día principal en la ciudad "BodyPaint" con el campeonato mundial, el "World Bodypainting Awards", y además las categorías especiales son de 16. - 18. Julio de 2010.

Los artistas tienen la oportunidad de mostrar sus propias especialidades en las diferentes categorías - cuerpos pintados con diferentes materiales y técnicas, y, a veces combinados con los trajes más fantásticos, máscaras y efectos espectáculo.

http://www.bodypainting-festival.com/

The human skin is the living canvas of a ta moko artist. The practice of body tattooing can be linked to several Pacific countries (in fact the word tattoo derives from the Tahitian word 'tatu'), but in Aotearoa the art form evolved in a way found nowhere else. When Joseph Banks encountered the Maori moko en masse on the Endeavour's first voyage to New Zealand, he wrote:

"It was impossible to avoid admiring the immense Elegance and Justness of the figures in which it is form'd , which in the face is always different

spirals, upon the body generally different figures resembling

something of the foliages of old Chasing upon gold or silver; all these

finish'd with a masterly taste and execution, for of a hundred which at

first sight you would judge to be exactly the same, on a close

examination, no two will prove a like."

La piel humana es el lienzo de vida de un artista ta moko. La práctica del tatuaje del cuerpo puede estar vinculado a varios países del Pacífico (de hecho la palabra tatuaje proviene de la palabra tahitiana "tatu"), pero en Aotearoa la forma de arte evolucionó de una manera en ninguna otra parte. Cuando Joseph Banks encontrado los maoríes moko en masa en el primer viaje del Endeavour a Nueva Zelanda, escribió:

"Fue imposible evitar admirar la inmensa elegancia y Equidad de las figuras en las que se form'd, que en la cara es siempre espirales diferentes, sobre el cuerpo en

general, las cifras parecen algo diferentes de los follajes de Chasing

edad sobre el oro o la plata ; todos estos finish'd con un gusto magistral y su

ejecución, para de cien que a primera vista que juzgaría a ser exactamente el mismo, en un examen detenido, no hay

dos, como puede ser una ayuda."

Moko is original custom work specially designed for the individual recipient. This is because ta moko is meant as a visual representation of a person's genealogical links, personal achievements, and connections to people and places of the heart. The result is that the process of creating a moko itself is quite an intimate experience between the practicioner and the client.

Ta Moko was like a history of a person's achievements and represented their status in their tribe. It was like a resumé. It also served as a reminder to people about their responsibility in life. It was a huge honour for people to have Ta Moko.

Ta Moko was worn by both men and women. It was applied to the face and buttocks of men, and to the chin, lips and shoulders of women. Depending on their ranking, they may also have Ta Moko on their face. Occasionally women would put small markings over their faces or shoulders as a sign that someone close to them had died.

Moko es un trabajo original de encargo diseñados especialmente para el destinatario. Esto se debe a moko ta que se entiende como una representación visual de los lazos genealógicos de una persona, los logros personales y conexiones con personas y lugares del corazón. El resultado es que el proceso de crear una propia moko es toda una experiencia íntima entre el profesional y el cliente.

Ta Moko era como una historia de logros de una persona y su estado representados en su tribu. Era como un resumen. También sirvió como un recordatorio a la gente sobre su responsabilidad en la vida. Fue un gran honor que la gente tenga Ta Moko.

Ta Moko fue usado por hombres y mujeres. Se aplica en la cara y las nalgas de los hombres, y hasta la barbilla, los labios y los hombros de la mujer. Dependiendo de su clasificación, también pueden tener Ta Moko en su cara. En ocasiones las mujeres se ponen pequeñas marcas en la cara o los hombros como señal de que alguien cercano a ellos había muerto.

Detail of ta moko by artist Rangi Kipa, showing intricate design work. Photo : Norman Heke

Artist: Richard FrancisDetail of ta moko (tattoo) showing intricate

design work by artist Richard Francis. Photo credit: Norman Heke - Museum of

New Zealand

There were no set patterns to the Ta Moko and the meaning of the Ta Moko was dependent on its placement on the face. The left side of the face related to the father's history and the right side to the mother's history.

Before the arrival of European settlers, the complex designs of ta moko were literally carved into the skin. A rake-like instrument (uhi matarau), usually made of teeth or bone, was used to break the skin; then a flat edged blade (uhi) was used to tap in the dye, creating a tattoo with a scarred, chiselled appearance.

Artist: Mark KopuaJames Webster wears a peha (mid to lower body tattoo) by

artist Mark Kopua.Photo credit: Norman Heke

No se establecen modalidades para el Moko Ta y el sentido de la Ta Moko dependía de su colocación en la cara. El lado izquierdo de la cara relacionados con la historia del padre y el lado derecho de la historia de la madre.

Antes de la llegada de los colonos europeos, los diseños complejos del moko ta fueron tallados literalmente en la piel. Un instrumento similar al rastrillo (matarau uhi), generalmente de dientes o el hueso, se utiliza para romper la piel y luego una hoja de filo plano (AUS) se utilizó para explotar en el tinte, la creación de un tatuaje con apariencia de cicatrices, cincelado.

The modern tool of ta moko is the tattoo machine, (mihini moko), although some ta moko artists alternate between traditional and modern methods. While the needle is faster and more precise, hand tools bring the ritual more in line with how it was done traditionally.

As New Zealand's Maori people are rediscovering their heritage, many are turning towards the art of moko. Ta moko continues to mean what it has always meant; it is a symbol of integrity, Maori identity and prestige, as well as a reflection of Whakapapa (ancestry) and personal history.

A national collective of ta moko artists - Te Uhi a Mataora - was formed in 2000 to preserve, enhance and develop ta moko as a living art form. Many of these highly skilled artists come from a carving background; others specialise in design. All of them share a deep understanding of traditional forms and designs. The collective strives to uphold ancient traditions while also looking to the future, as the art of ta moko continues to evolve.

Ta moko (tattoo) artist Richard Francis - Photo credit: Norman Heke, Museum of New Zealand

La herramienta moderna de moko ta es la máquina de tatuaje, (mihini moko), aunque algunos artistas ta moko alternar entre los métodos tradicionales y modernos. Mientras que la aguja es más rápido y más preciso, herramientas de mano llevar el ritual más en línea con cómo se ha hecho tradicionalmente.

Como la gente maorí de Nueva Zelanda están redescubriendo su patrimonio, muchos están volviéndose hacia el arte del moko. Ta moko sigue significando lo que siempre ha significado, es un símbolo de la integridad, la identidad y el prestigio de los maoríes, así como un reflejo de Whakapapa (antepasados) y su historia personal.

