historia de la pintura
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Resumen de la Historia de la PinturaTRANSCRIPT
Universidad Nororiental Privada
“Gran Mariscal De Ayacucho”
Facultad De Ingeniería
Escuela De Mantenimiento Industrial
Cátedra: Expresión Plástica.
Barcelona, 15 de julio de 2015.
Realizado por:
Roa, Yoly C.I.: 17.527.309
Revisado por: Lcdo. Jorge Medina
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Índice
Introducción. .......................................................................................................................................... 3
Historia de la Pintura. ............................................................................................................................. 5
Pintura Rupestre .................................................................................................................................... 7
Pintura Egipcia ..................................................................................................................................... 11
Pintura Minoica .................................................................................................................................... 13
Pintura Griega ...................................................................................................................................... 16
Pintura Romana ................................................................................................................................... 18
Pintura Paleocristiana y Bizantina .......................................................................................................... 22
Pintura Prehispánica En América ........................................................................................................... 23
Pintura Medieval ............................................................................................................................... 24
La Pintura Renacentista ........................................................................................................................ 38
La Pintura Manierista ............................................................................................................................ 57
La Pintura Barroca ............................................................................................................................. 58
La Pintura Rococó ................................................................................................................................ 65
La Pintura Neoclásica ........................................................................................................................... 67
La Pintura Romántica ........................................................................................................................... 68
La Pintura Realista ............................................................................................................................... 69
La Pintura Impresionista ....................................................................................................................... 70
Movimientos Post-Impresionistas ........................................................................................................... 70
Fauvismo ........................................................................................................................................... 73
La Pintura Expresionista ....................................................................................................................... 74
Cubismo .............................................................................................................................................. 75
La Pintura Abstracta ............................................................................................................................. 76
Dadaísmo ........................................................................................................................................... 76
La Pintura Surrealista ........................................................................................................................... 77
Expresionismo Abstracto....................................................................................................................... 79
Op Art y Pop Art ................................................................................................................................... 80
Nuevo Realismo................................................................................................................................. 80
Nuevas Tendencias Abstractas .......................................................................................................... 81
La Pintura Venezolana .......................................................................................................................... 81
Martín Tovar y Tovar ......................................................................................................................... 83
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Conclusiones ....................................................................................................................................... 86
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Introducción.
La historia de la humanidad, está marcada la cultura y el arte, que son la expresión colectiva
e individual de una sociedad y de quienes la constituyen y para este trabajo se tomará a una de las
artes más destacadas para desarrollarla: la pintura. La cual ha sido utilizada desde la Pre-historia
hasta nuestros días. Por lo tanto es muy importante saber sobre ésta, su evolución a través de los
tiempos, los pintores más resaltantes de cada época y los materiales utilizados en pintura, así como
también sus procedimientos, son diversos.
Es muy importante saber sobre la pintura, ya que es un lenguaje particular del hombre en
donde se vuelcan sus sentimientos y sus ideas, la pintura es una de las expresiones artísticas en
que primero se manifestó la voluntad humana de reproducir el mundo circundante y al
mismo tiempo la concepción creadora del hombre. Cabe destacar que la pintura tiene remotísima
procedencia y su ejecución responde a una necesidad y a un placer estético del ser humano.
La civilización antigua abunda en muestras que, a través de distintas épocas y diferentes
pueblos, van jalonando la evolución de la pintura. Muestra de la antigüedad de la pintura son por
ejemplo los dibujos que se encontraron en las cavernas de origen pre-histórico. Después podemos
nombrar a las paredes y techos pintados con motivos originales en los palacios egipcios. Pero fueron
los griegos los que inicialmente dieron un amplio y bastante complejo desarrollo al arte de la pintura.
Los romanos imitaron hábilmente la perspectiva y el claroscuro de los griegos, para captar paisajes
de ciudades, ruinas, y especialmente para desarrollar escenas de la mitología.
La civilización medieval destaca sobre todo los retablos, y las miniaturas góticas, los
mosaicos y las tablas de los bizantinos. Durante el siglo XV comienzan a operarse transformaciones
que van preparando el Renacimiento. Hasta entonces la pintura se había realizado en el soporte
material del muro o cuando más de la tabla, primer paso hacia el cuadro de caballete, que
distinguiría las expresiones de la Edad Moderna y permitiría las invenciones y matices expresivos de
un nuevo sentimientos de la vida.
En Italia o en Alemania, en Francia, en España o en los Países Bajos, el Renacimiento llevó
a la pintura los grandes ideales de belleza, armonía y perfección con excelsos artistas.
Posteriormente prevalece el sentimiento romántico, que informa la trayectoria de otros grandes
innovadores.
En la segunda mitad del siglo XIX culminó las escuela impresionista, y derivó al post-
impresionismo.
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Hasta el siglo XIX la pintura se jerarquizó y enriqueció al influjo directo del objeto (Realismo)
o de su apariencia (Impresionismo), pero en el siglo XX tendió a liberar la expresión del
sometimiento al sistema de imágenes volcándose hacia la abstracción, el expresionismo, el cubismo,
etc.
El artista pintor mira dentro de sí mismo, elude la figuración como expresión de la realidad
exterior, y si antes había recreado el mundo natural y circundante, ahora su lenguaje tiende a ser
casi exclusivamente subjetivo.
También se hará mención de la evolución de la pintura en Venezuela y uno de sus mas
destacados pintores como lo es Martin Tovar y Tovar, quien se destaca por los retratos y la pintura
histórica.
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Historia de la Pintura.
En el devenir de su historia, la pintura ha adoptado diferentes formas, según los distintos
medios y técnicas que la han guiado y se han convertido en propios de cada una de ellas. Hasta el
siglo XX, la pintura se apoya, casi invariablemente, en el arte del dibujo. En occidente, la pintura al
fresco, que alcanzó su mayor grado de desarrollo a finales de la edad media y durante el
renacimiento, se basa en la aplicación de pintura sobre yeso fresco o seco. Otra variedad antigua es
la pintura al temple, que consiste en aplicar pigmentos en polvo mezclados con yema de huevo
sobre una superficie preparada, que suele ser un lienzo sobre tabla.
Durante el renacimiento, la pintura al óleo vino a ocupar el lugar del fresco y del temple;
tradicionalmente se pensaba que esta técnica había sido desarrollada a finales de la edad media por
los hermanos flamencos Jan van Eyck y Hubert van Eyck, pero en la actualidad se cree que fue
inventada mucho antes. Otras técnicas de pintura son el esmalte, la encáustica, el gouache, la
grisalla y la acuarela. En los últimos años se ha extendido el uso de las pinturas acrílicas, con base
de agua, de rápido secado y que no se oscurecen con el paso del tiempo.
Con el transcurrir de los siglos, se han venido sucediendo diferentes métodos y estilos
artísticos, así como teorías relacionadas con la finalidad del arte para, en algunos casos, reaparecer
en épocas posteriores con alguna modificación. En el renacimiento, la pintura al fresco en muros y
techos cedió el paso a la pintura de caballete al óleo, pero se reactualizó en el siglo XX con las obras
de los muralistas mexicanos.
La necesidad de expresar una emoción intensa por medio del arte une a pintores tan
diferentes como el español El Greco, del siglo XVI, y los expresionistas alemanes del siglo XX. En el
polo opuesto de los intentos de los expresionistas por revelar la realidad interior, siempre ha habido
pintores empeñados en representar exactamente los aspectos exteriores. El realismo y el
simbolismo, la contención clásica y la pasión romántica, se han ido alternando a lo largo de la
historia de la pintura, revelando afinidades e influencias significativas.
Pintura Prehistórica Y Antigua
Sobre las paredes o el techo de las cuevas, los hombres prehistóricos dibujaban o pintaban
los distintos animales que cazaban. También pintaban escenas de significado ritual o mágico como
por ejemplo, el rito de la fertilidad, etc. Los materiales que usaban eran el Carbón vegetal y
diferentes tierras de colores mezclados con agua o grasas de animales.
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Los hombres prehistóricos atribuían un significado a una función mágica a las
representaciones de sus pinturas. Creían que la representación de un bisonte era una forma de
propiciar su caza o que la representación de una mujer con unos senos enormes aseguraba la
fertilidad.
Las pinturas más antiguas que se conocen fueron realizadas en las paredes de las cuevas
que servían de abrigo a la especie humana hace treinta mil años, durante el periodo paleolítico. Hay
muestras del arte paleolítico en emplazamientos de Europa occidental, del África sahariana y del sur,
y en Australia. En algunas zonas, como el litoral mediterráneo, el desarrollo de la pintura siguió en el
periodo neolítico.
Pintura Rupestre
La pintura rupestre se trata de una de las manifestaciones artísticas más antiguas de las que
se tiene constancia, ya que, al menos, existen testimonios que datan hasta los 40.000 años de
antigüedad, es decir, durante la última glaciación. Por otra parte, aunque la pintura rupestre es
esencialmente una expresión espiritual primitiva, ésta se puede ubicar en casi todas las épocas de
la historia del ser humano y en todos los continentes exceptuando la Antártida. Las más antiguas
manifestaciones y las de mayor relevancia se encuentran en España y Francia.
El Paleolítico
Si restringimos la definición de arte a la actividad representativa, libre de toda sujeción utilitaria,
tendremos que considerar el Paleolítico superior como el momento del nacimiento de las primeras
muestras artísticas.
El arte rupestre o arte parietal es el tipo de pintura que desarrollaron estos hombres en las paredes
de las cuevas. Se distinguen dos tipos de éstas:
1. Arte franco-cantábrico
Se extiende del período auriñaciense al magdaleniense y sus muestras más representativas
están en Francia (Cuevas de la Dordogne : Les Combarelles, Font-de-Gaume y Lascaux) y en el
norte de España (Altamira, La Pasiega). Las principales características de este arte son: un gran
naturalismo en la representación de los animales, contornos de manos y signos abstractos; las
figuras se encuentran siempre aisladas, sin formar grupos escénicos; se percibe una clara evolución
en el tratamiento del color que va de la monocromía a una rica policromía.
2. Arte levantino
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Estas pinturas tienen una serie de características que las distinguen del arte franco-cantábrico:
no están en cuevas oscuras, sino en abrigos a plena luz; son monocromas (rojas o negras); son más
esquemáticas y no tan naturalistas; la figura humana se representa profusamente; las
representaciones no están aisladas y superpuestas; sino que se estructuran formando escenas;
logran captar el movimiento, dando la sensación de un gran dinamismo.
Sus mejores muestras se encuentran en Cogull, cueva Remigia, la Valltorta y Charco
del Agua Amarga, en el Levante español.
El Neolítico
Sigue una evolución, iniciada a finales del Paleolítico, hacia una mayor esquematización
geométrica y abstracta. El abandono del naturalismo hace difícil reconocer las figuras representadas.
Los mejores ejemplares de este estilo están en la Laguna de la Janda, en Almadén (Ciudad
Real, España). También son visibles los huesos humanos y los cilindros de piedra decorados con
figuras geométricas en zig-zag que representan, casi con seguridad, ídolos religiosos.
Estas pinturas, así como también otras manifestaciones asociadas, revelan que el ser
humano, desde tiempos prehistóricos, organizó un sistema de representación artística, se cree, en
general, que está relacionado con prácticas de carácter mágico-religiosas para propiciar la caza.
Dado el alcance cronológico y geográfico de este fenómeno, es difícil, por no decir, imposible,
proponer generalizaciones. Por ejemplo, en ciertos casos las obras rupestres se dan en zonas
recónditas de la cueva o en lugares difícilmente accesibles; hay otros, en cambio, en los que éstas
están a la vista y en zonas expeditas y despejadas.
Cuando la decoración está apartada de los sitios ocupados por el asentamiento se plantea el
concepto de santuario cuyo carácter latente subraya su significado religioso o fuera de lo cotidiano.
En los casos en los que la pintura aparece en contextos domésticos es necesario replantear esta
Imagen 1: Bisonte de Altamira, Cantabría, España.
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noción y considerar la completa integración del arte, la religión y la vida cotidiana del ser humano
primitivo.
Temática:
En las pinturas rupestres del Paleolítico se simbolizan animales y líneas. En el Neolítico se
representaban animales, seres humanos, el medio ambiente y manos, representando además el
comportamiento habitual de las colectividades y su interacción con las criaturas del entorno y sus
deidades. Entre las principales figuras presentes en estos grafos se encuentran imágenes de
bisontes, caballos, mamuts, ciervos y renos, aunque las marcas de manos también ocupan un
porcentaje importante. Frecuentemente se muestran animales heridos con flechas. Los motivos y los
materiales con que fueron elaboradas las distintas pinturas rupestres son muy similares entre sí, a
pesar de los miles de kilómetros de distancia y miles de años en el tiempo. Todos los grupos
humanos que dependían de la caza y recolección de frutos efectuaron este tipo de trabajo pictórico.
Colores:
En las pinturas rupestres generalmente se usaban uno o dos colores, incluyendo algunos
negros, rojos, amarillos y ocres. Los colores también llamados pigmentos eran de origen vegetal
como el carbón vegetal, de fluidos y desechos corporales como las heces, compuestos minerales
como la hematita, la arcilla y el óxido de manganeso, mezclados con un aglutinante orgánico resina
o grasa.
Imagen 2: Algunas de las pinturas encontradas en la Cueva De La Pileta, España.
Imagen 3: Pinturas rupestres en la Cueva de Lascaux, Francia.
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Técnicas:
Las cuevas se ubican totalmente bajo el suelo y en consecuencia se hallan en una oscuridad
casi completa. Se cree que los antiguos artistas se auxiliaban con unas pequeñas lámparas de
piedra llenas de tuétano.
Los colores se untaban directamente con los dedos, aunque también se podía escupir la
pintura sobre la roca, o se soplaban con una caña hueca finas líneas de pintura. En ocasiones los
pigmentos en polvo se restregaban directamente en la pared y asimismo se los podía mezclar con
algún aglutinante y aplicar con cañas o con pinceles rudimentarios. Como lápices se usaban ramas
quemadas y bolas de colorante mineral aglutinadas con resina. A veces se aprovechaban desniveles
y hendiduras de la pared para dar la sensación de volumen y realismo. A menudo las siluetas
animales se marcaban o raspaban para generar incisiones y así producir un contorno realista y
notorio en la roca.
Las pinturas prehistóricas más conocidas son las de la cueva de Altamira en Santillana del
Mar, (Cantabria, España), donde se hallan los famosos bisontes, así como las de la cueva Lascaux
en Francia. Estas pinturas representan, con increíble exactitud, bisontes, caballos y ciervos. Estas
pinturas debieron cumplir un papel en los rituales mágicos, aunque no se conoce con certeza su
naturaleza exacta.
Imagen 4: Conjunto de pinturas rupestres encontradas en La Cueva De Altamira, España.
Imagen 5: Pintura Rupestre donde se representa la cacería.
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Pintura Egipcia
La pintura del Antiguo Egipto fue eminentemente simbólica. La técnica pictórica de los
egipcios fue un precedente de la pintura al fresco o témpra, ya que aglutinaban pigmentos naturales,
extraídos de tierras de diferentes colores, que mezclaban con clara de huevo y disolvían con agua
para poder aplicarlos sobre los muros, revestidos con una capa de tendido “seco” de yeso.
Sus procedimientos fueron el fresco, el temple, el encausto y a veces también el esmalte en
joyas, amuletos, escarabajos, estatuillas de respondientes y azulejos de revestimiento en muros
interiores. Sus colores fueron vivos y variados en cada escenas y las más antiguas pinturas que se
conocen fueron policromas, y de colorido uniforme.
Los egipcios pintaban los bajorrelieves los cuales, por su escasa profundidad, propician la
identificación con la escultura y el arte pictórico. A partir de la dinastía III la pintura sobre los muros
de las tumbas sustituye al bajorrelieve, del cual adopta las principales convenciones.
Características:
La pintura, como todo el arte del Antiguo Egipto estaba sometida a unos cánones o reglas
muy estrictas, entre las que destacan:
Canon de perfil: en pinturas y bajorrelieves, las figuras se representaban con el rostro, brazos y
piernas de perfil, mientras que el tronco y el ojo de frente.
Jerarquía: la representación estaba reservada a las figuras de dioses y faraones en las primeras
épocas, posteriormente, también a personajes notables. Las figuras más importantes eran más
grandes que las de los demás personajes, y mostraban actitudes hieráticas, ausencia de
expresividad, como signo de respeto. El tamaño tenía relación directa con su importancia social, así
Imagen 6: Barca de Ra.
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vemos que el faraón es el personaje más alto en las escenas familiares, donde sus mujeres, hijos, o
enemigos son más pequeños; el faraón representado en presencia de los dioses generalmente es
del mismo tamaño.
Ausencia de perspectiva: no había profundidad sino yuxtaposición de figuras. El menor tamaño de
algunas no significaba que estuvieran más alejadas, sino que eran menos importantes, simbolizando
así su inferioridad.