Un colectivo nacional de artistas ta moko - Te Uhi un Mataora - se formó en 2000 para preservar, potenciar y desarrollar ta moko como un arte de vida. Muchos de estos artistas altamente calificados tienen experiencia en la talla, mientras que otros se especializan en el diseño. Todos ellos comparten un profundo conocimiento de las formas tradicionales y diseños. El colectivo se esfuerza por mantener las antiguas tradiciones al mismo tiempo que mira hacia el futuro, como el arte de moko ta sigue evolucionando.

Turama Hawira a peha (mid to lower body tattoo) by artist Rangi Kipa. Photo : Norman Heke, Museum of New Zealand

Julie Kipa is one of the few female ta moko artists working in Aotearoa New Zealand. Photo : Norman Heke

Turumakina Duleyz wears a peha (mid to lower body tattoo) by artist Mark Kopua. Photo: Norman Heke

Christ wearing Ta Moko

Carved figure with Moko

The facial tattoo on this carved figure is known as a ‘Moko’. Moko are designed to display ancestral and tribal messages that apply to the wearer. These messages narrate the wearer's family, sub-tribal and tribal affiliations, and their placing within these social structures. This carving would be have been created to commemorate an ancestor.

Photo credit: Adventure Films

Tallada con la figura Moko

El tatuaje facial en esta figura tallada que se conoce como 'Moko'. Moko se han diseñado para mostrar mensajes ancestrales y tribales que se aplican al usuario. Estos mensajes de narrar la familia del portador, las afiliaciones tribales y sub-tribal, y su inclusión dentro de estas estructuras sociales. Esta talla se han creado para conmemorar un antepasado.

Crédito de la imagen: Adventure Films

Artist: Derek Lardelli

Patrick Takoko demonstrates a haka (war dance) pose to reveal the designs of his peha (mid to lower body tattoo) by artist Derek Lardelli.

Photo credit: Norman Heke

Face Value looks at Maori facial tā moko in its unique environment – absorbing the viewer’s attention but refraining from entering into the history, specific cultural knowledge or politics of moko. The scenes are of real people in their homes, familiar spaces, both indoors and outdoors: we experience the sincerity, human impulse and gaze of understanding passing through the eyes of one generation to the next – from grandfather to grandchild, daughter to mother and on and on.

Eight years of research and documenting ta moko has been a crucial investment of time to allow for the relationships to grow, not only between the recipient and artist, but also between myself and the people that appear in the images.

Face Value

Face Value mira a maorí facial ta moko en su entorno único - absorbiendo la atención del viewer, pero absteniéndose de entrar en la historia, el conocimiento cultural específico o la política del moko. Las escenas son de personas reales en sus hogares, espacios familiares, tanto en interiores como al aire libre: experimentamos la sinceridad, impulso humano y la mirada de entendimiento que pasa por los ojos de una generación a la siguiente â abuelo a nieto, la hija a la madre y así sucesivamente.

 Ocho años de investigación y documentación de ta moko ha sido una inversión importante de tiempo para que las relaciones de crecer, no sólo entre el receptor y el artista, sino también entre yo y las personas que aparecen en las imágenes.

'Face Value' the solo exhibition is currently touring New Zealand Feb 2009 - Dec 2012 by Exhibition Services., opened the 14th Feburary 2009 at Pataka Museum and Gallery, Porirua, Wellington 09, is currently at the Sarjeant Gallery in Wanganui, and will open at the Rotorua Museum 8th August 09. Beijing Music Festival. Face Value, film Installation 30th Oct - 6th Nov and it has been invited to exhibit in Tasmania in April 2011.

“My photographic/film work is about intimacy, and simultaneously, is

about challenging people’s perceptions.”  

Serena Stevenson

'Face Value‘, la exposicion solo, es actualmente de gira por Nueva Zelanda desde febrero 2009 hasta diciembre 2012 por los Exhibition Services., abrió el 14 febrero 2009 a Pataka Museo y Galería, Porirua, Wellington 09, se encuentra actualmente en la Galería Sarjeant en Wanganui, y abrió en el Museo de Rotorua agosto 2009. Festival de Música de Beijing. Face Value, Instalación de película octubre 30 hasta noviembre 06, y ha sido invitado a exponer en Tasmania, en abril de 2011.

“Mi fotografía / trabajo de la película es acerca de la intimidad, y al mismo tiempo,

se trata de desafiar a las percepciones de la gente.”

Serena Stevenson

http://www.serenastevenson.com

The OSTRALE´010 is presenting for the 4th time the complete spectrum of contemporary art in the dilapidated structures of the former Erlwein Schlachthof in the Ostragehege in Dresden. The OSTRALE developed in a very short time to one of the most important art festivals in Germany and Europe. The OSTRALE`010 will invite particularly artists who will deal with the still on the ground left arisings and bring them together to new order in the transformic sense of artistic Rites of Passage.

More than 200 artists - painters, sculptors, sound, light, video, concept, installation, action- and performace artists, will present International and European, young and established art on 15.000 m² exhibition space and 50.000 m² outside area.

The up to now realised exhibitions 2007, 2008 ans 2009 demonstrate in an impressive way the development of the exhibition area and the Art Centre of the OSTRALE. The festival´s popularity attests as well the importance and the growing perception of the remarkable project. After 4.000 visitors in 2007 there have been already 11.000 visitors in 2009 who have found their way to the OSTRALE and its exhibitions and events.

El OSTRALE'010 presenta para la 4 ª vez el espectro completo del arte contemporáneo en las estructuras en ruinas de la antigua Schlachthof Erlwein en el Ostragehege en Dresde. El OSTRALE desarrollado en un tiempo muy corto a uno de los festivales de arte más importantes de Alemania y Europa. El OSTRALE `010 invitará especialmente los artistas que se ocupará de la todavía en el suelo a la izquierda surgimientos y unirlos al nuevo orden en el sentido transformic de los Ritos de paso artística.

Más de 200 artistas - pintores, escultores, sonido, luz, vídeo, concepto, instalación, los artistas a la acción y el performace, presentará europea e internacional, el arte joven y se estableció en 15,000 m² de exposición el espacio y 50,000 m² fuera de la zona.

Las exposiciones que hasta ahora se dio cuenta de 2007, 2008 ans 2009 demuestran de forma impresionante el desarrollo de la zona de exposición y el Centro de Arte de las OSTRALE. La popularidad de la ediciónuna lo atestigua así la importancia y la creciente percepción del proyecto notable. Después de 4,000 visitantes en 2007 ha habido ya 11.000 visitantes en 2009, que han encontrado su camino hacia el OSTRALE y sus exposiciones y eventos.