Colores planos: utilizando el color con tonalidades uniformes, pues no se hacían gradaciones de
color ni medios tonos.
Imagen 7: Fragmento del libro de los muertos. Pintura sobre papiro.
Imagen 8: Escena agrícola donde se evidencia la ausencia de perspectiva.
Imagen 9: Escenas agrícolas: Campesinos trillando trigo.
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Tipo de color: la piel de los hombres era oscura, ocre, mientras que en las mujeres era más clara,
ocre claro; Osiris se representaba con el color de piel verde; el oro o su color simbolizaban al Sol,
etc. En los temas de animales, como las famosas “ocas de Meidum”, se permiten gran libertad
expresiva. Como elementos o motivos de ornamentación, en cualquiera de las referidas
composiciones, estuvieron siempre en boga y son típicas en obras de escultura y pintura egipcias las
flores de loto y papiro, las grecas (adorno formado por una faja más o menos ancha, en que se
repite la misma combinación de elementos decorativos) y los diferentes roleos o volutas (adorno
desarrollado en forma de espiral).
Pintura Minoica
Arte minoico o cretense es el arte de la civilización minoica o cretense, una civilización
prehelénica que se desarrolló en la isla de Creta entre el III milenio a. C. y el II milenio a. C.
La mayor colección de arte minoico está en el Museo Arqueológico de Heraclión, cerca de
Cnosos en la costa norte de Creta. El arte minoico, con otros restos de la cultura material,
especialmente la secuencia de estilos cerámicos, ha permitido a los arqueólogos definir las tres
fases de la civilización minoica: minoico antiguo, minoico medio y minoico reciente.
Los minoicos decoraron con pinturas realistas, de gran viveza, las paredes de sus palacios
en Creta y también la cerámica. La ornamentación de estos palacios, basada en pinturas murales al
fresco, se desarrolla a partir de precedentes egipcios y mesopotámicos, pero desplegando un
sistema formal e iconográfico propio donde impera el movimiento, la captación de la naturaleza y un
gran colorido y originalidad.
Las características básicas son:
La pintura cretense no es una serie de cuadros en el sentido actual, sino que cubre enteramente
las paredes de ciertas habitaciones en palacios y casas. Sobre un zócalo pintado, generalmente
imitando placas de mármol veteado, la escena se extiende sobre la pared: con un fondo
Imagen 10: Pintura egipcia de: Ocas de Meidum (izquierda) y Mural cámara funeraria de Amenemhet (derecha).
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paisajístico, que evita la necesidad de enmarcar los frisos, las pinturas crean unas paredes
convertidas en ambientes decorados.
Origen remoto en pintura de colores lisos cuyo precedente está en las pinturas egipcias del
Imperio Medio o el palacio de Mari, en el curso medio del río Eufrates, fechándose ambos en el
siglo XVIII a.c., pero desarrollo extraordinario en periodo nuevos palacios.
Técnica pictórica del fresco organizado en frisos con una técnica similar a la marquetería:
incrustaciones de pasta de estuco coloreada en sus respectivos huecos, previamente tallados
sobre el enlucido de fondo, de color rojo vivo. Colores vivos y de una gama reducida,
compuestos de pigmentos minerales disueltos en agua, aplicándose sobre la pared antes de que
la última capa de yeso haya fraguado, lo que implica rapidez de ejecución y formas simples,
según una técnica muy similar a la pintura al fresco del Renacimiento.
Iconografía de escenas paisajísticas donde se mezcla el mundo vegetal y el animal, o diversas
actividades humanas relacionadas con ritos de culto o ceremonias cortesanas. La naturaleza es
una gran fuente de inspiración, repleta de plantas autóctonas o del exterior (papiros, lotos y
palmeras de Egipto) y de animales en movimiento maravillosamente captados.
Cuerpo humano siempre joven y de contextura atlética: hombre imberbe y de cabello largo
vistiendo un faldellín corto; mujer con largo traje ceremonial de volantes y ceñido corsé abierto
realzando unos senos desnudos, tocado con abundantes joyas.
Frescos realizados en tintas planas, sin sombreado ni retoques posteriores, aunque algunos
están ejecutados en relieve, con un previo modelado del estuco, pintado después.
Frescos proporcionando un ambiente repertorio de representaciones arquitectónicas (casas,
templos y altares, barcos...) y de objetos, sagrados unos y de uso cotidiano otros, cuyo realismo
ha servido para la reconstrucción de diversos aspectos de la cultura cretense.
Entre los frescos más conocidos tenemos los siguientes:
Imagen 12: Fresco El Príncipe de los lirios.
Imagen 11: Fresco de la parisina.
Imagen 13: Fresco Los Pulgilistas. Procedente de Tera.
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Imagen 14: Fresco El salto del toro (1500 antes de Cristo, Museo Heraklion, Creta).
Imagen 15: Fresco Delfines del Megarón de la Reina en el Palacio De Knosos.
Imagen 16: Frescos Los Pescadores. Casa de Akrotiri en
Tera.
Imagen 17. Frescos La Procesión.
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Pintura Griega
La pintura de la Antigua Grecia es una de las disciplinas del arte griego más difíciles de
analizar objetivamente por la falta de recursos. Debido al vandalismo y a la erosión natural, han
sobrevivido pocas pinturas griegas originales o copias de las mismas.
Entre los vestigios que se conservan se cuentan algunas losas de piedra y terracota,
fragmentos de tablas de madera, frescos sobre muros y copias que inspiraron mosaicos romanos.
Debido a la falta de obras de calidad para el estudio directo de la pintura griega se suele
recurrir a la pintura sobre cerámica, de la cual sí que existen numerosas piezas, para extrapolar
características y conclusiones sobre la estética de la pintura griega. El problema con este análisis
indirecto es que la pintura sobre cerámica está condicionada técnicamente a la superficie curva y
pequeña de las vasijas y una paleta limitada de colores cuyos pigmentos soportaban el calor del
horno.
Otras fuentes de estudio de la pintura griega son las obras literarias de historiadores de la
Antigüedad como Plinio el Viejo o Pausanias de Lidia. Gracias a estos textos sabemos que la pintura
era tan apreciada como la escultura griega (mientras que la pintura sobre cerámica era considerada
una artesanía menor), los nombres de los pintores griegos más importantes y los temas preferidos.
Características
En la Antigua Grecia la pintura se usó abundantemente en la decoración de las obras
arquitectónicas de todo tipo: religiosas, civiles, funerarias. También se pintaban los ropajes y el
cabello de las esculturas (excepcionalmente también la piel).Esta actividad era considerada un arte
en sí mismo, no un mero acabado o decoración.
Según los historiadores, sin embargo, las pinturas más valoradas fueron aquellas pintadas
en tabla. Pero al ser la madera un material tan vulnerable a la erosión no disponemos de ninguna
obra maestra para su estudio.
El origen de la pintura griega estuvo asociado a las formas geométricas e idealizadas
fuertemente influenciadas por el arte egipcio y asirio. Aunque se mantuvo la hegemonía de la línea y
el dibujo en la pintura y las masas de colores planos, también desarrolló una identidad y
características propias.
Entre las innovaciones que la pintura griega ha aportado a la historia del arte cabe mencionar:
La introducción de vistas novedosas del cuerpo humano y sus partes (más allá de la frontalidad).
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Algunos conocimientos de perspectiva (superposición de figuras) y naturalismo que no serán
superados hasta el Renacimiento.
El inicio del modelado de los pliegues y los objetos curvos enfatizando el grosor de las líneas y
con tramas de rayas. Una forma primitiva de claroscuro.
Materiales Y Técnicas De La Pintura Griega
Las superficies más empleadas por lo tanto en la pintura griega fueron los muros, las tablas
de madera y las losas de terracota o mármol. Con menos frecuencia también se emplearon marfil,
cuero, pergamino y lino. De toda esta variedad de superficies se cree que el soporte más popular fue
la tabla de madera con una base de pintura blanca.
En cuanto a las técnicas pictóricas, se usaron principalmente sobre las tablas, losas y
esculturas de madera y mármol la pintura al temple y la encáustica, y sobre los muros la pintura al
fresco y, de nuevo, al temple.
La paleta de colores de los artistas griegos contaban con los colores rojo, amarillo, negro,
blanco, verde, azul, púrpura y marrón. Sin embargo, la pintura sobre cerámica se verá limitada
principalmente al uso de cuatro pigmentos capaces de soportar las altas temperaturas del horno y
sus combinaciones (rojo, amarillo, blanco y negro), lo cual ha hecho pensar que la paleta de los
pintores griegos era mucho más limitada.
Temas De La Pintura Griega
Los pintores griegos fueron apreciados por su representación de escenas mitológicas,
leyendas y batallas históricas. Aunque abundaron las tablas votivas que llevar a los templos, estas
no estuvieron tan altamente consideradas.
Se desarrolló el retrato, la caricatura y escenas de paisaje que irían ganando mayor
importancia. También se pintaron escenas de la vida cotidiana (escenas eróticas y pornográficas
incluidas) y bodegones, encargos privados de pinturas de género y de estilo decorativo
(cornucopias, guirnalda) que irían ganando popularidad durante la última de las etapas del arte
griego.
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Pintura Romana
En la pintura romana va a influir decisivamente el arte griego, ya que ya desde la época de
César llegaron pinturas griegas que arrancaban de las paredes y se llevaban a Roma. Ésta es una
de las razones por las que apenas se conservan pinturas murales griegas.
Imagen 18: Diferentes muestras de arte griego.
Imagen 19: El rapto de Perséfone. Una de las pocas pinturas de la Antigua Grecia que se
conocen.
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Al igual que otras artes, la pintura en Roma tenían una finalidad práctica: decorar las casas y
palacios. La condición social del pintor era la de un artesano, aunque los que pintaban sobre tabla
tenían mayor prestigio.
La pintura mural se realizaba con la técnica del fresco, aunque también se discute que en
algunas ocasiones se utilizaran técnicas mixtas. Para la pintura sobre tabla se utilizaban las técnicas
al temple y a la en caustica. La gama de colores era amplia, ya que a la del mundo griego y egipcio
se les suman algunos colores más. Destacan el negro, el blanco, el rojo y el amarillo, aunque a
veces también se utilizaron verdes, azules y violetas. Se aplicaban mezclados con agua y a veces
con cola.
La pintura romana se clasifica en cuatro estilos a partir del siglo XIX y fueron establecidos en
base a las pinturas conservadas en Pompeya.
1. Estilos de Incrustación
Este estilo de pintura romana se desarrolla desde mediados del siglo II a.C. hasta principios del
siglo I a.C., todavía en época republicana. Es llamado así porque imita la decoración de mármoles
que se aplicaban en época helenística. Es un estilo muy colorista, de aspecto muy suntuoso. El muro
suele estar dividido en tres: un zócalo pintado imitando granito, una zona media imitando mármol y
un remate a modo de cornisa realizada en estuco.
2. Estilo Arquitectónico o de perspectiva
Se desarrolla durante el siglo I a.C. al I d.C. en la época de César. Es llamado estilo
arquitectónico porque imita no sólo revestimientos sino también arquitecturas. También es llamado
“Estilo de perspectiva arquitectónica” porque busca profundidad y perspectiva. Esto hace que las
Imagen 20: Muestra de mural con estilo de incrustación.
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estancias parezcan más grandes. Se dan frecuentemente las ventanas, tras las que se puede ver
edificios, y resulta más teatral, además, aparece el paisaje.
En definitiva se trata de una pintura romana que tiende a la disolución del muro. Es un estilo ya
de plena creación romana.
3. Estilo Mixto u Ornamental
Se dio entre el 27 a.C. hasta la mitad del siglo I d.C, es decir, durante la época de Augusto y
sus sucesores. Es un estilo mixto porque en cierta manera es una mezcla de los dos anteriores. Es
un estilo menos real y más fantástico.
Se caracteriza por la representación de elementos ornamentales muy ligeros, apareciendo
también edificios fantásticos, frisos con niños, elementos vegetales muy estilizados, figuritas de
animales, de humanos también pero más pequeñas y delicadas, y pequeñas escenas mitológicas.
Los colores son muy intensos. Se dio más en Roma que en Pompeya y destacan las de la Domus
Aúrea de Nerón
4. Estilo Ilusionista o Escenográfico
Se trata de la pintura que se manifiesta desde la época de Nerón, en la primera mitad del siglo I,
hasta el final de este siglo. Toma elementos del segundo y tercer estilo. Es el estilo más confuso. En
él aparecen también escenas mitológicas, históricas, tiene un gran recargamiento decorativo,
Imagen 11: Muestra de pintura romana estilo arquitectónico.
Imagen 12: Arte romano con estilo ornamental.
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aparecen cortinajes y telones y cobra mucho desarrollo el paisaje. También aparece en la Domus
Aúrea de Nerón y en la casa de los Vetti en Pompeya.
También hay frescos llamados por Vitrubio “Megalográficos”, que se dan en el s.I a.C. y parte del
I d.C. Representan personajes de tamaño natural que componen escenas. Pueden aparecer
arquitecturas para dar un mayor realismo. No hay muchos, pero sí de una gran calidad. Destaca “La
villa de los misterios”, en Pompeya, de época de Augusto.
Después del s.I d.C. la pintura se limita a grandes masas pictóricas sin delimitar, con búsqueda de
efectos claroscuristas con un gran detallismo en las representaciones, pero después se da una
reiteración de los estilos pompeyanos. En el s.II encontramos muchos mosaicos y revestimientos de
mármol sin compartimentación. En época de Adriano se hacen muchos estucados con pinturas
geométricas y vegetales y pinturas con un sentido muy pictórico, con colores más claros y esfumato.
La pintura sobre tabla debió ser habitual, como ocurría en Grecia, pero al tratarse de
materiales perecederos no se ha conservado, salvo casos excepcionales, como los Retratos de El
Fayum, de una necrópolis egipcia del siglo II. Estos retratos representan, muy a menudo, a personas
jóvenes, en muchos casos se ha comprobado que más jóvenes que los difuntos, por lo que debían
ser retratos que el fallecido se había hecho en vida.
Imagen 13: Arte estilo ilusionista o escenográfico.
Imagen 14: Retratos de El Fayum.
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Pintura Paleocristiana y Bizantina
La pintura paleocristiana se desarrolló durante el Imperio romano, por lo que puede
considerarse cronológicamente dentro de la pintura romana; sin embargo, por su temática y
características, supone la iniciación de la pintura medieval.
Siendo Roma, el centro del cristianismo ya desde los comienzos de la Iglesia es fácil deducir
que debía ser romano el arte de que se sirvieron los cristianos en los primero siglos para la
manifestación de sus ideales. Para ello, adoptaron la pintura con preferencia a la escultura por ser
aquélla de más fácil ejecución y por ofrecer menos semejanza con los ídolos del paganismo.
Durante los primeros siglos se ocupó el pincel cristiano en decoraciones y pinturas simbólicas más
que en verdaderas imágenes veneradas siguiendo la disciplina del arcano o del secreto que vedaba
la manifestación pública de algunas verdades católicas y que llegó hasta suprimir la representación
de toda imagen cuando las circunstancias lo exigieron como aparece por el famoso canon del
Concilio de Elvira o Ilíberis.
La pintura paleocristiana se extiende hasta el siglo VI en que comienza el estilo bizantino.
Con las influencias de éste se forma en Occidente el «latino-bizantino» que se llama románico desde
el siglo XI. Dentro del período paleocristiano cabe mencionar en primer lugar los frescos de las
catacumbas y desde la paz de Constantino sus composiciones al mosaico y también el fresco de las
basílicas. Unas y otras ofrecen un altísimo valor por parte de la idea que envuelven aunque por su
técnica y ejecución artística disten generalmente de ser modelos.
Entre las obras más extraordinarias de este periodo paleocristiano se encuentran los
mosaicos, del siglo VI, de las iglesias de Rávena, Italia, destacando los de San Vitale en los que
están representados temas tanto espirituales como profanos. Las figuras estilizadas y alargadas que
decoran las paredes de la iglesia, vistas casi de frente, miran al espectador con los ojos muy
abiertos y parecen flotar ingrávidas y atemporales.
Esta representación poco terrenal pasó a ser característica del arte bizantino y el estilo
quedó vinculado a la corte imperial cristiana de Constantinopla, que perduró del año 330 al 1453. El
estilo bizantino aparece también en los iconos, pinturas convencionales sobre tabla, destinadas al
culto, que representan a Jesucristo, la Virgen y los santos.
Una de las características principales que distingue la pintura bizantina es la riqueza de
materiales, con abundancia de oro (mosaicos vítreos y dorados) y fastuosa ornamentación y
la pobreza en el movimiento artístico. Las figuras de los personajes se presentan ordinariamente
alargadas, en pie y con los brazos en actitud algo movida o llevando algún objeto.
23
La túnica o vestimenta con que aparecen cubiertas suele ofrecer pliegues rectos y paralelos,
casi verticales. Pero el manto o capa los presentan más movidos y se recoge sobre el brazo
izquierdo de la figura. El continente de las personas se ostenta siempre majestuoso, tranquilo y
honesto; su mirada, de frente o a la derecha del espectador; sus ojos, grandes y abiertos; sus pies,
pequeños o estrechos y terminados en punta.
Pintura Prehispánica En América
Expresan la visión de la creación del universo según los antiguos mesoamericanos que
poblaron esa zona situada en el norte y el centro de América, entre los siglos II antes de Cristo y VII
después de Cristo La descripción del viaje que emprende el alma a través de lo que en conceptos
cristianos se llamaría cielo e infierno refleja la inquietud respecto a la trascendencia del ser humano
que no se conforma con su existencia terrenal. Murales del el agua, la sangre, la vida, la serenidad,
están reflejadas en los frescos dedicados a Tláloc, deidad de la lluvia, y al paraíso que ofrece cada
vez que se prodiga.
Además de las escenas de la vida y la historia prehispánicas plasmadas en libros pintados,
sobresalen las pinturas murales de Cacaxtla, en Tlaxcala, y de Bonampak, en Yucatán (México). En
ellas quedaron plasmadas escenas bélicas y ceremoniales donde resalta el dramatismo del dolor y
el orgullo del triunfo. El uso de los colores y del detalle, en los innumerables giros y atributos de las
vestimentas de los personajes que lucen exuberantes peinados, armamentos, joyería, calzados,
máscaras, sientan las bases de un pilar fundamental de la plástica americana. Es importante
destacar el hecho de que pasarían unos siglos hasta que las culturas de América tuvieran contacto
con las europeas y, por tanto, se desarrollaron sin ninguna influencia extracontinental.
Imagen 15: Muestra de pintura Paleocristiana y Bizantina.
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Pintura Medieval
A pesar de que pueden rastrearse algunos vagos recuerdos o elementos de continuidad de
la pintura medieval con el arte clásico grecorromano, lo que predomina es una radical discontinuidad
entre ambos, destacando la personalidad propia del periodo.
Esta es básicamente una pintura religiosa salvo excepciones, que se hacen más numerosas
al final de la Edad Media. La representación de paisaje suele limitarse al fondo de las
composiciones, que en muchas ocasiones se limita a un color plano o se llena con figuras de forma
casi obsesiva que se juntan en el primer plano, se superponen en horizontal o incluso en vertical, sin
buscar efectos de profundidad. No se utiliza la perspectiva geométrica hasta los periodos finales; y la
perspectiva aérea está del todo ausente. Suele usarse la perspectiva jerárquica (representación a un
mayor tamaño de la figura más importante, sin consideración de su ubicación en el espacio). Es muy
importante la utilización de simbolismos y un complejo lenguaje iconológico.
Figura 26: Pintura representativa del período prehispánico en América.
Figura 27: Virgen con el Niño, siglo VI. Santa Francisca Romana, Roma.
Figura 28: Virgen rodeada de los santos Feliz y Adauto, siglo VI, catacumbas de Commodilla, Roma.
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Pintura Gótica
La pintura mural, que se dio tanto en las iglesias antes del gótico, desaparece con la llegada
de este estilo. La arquitectura gótica introduce grandes ventanales en los muros de sus
construcciones, con lo que el espacio que antes estaba destinado a las pinturas ahora está ocupado
por una vidriera. De la misma forma, la gran altura de las bóvedas de crucería dificulta que éstas
estén pintadas. Por estos motivos en Europa se aprecia un florecimiento de la pintura sobre tabla,
principalmente en los retablos adosados a la pared. El estudio de los retablos permite analizar la
evolución de la pintura durante todo el gótico. De una estructura formada por una sola tabla se pasa
a la formada por tres tablas, las laterales suelen ser móviles para poder cerrar el conjunto. Ya en el
siglo XIV se impone el retablo rígido con múltiples tablas.
El retablo está organizado con un cuerpo inferior de menor tamaño que el resto, el el banco
o predela. El conjunto se organiza horizontalmente en cuerpos y verticalmente en calles, separadas
por las entrecalles. La calle central es la más ancha de todo el conjunto. La técnica utilizada en estos
retablos es generalmente el temple, en el que se utiliza el huevo o la cola obtenida de los huesos de
los animales como aglutinante de los colores. Desde el siglo XV se comienza a utilizar la pintura
al óleo, inventada por los pintores flamencos y que utiliza el aceite como aglutinante.
En la evolución de la pintura gótica se distinguen cuatro fases o estilos:
I. Estilo gótico lineal o franco-gótico (Siglo XIII)
Comienza en el siglo XIII y continúa hasta casi mediados del XIV conviviendo en su última etapa
con el ítalo-gótico. Se caracteriza principalmente por la importancia que se da a las líneas del dibujo,
que son las que delimitan las masas de color. Estas masas cromáticas son de gran intensidad,
siendo ésta más importante que la valoración tonal. En los temas domina el naturalismo ingenuo,
escenas sencillas que buscan el fácil entendimiento por parte de aquellas personas que lo observen.
Se busca principalmente un arte amable, relacionado con el pensamiento de esta época. Las
principales representaciones de esta pintura se realizan en tres tipos de obras, la pintura mural, la
pintura sobre tabla y las miniaturas.
Los manuscritos ilustrados tuvieron una amplia difusión internacional, a través de las cortes de
la nobleza europea.
Los miniaturistas más destacados fueron:
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Jean Pucelle (1300-1355):
Fue un miniaturista de la época gótica parisina, activo entre 1320 y 1350, perteneciente a la
fase del italo-gótico. También fue orfebre, pero se lo conoce sobre todo como iluminador y maestro
miniaturista.
Tenía un importante taller en París a principios del siglo XIV. Artista curioso, viajó a Italia y a
Bélgica para aprender las nuevas técnicas. Su estilo, influido por el Trecento italiano, se caracteriza
por figuras delicadas y detalladas, pintadas en grisalla, acentuadas con toques de color. En sus
miniaturas puede verse a menudo escenas de la vida cotidiana en el siglo XIV (escenas de caza,
torneos, juegos). Poucelle contribuyó a elaborar el estilo cortesano. Su estilo perduró durante
cuarenta años después de su muerte a través del trabajo de su discípulo, Jean Lenoir. Su forma de
trabajar continuó siendo un estándar hasta los años 1380 en los libros de otros autores.
La obra más famosa de Pucelle es Heures de Jeanne d'Évreux (un libro de horas realizado
para Juana de Evreux), de apenas 60 mm por 90 mm. El Libro de horas de Jeanne d'Évreux forma
parte de la colección de The Cloisters en Nueva York. También es suyo el Breviario de Belleville,
que se conserva en la Biblioteca Nacional de Francia en París.
Jacquemart de Hesdin (1350 – 1410):
Fue un miniaturista francés, perteneciente al gótico internacional. Fue uno de los principales
iluminadores de su época. Trabajó para el duque Juan I de Berry. Su obra más conocida son Las
Grandes Horas, que se guarda en la Biblioteca Nacional de Francia.
Figura 29: Breviario de Belleville, escena de David ante Saúl, año 1323-1326,pergamino, 24 × 17 cm, Biblioteca Nacional de
Francia
27
i
Los hermanos Limbourg (en holandés Gebroeders van Limburg) (Herman, Paul,
y Johan; fl. 1385–1416): fueron miniaturistas de fines de la Edad Media originarios de la ciudad
de Nimega.
II. Estilo Ítalo-gótico o trecentista (Siglo XIV)
Este estilo surge en Italia en el siglo XIII y en el siglo XIV se difunde por toda Europa. Se
aprecia un interés por la búsqueda de la profundidad que lleva a grandes estudios sobre la
perspectiva clásica, se estudia el cuerpo humano, la importancia de la luz en relación con los
colores. Por otra parte el desarrollo de la religiosidad franciscana lleva a una mayor
representatividad del sentimiento, se busca la emoción del espectador. A la obra se le va
incorporando cada vez un mayor carácter intelectual. En el siglo XIII, en la escuela toscana, se
realiza una figura de Cristo muy estilizada, con un cuerpo curvado y pintado sobre una tabla en
forma de cruz con los brazos laterales sensiblemente ensanchados. Aparecen también tablas
Figura 30: Escena: Loco, obra de Jacquemart de Hesdin, h. 1386,pergamino, 25 × 17,7 cm.
Figura 31: Las muy ricas horas del duque de Berry: Junio (1412-16).
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alargadas organizadas como retablos con la figura del santo de mayor tamaño que las demás, las
escenas laterales están organizadas en fajas. En Italia destacan también las escuelas romana,
sienesa y florentina. Es en estas escuelas donde se sientan las bases del posterior renacimiento
pictórico que tendrá lugar en Italia.
En el siglo XII se distingue la escuela florentina, particularmente la obra de Giotto Di
Bondone discípulo de Cimabue.
Cenni di Pepo Cimabue (Florencia; 1240 - Pisa; 1302)
También conocido como Bencivieni di Pepo o en italiano moderno, Benvenuto di
Giuseppe fue un pintor y creador de mosaicos florentino. Se le considera iniciador de la escuela
florentina del Trecento.
No obstante, el gran maestro de esta escuela es un discípulo suyo, Giotto (1266-1337), al
que se considera como auténtico iniciador de la pintura moderna. Es Giotto quien busca representar
el espacio correctamente, así como adecuar las expresiones y los gestos en relación con el estado
de ánimo del personaje. Dio un tratamiento revolucionario a la forma y a la representación realista
del paisaje, introduciendo la tridimensionalidad, lo que significó un gran paso en la historia de la
pintura. Con él llega a la cumbre la pintura gótica italiana. En la Capilla de los Scrovegni, en Padua,
se encuentra todo un ciclo de frescos (1305-1306) que mostraron escenas de la vida de la Virgen.
También es importante su intervención en Asís, con un ciclo sobre la vida de San Francisco. Giotto
tenía un gran poder para organizar toda una escena en torno a una imagen central, como puede
Figura 32: La Maestà (1270) del museo del Louvre, París
29
verse en una de sus obras más famosas, el Beso de Judas. Estuvo en Roma en 1330, donde pintó
un fresco en el palacio de Letrán. Allí conoció las innovaciones de Pietro Cavallini.
Giotto di Bondone (Colle di Vespignano, 1267 - Florencia, 8 de enero de1337)
Más conocido solo por su nombre de pila fue un notable pintor, escultor y arquitecto italiano
del Trecento. Se lo considera el primer artista de los muchos que contribuyeron a la creación
del Renacimiento italiano y uno de los primeros en romper las limitaciones del arte y los conceptos
medievales. Se dedicó fundamentalmente a pintar temas religiosos, siendo capaz de dotarlos de una
apariencia terrenal, llena de sangre y fuerza vital.
i
En el siglo XIII se distingue la escuela toscana, particularmente la obra de Giunta Pisano.
Giunta Pisano (también llamado Giunta da Pisa o Giunta Capitini)
Fue un pintor italiano de estilo ítalo-gótico. Es el primer pintor italiano cuyo nombre se
encuentra inscrito en un trabajo existente. Se dice que ejercitó su arte desde 1202 hasta 1236. Quizá
naciera en torno a 1180 en Pisa, y muriese allí en o poco después de 1236; pero otros señalan el
año 1202 como fecha de nacimiento, y como año más probable de su muerte, 1258, o alrededor de
él. Hay indicios de que su apellido fue Capiteno.
Giunta Pisano solía pintar sobre tela estirada sobre madera, y preparada con yeso.
Figura 33: "Joaquín expulsado del Templo", primera escena del ciclo narrativo de la Capilla de los Scrovegni.
30
A esta primera etapa de la pintura gótica ha de atribuirse igualmente la labor de la escuela
romana de mosaicos y pintura de murales, cuyos nombres más destacados son los de Jacopo
Torriti y Pietro Cavallini. Cavallini fundió la pintura de la tradición local romana(arte romano y arte
paleocristiano) con las convenciones bizantinas; sus vigorosos y bellos frescos y mosaicos muestran
un dominio del naturalismo.
Jacopo Torriti
Fue un pintor y mosaísta italiano que vivió en el siglo XIII. Se le adscribe al estilo ítalo-gótico,
dentro de la pintura gótica anterior al siglo XV. No quedan documentos escritos sobre su vida. En
1291 firmó mosaicos del ábside en la basílica de San Juan de Letrán en Roma, que fueron casi
rehechos por completo en 1878. Los mosaicos del ábside de Santa María la Mayor los ejecutó en
1295. Representan la Coronación de María por Cristo en un medallón. El medallón está rodeado con
un ornamento con flores, animales y pájaros. En la banda inferior del mosaico se pueden ver las
figuras de san Pedro, san Pablo y el papa Nicolás IV (lado izquierdo), y san Juan Bautista, Santiago
el Mayor, san Antonio y Jacopo Colonna (lado derecho). Las paredes están decoradas con escenas
de la vida de María. El ábside de Santa María la Mayor es el ejemplo más importante que queda del
arte del mosaico romano en la Baja Edad Media. Torriti probablemente participó en la ejecución de
algunos frescos en la iglesia superior de la Basílica de San Francisco de Asís y frescos en la Abadía
de Tre Fontane cerca de Roma.
Figura 34: Crucifijo en la Basílica de Santo Domingo, Bolonia.
31
En España se recibe la influencia italiana, bien por obras realizadas en Italia que se
trasladan a España o por artistas italianos a finales del siglo XIV.
Pietro Cavallini (1250 –1330)
Fue un pintor italiano de estilo ítalo-gótico. Fue asimismo diseñador de mosaicos. Trabajó a
finales de la Edad Media. De lo poco que se sabe de su biografía está que era de Roma, pues
firmaba pictor romanus. Su primera obra destacada fueron los ciclos de mosaico para la Basílica de
San Pablo Extramuros, con historias del Antiguo y Nuevo Testamentos, entre 1277 y 1285. Fueron
sin embargo destruidos en el fuego de 1823. Su Juicio Final en la Basílica de Santa Cecilia en
Trastevere en Roma, pintado hacia 1293 y considerada la obra maestra de Cavallini, demuestra un
estilo artístico conocido como naturalismo romano. Este naturalismo influirá en la obra de artistas
que trabajaron en otras ciudades italianas como Florencia y Siena.
A partir de 1308 Cavallini trabajó en Nápoles en la corte del rey Carlos II de Anjou, en
particular en las iglesias de San Doménico Maggiore de 1308 y Santa María Donnaregina de 1317,
junto a su paisano romano Filippo Rusuti. Regresó a Roma antes de 1325, comenzando la
decoración externa de la Basílica de San Pablo Extramuros en 1321, con una serie de mosaicos en
estilo bizantino.
Entre sus obras incluyen:
Jael y Tisseran (fecha desconocida), acuarela
Escenas de la vida de María (1291), mosaicos en el ábside de la Basilica di Santa María in
Trastevere en Roma por encargo del cardenal Bertoldo Stefaneschi. Estos mosaicos fueron
alabados por su retrato realista e intentos de perspectiva:
Figura 35: Mosaico de la Coronación de la Virgen, en Santa María la Mayor, Roma
32
Natividad de la Virgen
Anunciación
El nacimiento de Jesús
Adoración de los Magos
Presentación en el Templo
Dormición
El Juicio Final (1295-1300), parte del ciclo de frescos en Santa Cecilia in Trastevere en Roma.
Las pinturas del ábside en San Giorgio al Velabro, en Roma, se le han atribuido basándose en
similitud estilística con las pinturas del Trastevere.
Se le atribuye el mosaico del ábside de la Basílica de San Crisógono en el barrio
del Trastevere de Roma, donde se representa a María con San Sebastián y Crisógono.
III. Estilo internacional (Siglo XIV)
Con el estilo internacional comienza la evolución pictórica del siglo XV, si bien comienza en
las últimas décadas del siglo XIV, se manifiesta en toda Europa una vez entrado el siglo XV,
alcanzando su mayor esplendor a mediados del siglo, cuando en Italia comienza a aparecer el
Renacimiento.
El estilo internacional aparece en el centro de Europa por la fusión de las formas del gótico
lineal y el estilo trecentista. Sus principales características son la valoración de lo anecdótico y lo
expresivo, la estilización de las figuras, la afición a la línea curva que se ve en los abundantes
pliegues y en el movimiento, la tendencia a introducir detalles aparentemente naturalistas pero con
un carácter simbólico muy definido. Todo esto contribuye a la aplicación de una técnica minuciosa y
Figura 36: Anunciación, en la Basílica di Santa María in Trastevere.
33
detallista. Este estilo, que tiene un fuerte desarrollo en las cortes de Berry y Borgoña, tiene una
especial importancia en los miniaturistas, que son el fundamento de los pintores flamencos. En
España el estilo internacional tiene un gran desarrollo, especialmente en la Corona de Aragón.
Destacan las escuelas valenciana, catalana, aragonesa y castellana.