Jury OSTRALE`010

Andrea Hilger, Director OSTRALEDr.Martin Müller, Director OSTRALEDorota Kabiesz, Curator Jan Heinke, MusicianAndreas Hetfeld, Jury Award Winner OSTRALE`09

Andreas Hetfeld was honoured with the jury award of the OSTRALE’09 for his installation “Raum der Sehnsucht”. Born in Reutlingen and living in Nijmegen (Netherlands), Hetfeld creates 30 boats with old aluminium gutters, which where on the area of the OSTRALE. These boats were between 2.50 and 3.40 meter long. Like a swarm hang these on nylon strings, poorly illuminated in the big attic of the Direktorenvilla.

Jurado OSTRALE `010

Andrea Hilger, Director OSTRALE Dr.Martin Müller, Director OSTRALE Dorota Kabiesz, curador Jan Heinke, músico Andreas Hetfeld, Ganador del Premio del Jurado OSTRALE` 09

Andreas Hetfeld fue honrado con el premio del jurado de la OSTRALE 09 para su instalación “Raum der Sehnsucht”. Nació en Reutlingen y que viven en Nijmegen (Países Bajos), crea Hetfeld 30 barcos con canaletas de aluminio de edad, que cuando en el área de la OSTRALE. Estos barcos tenían entre 2,50 y 3,40 metros de largo. Como un enjambre de éstos en colgar cuerdas de nylon, mal iluminada en el ático grande de la Direktorenvilla.

Andreas Hetfeld, work "Raum der Sehnsucht"

Hung Yun-Ting, work "Xiao Xing Xing - Sternchen"

The Taiwanese artist Hung Yun-Ting is honoured with the Ostale`09 Public Award. More than 11.000 visitors were enchanted by the poetic installation which was displayed in the Direktorenvilla. In a small, completely dark room 80 blue-luminous bulbs dangled from the ceiling, each bulb shelters one tiny fantastic being.

Los taiwaneses artista de Hung-Ting Yun es honrado con el premio `09 Ostalé Pública. Más de 11,000 visitantes quedaron encantados por la instalación poética que fue expuesta en el Direktorenvilla. En un pequeño cuarto oscuro por completo 80 bombillas azules luminosas colgaban del techo, cada una bombilla de refugios diminutos ser fantástico.

http://www.ostrale-zentrum.eu

IV Convención Internacional De Tatuadores Bogotá DC JUN 5,6 y 7 de 2010

Después de 3 exitosas ediciones de nuestro evento que se ven reflejadas en el elevado número de asistentes y mayor cubrimiento de medios, presentamos la cuarta edición de La “Convención Internacional de Tatuadores Bogotá DC 2010”.

Se ha demostrado que el tatuaje es una industria creciente que mueve miles de millones al rededor del mundo, no solo por el dinero que se genera de la elaboración del tatuaje sino también toda la maquinaria que gira en torno a este.

El tatuaje se ha convertido en un estilo de vida por lo tanto integra todas las razas, estratos y niveles económicos y comerciales. Este año el evento se llevara a cabo en Corferias debido que el año pasado el espacio fue insuficiente para las personas interesadas tanto en stands como en asistir al evento. Este año habrá 89 stands.

IV International Tattoo Convention of Bogota, Colombia 5, 6 and 7 June 2010.

After 3 successful editions of the event, reflected in the high number of attendees and increased media coverage, Converge present the Fourth Edition of the “Convención Internacional de Tatuadores Bogotá DC 2010”..It has been shown that tattooing is a growing industry worth billions around the globe, not only for the money that is generated from the elaboration of the tattoo but also all the machinery that revolves around it.

The tattoo has become a lifestyle integrating all races, layers and economical and commercial levels. This year the event will take place in Corferias as last year there was insufficient space for people interested in both the fair and in attending the event. This year, their will be 89 booths.

http://www.convenciontattoobogota.com/

BISSAYA BARRETO FOUNDATION

Neo-Surrealism, INTERNATIONAL EXHIBITION BISSAYA BARRETO MUSEUM HOUSESANT´ANNA CONVENT, COIMBRA, PORTUGAL, EUROPEAN UNION

20th of May until 30th of June 2010

Idealization and coordination: Santiago Ribeiro

Institutional support: Intervention Brigade

This exhibition will take place in Sant’Anna Convent and Bissaya Barreto museum house, Coimbra, Portugal, 20th of May until 30th of June of 2010

with support byBISSAYA BARRETO FOUNDATION (Coimbra, Portugal, and International Exhibition 2010 Surrealism social network in this ning adress http://santiagoribeiro.ning.com

Artists :

Otto Rapp, Oleg Korolev, Daniel Hanequand, Ton Haring, Viktor Safonkin, Octavian Florescu, Peter van Oostzanen, Hikaru, Patricia van Lubeck, Dean Fleming, Christhopher Klein, Sergey Barkosky, Larkin, Carlos Aguado, Sonja Tines, Gerardo Gomez, Lv Shang, Alessandro Bulgarini, Pedro Diaz Cartes, Elizabeth Pantano, Egill Ebsen, Dan Lydersen, Pavel Surma, Krzysztof Wlodarski (Kali), Shahla Rosa, Sampo Kaikkonen, Miguel Ruibal, Jo Rizo, Ludmila, Lourenço Gonçalves, Sergey Tyukanov, Mehriban Efendi, Carlos Godinho, Victor Lages, Meme, Hector Pineda, Gromyko Semper, Slavko Krunic, Adam Scott Miller, Roland Heyder, Vu Huyen Thuong, Santiago Ribeiro ...

more:Fernando Araujo, Carel Verelgh, Maciej Hoffman, Nadide Gürcüoğlu, Rui Cunha, Francisco Urbano, Mirek Antoniewicz, João Duarte, Nazareno Stanislau, Rudolf Boelee, Madrigal

Arcia, Ignacio Casanovas, Dijana Iva Sesartic. http://internationalexhibition2010.weebly.com

Kris Wlodarski

http://internationalexhibition2010.weebly.com

Ton Haring    (NL)

Patricia Van Lubeck 

http://internationalexhibition2010.weebly.com

Sergey Tyukanov (Russia) http://internationalexhibition2010.weebly.com

Dan Lydersen

My VJ name is 249_K (Polo Vreedenburgh). I'm based in Rotterdam, Holland. In the year 2002 i started studying typografie at the Royal Academie in The Hague.

In 2007, I finished new media design at the Art Academie in Enschede. In 2004 i started with VJ'ing. This activity allows me to combine my tree passions: music, graphic design and architecture. My goal is to perform live a utopia of music and visuals (image and sound).

My sets are in constant evolution. 99% of what I usually mix is made up of my creations, which become enriched weekly. I try to diversify my video sessions in different graphic types but keep my own style.

My inspiration comes from various artistic movements; from animation movies to 3d design, from architecture to typogafie, from experimental music to piano parts of Satie. In the past few years i'm performed over 50 party's and festivals in Holland and Europe.

Mi VJ nombre es VJ 249_K (Polo Vreedenburgh). Estoy con sede en Rotterdam, Holanda. En el año 2002 empecé a estudiar typografie en la Academia Real de La Haya.

En 2007, terminé el diseño de los nuevos medios en la Academia de Arte en Enschede. En 2004 empecé con VJ'ING. Esta actividad me permite combinar mi árbol pasiones: la música, el diseño gráfico y la arquitectura. Mi meta es tocar en vivo una utopía de la música y visuales (imagen y sonido).

Mi conjuntos están en constante evolución. El 99% de lo que generalmente está compuesto por la mezcla de mis creaciones, que se enriquecen a la semana. Yo trato de diversificar mis sesiones de vídeo en diferentes tipos de gráficos, pero conservar mi propio estilo.

Mi inspiración viene de distintos movimientos artísticos, desde películas de animación 3D para el diseño, desde la arquitectura hasta typogafie, desde la música experimental a las piezas de piano de Satie. En los últimos años estoy realizado más de 50 partido y festivales en Holanda y Europa.

You started VJ'ing in 2004.  What made you initially become interested in it?

I started at that time at the art-academy with making little video clips, and and experimenting with vj-software to create some fx. I learned 3d software from a friend of mine at that time, and a total new world was opening up for me.

I saw many new possibilities and vj'ing was one of them. Kees de Groot from Planetart was sometimes teaching workshops on school en so he saw my work. He invited me to play on his planetart party's and there its was born.

How has equipment (hardware/software) progressed since you began?

i started with a simple computer build in a suitcase because a didn't have any money for a laptop. And i've used the first Resolume it worked very well at that time. and now i use 2 laptops, preview screen, Edirol v4-mixer, Panasonic ave5, and some midi controllers. the vj software is also much more powerful as 6 years ago, so much has changed.

Empezaste VJ'ing en 2004. ¿Qué te hizo inicialmente se interesó en él?

Empecé en ese momento en el arte-la academia con la fabricación de pequeños clips de vídeo, y ya experimentar con vj-software para crear algunos efectos. Aprendí 3d software de un amigo mío en ese momento, y un mundo totalmente nuevo se abría para mí.

Vi muchas nuevas posibilidades y vj'ing era uno de ellos. Kees de Groot de Planetart a veces la enseñanza de talleres sobre la escuela en lo que vio mi trabajo. Me invitó a jugar en su partido planetart y allí nació su.

¿Cómo ha equipos (hardware / software) progresado desde que empezaste?

Empecé con un ordenador sencillo construir en una maleta, porque una no tiene dinero para un ordenador portátil. Y he utilizado la primera Resolume funcionó muy bien en ese momento. y ahora yo uso 2 ordenadores portátiles, vista previa de pantalla, Edirol v4-mezclador, Panasonic ave5, y algunos controladores midi. el software de vj es también mucho más potente que hace 6 años, mucho ha cambiado.

Can you describe your current live setup?

My minimal set nowadays is 2 laptops with Resolume, an Edirol v4 mixer and a preview screen. My total setup is changing every time but then i use a extra mixer, a wireless sound receiver, extra laptops and midi controllers, but the more hardware, the more buttons and the more difficult you make it for yourself so I like to keep it compact.

Is there any particular equipment (hardware/software) you would recommend to other VJ's?

If you have a good laptop you already can do a nice show , the most important part of vj'ing is that you making your own nice visuals; you can have more then 10.000 euro of equipment and bad visuals and your show is still crappy.

¿Puede describir su configuración actual?

Mi selección mínima hoy en día es de 2 computadoras portátiles con Resolume, un mezclador y Edirol v4 una pantalla de vista previa. Mi configuración total está cambiando cada vez, pero luego yo uso un mezclador extra, un receptor de sonido inalámbricos, ordenadores portátiles adicionales y controladores midi, pero el hardware más, los botones más y más difícil que hacerlo por ti mismo lo que me gusta para mantenerlo compacto .

¿Hay algún equipo en particular (hardware / software) que usted recomendaría a otros VJ's?

Si usted tiene una buena computadora portátil ya puedes hacer un buen show, la parte más importante de vj'ing es que usted hacer su propia buenas visuales, puedes tener más de € 10.000 de los equipos y elementos visuales malo y su programa sigue siendo malo.

Architecture features quite strongly in your work.  Does your background in architecture and graphic design help you in your VJ work ?

I've learned to look different to buildings and objects around me, it inspires me somtimes when i walk by new buildings, i see the buildings as 3d shapes and see how the architect was thinking by designing the building.

What advice would you give to a rookie VJ?

Start with making your own visuals, it's aways difficult in the beginning, but its the most important part of vj'ing.

What type of parties do you perform at ?

Everyting from underground rave party's till clubs and lounge bars, but I like raw techno the most to play on.

La arquitectura es muy fuertemente en su trabajo. ¿Su formación en arquitectura y diseño gráfico ayudarle en su trabajo VJ?

He aprendido a ser diferente a los edificios y los objetos que me rodean, me inspira somtimes cuando camino por las nuevas construcciones, veo los edificios como las formas en 3D y ver cómo el arquitecto estaba pensando en el diseño del edificio.

¿Qué consejo le daría a un novato VJ?

Comience con hacer sus propias imágenes, es llevar difícil al principio, pero es la parte más importante de vj'ing.

¿Qué tipo de partidos no se realiza en?

Todo de metro de la fiesta rave hasta clubes y bares lounge, pero me gusta el techno primas más para jugar.

VJ 249_k's 7-minute "2010 Demo" video is available on this edition's digital download!

You recently played at the TriPostal festival in Lille.  How was that experience?

It was a great festival with a lot of friendly people and a good line-up. It was only a bit sad that the screens were hanging on bad positions, that they did better in 2009.

Where will you be playing in the future ?

I'm busy with planning some party's in Belgium with vj Videoheadcleaner, and i want go to Berlin with some dj friends of mine this summer.

Where can people see more of your work ?