Se trató de un estilo verdaderamente internacional, cultivado en países como Alemania por:
Conrad Soest (1370 -después de 1422)
Fue un pintor alemán y maestro en Westfalia del llamado estilo suave dentro del gótico
internacional. Su obra tuvo gran influencia en la pintura alemana del siglo XV.
Su obra está influida por los miniaturistas franceses y la pintura borgoñona de la época.
Altar en la Iglesia Evangelista en Bad Wildungen, h. 1403 (con la más antigua representación de
unas gafas al norte de los Alpes).
Altar portátil de la familia Berswordt de Dortmund con una representación de Reinoldus como
Caballero, 1404, Alte Pinakothek, Múnich.
Altar de María en la Marienkirche en Dortmund, h. 1420.
Altar de san Nicolás para la capilla de San Nicolás en Soest (atribuido)
i
El maestro Francke
Es un pintor alemán nacido en Niederrhein hacia 1383 y fallecido en Hamburgo hacia 1436.
Pertenece al estilo internacional dentro del gótico.
Reproduce las formas con un estilo cortés en el sentido de un expresionismo religioso.
Francke pertenece al estilo suave(Weicher Stil), en el que los artistas reaccionaban contra las
Figura 37: Altar de la Pasión (Wildungen-Altar).
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formas más tempranas del gótico, bastante rígidas, reemplazándolas por un estilo con más gracia y
encanto. Esta suavidad provoca a veces contraste lleno de tensión por la cruda fuerza de la
representación, la mímica y los gestos pronunciados. En su obra comienza a haber cierta
representación de la profundidad espacial. Usa colores fuertes y esplendorosos. Algunos
investigadores encuentran paralelismo entre su obra y la de los miniaturistas parisinos del siglo XV.
La mayor parte de su obra quedó destruida con las revueltas iconoclastas de la Reforma;
así, han desaparecido dos tablas de la Virgen y de san Juan Bautista que hizo para la Catedral
de Münster antes de 1420, o el retablo que hizo en 1429 para la Cofradía de Cabezas Negras
de Reval en Estonia.
Se conservan:
Retablo de Santa Bárbara, h. 1410-1415, Museo Nacional de Helsinki.
Retablo para la iglesia de San Juan de Hamburgo contratado con la Cofradía de
Englandfahrer (comerciantes con Inglaterra), h. 1424, denominado Retablo de santo Tomás
Becket (Museo de Hamburgo)
Dos tablas con el tema de Cristo, Varón de dolores, una en el Museo de Leipzig (h. 1430) y
otra en el de Hamburgo (h. 1435)
i
Stefan Lochner (sobre1400 a 1410-1451 en Colonia)
Fue un pintor alemán de la Edad Media y uno de los maestros principales del denominado
"estilo suave" (Weicher Stil) de la pintura gótica internacional. Es estilo de Lochner se puede integrar
al estilo de la Pintura gótica internacional. Los personajes en sus pinturas, arropados en sus
vestimentas suaves y fluidas, parecen fríos, pero muy realistas. Este realismo se ve sobre todo en
Figura 38: Retablo de santa Bárbara: "Flagelación de santa Bárbara"
35
los paisajes, la tela, las figuras y sus caras. Sobre todo las caras de los Reyes Magos en el altar de
la Catedral de Colonia(Altar der Kölner Stadtpatrone) parecen ser copiadas de la vida.
Curiosamente, entre su obra transmitida no se encuentra ninguna pintura y ningún dibujo,
que representa la Pasión de Jesús Cristo.
Entre sus obras más destacadas tenemos:
Juicio Final, sobre 1435, Wallraf-Richartz-Museum, Colonia.
Los santos Catalina, Huberto y Quirinus con un donante, sobre 1435, Alte
Pinakothek, Múnich.
Altar tríptico de los padrones de la ciudad de Colonia (Altar der Kölner Stadtpatrone o Kölner
Dombild), sobre 1445,Catedral de Colonia.
Cristo en la cruz (Christus am Kreuz).
Natividad, sobre 1445. Alte Pinakothek, Múnich.
Los santos Marcos, Bárbara y Lucas, 1445-1450, Wallraf-Richartz-Museum, Colonia.
Tríptico con la Virgen y el Niño en un jardín cerrado, 1445-1450, Wallraf-Richartz-
Museum, Colonia.
Presentación en el Templo (Darbringung im Tempel), 1447, Museo estatal de
Hesse, Darmstadt.
Virgen del rosal, sobre 1448, Wallraf-Richartz-Museum, Colonia.
Adoración del niño (Anbetung des Kindes).
Hubo una escuela de Praga a la que pertenecieron el Maestro del Jardín del Paraíso y el de
Trebon. Un ejemplo clásico del estilo verdaderamente internacional es el Díptico Wilton, actualmente
Figura 39: Natividad.
36
en la National Gallery de Londres. Se pudo pintar en cualquier momento del reinado de Ricardo II de
Inglaterra. Y su autor pudo haber sido de cualquier nacionalidad, no habiendo consenso sobre la
misma, lo que revela el carácter de esta etapa del gótico.
i
En España, por su parte, se desarrolló especialmente en la Corona de Aragón. En Valencia
trabajaron Lorenzo Zaragoza, Pedro Nicolau y Marzal de Sax.
En Cataluña trabajó primero Luis Borrassá y, después, más cercano al estilo
flamenco, Bernat Martorell (Retablo de San Jorge). Otros autores son los aragoneses Pedro Zuera,
el maestro de Arguís y Juan Leví, y el mallorquín Francisco Comes. En la Corona de
Castilla trabajaron Nicolás Francés, Nicolás Delli, Dello Delli, el maestro de Sigüenza y Juan
Hispalense.
IV. Estilo flamenco (Siglo XV)
Aparece a finales del primer cuarto del siglo XV procediendo de las formas del estilo
internacional. La principal característica de esta época es la utilización del aceite como aglutinante
de los colores, que supone la aparición del óleo, que aporta una mayor viveza a los
colores, aumenta su brillo, permite realizar veladuras y crear colores compuestos. Permite también
realizar composiciones con una mayor minuciosidad, de la que hacen gala todos los pintores
flamencos, se deduce por esto el interés que se presta a todo, ya sea un rasgo humano o una
planta, lo que dota a la pintura de esta escuela de un evidente realismo, aunque todavía impregnada
de elementos simbólicos de origen medieval. La pintura flamenca sufre una evolución a lo largo de
todo este siglo, distinguiéndose distintas épocas, la de los iniciadores que son los primitivos
flamencos; los que trabajan en el segundo tercio del siglo XV concretando el estilo, y los que a
Figura 40: Maestro del díptico de Wilton, h. 1395 o más tarde.
37
finales del siglo insisten en algún aspecto estilístico. Los autores más importantes son Jan Van Eick
y Roger Van der Weyden, que serán objeto de un estudio más amplio, por lo que se habrán de
conocer sus principales obras y características estilísticas.
En España el estilo hispano-flamenco tuvo un gran desarrollo, con gran cantidad de
maestros y de obras. Se introduce por la escuela catalana a mediados del siglo XV, pero en pocos
años se difunde por el resto de las escuelas como son la valenciana, Baleares, Córdoba y Castilla.
Jan Van Eick (o Johannes de Eyck, Maaseik cerca de Mastrique, 1390–Brujas, antes del 9
de julio de 1441)
Fue un pintor flamenco que trabajó en Brujas. Está considerado uno de los mejores pintores
del Norte de Europa del siglo XV y el más célebre de los Primitivos Flamencos. Robert Campin, que
trabajó en Tournai y los hermanos Van Eyck en Flandes, fueron las figuras de transición desde
el gótico internacional hasta la escuela flamenca. El estilo flamenco que se dio en los Países
Bajos en el siglo XV se ha considerado tradicionalmente como la última fase de la pintura gótica.
Otra corriente lo enmarca en lo que se ha dado en llamar Prerrenacimiento. A este estilo pictórico
del gótico tardío en el siglo XV, que anuncia el Renacimiento Nórdico de Europa, también se le
llama Ars nova.
i
Roger Van der Weyden
También conocido como Rogier de la Pasture (Tournai, hacia 1399/1400 – Bruselas, 18 de
junio de 1464) fue un pintor primitivo flamenco. Formado en el taller de Robert Campin, en 1435 fue
nombrado pintor de la ciudad de Bruselas. Aunque fue artista de mucho prestigio en su tiempo y de
los más influyentes, no se conocen pinturas firmadas ni existe documentación precisa sobre
contratos o recibos de pago que permitan asignarle con entera certeza ninguna obra. Las
Figura 41: La Virgen En Una Iglesia.
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atribuciones se han hecho tomando como punto de partida tres tablas (Tríptico de
Miraflores, Descendimiento del Museo del Prado y Calvario del Monasterio de El Escorial)
relacionadas de antiguo con Van der Weyden y de las que se puede seguir el rastro hasta los siglos
XV o XVI.
Entre las obras atribuidas, junto con pinturas religiosas y de devoción, a menudo
formando trípticos que en algún caso alcanzan grandes dimensiones, se encuentran retratos de
personajes de la corte de Borgoña, que con frecuencia se presentan también como retratos de
devoción en forma de dípticos, y una miniatura, la que sirve de frontispicio de las Chroniques de
Hainaut de Jean Wauquelin, cercana a algunos pequeños trabajos sobre tabla como la Virgen
entronizada del Museo Thyssen-Bornemisza o el San Jorge y el dragón de la National Gallery of Art.
Además, pudo proporcionar los dibujos empleados en la ejecución de retablos esculpidos en
madera, como el de la iglesia de la Asunción de Laredo, o en bordados y tapices como el de la
historia deJefté.
Capaz de crear apariencia de vida gracias a la extraordinaria minuciosidad con que aborda
los detalles menudos, como las lágrimas que escurren por las mejillas, la sombra de las barbas o los
bordados de un tejido, Van der Weyden rompe los límites entre lo real y lo esculpido al situar con
frecuencia a sus figuras en espacios inverosímiles o irreales, con escalas contrarias a la lógica y, sin
embargo, intensamente emotivas y de gran fuerza estética por la armonía de sus líneas.
La Pintura Renacentista
El término renacimiento describe la revolución cultural de los siglos XV y XVI originada en
Italia por el despertar del interés hacia la cultura clásica y por una fuerte confianza en el
individualismo. Se seguía rindiendo culto a los logros de la antigüedad, pero al mismo tiempo se
Figura 42: La virgen con el niño.
39
producía una reactivación intelectual y cultural. Las iglesias y edificios seglares de Italia y los
museos de todo el mundo ofrecen una gran recopilación de la pintura renacentista italiana.
El desarrollo de los principios de la perspectiva lineal, llevado a cabo por varios arquitectos y
escultores a principios del siglo XV, permitió a los pintores conseguir, por medio de la representación
bidimensional, la ilusión del espacio tridimensional. Muchos de los artistas se valieron
del empleo dramático de la perspectiva y del escorzo en su dibujo para producir la ilusión de la
prolongación de un objeto o figura en el espacio. La exploración de la anatomía condujo a un mayor
entendimiento de la representación de la forma humana. También se empezaba a utilizar la pintura
al óleo, desafiando a la antigua supremacía del temple y del fresco. Los pintores que explotaban el
potencial de la nueva técnica trabajaban superponiendo estratos de veladuras de óleo transparentes
y los lienzos sustituyeron a las antiguas tablas. Algo más tarde, otros artistas, destacaron por los
tonos cálidos de sus óleos.
El artista que se considera el antecesor del Renacimiento fue Giotto, el cual comenzó a dotar
de tridimensionalidad a sus figuras. Manejó de forma magnífica las sombras, los pliegues de las
ropas y las expresiones faciales, además que sus cuadros transmiten las diversas emociones que
manifiestan.
Un poco antes del Renacimiento y después de Giotto, hubo un estilo que actualmente se
denomina proto-Renacimiento. Aquí destacaron algunos pintores que comenzaron a cambiar el
estilo que había, y aunque no representan el Renacimiento tal y como es, sus pinturas generan una
idea muy cercana a lo que sería en pocas décadas. Sus representantes son:
Duccio di Boninsegna (1255-1319)
Fue probablemente el artista más influyente de Siena, Italia, de su tiempo. Se le considera
como uno de los más influyentes en la formación del estilo gótico internacional. Primer pintor
destacado de la escuela sienesa, fue también inspirador de otros miembros de la misma. Su
producción segura, no muy abundante, incluye la Madonna Rucellai (1285) en Santa Maria
Novella (ahora en los Uffizi,Florencia), y la Maestà (1308-1311) para la catedral de Siena,
considerada como su obra maestra.
Originalmente se llevaba en procesión por las calles de la ciudad. Significó un importante
paso adelante en el estilo pictórico y en la narración de historias a través de arte visual. Esta gran
obra, formada por múltiples imágenes, fue desmembrada en siglos posteriores y sus escenas
40
menores se dispersaron por varios países. Otras en el Reino Unido, tanto en la National Gallery de
Londres como en Hampton Court (Royal Collection de Isabel II). El único ejemplo de Duccio
en España es la tabla Cristo y la samaritana (Museo Thyssen-Bornemisza), que formó parte de
la Maestà de Siena.
Simone Martini (Siena, Italia 1284 - Aviñón, Francia 1344)
Fue uno de los grandes pintores del Trecento en Italia. Fue una figura principal en el
desarrollo de la primitiva pintura italiana e influyó fuertemente en el desarrollo del estilo gótico
internacional. Se enmarca en la escuela sienesa.
Fue el más reputado maestro entre los pintores del Trecento en el dominio del color.
Elementos esenciales de su estética son su gusto por la línea y la caligrafía admirable de
los miniaturistas de la Escuela de miniaturistas de París.
La pintura fue el arte favorito de la ciudad de Siena, cuya escuela de pintores rivalizaba con
la de Florencia. Durante los primeros años del siglo XIV, mediante una manera de pintar inspirada en
los modelos y la técnica de la maniera greca, diferenciada, por tanto, de Giotto y la escuela
florentina, los pintores de Siena lograron formular también el tema del espacio pictórico. El estilo de
la escuela sienesa y de Simone Martini se manifestó en el amaneramiento y la estilización de las
figuras, así como en el uso de los fondos ornamentales dorados y de una gama de color subjetiva
que proporcionan una notable expresividad lírica a las composiciones. Las principales obras de
Simone incluyen la Maestà (1315) en el Palacio Comunal en Siena, San Luis de Tolosa coronando a
Roberto de Anjou, rey de Nápoles del Museo de Capodimonte en Nápoles (1317), el Políptico de S.
Caterina en Pisa (1319) y la Anunciación entre los santos Ansano y Margarita en
Figura 43: La Madonna Rucellai. Obra para la iglesia de santa María de Novella. Florencia. 1285
41
los Uffizide Florencia (1333), así como frescos en la Capilla de San Martín en la iglesia inferior de
la Basílica de San Francisco de Asís.
Pietro Lorenzetti (1280-1348)
Fue un pintor italiano de estilo ítalo-gótico, activo aproximadamente entre 1306 y 1345.
Nació y murió en Siena. Su formación debió completarse con Duccio di Buoninsegna, para proseguir
después en el gran taller de la Basílica de San Francisco de Asís, con Giotto y Simone Martini; esto
lo llevó a desarrollar un lenguaje figurativo autónomo que sintetizaba el arte sienés con el lenguaje
de Giotto. Sus principales influencias fueron Giovanni Pisano y Giotto.
Muchas de sus obras religiosas están en iglesias de Siena, Arezzo, y Asís.
Lorenzetti pintó en Asís y después se trasladó a Siena, donde en 1329 pintó la gran Pala del
Carmine. De esta obra es interesante citar la Fuente del profeta Elías, que forma parte de la
pararela, en la cual se encuentra un carmelita que coge agua con una jarra. La sensibilidad del pintor
por la cualidad matérica de los elementos naturales y por los relativos efectos óptico queda evidente
en el encresparse de la superficie del agua de la vasija por salpicar el agua y en los reflejos en las
copas de vidrio apoyadas al borde de la fuente.
Siempre en Siena, junto a su hermano Ambrogio, ejecutó en el año 1335 los frescos hoy
perdidos de la fachada del Ospedale di Santa Maria alla Scala. De 1335 a 1342 trabajó en
la catedral de Siena, donde pintó la Natividad de la Virgen. Esta es la última obra documentada de
Pietro Lorenzetti, del cual no se tienen noticias posteriores al año 1347: es probable que muriese
durante la peste del1348.
Figura 44: El sueño de san Martín, 1322.
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Ambrogio Lorenzetti (1290-1325)
Fue un pintor italiano de la escuela de Siena, nacido probablemente en 1290. Era el
hermano menor de Pietro Lorenzetti, también pintor reconocido. Su máxima actividad se desarrolló
entre los años 1317 y 1348, cuando murió, probablemente a causa de la Peste Negra, lo mismo que
su hermano.