Its a little bit a shame but i still don't have a good up-to-date website so the best way to follow me is on myspace www.myspace.com/249_k

Hace poco tocaron en el festival TriPostal en Lille. ¿Cómo fue esa experiencia?

Fue una gran fiesta con un montón de gente amable y una buena cola. Fue sólo un poco triste que las pantallas fueron colgados en malas posiciones, que le fue mejor en 2009.

¿Dónde vas a estar jugando en el futuro?

 Estoy ocupado con la planificación de algún partido en Bélgica con vj Videoheadcleaner, y quiero ir a Berlín con unos amigos de mis dj este verano.

¿Dónde se puede ver más de su trabajo?

Es un poco una lástima, pero yo aún no tiene una buena página web puesta al día por lo que la mejor manera para que me siguiera está en myspace : http://www.myspace.com/249_k.

Una 7-minuto "2010 Demo" vídeo de VJ 249_k está disponible en descarga digital de esta edición!

How do you see your work develop in the future?

I'm busy at the moment with developing a techno set with sound and visual together, to get everything perfect linked over midi,and in the future i want try to get my work more interactive, to give it more body.

So lets see what the future and the technology brings.

How can you be contacted ?

At my myspace www.myspace.com/249_k or mail at unit44studio@gmail.com

Any parting messages ?

I'm always interested in new collaborations and projects.

¿Cómo ve el desarrollo de su trabajo en el futuro?

Estoy ocupado en este momento con el desarrollo de una tecno conjunto con el sonido y visuales juntos, de tener todo perfecto vinculado en el midi, y en el futuro quiere trato de hacer mi trabajo más interactivo, para darle más cuerpo.

Así que veamos lo que el futuro y la tecnología se traen.

¿Cómo puede ser contactado?

A mi www.myspace.com/249_k myspace o por correo a unit44studio@gmail.com

Cualquier mensaje de despedida?

Siempre estoy interesado en nuevas colaboraciones y proyectos.

Convencion de anime en la ciudad de QUERETARO, QRO. Mexico.Sede:

MUSEO DE LA CIUDAD, GUERRERO 27 NORTE, COL. CENTRO

QUERETARO

ENTRADA 35 PESOS

1000 pesos a los ganadores del cosplay500 pesos a los ganadores del concurso de dibujo500 pesos a los ganadores de karaoke.

Inscripciones gratuitas

PREMIOS SERAN ENTREGADOS EN VALES PARA LA EXPO

Stands invitados de toda la republicaMUNDO COMICS (DF) / IMAGINATION (DF) / COMICS EL PLANETA (DF) / ANIME WORLD (QRO) / DRAICOS(PUEBLA) / UMBRELLA CORP (DF) / DIR N GREY (OAXACA) / CYBERIA ANIME (QRO) / MIKASA(DF) / DADIVAL TOYS(DF) / YOKOHAMA ANIME (DF) / ANIMEDREX (QRO) / Y POR SUPUESTO.... MANGAMUNDO QUERETARO

BOLETOS EN MANGAMUNDO Y TIENDAS PARTICIPANTES

Creative Violation documents the exploding underground art form of the street stencil and explores its roots in political street art, industrial signage and graffiti. These illicit spray paint markings, not to be confused with traditional graffiti tagging, steal the language and techniques of advertising and turn them against the imperatives of the mass market, punctuating the urban landscape in cities across the world.

Called art by some and vandalism by others, street art transforms the depersonalised, over-commercialised urban landscape into a forum for self-expression.

Creative Violación documentos la explosión de la forma de arte subterráneo de la galería de símbolos de la calle y explora sus raíces en el arte de la calle políticos, señalización industrial y graffiti. Estas marcas de pintura aerosol ilícitos, que no debe confundirse con el graffiti tradicional de marcado, robar el lenguaje y las técnicas de la publicidad y volverlas contra los imperativos del mercado de masas, que salpican el paisaje urbano en ciudades de todo el mundo.

Llamado por algunos el arte y el vandalismo por otros, arte de la calle se transforma el paisaje despersonalizado, urbana más comercializadas en un foro para la libre expresión.

The Rebel Art of the Street Stencil

http://www.imdb.com/title/tt1453243/

Llamado por algunos el arte y el vandalismo por otros, arte de la calle se transforma el paisaje despersonalizada, urbana más comercializadas en un foro para la libre expresión. Filmada en Nueva York, Pittsburgh y Toronto, este documentos de los programas nerviosa la forma de arte explosión subterránea de colocación de letreros en la calle y explora sus raíces en el arte de la calle políticos, señalización industrial, y el graffiti a mano alzada. John MacPhee, autor de Piratas Plantilla, stencil y otros artistas plantean preguntas críticas sobre el papel de la libertad de expresión en espacios públicos, que describen sus motivos y demostrar sus métodos. Transgresiva, subversivo, creativo: eso es el arte rebelde de la plantilla de la calle. (24 minutos)

Filmed in New York City, Pittsburgh, and Toronto, this edgy program documents the exploding underground art form of street stenciling and explores its roots in political street art, industrial signage, and freehand graffiti. John MacPhee, author of Stencil Pirates, and other stencil artists pose critical questions about the role of free speech in public spaces as they describe their motives and demonstrate their methods. Transgressive, subversive, creative: that’s the rebel art of the street stencil. (24 minutes)

Son muchos los realizadores que cultivan la actividad del diario o cuaderno de apuntes. En los cuadernos, se desarrollen las ideas en libertad, sin restricciones, sin publico. Debido a su frágil naturaleza y a que pertenecen a la intimidad del autor, es difícil llegarlos a ver. Esta exposición muestra las claves para entender el laberinto de la creación.

Many creators cultivate the activity of the diary or notebook. In notebooks, ideas develop freely, without restrictions, without audiences. Due to their fragile nature and the fact that they are a part of the author's privacy, it is difficult to see them. This exhibition shows the keys to understanding the labrynth of creation.

Animac es la “Mostra Internacional de Cinema d’Animació de Catalunya”, organizada por el Institut Municipal d’Acció Cultural (IMAC) del Ajuntament de Lleida y el Institut Català de les Indústries Culturals (ICIC) de la Generalitat de Catalunya, que se llevé a cabo del 22 al 28 de febrero en la ciudad de Lleida por 14º año consecutivo.

Con el paso de los años, la muestra Animac ha consolidado su carácter independiente y artístico. Creada en el año 1996, a lo largo de sus casi 14 años de historia se ha consolidado como uno de los acontecimientos audiovisuales más importantes de Cataluña con una importante presencia y prestigio internacionales.

Hoy día, Animac es una muestra rigurosa, dinámica y acogedora que no escatima esfuerzos en mejorar año tras año, generando nuevas audiencias y siempre a disposición de todos los amantes de la animación. Animac es una muestra de animación no competitiva que se dirige a aquellos artistas que utilizan la animación como instrumento de expresión personal.

Animac is the "Mostra Internacional de Cinema d'Animació de Catalunya", organised by the Institut Municipal d'Accio Cultural (IMAC) of the Lleida City Council and the Catalan Institute of Cultural Industries (ICIC) of the Generalitat de Catalunya, took place from 22 to 28 February 2010 in the city of Lleida for the 14th year running.

Over the years, the sample Animac consolidated its independence, and art. Created in 1996, throughout its nearly 14 year history has established as one of the most important audiovisual events in Catalonia with a significant international presence and prestige.

Today Animac is a rigorous, dynamic and welcoming which spares no effort in improve year after year, creating new audiences and always available to all animation lovers. Animac is a non competitive animation targets artists who use animation as a tool of personal expression.

Transgressing and challenging the boundaries of traditional narrative, for visionaries independent and risky work to enhance and enrich the expressive power of film.

The festival included section such as Petit Animac (childrens films), workshops, as well as live concerts and DJ's by night, and took place over various locations throughout Lleida including the Llotja, Café del Teatre, Pub Linia, La Boite and Fundacio Vall Palou.

One of the highlights of the fesival was the inclusion of the Puck Cinema Caravana. Puck is a caravan fitted out as a cinema. It's belly is a miniscule cinema, perhaps the smallest in the world, there is only space for seven people. Puck shows animation films which are not usually seen on television.

(http://www.puckcinema.com)

Transgrediendo y cuestionando los límites de la narrativa tradicional, busca visionarios, trabajos independientes y arriesgados que potencien y enriquezcan la capacidad expresiva del cine.

El festival incluyó las secciónes como Petit Animac (películas para niños), talleres, así como conciertos en vivo y DJ's por la noche, y tuvo lugar durante varios lugares de Lleida como la Llotja, el Café del Teatre, Linia Pub, La Boite y la Fundació

Vall Palou. Uno de los aspectos más destacados del fesival fue la inclusión de la Caravana Puck Cine. Puck es un cabo caravana habilitada como cine. Su vientre es un cine minúsculo, quizás el más pequeño del mundo, sólo caben siete personas. Puck muestra películas de animación que no se suelen ver por la televisión.

(http://www.puckcinema.com)

Animac is a place where artists come together and work, a laboratory in which generate ideas and establish relationships between different artistic disciplines. Animac is the space in which dreams and stories are planned for the future.

This year, the Animac has received the National Prize of Culture 2009 de l'Audiovisual. The awards were instituted by the Catalan government in 1982 and is awarded annually to persons or entities for contributions or most relevant activities in each of the respective cultural fields developed during the previous year.

Animac 2010 has had two special guests, the brothers Stephen and Timothy Quay, reconocidísimos animation writers internationally, who have been in Lleida person participating in the activities, and has scheduled a retrospective of his work.

The commitment to the art cinema and talent remains one of the hallmarks of Animac, and this year has introduced two new activities aimed at enhancing new and creative projects: the Campus and Animac Animac Mentor. Animac 2010 has offered for one week, film animation, school sessions, concerts and exhibitions.

Animac 2010 ha contado con dos invitados de lujo, los hermanos Stephen y Timothy Quay, reconocidísimos autores de cine de animación a nivel internacional, que han estado en Lleida participando en persona en las actividades, y se ha programado una retrospectiva de su obra.

La apuesta por el cine de autor y el talento continúa siendo uno de los sellos característicos de Animac, y este año ha presentado dos nuevas actividades enfocadas a potenciar nuevos proyectos y creadores: el Animac Campus y el Animac Mentor. Animac 2010 ha ofrecido durante una semana, proyecciones de cine de animación, sesiones escolares, conciertos y exposiciones.

Animac es un lugar donde se dan cita los artistas y sus trabajos, un laboratorio en el que se generan ideas y se establecen relaciones entre las distintas disciplinas artísticas. Animac es el espacio en el que se sueñan y se proyectan las historias del futuro.

Este año, el Animac ha recibido el Premi Nacional de Cultura 2009 de l’Audiovisual. Los premios fueron instituidos por el gobierno catalán en 1982 y se conceden anualmente a persones o entidades por las aportaciones o actividades más relevantes en cada uno de los respectivos ámbitos culturales desarrollados durante el año anterior.

http://www.animac.info

Guri + Gursjen Eirik + Aure Johanne + Anda

Aria Pjtor - Sapegin

Petit Dragon

“Mary and Max” Adam Elliot

MARY AND MAX de Adam Elliot (Australia, 2009).

La cinta narra la historia de una gran amistad forjada desde hace años a través del correo, en la que están involucrados dos seres muy diferentes físicamente pero muy iguales en sus sentimientos de soledad. Por un lado, una niña de ocho años de Melbourne, y por el otro, Max Horovitz, un hombre adulto con obesidad mórbida que vive en Nueva York.

A medida que Mary resigue la trayectoria de la adolescencia a la edad adulta y Max el paso de la edad madura a la vejez, los dos examinan un vinculo que sobrevivre mucho mas a los altos y bajos de la amistad.

Este film ha sido ganador, entre otros, del “Feature Film Award” del Festival de Annecy, del Gran Prize de la “Ottawa International Animation Film Festival”.

Más información en la web:http://www.maryandmax.com

MARY AND MAX by Adam Elliot (Australia, 2009).

The film tells the story of a friendship forged over the years through the mail, in which two people are involved physically very different but very alike in their feelings of loneliness. On the one hand, a girl of eight years in Melbourne, and on the other, Max Horovitz, a morbidly obese adult male living in New York.

As Mary and Max chronicle’s Mary’s trip from adolescence to adulthood, and Max’s passage from middle to old age, it explores a bond that survives much more than the average friendship’s ups-and-downs.

This film has won, among others, "Feature Film Award Annecy Festival, the Grand Prize of the" Ottawa International Animation Film Festival.

More information on the web:

http://www.maryandmax.com

“Panique au Village”, Stephane Aubier & Vincent Patar

There is a television series that has seduced and revolutionised European television production during the last few years, this has been “Panique au Village” by Stéphane Aubier and Vincent Patar (Belgium, 2009). The animation’s irreverent attitude, the surrealist and anarchic humour, and the sympathy of its characters and situations have made it a pleasure for children and adults.