Se formó en el taller de Duccio di Buoninsegna. La obra conocida más antigua que se le
conoce es una «Madonna con niño» de 1319 que se encuentra en el Museo Diocesano de San
Cascianco y desde allí se trasladó a Florencia donde ingresó en la cofradía de los médicos y
especieros, que en esa época correspondía también a los pintores. Su estilo, influido por el de su
amigo Simone Martini, el pintor más apreciado en su época pero más naturalista, debido a la
influencia de su maestro Duccio, era poco comprendido, por lo que sus comienzos no fueron muy
exitosos. Hasta que recomendado por el propio Simone Martini, pudo trabajar para los papas
franceses durante el Papado de Aviñón.
Cuando volvió a Siena, trabajó en los frescos de su Palazzo Pubblico o ayuntamiento (siglo
XIV), en un ciclo narrativo de tema civil y político. La obra, realizada entre 1338 y 1340, en tres de
los muros de la denominada «Sala dei Nove» (Salón de los Nueve), es una de las obras maestras
del Prerrenacimiento. Se trata del primer conjunto pictórico medieval en el que se desarrolla un tema
civil, con un claro programa propagandístico (el de los nueve gobernantes de la ciudad), en una serie
de ambientes con paisajes tanto rurales como urbanos, dando como resultado una obra de absoluta
novedad en el panorama artístico de la época. En una de las paredes se encontraba la “Alegoría del
Figura 45: Cristo entrando en Jerusalén (1320-1330), fresco de Pietro Lorenzetti para la basílica inferior de
San Francisco, Asís.
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buen gobierno», en otra la obra titulada «Efectos del buen gobierno en la ciudad y el estado», siendo
la tercera la «Alegoría del mal gobierno».
Estos artistas serían los antecesores de los que compondrían el Primer Renacimiento
denominado Quattrocento precisamente porque se realizó en el siglo XV.
El Primer Renacimiento o Quattrocento
Los primeros representantes del Primer Renacimiento en la pintura fueron:
Tommaso di ser Giovanni di Mone Cassai llamado Masaccio (1401 – 1428)
Fue un pintor cuatrocentista italiano. A pesar de la brevedad de su vida, su obra tuvo una
importancia decisiva en la historia de la pintura: generalmente se considera que fue el primero en
aplicar a la pintura las leyes de la perspectiva científica, desarrolladas por Brunelleschi.
Nació en Castel San Giovanni, hoy San Giovanni Valdarno, el 21 de diciembre de 1401, hijo
del notario Giovanni di Mone Cassai y de su esposa Jacopa di Martinozzo. El apellido Cassai
procede del nombre de la actividad a que se dedicaba la familia paterna de Masaccio: eran
ebanistas. En 1406, coincidiendo con el nacimiento del segundo hijo del matrimonio, Giovanni,que
recibiría luego el sobrenombre de «el Scheggia», muere el padre. La madre volvió a contraer
matrimonio con el mercader de especias Tedesco di Mastro Feo, también viudo, y con dos hijas, que
murió el 7 de agosto de 1417.
Masaccio se trasladó a Florencia entre 1417 y 1421, tal vez a causa de la muerte de su
padrastro. Existen documentos que demuestran que la madre de Masaccio alquiló una casa en esta
ciudad, en el barrio de San Niccolò Oltrarno, seguramente como vivienda para su hijo, ya que ella
continuó viviendo en casa de su difunto marido. Es posible que el joven artista comenzara su
Figura 46: Madonna con niño, de 1319.
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andadura en Florencia en el taller de Bicci di Lorenzo o en el de algún otro. El 7 de enero de 1422 se
inscribió en el Arte (gremio) de médicos y especieros, lo cual indica que ejercía ya como pintor
autónomo en la ciudad del Arno.
Su primera obra segura es el tríptico para San Juvenal de Casia, que lleva la fecha, en la
tabla central, de 23 de abril de 1422. Es posible, según da a entender Vasari, que en 1423 Masaccio
realizase un viaje a Roma, con motivo del jubileo. En 1424 se inscribió en la Compañía de San
Lucas de Florencia. Posiblemente este año o en 1425 comenzó a colaborar con Masolino en los
frescos de la capilla Brancacci de la iglesia deSanta María del Carmine de dicha ciudad. En febrero
de 1426 empezó el Políptico de Pisa, trabajo que le ocuparía durante casi todo el año.
En 1428 se trasladó a Roma, invitado por el cardenal Brando da Castiglione para decorar la
capilla de San Clemente en la iglesia homónima. En Roma trabajó en el Políptico de Santa María
Mayor, del cual se conservan los «Santos Jerónimo y Juan Bautista» (actualmente en la National
Gallery de Londres). Murió en Roma en otoño de 1428, cuando contaba sólo veintisiete años de
edad. Algunas fuentes antiguas mencionan el rumor de que fue envenenado.
Fra Angelico (1387-1455)
Beato Angélico O.P. más conocido como Fra Angélico O.P. o Fray Juan de Fiésole
O.P, pintor cuatrocentista italiano que supo combinar la vida de fraile dominico con la de pintor
consumado. Fue llamado Angélico por su temática religiosa, la serenidad de sus obras y porque era
un hombre de extraordinaria devoción. Fue beatificado por Juan Pablo II en 1982 pasando a ser el
"Beato Fra Angélico". Su nombre secular era Guido di Pietro da Mugello y nació en Vicchio (región
de Toscana). En 1418 ingresó en un convento dominico en Fiesole y alrededor de 1425 se convirtió
en fraile de la orden con el nombre de Giovanni da Fiesole. Aunque se desconoce quién fue su
Figura 47: El Tributo.
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maestro, se cree que comenzó su carrera artística como iluminador de misales y otros libros
religiosos. Después empezó a pintar retablos y tablas.
Entre las obras importantes de sus comienzos se cuentan: la Madonna de la
estrella (c.1428-1433, San Marcos, Florencia) y Cristo en la gloria rodeado de santos y de
ángeles(National Gallery, Londres), donde aparecen pintadas más de 250 figuras diferentes.
También a ese periodo pertenecen dos obras tituladas La coronación de la Virgen (San Marcos
y Museo del Louvre, París) y El juicio universal (San Marcos). La madurez de su estilo se aprecia por
primera vez en la Madonna dei Linaioli (1433, San Marcos), en donde pinta una serie de doce
ángeles tocando instrumentos musicales.
En 1436, los dominicos de Fiesole se trasladaron al convento de San Marcos de Florencia
que acababa de ser reconstruido por Michelozzo. Fra Angélico, sirviéndose a veces de ayudantes,
pintó numerosos frescos en el claustro, la sala capitular y las entradas a las veinte celdas de los
frailes de los corredores superiores. Los más impresionantes son: La crucifixión, Cristo
peregrino y La transfiguración. El retablo que hizo para San Marcos (1439) es una de las primeras
representaciones de lo que se conoce como sacra conversación: la Virgen acompañada de ángeles
y santos que parecen compartir un espacio común. Allí pintó una Anunciación.
En 1445, Fra Angélico fue llamado a Roma por el papa Eugenio IV para pintar unos frescos
en la capilla del Sacramento del Vaticano, hoy desaparecida. En 1447, pintó los frescos de
la catedral de Orvieto junto con su discípulo Benozzo Gozzoli. Sus últimas obras importantes, los
frescos realizados en el Vaticano para decorar la capilla del papa Nicolás V, representan episodios
de las vidas de san Lorenzo y de san Esteban (1447-1449), y probablemente hayan sido pintados
por ayudantes a partir de diseños del maestro. Desde 1449 hasta 1452, Fra Angélico fue el prior de
su convento de Fiesole. Murió en un convento dominico de Roma el 18 de febrero de 1455.
En sus obras Fra Angélico combinó la elegancia decorativa del gótico, en particular
del gótico internacional de Gentile da Fabriano, con el estilo más realista de otros maestros del
renacimiento como el pintor Masaccio y los escultores Ghiberti y Donatello, que trabajaban en
Florencia, y aplicó también las teorías sobre la perspectiva de León Battista Alberti. Las expresiones
de devoción en los rostros son muy logradas, así como la utilización del color que consigue dar
mayor intensidad emotiva a la obra.
Su maestría en la creación de figuras monumentales, en la representación del movimiento y
en la capacidad para crear planos de profundidad a través de la perspectiva lineal, especialmente en
46
los frescos realizados en Roma, lo confirman como uno de los pintores más importantes del primer
Renacimiento.
En el Museo del Prado de Madrid se conserva una de sus obras más representativas: La
Anunciación (1430-1432), realizada para el convento domenico de Fiesole. El Museo Thyssen-
Bornemisza posee La Virgen de la humildad, depositada en el MNAC de Barcelona. Los duques de
Alba poseen en el Palacio de Liria otra obra de Fra Angélico, La Virgen de la granada, adquirida por
un antepasado suyo en Florencia hacia 1816.
Paolo Uccello Di Bono (1397-1475)
Fue un pintor cuatrocentista y matemático italiano que destacó por su obra pionera en
la perspectiva visual en el arte. Su rasgo más distintivo es el interés casi obsesivo, por la
construcción en perspectiva. Esta característica, junto con la adhesión al clima fabuloso del gótico
internacional, hace de Paolo Uccello una figura de límites entre dos mundos figurativos, siguiendo un
curso artístico entre los más autónomos del Quattrocento. Usó la perspectiva para crear la sensación
de profundidad en sus pinturas y no, como sus contemporáneos, para narrar historias diferentes o
que se suceden en el tiempo. Sus obras más conocidas son las tres pinturas que representan la
batalla de San Romano (durante largo tiempo a estas tres pinturas se les llamó, equivocadamente, la
"Batalla de Sant' Egidio de 1416").
Paolo trabajó en la tradición gótica tardía, y enfatizaba el color y el boato más que el
realismo clásico que otros artistas estaban promoviendo. Su estilo se describe mejor como
idiosincrásico, y no dejó ninguna escuela de seguidores. Tuvo cierta influencia en el arte del siglo XX
(incluyendo el pintor neozelandés Melvin Day) y la crítica literaria (esto es, en las "Vies imaginaires"
por Marcel Schwob, "Uccello le poil" por Antonin Artaud y "O Mundo Como Ideia" de Bruno
Tolentino).
Figura 48: La Adoración del Niño Jesús.
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Fray Filippo di Tommaso Lippi (1406-1469)
También conocido como Lippo Lippi, fue un pintor cuatrocentista italiano. Sobresalió por la
originalidad del paisaje y la elegancia nerviosa en el dibujo, que influyó decisivamente en Botticelli.
Influido por Masaccio, este pintor del Quattrocento fue el discípulo más directo, Fra Filippo
Lippi dio a los temas tradicionales una nueva intensidad, en especial por su concepción del espacio,
utiliza paisajes en lugar de fondos planos, a fin de contrastar figuras, y por su búsqueda de los
efectos de color, lo que lo hace uno de los mejores expertos coloristas de esa época. Sobresale por
la originalidad del paisaje y la elegancia nerviosa en el dibujo, que influyó decisivamente en Botticelli,
destacándose su valoración por el movimiento y el gusto por lo anecdótico. Como naturalista, tiene
un realismo menos vulgar que el de algunos de sus contemporáneos, con animaciones genuinas
que incluyen incidentes semi-humorísticos y personajes menores. Trata frecuentemente temas
religiosos, siendo su mayor aportación a la pintura quattrocentista florentina un mayor acento
profano respecto a las obras de Masaccio o Fra Angelico que le sirvieron de inspiración, puesto que
enfoca el arte religioso desde su lado humano. Su carrera estuvo en continuo desarrollo, sin grandes
variaciones en estilo o color.
Figura 49: Detalle de La caza, de Paolo Uccello. (Museo Ashmolean)
Figura 50: Virgen con Niño y dos ángeles,
1445 (Uffizi de Florencia).
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Los pintores antes mencionados surgieron al mismo tiempo que una nueva técnica
revolucionaria en la pintura que llegaría para quedarse: el óleo. El antecedente de este era el temple,
el cual estaba elaborado por el pigmento y huevo.
El estilo de estos artistas comenzó a ser distinto al gótico donde se comenzó a colocar a las
figuras en espacios perspectivos y las proporciones humanas volvieron a normalizarse. Se
perfeccionó la tridimensionalidad y se formaron las bases del estilo renacentista. A estos genios en
la pintura les seguiría una nueva generación de pintores los cuales llevarían el Renacimiento hacia
su plenitud.
Esta generación conformada por:
Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi, apodado Sandro Botticelli
Nació en Florencia, el 1 de marzo de 14451 y murió en Florencia, 17 de mayo de 1510. Fue
un pintor del Quattrocento italiano. Menos de cien años después, esta etapa, bajo el mecenazgo
de Lorenzo de Médici, fue considerada por Giorgio Vasari como una «edad de oro», un pensamiento
que convenientemente encabezaba su Vita de Botticelli. La reputación póstuma del artista
disminuyó, siendo recuperada a finales del siglo XIX; desde entonces, su obra se ha considerado
representativa de la gracia lineal de la pintura del primer Renacimiento, y El nacimiento de
Venus y La primavera son, actualmente, dos de las obras maestras florentinas más conocidas.
Domenico Ghirlandaio
Domenico Bigordi o Domenico Curradi, más conocido por el apodo Ghirlandaio Nacio en
Florencia en 1449 y murió el 11 de enero de 1494. Fue un pintor cuatrocentista italiano. Entre los
muchos aprendices que se formaron en su taller, destaca sobre todos ellos Miguel Ángel.
Trabajó sobre todo en su ciudad natal, encontrándose entre los protagonistas
del renacimiento en la época de Lorenzo el Magnífico. Hacia 1480 se convirtió de hecho en el
Figura 51: El Nacimiento de Venus, 1484.
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retratista oficial de la alta sociedad florentina, gracias a su estilo preciso, amable y veloz. Jefe de un
nutrido y eficiente taller, en el que dio sus primeros pasos en el campo del arte un Miguel Ángel de
trece años, es recordado sobre todo por los grandes ciclos de frescos, como son algunas escenas
de la Capilla Sixtina en Roma, la Capilla Sassetti y la Capilla Tornabuoni en su ciudad
natal. Domenico formó parte así de la llamada "tercera generación" del renacimiento en Florencia,
junto a maestros como Verrocchio, los hermanos Pollaiolo y el joven Sandro Botticelli.
Sus hermanos Davide y Benedetto fueron también pintores activos en su taller, así como su
cuñado Sebastiano Mainardi de San Gimignano. También su hijo Ridolfo fue un importante pintor
activo en la Florencia del renacimiento tardío.
El valor artístico del Ghirlandaio puede considerarse superior a todos sus precursores y
contemporáneos, conformando junto con Giotto, Masaccio, Filippo Lippi y Botticelli el elenco de los
más grandes pintores italianos del Renacimiento. Su esquema compositivo es grandioso y
decorativo, como corresponde con la experimentación clásica y contenida del siglo XV.
Su claroscuro, en el sentido de sombreado realista y reflejo de las tres dimensiones, estaba
razonablemente avanzado, como lo era su técnica de la perspectiva, que él dibujaba en una escala
muy elaborada, simplemente a ojo, sin uso de sofisticadas matemáticas. El uso de los colores es
más discutible, pero semejante valoración se aplica menos a los frescos y más a los cuadros a la
tempera, que aparecen a menudo demasiado brillantes, y crudamente iluminadas. Sus frescos eran
ejecutados completamente en fresco que, en terminología artística italiana, se refiere a que se
abstiene de hacer añadidos en temple. Utilizó exclusivamente estas dos técnicas, y nunca la pintura
al óleo.
Figura 52: Adoración de los Magos (1488).
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Andrea Mantegna (1431-1506)
Fue un pintor cuatrocentista italiano. Nació en Isola di Carturo, un burgo en las cercanías
de Padua, pero que en la época pertenecía al condado de Vicenza. A los 10 años comienza a
trabajar en el taller de pintura de Francesco Squarcione en Padua. A los 17 años se independiza,
cansado de que su talento artístico sea apropiado por su mantenedor.
En aquellos momentos Padua hierve como un lugar especialmente propicio para el arte de
Mantegna. Él frecuenta los anticuarios de la ciudad, presta especial atención a la pintura y el arte de
la antigua Roma y va perfilando su propio estilo. Sus primeros trabajos importantes los realiza en la
capilla de San Jacopo y San Cristoforo de los Ovetari (iglesia de los Eremitani de Padua), junto
con Ansuino da Forli, perdidos en su mayor parte tras los bombardeos sobre la ciudad en
la Segunda Guerra Mundial.
En 1453 se casa con Nicolosia Bellini, cuyos hermanos, Giovanni Bellini,Gentile y Niccolò,
son también reconocidos artistas. En 1459, Luis III Gonzaga convence al autor para que se traslade
a Mantua. A partir de este momento trabajará toda su vida para la familia Gonzaga, bajo el
mecenazgo directo de Isabel de Este, marquesa de Mantua y esposa de Francisco II Gonzaga.