Animated plastic toys as the Cowboy, the Indian and the Horse also haveproblems. The plan of the Cowboy and Indian to surprise with a gift horsebirthday that they have done is to pique instead when you destroy thehouse. It was unreal adventures happen as the trio travels to the center of the earth,walk amidst the frozen tundra and discover an underground parallel universe wherepointy heads living creatures (and dishonest).

More information on the web:http://www.paniqueauvillage.com

Hay una serie de televisión que ha seducido y revolucionado la producción televisiva europea durante los últimos años, esto ha sido “Panique au Village” por Stéphane Aubier y Vincent Patar (Bélgica, 2009). El actitud irreverente del animation, el humor surrealista y anárquico y la simpatía de sus personajes y situaciones han hecho que sea un placer para los niños y adultos.

Animación juguetes de plástico como el vaquero, el indio y el caballo también tienen problemas. El plan del vaquero y el indio para sorprender con un regalo que el cumpleaños de caballos que han hecho es para despertar lugar al destruir la casa. Se suceden aventuras irreal como el trío viaja al centro de la tierra, a pie en medio de la tundra helada y descubre un universo paralelo, en la punta de metro cabezas seres vivos (y deshonesto).

Más información en la web:http://www.paniqueauvillage.com

Ognjen Karabegovic

Davide Ricchetti "Donna n.4" ,olio su tela, cm 35x50 , 2010.Venduto.

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The Stairways to Lost Paradise, by Boris Schwarzsonne The Kikked! magazine Facebook group is at : http://groups.to/kikked

"Times Square" by Katarina Radenkovic

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modern maya style " maya stone", Dawood Mouton

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Digital Graffiti at Alys Beach is the world’s first projection art festival, with artists using the latest technologies to project their original works onto the town’s iconic white walls.

Sometimes referred to as “Photon Bombing,” “Guerilla Projection” or “Urban Projection,” underground artists around the globe have already been using the latest design, animation and projection technologies to cast dynamic images onto skyscrapers and other urban structures as a means of artistic expression. But Digital Graffiti at Alys Beach is the first outdoor festival specifically organized to celebrate and showcase these unique talents.

“Our town literally becomes their blank canvas,” said Kelli Arnold, Alys Beach’s Events Coordinator.

Each year’s festival attracted digital artists, filmmakers, musicians, interactive designers, photographers, VJs, producers, celebrities, agency executives and fans of art, technology and architecture. Thousands of dollars in cash prizes are awarded to artists, with digital submissions being received from as far away as Israel, Austria, Canada, Germany, London, India, France, Italy and China. The 2008 “Best of Show” prize of $2,500 was awarded to Robert Seidel of Jena, Germany for his digital work entitled “Futures,” while the 2009 “Best of Show” prize was awarded to “Lure of Sirens” by Lustre of Venice, California.

Digital Graffiti en Alys Beach es el primer festival mundial de arte del programa, con artistas que utilizan las últimas tecnologías para proyectar sus obras originales en las paredes blancas icónica de la ciudad.

A veces se refiere como "Photon bombardeo", "Guerrilla de proyección" o "Urban proyección," artistas "underground" en todo el mundo ya han estado utilizando lo último en diseño, animación y tecnologías de proyección a emitir imágenes dinámicas en los rascacielos y otras estructuras urbanas, como medio de expresión artística. Pero Digital Graffiti en Alys Beach es el primer festival al aire libre específicamente organizadas para celebrar y mostrar sus talentos únicos.

"Nuestra ciudad se convierte literalmente en su lienzo en blanco", dijo Kelli Arnold, eventos Alys Beach Coordinador.

Cada año del festival atrajo a artistas digitales, cineastas, músicos, diseñadores interactivos, fotógrafos, VJs, productores, celebridades, ejecutivos de agencias y aficionados del arte, la tecnología y la arquitectura. Miles de dólares en premios se conceden a los artistas, con presentaciones digitales que se reciba de lugares tan lejanos como Israel, Austria, Canadá, Alemania, Londres, India, Francia, Italia y China. El 2008 "Best of Show" premio de $ 2.500 fue otorgado a Robert Seidel de Jena, Alemania por su obra digital titulado "Futuros", mientras que el 2009 "Best of Show" premio fue otorgado a "señuelo de las sirenas" por Lustre de Venecia, California.

“Ultimately, Digital Graffiti explores how design, technology and architecture can intertwine to create entirely new artforms,” said Arnold. “For one evening, Alys Beach opens its doors, courtyards and pedestrian paths to innovative companies and ground-breaking artists who fuse these three components to literally transform our entire town into a living work of art.”

The 2010 Digital Graffiti festival will be held in Alys Beach, Florida on Saturday, June 12th, 2010.

“No where else does the architecture of an entire community become a canvas for digital art,” said Florida’s Governor Charlie Crist.

"En última instancia, Digital Graffiti explora cómo el diseño, la tecnología y la arquitectura se entrelazan para crear nuevas formas de expresión artística por completo," dijo Arnold. "Por una noche, Alys Playa abre sus puertas, patios y caminos peatonales a las empresas innovadoras y de los artistas innovadores que fusionan estos tres componentes para transformar literalmente nuestra ciudad entera en una obra de arte viviente.“

El festival de Graffiti Digital 2010 se celebrará en Alys Beach, Florida, el Sábado, 12 de junio 2010.

"En ningún otro lugar dice la arquitectura de toda una comunidad convertido en un lienzo para el arte digital", dijo el gobernador de Florida Charlie Crist.

http://www.digitalgraffiti.com

http://www.digitalgraffiti.com

Few bands of the German post punk/new wave era can lay claim to "cult" status, but DIN A TESTBILD most certainly can. Formed in 1978 by Mark Eins and Gudrun Gut, the combo played a significant role in defining the avant-garde music of Berlin and were among the pioneers of Electroclash, long before the genre even existed. In the year they started out, DIN A TESTBILD played at the opening of the legendary Berlin underground club S.O. 36 and in 1980 they appeared at Hamburg's first "In die Zukunft" (Into the Future) festival, organized by Alfred Hilsberg. "Abfall/Garbage", their first single, is emblematic of the entire West Berlin music scene from 1978–1982. The group also participated in the seminal "Geniale Dilletanten" event at the Tempodrom in Berlin (1981). Their contribution to German underground cinema and the art scene cannot be captured in a few simple words. Such is the measure of the cult and legend of DIN A TESTBILD.

Exactly 30 years after the release of their debut LP "Programm 1" on Klaus Schulze's IC record label, the Berliners have picked up the thread of their album series with "Programm 6" in 2010. Mark Eins is joined by long-term members Nutty Norman and Ralf Zimmermann, as well as Axel Brand, plus guest musicians Gerrit Meijer, the legendary Berlin guitarist of the band PVC and vocalist Bettina Schoch.

Pocas de las bandas post punk alemán / era nueva ola puede reclamar "culto" de estado, pero DIN A Testbild ciertamente puede desaparecer. Fundada en 1978 por Mark Eins y Gudrun Gut, el combo desempeñado un papel importante en la definición de la música de vanguardia de Berlín y se encuentran entre los pioneros del electroclash, mucho antes de que existiera el género. En el año en que comenzó, DIN A Testbild jugado en la apertura del pliego de cargos legendario club de metro de Berlín 36 y en 1980 se presentaron en Hamburgo el primer "in die Zukunft" (en el futuro) del festival, organizado por Alfred Hilsberg. "Abfall / Garbage", su primer single, es emblemático de toda la escena de música de Berlín Occidental 1978-1982. El grupo también participó en el seminal "evento Geniale Dilletanten" en el Tempodrom de Berlín (1981). Su contribución al cine underground alemán y la escena del arte no se puede capturar en unas pocas palabras sencillas. Esa es la medida de la devoción y la leyenda de la norma DIN A Testbild.

Exactamente 30 años después del lanzamiento de su primer LP, "Programa 1" en la etiqueta de Klaus Schulze IC registro, los berlineses se retomó el hilo de su serie de álbumes con "Programm 6" en 2010. Mark Eins se une a los miembros a largo plazo chiflado Norman y Ralf Zimmermann, así como Axel marca, además de músicos invitados Gerrit Meijer, el legendario guitarrista de Berlín de la banda de PVC y vocalista Bettina Schoch.

DIN A TESTBILD aim straight for the dancefloor on "Programm 6": driving basslines, hypnotic grooves, dark harmonies, mechanical sounds, expressive shouts. All given an extra-special flair through the sporadic intervention of industrial instrumentation such as Gerrit Meijer's metal machine guitar or Nutty Norman's chaoscillator and, on occasion, even through Bettina Schoch's rousing vocals.

The album plays without a pause – DIN A TESTBILD weave an intense, danceable, electronic, expressive aural collage. Digital Sound Art is the name the band give to their "acoustic backdrop for the third millenium", a concept which should not hide the fact that analogue instruments are very much at play here, with trash guitar to the fore. Mark Eins has this to say about his music: "It's not a question of melodic arcs, but of acoustic perception and entertainment on the highest plane. It's about the challenge, not the standard. Self-discovery, not self-affirmation in a modern, intelligent world. Man is far superior to the computers of this world, because he can feel, experience happiness, because he thinks, reflects, can change or continue his train of thought. Fun and enjoyment for body and soul, without esoteric pretensions. Art is entertainment is pop."

DIN A fin Testbild directamente a la pista de baile en "Programm 6": líneas de bajo de conducción, grooves hipnóticos, armonías oscuras, sonidos mecánicos, expresivas notas. Todos dado un toque extra especial a través de la intervención esporádica de la instrumentación industrial, tales como guitarra máquina Gerrit Meijer metal o chaoscillator chiflado Norman y, en ocasiones, incluso a través de Bettina Schoch de voz entusiasta.

El álbum juega sin pausa - DIN A Testbild tejer un intenso, collage sonora bailable, electrónica, expresivo. De sonido digital de Arte es el nombre de la banda da a fondo su "acústico para el tercer milenio", un concepto que no debe ocultar el hecho de que los instrumentos analógicos son mucho más en juego, con la guitarra de basura a la superficie. Mark Eins tiene esto que decir acerca de su música: "No es una cuestión de arcos melódicos, sino de la percepción acústica y entretenimiento en el plano más elevado. Se trata del reto, no la norma. Autónomo descubrimiento, no auto-afirmación en un moderno , el mundo inteligente. El hombre es muy superior a los equipos de este mundo, porque se puede sentir, experimentar la felicidad, porque él piensa, reflexiona, puede cambiar o mantener su tren de pensamiento. diversión y disfrute para el cuerpo y alma, sin pretensiones esotéricas. El arte es el entretenimiento es pop ".

www.testbild-music.com / www.myspace.com/dinatestbildmusic / www.mark-eins.de

Fallout 3 is an action role-playing game released by Bethesda Game Studios, and is the third major game in the Fallout series. I kinda like the concept, and find the graphic design absolutely stunning.

Fallout draws from 1950s pulp magazines, science fiction and superhero comic books, all rooted in Atomic Age optimism of a nuclear-powered future, though gone terribly awry by the time the events of the game take place. The technology is retro-futuristic, with various Raygun Gothic machines such as laser weaponry and boxy Forbidden Planet-style robots. Computers use vacuum tubes instead of transistors, architecture of ruined buildings feature Art Deco and Googie designs, energy weapons resemble those used by Flash Gordon, and what few vehicles remain in the world are all 1950s-styled. Fallout’s other production design, such as menu interfaces, are similarly designed to resemble advertisements and toys of the Atomic Age. Advertising in the game such as billboards and brochures has a distinct 1950s motif.

Fallout 3 es un juego de rol y acción de juego lanzado por Bethesda Game Studios, y es el tercer gran partido de la serie Fallout. Yo un poco como el concepto, y encontrar el diseño gráfico absolutamente impresionante.

Fallout extrae de 1950 revistas pulp, ciencia ficción y superhéroe de cómic, todos sus raíces en la Edad Atómica optimismo un futuro con energía nuclear, aunque ido terriblemente mal en el momento de los acontecimientos del juego tienen lugar. La tecnología es retro-futurista, con varias máquinas Raygun gótico, como las armas láser y boxy Forbidden Planet robots de estilo. Los ordenadores utilizan tubos de vacío en lugar de los transistores, la arquitectura de los edificios en ruinas función de Art Deco y los diseños Googie, las armas de energía similares a los utilizados por Flash Gordon, y lo que los vehículos quedan pocos en el mundo son todos de estilo 1950. Diseño de producción de otros Fallout, tales como las interfaces de menú, son igualmente diseñado para parecerse a la publicidad y los juguetes de la era atómica. Publicidad en el juego, tales como carteles y folletos de 1950 tiene un claro motivo.

http://allout.bethsoft.com/

Issue 6

of

Kikked!

will be available on

August 1, 2010

only via

http://kikked.com

Deadline for content submission or advertising requests :

July 1, 2010

For more information, contact Kikked! at :

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