Realiza el que, para muchos, es su trabajo más importante: la decoración mural de la «Cámara de
los esposos» en el Palacio Ducal de los Gonzaga donde retrata a toda la familia llevando la
perspectiva (que tan bien ha estudiado) a nuevas fronteras nunca antes vistas, de tal suerte que las
paredes de la habitación parecen haber desaparecido hasta convertirse en escenas de la propia
habitación.
Realizó además, para una capilla del castillo ducal mantuano, un retablo del que forma parte
el Tránsito de la Virgen que se conserva en el Museo del Prado. También antes de cumplir los treinta
años realiza el San Sebastián ahora conservado en Viena y se expande su fama por toda Italia. Tras
una estancia en Roma a las órdenes del Papa Inocencio VIII para restaurar distintas obras, regresa
a Mantua para comenzar (entre 1489 y 1490) la serie de lienzos de Los triunfos del
César (conservada en el palacio de Hampton Court en Gran Bretaña) y Parnaso (1497) encargado
por Isabel de Este (que se conserva en el Museo de Louvre). Posteriormente, con El Cristo muerto,
Mantegna dará la pauta de la pintura de los años siguientes. Su trabajo tiene cierta semejanza con el
de su contemporáneo Melozzo da Forli, seguidor de Ansuino, aunque en concreto, la original
perspectiva utilizada por Mantegna para la figura su Cristo muerto es completamente inusual en la
pintura renacentista.
51
La figura humana clásica será una de sus obsesiones, y reflejará en sus obras cuerpos de
perfectas proporciones, sólidos y de gran expresividad. Donatello será su influencia en este periodo
llamado «pétreo». Los primeros años del siglo XVI estarán claramente influenciados por Mantegna
en toda la pintura italiana.
Piero della Francesca (1415-1492)
Llamado también Pietro Borghese. Nació en Borgo del Santo Sepolcro, en el valle alto del
Tíber, cerca de Arezzo, 14151 y murió en Borgo del Santo Sepolcro el 12 de octubre de 1492. Fue
un pintor italiano del Quattrocento (siglo XV). Actualmente se le aprecia sobre todo como pintor
especialista en frescos, pero en su época fue conocido también como un geómetra y matemático,
maestro de la perspectiva y de la geometría euclidiana, temas en los que se concentró a partir del
año 1470. Su pintura se caracterizó por su estilo sereno y el uso de las formas geométricas,
particularmente en relación con la perspectiva y la luz. Es uno de los principales y fundamentales
personajes del Renacimiento, aunque jamás trabajó para los Médicis y pasó poco tiempo
en Florencia.
Figura 53: La muerte de la Virgen, Museo del Prado. Madrid
Figura 54: Doble retrato de Federico da Montefeltro y su esposa Battista Sforza, 1465-1472
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Piero della Francesca sería la que trabajaría con el estilo más puro del Quatroccento.
Durante este periodo, la novedad fueron los estudios en laperspectiva. A partir de este momento,
varios cuadros experimentaron estudio de perspectiva, como el famoso cuadro dePiero della
Francesca "Vista de una ciudad ideal" en donde se trabaja con la perspectiva central a un punto de
fuga. Otro punto que se puso en práctica fue el escorzo, el cual era una de las técnicas más difíciles.
El Cinqueccento o El Clímax Del Renacimiento
Mientras se encontraba el apogeo de este estilo y estos pintores, ya habían nacido los que
serían los predecesores de este movimiento y crearían la segunda parte del Renacimiento:
el Cinqueccento.
Los 4 máximos exponentes de esta etapa fueron Leonardo Da Vinci, Miguel
Ángel, Rafael y Tiziano, cronológicamente. El estilo y los temas entre estos pintores eran distintos ya
que surgieron en épocas distintas.
Leonardo Da Vinci (1452-1519)
Fue un polímita florentino del Renacimiento italiano. Fue a la vez pintor,
anatomista,arquitecto, artista, botánico, científico, escritor, escultor,filósofo, ingeniero, inventor, músi
co, poeta y urbanista. Nació en Vinci el 15 de abril de 14522 y falleció en Amboise el 2 de
mayo de 1519, a los 67 años, acompañado de su fiel Francesco Melzi, a quien legó sus proyectos,
diseños y pinturas. Tras pasar su infancia en su ciudad natal, Leonardo estudió con el célebre pintor
florentino Andrea de Verrocchio.
Sus primeros trabajos de importancia fueron creados en Milán al servicio del duque Ludovico
Sforza. Trabajó a continuación en Roma, Bolonia y Venecia, y pasó los últimos años de su vida
en Francia, por invitación del rey Francisco I.
Frecuentemente descrito como un arquetipo y símbolo del hombre del Renacimiento, genio
universal, además de filósofo humanista cuya curiosidad infinita solo puede ser equiparable a su
capacidad inventiva, Leonardo da Vinci es considerado como uno de los más grandes pintores de
todos los tiempos y, probablemente, es la persona con el mayor número de talentos en
múltiples disciplinas que jamás ha existido. Como ingeniero e inventor, Leonardo desarrolló ideas
muy adelantadas a su tiempo, tales como el helicóptero, el carro de combate, el submarino y
el automóvil. Muy pocos de sus proyectos llegaron a construirse (entre ellos la máquina para medir
el límite elástico de un cable), puesto que la mayoría no eran realizables durante esa época. Como
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científico, Leonardo da Vinci hizo progresar mucho el conocimiento en las áreas de anatomía, la
ingeniería civil, la óptica y la hidrodinámica.
Su asociación histórica más famosa es la pintura, siendo dos de sus obras más célebres, La
Gioconda y La Última Cena, copiadas y parodiadas en varias ocasiones, al igual que su dibujo
del Hombre de Vitruvio, que llegaría a ser retomado en numerosos trabajos derivados. No obstante,
únicamente se conocen unas veinte de sus obras, debido principalmente a sus constantes (y a
veces desastrosos) experimentos con nuevas técnicas y a su inconstancia crónica. Este reducido
número de creaciones, junto con sus cuadernos que contienen dibujos, diagramas científicos y
reflexiones sobre la naturaleza de la pintura, constituyen un legado para las sucesivas generaciones
de artistas, llegando a ser igualado únicamente por Miguel Ángel.
Da Vinci es considerado uno de los artistas más famosos de la historia, y toda la fama
pública que tiene hoy en día se debe, en gran mayoría, a solo un cuadro que realizó: La Gioconda.
Este científico y artista creó un estilo en donde usaba un efecto para sus pinturas llamado sfumato el
cual consistía en difuminar las sombras de la persona pintada hasta que se confundan con el fondo
oscuro.
Figura 55: La última Cena.
Figura 56: La Mona Lisa
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Miguel Ángel (1475-1564)
Nació 23 años después que Da Vinci en Caprese, 6 de marzo de 1475-Roma, 18 de
febrero de 1564, conocido en español como Miguel Ángel, fue un arquitecto, escultor y pintor italiano
renacentista, considerado uno de los más grandes artistas de la historia tanto por sus esculturas
como por sus pinturas y obra arquitectónica. Desarrolló su labor artística a lo largo de más de
setenta años entre Florencia y Roma, que era donde vivían sus grandes mecenas, la
familia Médici de Florencia y los diferentes papas romanos.
Fue el primer artista occidental del que se publicaron dos biografías en vida: Le vite de' più
eccellenti pittori, scultori e architettori, de Giorgio Vasari, publicada en 1550 en su primera edición,
en la cual fue el único artista vivo incluido, y Vita de Michelangelo Buonarroti, escrita en 1553 por
Ascanio Condivi, pintor y discípulo de Miguel Ángel, que recoge los datos facilitados por el mismo
Buonarroti. Fue muy admirado por sus contemporáneos, que le llamaban el Divino.
Es considerado el representante más puro del Renacimiento y el más completo, dado que
fue pintor, escultor, arquitecto y hasta poeta. Tanto sus obras en la escultura (La Piedad y El David)
como en la pintura (la bóveda de la Capilla Sixtina y el Juicio Final) son de las mejores obras no solo
del Renacimiento sino de la historia. Sus obras reflejan la terribilità, una fuerza dramática y enérgica
que desprenden.
Triunfó en todas las artes en las que trabajó, caracterizándose por su perfeccionismo. A La
escultura, según había declarado, era su predilecta y la primera a la que se dedicó; a continuación,
la pintura, casi como una imposición por parte del papa Julio II, y que se concretó en una obra
excepcional que magnifica la bóveda de la Capilla Sixtina; y ya en sus últimos años, realizó
proyectos arquitectónicos.
Figura 57: Vista de Florencia, según un grabado del Liber chronicarum (1493), en los primeros años de Miguel Ángel.
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Raffaello Sanzio
Nació en Urbino el 6 de abril de 1483 y murió en Roma, 7 de abril de 15201, también
conocido como Rafael de Urbino o simplemente, como Rafael.
Fue un pintor y arquitecto italiano del Alto Renacimiento. Además de su labor pictórica, que
sería admirada e imitada durante siglos, realizó importantes aportes en la arquitectura y, como
inspector de antigüedades, se interesó en el estudio y conservación de los vestigios grecorromanos.
Hijo de un pintor de modesta relevancia, fue considerado un niño prodigio por su precoz
habilidad y al quedar huérfano se formó en los talleres de varios artistas de prestigio. A los 25 años
obtuvo su primer encargo oficial, la decoración de las Estancias Vaticanas, donde pintó algunos
frescos como La escuela de Atenas, considerado una de sus obras cumbre. Es célebre por la
perfección y gracia de sus artes visuales, destacando en trabajos de pintura y dibujo artístico. Junto
con Miguel Ángel y Leonardo da Vinci forma el trío de los grandes maestros del período.
Nació en Viernes Santo y falleció en esta misma festividad el día que cumplió 37 años. Fue
un artista muy productivo, en parte gracias a que dirigió un taller conformado por numerosos
colaboradores y, a pesar de su muerte prematura, dejó una extensa obra que en gran parte aún se
conserva. La mayor parte de su trabajo está alojado en los Museos Vaticanos, ya que decoró con
frescos las habitaciones conocidas como las Estancias de Rafael, el principal encargo de su carrera,
que quedó sin terminar a causa de su muerte y fue completado por ayudantes.
Después de sus años de juventud en Roma, gran parte de su obra, a pesar de haber sido
diseñada por él, fue ejecutada por su taller, con una considerable pérdida de calidad. Ejerció gran
influencia en su época; aunque fuera de Roma su obra fue conocida sobre todo a través de la
producción que hicieron los talleres de grabado que colaboraban con él. Después de su muerte, la
influencia de su principal rival, Miguel Ángel, se intensificó hasta los siglos XVIII y XIX, cuando las
cualidades más serenas y armoniosas de Rafael, fueron consideradas de nuevo como un modelo
superior.
Su carrera se dividió de manera natural en tres fases y tres estilos, descritos así por Giorgio
Vasari: sus primeros años en Umbría, el periodo posterior de cuatro años en Florencia (1504-1508),
donde absorbió las tradiciones artísticas de la ciudad, y finalmente su último y triunfal período de
doce años en Roma, trabajando para los papas y su corte.
Rafael el cual no llegó a la altura de Da Vinci y Miguel Ángel, entre otras cosas porque murió
a los 37 años, si logró establecerse como uno de los pintores más hábiles. En sus últimas obras
56
demostró una calidad y una maestría gigantescas las cuales pudieron haberlo considerado mejor
que Miguel Ángel de no haber sido por una fiebre que lo mató.
i
Tiziano Vecellio o Vecelli
Conocido tradicionalmente en español como Tiziano o Ticiano, nacio en Pieve di Cadore
entre 1477 y 1490. Murió en Venecia el 27 de agosto de 1576).
Fue un pintor italiano del Renacimiento, uno de los mayores exponentes de la Escuela
veneciana. Reconocido por sus contemporáneos como "el sol entre las estrellas",Tiziano es uno de
los más versátiles pintores italianos, igualmente capacitado para ejecutar retratos, paisajes (dos de
los temas que le lanzaron a la fama), escenas mitológicas o cuadros de temática religiosa. Tuvo una
larga y dilatada carrera, y su obra atravesó muchas y diferentes etapas, en las que su estilo cambió
tan drásticamente que algunos críticos tienen problemas para creer que los cuadros de su primera
etapa y los de las posteriores hayan salido de la misma mano.
En cualquier caso, el conjunto de su obra se caracteriza por el uso del color, vívido y
luminoso, con una pincelada suelta y una delicadeza en las modulaciones cromáticas sin
precedentes en la Historia del Arte occidental.
Tiziano es el menos conocido de los 4 y aunque sus obras ya no demuestran un estilo
renacentista, sino algo más barroco, sus retratos son excelentes. Se dice que en toda su larga vida,
realizó miles de obras y ha sido uno de los artistas más prolíficos en la historia.
Figura 58: La Transfiguración, obra cumbre de Rafael.
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La Pintura Manierista
Es un estilo artístico que predominó en Italia desde el final del Alto Renacimiento (1530) y
duró hasta alrededor del año 1580 en Italia, cuando comenzó a ser reemplazado por un estilo
más barroco, pero el manierismo nórdico persistió hasta principios del siglo XVII por gran parte
de Europa1 hacia el año 1610. Se inició en la Roma de los Papas Julio II y León X, y se difundió por
el resto de Italia y de Europa.
Características
El término “manierismo” proviene de maniera moderna (término que profiere de
la Vitede Vasari), en referencia a aquellas obras que se decían realizadas a la manera de los
grandes maestros del Alto Renacimiento. La imitación de las obras de Leonardo, Rafael y Miguel
Ángel hace que se produzcan imágenes artificiosas. En cierto sentido, la propia grandeza de esas
obras maestras cerraba las vías a la creatividad artística, y a las jóvenes generaciones no les
quedaba sino la imitación. Es un arte propio de la época de crisis, tanto económica como espiritual
en el medio de la Reforma protestante; los diversos problemas se ven simbolizados en el Saco de
Roma en 1527. Los comitentes no son burgueses, sino los aristócratas, mecenas que deseaban
complicadas alegorías cuyo sentido no siempre es claro. Resultaba un estilo inadecuado para el
tema religioso, por lo que en la Contrarreforma se optó por otras formas más apropiadas.
No se intenta representar la realidad de manera naturalista, sino que se hace extraña, un
poco deformada, como un capricho. Los cuadros ya no transmiten el sereno orden y equilibrio
del Alto Renacimiento sino que se inclinan por representaciones anti-clásicas, intrincadas y
complicadas en cuanto a su sentido. Los modelos adoptan posturas complicadas. Se las representa
de manera desproporcionada, elásticas, alargadas. La perspectiva es infinita. El manierismo resulta
Figura 59: la Asunción de la Virgen de Santa María dei Frari.
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refinado y de difícil interpretación, debido tanto a su sofisticación intelectual como a las cualidades
artificiales de la representación. La luz no es natural sino fría y coloreada de manera antinatural, lo
mismo que los colores: son extraños, fríos, artificiales, violentamente enfrentados entre sí, en vez de
apoyarse en gamas.
Se confería más importancia a la complejidad y a la distorsión que a la armonía de las
líneas, al color o a la composición; en el manierismo, hasta las pinturas religiosas resultaban
inquietantes para el espectador. Entre los pintores de este estilo destacan Pontormo, Rosso
Fiorentino, Parmigianino, Tintoretto y Bronzino. El más conocido de los manieristas tardíos es El
Greco, que aunque formado en Italia, se estableció en España. Su manera, intensamente emocional,
de abordar sus temas, confería un fuerte sentido apocalíptico a sus obras, hasta a los paisajes.
La Pintura Barroca
Es la pintura relacionada con el movimiento cultural barroco. El movimiento a menudo se le
identifica con el absolutismo, la Contrarreforma y el renacimiento católico, pero la existencia de
importante arte y arquitectura barrocos en países no absolutistas y protestantes por toda Europa
Occidental evidencian su amplia popularidad.3 La pintura adquirió un papel prioritario dentro de las
manifestaciones artísticas, y llegó a ser la expresión más característica del peso de la religión en los
países católicos y del gusto burgués en los países protestantes.
La mejor y más importante pintura durante el período que comienza alrededor del año 1600
y continúa a lo largo de todo el siglo XVII, y a principios del siglo XVIII se identifica hoy como
pintura barroca. El arte barroco se caracteriza por el realismo, los colores ricos e intensos, y fuertes
luces y sombras. En oposición al arte renacentista, que normalmente mostraba el momento anterior
a ocurrir cualquier acontecimiento, los artistas barrocos elegían el punto más dramático, el momento
Figura 60: El Greco, Bautismo de Cristo.
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en que la acción estaba ocurriendo: Miguel Ángel, que trabajó durante el Alto Renacimiento, muestra
a su David compuesto y quieto antes de luchar contra Goliat; el David barroco de Bernini es captado
en el acto de lanzar la piedra contra el gigante. El arte barroco pretendía evocar la emoción y la
pasión en lugar de la tranquila racionalidad que había sido apreciada durante el Renacimiento.
Entre los más grandes pintores del período barroco se encuentran:
Caravaggio (1571-1610)
(Michelangelo Merisi; Caravaggio, Pintor italiano. Principal figura de la pintura italiana de su
tiempo, aprendió el arte pictórico de un maestro de segunda fila, Simone Peterzano, y sobre todo a
partir del estudio de las obras de algunos artistas venecianos. De 1592 a 1606 trabajó en Roma,
donde no tardó en destacar no sólo por su original enfoque de la obra pictórica, sino también por su
vida irregular, en la que se sucedían lances, peleas y episodios reveladores de su carácter
tempestuoso y su falta de escrúpulos.
De Caravaggio se ha dicho que fue un revolucionario tanto por su vida turbulenta como por
su pintura, en la que planteó una oposición consciente al Renacimiento y al manierismo. Siempre
buscó, ante todo, la intensidad efectista a través de vehementes contrastes de claroscuro que
esculpen las figuras y los objetos, y por medio de una presencia física de vigor incomparable. Al
evitar cualquier vestigio de idealización y hacer del realismo su bandera, pretendió ante todo que
ninguna de sus obras dejara indiferente al espectador. Desde el principio de su estancia romana
rechazó la característica belleza ideal del Renacimiento, basada en normas estrictas, y eligió el
camino de la verdad y el realismo, realizando sus obras mediante copias directas del natural, sin
ningún tipo de preparación previa.
Sus primeras creaciones son fundamentalmente pinturas de género que combinan la figura
humana con escenas de bodegón y naturaleza muerta. Constituye un ejemplo emblemático de esta
primera etapa creativa El tañedor de laúd, donde un joven de belleza feminoide y sensual comparte
protagonismo con frutas, flores y una serie de objetos relacionados con la música. En estas primeras
obras resulta ya evidente el empleo estético de Caravaggio de los juegos de luces y sombras, si bien
el claroscuro sólo sirve aquí como creador de volúmenes y de profundidad, sin añadir a la acción
efectos de dramatismo, como sería habitual en las creaciones posteriores del artista.
A esta época corresponden las dos grandes realizaciones del artista: los retablos de la
capilla Contarelli de San Luigi dei Francesi y de la capilla Ceresi de Santa Maria del Popolo, con La
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vocación de San Mateo y El martirio de San Mateo el primero, y La crucifixión de San Pedro y La
conversión de San Pablo el segundo. Son obras, todas ellas, dominadas por una intensa acción
dramática, muy estudiadas desde el punto de vista compositivo y en las que se obtienen resultados
espléndidos con una gran economía de medios.
En 1606, Caravaggio mató a un hombre en una reyerta y se vio obligado a huir de Roma,
adonde, muy a su pesar, nunca pudo volver. Murió cuatro años después en una playa solitaria,
aquejado de malaria. En esta última época había pintado algunas obras en las que su dramatismo
característico dejaba paso a una gran serenidad.
Rembrandt
Rembrandt Harmenszoon van Rijn (Leiden, 15 de julio de 1606-Ámsterdam, 4 de octubre de 1669),
fue un pintor y grabador holandés. La historia del arte le considera uno de los mayores maestros barrocos de
la pintura y el grabado, siendo con seguridad el artista más importante de la historia de Holanda. Su
aportación a la pintura coincide con lo que los historiadores han dado en llamar la edad de oro holandesa, el
considerado momento cumbre de su cultura, ciencia, comercio, poderío e influencia política.
Habiendo alcanzado el éxito en la juventud, sus últimos años estuvieron marcados por la tragedia
personal y la ruina económica. Sus dibujos y pinturas fueron siempre muy populares, gozando también de
gran predicamento entre los artistas, y durante veinte años se convirtió en el maestro de prácticamente todos
los pintores holandeses. Entre los mayores logros creativos de Rembrandt están los magistrales retratos que
realizó para sus contemporáneos, sus autorretratos y sus ilustraciones de escenas bíblicas. En sus
autorretratos, especialmente, encontramos siempre la mirada humilde y sincera de un artista que trazó en
ellos su propia biografía.
Rembrandt tenía un profundo conocimiento de la iconografía clásica, y en sus pinturas y grabados
solía interpretarla libremente para ajustarla a su propia experiencia. Así, en la representación de una escena
Figura 61: La crucifixión de San Pedro (1601).
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bíblica Rembrandt solía combinar su propio conocimiento del texto con su particular concepto de
la composición clásica y algunas observaciones anecdóticas de la población judía de Ámsterdam. Por
la empatía con que retrató la condición humana, Rembrandt ha sido considerado "uno de los grandes profetas
de la civilización"
Peter Paul Rubens ( 28 de junio de 1577 - 30 de mayo de 1640)
También conocido como Pieter Paul, Pieter Pauwel, Petrus Paulus, y, en español, Pedro
Pablo Rubens, fue un pintor barroco de la escuela flamenca. Su estilo exuberante enfatiza el
dinamismo, el color y la sensualidad. Sus principales influencias procedieron del arte de la Antigua
Grecia, de la Antigua Roma y la pintura renacentista, en especial Leonardo da
Vinci, Tiziano y Miguel Ángel, del que admiraba su representación de la anatomía.
Trató una amplia variedad de temas pictóricos: religiosos, históricos, demitología clásica,
escenas de caza, paisajes, retratos; así como dibujos, ilustraciones para libros y diseños
para tapices (series de La Historia de Decio Mus, La Historia de Constantino, El Triunfo de la
Eucaristía y La Historia de Aquiles). Se conservan aproximadamente mil quinientos cuadros
suyos. Una producción tan elevada fue posible a la extensión de su taller, tanto de integrantes como
de proporción, donde al parecer trabajaban en cadena. Fueron discípulos o ayudantes suyos: Jacob
Jordaens, Gaspar de Crayer, Theodor van Thulden, Erasmus Quellinus el Joven, Cornelis de
Vos y Anton van Dyck, cuyo trabajo fue completar varios encargos para la Corte española
en Madrid. Se conocen hasta hoy casi nueve mil dibujos de mano suya.
Figura 62: La ronda de noche. 1642
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Diego Rodríguez de Silva y Velázquez (6 de junio de 15991 - 6 de agosto de 1660)
Conocido como Diego Velázquez, fue un pintor barroco, considerado uno de los máximos
exponentes de la pintura española y maestro de la pintura universal.
Pasó sus primeros años en Sevilla, donde desarrolló un estilo naturalista de
iluminación tenebrista, por influencia de Caravaggio y sus seguidores. A los 24 años se trasladó
a Madrid, donde fue nombrado pintor del rey Felipe IV y cuatro años después fue ascendido a pintor
de cámara, el cargo más importante entre los pintores de la corte. A esta labor dedicó el resto de su
vida. Su trabajo consistía en pintar retratos del rey y de su familia, así como otros cuadros
destinados a decorar las mansiones reales. Su presencia en la corte le permitió estudiar la colección
real de pintura que, junto con las enseñanzas de su primer viaje a Italia, donde conoció tanto la
pintura antigua como la que se hacía en su tiempo, fueron influencias determinantes para
evolucionar a un estilo de gran luminosidad, con pinceladas rápidas y sueltas. En su madurez, a
partir de 1631, pintó de esta forma grandes obras como La rendición de Breda. En su última década
su estilo se hizo más esquemático y abocetado, alcanzando un dominio extraordinario de la luz. Este
periodo se inauguró con el Retrato del papa Inocencio X, pintado en su segundo viaje a Italia, y a él
pertenecen sus dos últimas obras maestras: Las meninas y Las hilanderas.
Su catálogo consta de unas 120 o 125 obras. El reconocimiento como pintor universal se
produjo tardíamente, hacia 1850.2 Alcanzó su máxima fama entre 1880y 1920, coincidiendo con la
época de los pintores impresionistas franceses, para los que fue un referente. Manet se sintió
maravillado con su obra y le calificó como «pintor de pintores» y «el más grande pintor que jamás ha
existido». La parte fundamental de sus cuadros que integraban la colección real se conserva en el
Museo del Prado en Madrid.
Figura 63: La Adoración de los Reyes Magos. Museo del Prado.
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Nicolas Poussin (15 de junio de 1594 - 19 de noviembre de 1665)
Fue un pintor francés, uno de los más destacados de la escuela clasicista. Poussin fue el
fundador y gran practicante de la pintura clásica francesa del siglo XVII. Su obra simboliza las
virtudes de la claridad, la lógica y el orden. Su influencia en el arte francés llega hasta la actualidad.
Pasó la mayor parte de su vida pintando en Roma, excepto durante un corto período en el
que el cardenal Richelieu le ordenó regresar a Francia como pintor del rey. La mayor parte de sus
obras son pinturas de historia de temas religiosos o mitológicos que a menudo tienen un importante
elemento paisajístico. Hasta el siglo XX permaneció como fuente de inspiración dominante para los
artistas de orientación clásica como Jacques Louis David y Paul Cezanne.
Johannes Vermeer van Delft (31 de octubre de 1632 - 15 de diciembre de 1675)
Llamado por sus contemporáneos Joannis ver Meer o Joannis van der Meer e incluso Jan
ver Meer, es uno de los pintores neerlandeses más reconocidos del arte Barroco. Vivió durante la
llamada Edad de Oro neerlandesa, en la cual las Provincias Unidas de los Países Bajos
experimentaron un extraordinario florecimiento político, económico y cultural.
Figura 64: La túnica de José, (1630).
Figura 65: Et in Arcadia ego o Los pastores de Arcadia (1637-1638). Museo del Louvre(París).
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La obra completa de Vermeer es muy reducida, solamente se conocen 33 a 35 cuadros.
Esto pudo deberse a que pintaba para mecenas, por encargo, más que para el mercado de arte.
Pintó otras obras, hoy perdidas, de las que se tiene conocimiento por antiguas actas de
subastas. Sus primeras obras fueron de tipo histórico, pero alcanzó la fama gracias a su pintura
costumbrista, muchas veces considerada de género, que forma la mayoría de su producción. Sus
cuadros más conocidos son Vista de Delft y La joven de la perla. En vida fue un pintor de éxito
moderado. No tuvo una vida desahogada, quizá debido al escaso número de pinturas que producía,
y a su muerte dejó deudas a su esposa y once hijos.
Prácticamente olvidado durante dos siglos, a partir de mediados del siglo XIX, la pintura de
Vermeer tuvo un amplio reconocimiento. Théophile Thoré-Bürger contribuyó a la consagración de
Vermeer con unos artículos periodísticos muy elogiosos. Actualmente está considerado uno de los
más grandes pintores de los Países Bajos. Es particularmente reconocido por su maestría en el uso
y tratamiento de la luz.
Características De La Pintura Barroca
Se desarrollan nuevos géneros como los bodegones, paisajes, retratos, Vanitas, cuadros de
género o costumbristas, así como se enriquece la iconografía de temas religiosos. Existe una
tendencia y una búsqueda del realismo que se conjuga con lo teatral y lo efectista.
El color, la luz y el movimiento, son los elementos que definen la forma pictórica. El color
predomina sobre la línea. Incluso, los efectos de profundidad, perspectiva y volumen se consiguen
más con los contrastes de luz y de tonalidades del color que con las líneas nítidas y definidas del
dibujo. La luz se convierte en un elemento fundamental en la pintura barroca. La luz dibuja o
Figura 66: Dama con dos caballeros o Muchacha con copa de vino, hacia 1659-1660 (Herzog Anton
Ulrich-Museum, Brunswick).
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difumina los contornos, define también el ambiente, la atmósfera del cuadro, y matiza los colores. La
utilización de la técnica del claroscuro llega a la perfección gracias a muchos pintores del Barroco.
Se pretende transmitir sensación de movimiento. Las composiciones se complican, se
adoptan perspectivas insólitas y los volúmenes se distribuyen de manera asimétrica. Mientras que la
dinámica del espacio, la visión de las escenas en profundidad, la estructuración de las
composiciones mediante diagonales y la distribución de manchas de luz y de color, configuran el
espacio como algo dinámico, donde contornos se diluyen y las figuras pierden relevancia frente a la
unidad de la escena.
Se produce en esta época un dominio absoluto de la técnica pictórica, tanto en la pintura al
óleo sobre lienzo como en la pintura al fresco. Ello permite alcanzar un gran realismo en la
representación pictórica. Se logra la imitación de la realidad teorizada por los renacentistas pero sin
la idealización y concepción propias del siglo anterior.
El dominio de la técnica, que logra representar con gran fidelidad la realidad, hace que se
intente en ocasiones engañar al espectador por medio de trampantojos. El pintor barroco gusta de
perspectivas ilusionistas, especialmente en las Bóveda, que se intentan «romper» visualmente,
mediante la representación del cielo y la sugerencia del infinito, recurso pictórico que ya había
utilizado Mantegna en la Habitación de los esposos del siglo XV, o Correggio en sus frescos
de Parma. Estas decoraciones ilusionistas proliferaron en toda la segunda mitad del siglo y se
prolongaron más allá, en el Rococó, en grandes palacios de toda Europa, reforzando el engaño no
ya sólo con elementos pictóricos sino reforzándolo mediante el uso de estucos y dorados.
La Pintura Rococó
Se desarrolló a lo largo del siglo XVIII por toda Europa partiendo de Francia, cuna de este
estilo de origen aristocrático y se dividió en un principio en dos campos nítidamente diferenciados:
como parte de la producción artística, es un documento visual intimista y despreocupado del modo
de vida y de la concepción del mundo de las élites europeas del siglo XVIII, en tanto también como
una adaptación de elementos constituyentes del estilo a la decoración monumental de las iglesias y
palacios, sirvió como medio de glorificación de la fe y del poder civil.
El estilo Rococó nació en París durante la regencia del duque de Orleáns, en la minoría de
edad de Luis XV, como una reacción de la aristocracia francesa contra el Barroco suntuoso, palacial
y solemnemente practicado en el período de Luis XIV. Se caracterizó por su índole hedonista y
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aristocrática y se manifestó en la delicadeza, elegancia, sensualidad y gracia, y en la preferencia de
temas blandos y sentimentales, donde las líneas curvas, los colores claros y la asimetría jugaban un
papel fundamental en la composición de la obra.
Desde Francia, tuvo un gran un auge y asumió sus características más típicas y donde más
tarde sería reconocido como patrimonio nacional, el Rococó logró difundirse por toda Europa,
alterando significativamente sus propósitos pero manteniendo el modelo francés apenas en su forma
externa, con escuelas importantes en Alemania, Inglaterra, Austria e Italia, con alguna
representación también en otros lugares, como la Península Ibérica, los países eslavos y nórdicos,
llegando incluso hasta el continente americano.
En un principio, la Ilustración comenzó bajo la representación del Barroco; puesto que
durante años, el estilo del clasicismo francés había dominado la creación de obras de los artistas.
Los pintores representaron las costumbres y actitudes de una sociedad en busca de la felicidad, la
alegría de vivir y de los placeres sensuales, los más representativos de esta etapa fueron François
Boucher, Antoine Watteau y Jean-Honoré Fragonard, artistas que mezclaron en sus imágenes y
trabajos loerótico, lo lúdico y lo mundano de las imágenes, así como también lo galante de cada una
de ellas, por este motivo las obras de Boucher, Watteau y Fragonard así como las de sus inmediatos
discípulos y epigonos (cuyo eco llega al neoclasicista Ingres) reciben en su conjunto dentro de la
crítica de arte el nombre de pintura galante especialmente cuando los temas resaltan al desnudo en
ambientes, ámbitos o contextos de riqueza.
A pesar de su valor como obra de arte autónoma, la pintura del Rococó era concebida
muchas veces como parte integrante de un concepto global de decoración de interiores. A mediados
del siglo XVIII, el Rococó comenzó a ser criticado por la nueva corriente neoclásica, la burguesía y la
Ilustración y sobrevivió hasta la Revolución Francesa, cuando este movimiento cayó en descrédito
completo, acusado de ser superficial, frívolo, inmoral y puramente decorativo. A partir de la década
de 1830, volvió a ser calificado y reconocido como testimonio importante de una determinada fase
de la cultura europea y del estilo de vida de un estatus social específico, y como un bien valioso por
su mérito artístico único y propio, dando por consiguiente la planeación de cuestiones acerca de la
estética que más tarde florecieron y se convirtieron en temáticas centrales del arte moderno.
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La Pintura Neoclásica
Es un movimiento pictórico nacido en Roma en la década de 1760 y que se desarrolló en
toda Europa, arraigando especialmente en Francia hasta aproximadamente 1830, en que
el Romanticismo pasó a ser la tendencia pictórica dominante.
El Neoclasicismo se sitúa entre el Rococó y el Romanticismo. Pero en muchas ocasiones, el
tránsito de uno a otro estilo no es fácil, porque tienen rasgos semejantes. Si lo característico del
Neoclasicismo era revivir otra época, en concreto la Antigüedad clásica, realmente no se diferencia
de intentar recrear la Edad Media o la vida en países orientales, pues en ambos casos se recurría a
temas exóticos, ajenos a la realidad de la sociedad en la que el pintor trabaja. En
realidad, clasicismo y Romanticismo son tendencias estilísticas burguesas que reaccionan frente
al aristocrático rococó, y como tal ideología burguesa, aspira tanto al orden y la estabilidad, como a
la libertad que les era negada por el Antiguo Régimen; del mismo modo, es la burguesía la que se
plantea la dialéctica entre la razón, que defiende un sistema político más racional que el del Antiguo
Régimen, y el sentimiento, muchas veces puro sentimentalismo burgués frente a la cínica frialdad e
indiferencia de la aristocracia. En este sentido, el Neoclasicismo representaría la aspiración a un
orden regido por la razón, mientras que el Romanticismo representaría las igualmente burguesas
ideas de libertad en un mundo dominado por el sentimiento individual.
Y ello sin olvidar que en este período neoclásico de 1760-1830 trabajaron artistas
como Goya, Füssli o Blake, que escapan a cualquier clasificación, ensalzando más lo irracional y la
locura que la serenidad a la antigua.
El problema principal que se planteaba a los pintores neoclásicos, a diferencia de lo que ocurría con
los arquitectos o escultores de este estilo, era la escasez de las pinturas clásicas. Se
Figura 67: Jean-Honoré Fragonard. El columpio, 1766. Pintor destacado de este período.
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tomaron modelos de la antigüedad adaptándolos a las necesidades de renovación política,
social, ética y cultural de la época. En consonancia con el racionalismo del momento, el predominio
del dibujo es patente, mientras que la importancia del color queda relegada. A ello también
contribuye la escasez de pintura clásica, por lo que los pintores han de basarse en la escultura
griega y romana. El resultado es que las obras resultan, además de sobrias, algo fríos.
Sin duda el máximo auge de la pintura neoclásica se produce durante la Revolución Francesa y su
máximo exponente será el pintor francés Jacques-Louis David. Francia se convierte así en el centro
artístico de esta época.
La Pintura Romántica
Sucediendo muy de cerca al neoclasicismo, el movimiento romántico introdujo el gusto por lo
medieval y lo misterioso, así como el amor por lo pintoresco y lo sublime de la naturaleza. Se dio
rienda suelta a la imaginación individual y a la expresión de la emoción y del estado de ánimo,
desbancando al enfoque intelectual razonado de los neoclasicistas. En general, los pintores
románticos preferían las técnicas coloristas y pictoricistas al estilo neoclásico, lineal y frío.
En el siglo XIX se producen dos movimientos opuestos en la pintura:
Pintura neoclásica: se basa en la razón.
Pintura romántica: se basa en los sentimientos.
Los primeros años del siglo XIX estuvieron dominados por el neoclasicismo. El cambio se
produjo cuando los filósofos alemanes, empezaron a hablar de lo subjetivo y del sentimiento.
No hay una filosofía del romanticismo definida, ni tampoco cronología exacta. Es una consecuencia
de una nueva sensibilidad y una nueva forma de ver la sociedad donde se aspira a nuevas formas
de expresión y ya se han liberado las estructuras sociales en la que ese nuevo hombre que surge se
asienta.
Figura 68: Jacques-Louis David: El juramento de los Horacios (1784–85).
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Por tanto, el arte romántico surge a consecuencia del giro y del cambio. Nace como un arte
revolucionario, que aspira a conseguir cambios sociales, culturales, políticos, etc.
Los pintores del Romanticismo más importantes son: Teodoro, Gericault y Delacroix.
La Pintura Realista
Hacia mediados del siglo XIX, el pintor francés Gustave Courbet rechazaba tanto el
neoclasicismo como el romanticismo y proclamaba un movimiento individual llamado realismo. No le
interesaba la pintura histórica, ni los retratos de los gobernantes, ni los temas exóticos, pues creía
que el artista debía ser realista y pintar los acontecimientos cotidianos de la gente común. El entorno
elegido para muchos de sus lienzos fue Ornan, su villa natal en el levante francés; allí retrató a
obreros construyendo una carretera, a ciudadanos asistiendo a un funeral, o a hombres sentados
alrededor de la mesa escuchando música y fumando. Aunque no existía ningún movimiento artístico
realista formal, la obra de algunos pintores del siglo XIX presenta tendencias que pudieran ser
identificadas como tales. Honoré Daumier, pintó pequeños lienzos realistas sobre la vida en las
calles de París.
La pintura realista no introdujo grandes novedades en técnicas. Se revalorizaron los grandes
maestros naturalistas del Barroco, especialmente los españoles e italianos. Su mayor innovación fue
en los temas: el mundo del trabajo de los obreros y campesinos. La aparición de la fotografía en
1839 influyó poderosamente en el arte, haciendo ver de otra manera la realidad.
Figura 69: La Libertad guiando al pueblo.
Figura 70: El taller del pintor, de Courbet, cuadro de 1855 que dio origen a la definición del movimiento.
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La Pintura Impresionista
Al volver sus ojos hacia los temas cotidianos, los artistas de mediados del siglo XIX sentaron
un precedente para la siguiente generación de la vanguardia francesa. Edouard Monet fue el
principal innovador de la década de 1860 y su estilo fue precursor del impresionismo. Al igual que
Courbet, Manet encontró muchos de sus temas en la vida que le rodeaba (los parisinos solazándose
en restaurantes, en parques, o paseando en barco). Estas y otras innovaciones, como su pincelada
libre e imprecisa y sus amplios parches de color superpuestos sin transición, hacen que se considere
a Monet el primer pintor moderno.
Movimientos Post-Impresionistas
En la década de 1880, y durante un breve periodo, Pissarro se desvió hacia una nueva
técnica, una ramificación del impresionismo desarrollada por Georges Seurat y conocida como
puntillismo. Seurat y sus seguidores neoimpresionistas transformaron la pincelada suelta, típica del
impresionismo, en puntitos de pigmento puro, superponiendo sobre el lienzo zonas diminutas de
colores complementarios. Las obras tempranas de tres importantes artistas de finales del siglo XIX:
Vincent Willem van Gogh
Nació en Zundert, Países Bajos, el 30 de marzo de 1853 y muere en Auvers-sur-
Oise, Francia, el 29 de julio de 1890.
Fue un pintor neerlandés, uno de los principales exponentes del postimpresionismo. Pintó
unos 900 cuadros (entre ellos 27 autorretratos y 148 acuarelas) y realizó más de 1600 dibujos. Una
figura central en su vida fue su hermano menor Theo, marchante de arte en París, quien le prestó
apoyo financiero de manera continua y desinteresada. La gran amistad entre ellos está
Figura 71: Claude Monet, Impresión: soleil levant, 1872-1873 (París,Museo Marmottan Monet)
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documentada en las numerosas cartas que se intercambiaron desde agosto de 1872. De las 800
cartas que se conservan del pintor, unas 650 eran para Theo, las otras son correspondencia con
amigos y familiares.
Eugène Henri Paul Gauguin
Nace en París el 7 de junio de 1848 y muere en Atuona, Islas Marquesas, el 8
de mayo de 1903.
Fue un pintor posimpresionista que no fue apreciado sino hasta después de su muerte.
Gauguin fue posteriormente reconocido por su uso experimental del color y un estilo sintetista, los
cuales eran bastante distinguibles del impresionismo. Su trabajo fue gran influencia para
los vanguardistas franceses y muchos otros artistas modernos, tales como Pablo Picasso y Henri
Matisse. El arte de Gauguin se volvió popular hasta después de su muerte; parcialmente debido a
los esfuerzos del comerciante de arte Ambroise Vollard, quien organizó exhibiciones de su obra casi
al término de su carrera, así como su asistencia para organizar dos exhibiciones póstumas muy
importantes en París. Muchas de sus obras estaban en la posesión del coleccionista ruso Sergei
Shchukin así como en otras colecciones importantes.
i
Figura 72: Los comedores de patatas (1885).
Figura 73: La Pastora de Ovejas Bretona, 1886.
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Henri Marie Raymond de Toulouse-Lautrec-Monfa
Nace en Albi el 24 de noviembre de 1864 y muere en Château Malromé, Saint-André-du-
Bois el 9 de septiembre de 1901.
Conocido simplemente como Toulouse Lautrec, fue un pintor y cartelista francés que se
destacó por su representación de la vida nocturna parisina de finales del siglo XIX. Se lo enmarca en
la generación del postimpresionismo.
Los pintores antes mencionados denotaban la influencia del impresionismo, pero acabaron por
desarrollar estilos postimpresionistas claramente definidos.
Tanto van Gogh como Pissarro hicieron breves experimentos con la división del color. Sin
embargo, en el estilo desarrollado por van Gogh era típico el empleo del color puro, aplicado muy
denso en pinceladas vacilantes que dotaban a la obra de intensa expresión emocional. Muchos de
sus lienzos, en especial los de cipreses azotados por el viento y los de campos de trigo bajo cielos
tormentosos, expresan su propio estado de ánimo, tal como lo reflejan las fuerzas de la naturaleza.
El estilo de van Gogh ejerció gran influencia sobre los pintores del norte de Europa que, a principios
del siglo XX, desarrollaron el expresionismo.
La obra de su colega Gauguin refleja también distorsiones de línea y de color pero difiere de
la suya en que es más simbólica que expresionista. Las zonas de colores mates fuertes forman
motivos decorativos, con los contornos muy marcados. Gauguin fue la figura central de un nuevo
movimiento conocido como sintetismo o simbolismo, activo durante la década de 1890, cuyos
inmediatos seguidores formaban el grupo de los Nabis.
Otro camino tomó Toulouse-Lautrec, pintor de personas, que elegía a sus modelos entre las
cantantes y bailarinas de cabaret y las prostitutas; estas figuras eran la expresión de la decadencia
social del París de los llamados "Alegres Noventa".
Figura 74: Monsieur Boileau1893
73
Fauvismo
A principios de siglo, los artistas, tanto franceses como alemanes, mostraron su interés por
el arte de las sociedades no-occidentales. Después de investigar las llamadas tradiciones artísticas
primitivas en Bretaña, Gauguin trasladó su búsqueda a los mares del sur. Su modelo de color
decorativo y sus teorías influyeron sobre un grupo posterior de pintores, conocidos como los "fauves"
(fieras), a la cabeza de los cuales estaba Henri Matisse. La utilización subjetiva del color y la
simplificación del dibujo el desinterés por el acabado y sus colores chillones le trajo el desprecio de
la crítica cuando expuso sus paisajes, pintados en Colliure, en el Salón de Otoño de 1906. Allí
también se expuso el Retrato de la Sra. de Matisse, que fue interpretado como una caricatura de la
feminidad y como una excentricidad. El repudio de la crítica convirtió a los fovistas en el grupo más
avanzado de París en ese entonces.
Aunque concebían la actividad artística como un impulso vital, el punto de partida fue la
resolución de problemas puramente plásticos, como el uso del color en una función plástica y
constructiva al mismo tiempo. Para los fauvistas el cuadro debía ser expresión, no composición y
orden. El pintor más destacado de este movimiento fue:
Henri Émile Benoît Matisse
Nace el 31 de diciembre de 1869 y muere el 3 de noviembrede 1954.
Fue un pintor francés conocido por su uso del color y por su uso original y fluido del dibujo.
Como dibujante, grabador, escultor, pero principalmente como pintor, Matisse es reconocido
ampliamente, junto aPablo Picasso como uno de los grandes artistas del siglo XX. Al inicio de su
carrera se le identificó con el fauvismo y para los años 20 ya se había destacado por su maestría en
el lenguaje expresivo del color y del dibujo, la cual desplegó en una inmensa producción que se
extendió por más de medio siglo, y que consagró su reputación como una de las figuras centrales
del arte modernodel siglo XX. Durante su trayectoria supo conjugar en sus obras la influencia de
artistas como Van Gogh o Gauguin, con la de las cerámicas persas, el arte africano o las telas
moriscas.
Figura 75: La Danza 1910
74
La Pintura Expresionista
El expresionismo fue un movimiento cultural surgido en Alemania a principios del siglo XX,
que se plasmó en un gran número de campos: artes plásticas, literatura, música, cine, teatro, danza,
fotografía etc.
Su primera manifestación fue en el terreno de la pintura, coincidiendo en el tiempo con la
aparición del fauvismo francés, hecho que convirtió a ambos movimientos artísticos en los primeros
exponentes de las llamadas “vanguardias históricas”. Más que un estilo con características propias
comunes fue un movimiento heterogéneo, una actitud y una forma de entender el arte que aglutinó a
diversos artistas de tendencias muy diversas y diferente formación y nivel intelectual. Surgido como
reacción al impresionismo, frente al naturalismo y el carácter positivista de este movimiento de
finales del siglo XIX los expresionistas defendían un arte más personal e intuitivo, donde
predominase la visión interior frente a la plasmación de la realidad (la “impresión”).
Suele ser entendido como la deformación de la realidad para expresar de forma más
subjetiva la naturaleza y el ser humano, dando primacía a la expresión de los sentimientos más que
a la descripción objetiva de la realidad. Con sus colores violentos y su temática de soledad y de
miseria, el expresionismo reflejó la amargura que invadió a los círculos artísticos e intelectuales de la
Alemania prebélica, así como de la Primera Guerra Mundial (1914-1918) y del período de
entreguerras (1918-1939).
Figura 76: Fränzi ante una silla
tallada (1910), de Ernst Ludwig
Kirchner.
75
Cubismo
Fue un movimiento artístico desarrollado entre 1907 y 1914, nacido en Francia y
encabezado por Pablo Picasso, Georges Braque, Jean Metzinger,Albert Gleizes, Robert
Delaunay y Juan Gris. Es una tendencia esencial, pues da pie al resto de las vanguardias europeas
del siglo XX. No se trata de unismo más, sino de la ruptura definitiva con la pintura tradicional.
El término cubismo fue acuñado por el crítico francés Louis Vauxcelles, el mismo que
había bautizado a los fauvistas motejándolos de fauves (fieras); en el caso de Braque y sus pinturas
de L'Estaque, Vauxcelles dijo, despectivamente, que era una pintura compuesta por «pequeños
cubos». Se originó así el concepto de «cubismo». El cubismo literario es otra rama que se expresa
con poesías cuya estructura forma figuras o imágenes que ejemplifican el tema, la rima es opcional y
ni tienen una métrica específica ni se organizan en versos.
El principal representante de este movimiento fue:
Pablo Ruiz Picasso
Nació en Málaga, España el 25 de octubre de 1881y muere en Mougins,Francia el 8 de
abril de 1973. Conocido como Pablo Picasso, fue un pintor y escultor español, creador, junto
con Georges Braque y Juan Gris, del cubismo.
Es considerado desde el génesis del siglo XX como uno de los mayores pintores que
participaron en muchos movimientos artísticos que se propagaron por el mundo y ejercieron una
gran influencia en otros grandes artistas de su tiempo. Laborioso y prolífico, pintó más de dos mil
obras, presentes en museos y colecciones de toda Europa y del mundo. Además, abordó otros
géneros como el dibujo, el grabado, la ilustración de libros, laescultura, la cerámica y
el diseño de escenografía y vestuario para montajes teatrales.
Figura 77: Girl before a Mirror. 1932
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La Pintura Abstracta
La Pintura abstracta o abstracción pictórica es el arte abstracto en pintura. La no utilización
de la pintura figurativa(término opuesto al de pintura abstracta) es un fenómeno artístico propio, pero
no generalizable, de lo que estéticamente se define como arte moderno y cronológicamente
como contemporáneo en los siglos XX y XXI.
Histórica y formalmente se ha desarrollado en distintas posibilidades técnicas y
denominaciones estilísticas: la abstracción geométrica (cubismo abstracto -orfismo, rayonismo-
, suprematismo, constructivismo soviético, constructivismo holandés -neoplasticismo, De Stijl-
concretismo), la abstracción cromática (sincromismo), la abstracción lírica, la abstracción sintética,
la abstracción analítica, la abstracción cinética (arte cinético), el surrealismo abstracto,
el informalismo (expresionismo abstracto, abstracción constructiva, tachismo, pintura
matérica, action painting), la abstracción postpictórica (minimalismo,color field, hard edge) y
cualquier otro movimiento derivado, incluyendo los denominados abstracción figurativa y no
figurativa.
Dadaísmo
Es un movimiento cultural y artístico que surgió en 1916 en el Cabaret
Voltaire en Zúrich (Suiza). Fue propuesto por Hugo Ball, escritor de los primeros textos dadaístas;
posteriormente, se unió el rumano Tristan Tzara que llegaría a ser el emblema del Dadaísmo. Una
característica fundamental del Dadaísmo es la oposición al concepto de razón instaurado por
el Positivismo. El Dadaísmo se caracterizó por rebelarse en contra de las convenciones literarias, y
especialmente artísticas, por burlarse del artista burgués y de su arte. Su actividad se extiende a
Figura 78: "En blanco II", óleo sobre
lienzo, 1923.
77
gran variedad de manifestaciones artísticas, desde la poesía a la escultura pasando por la pintura o
la música.
Para los miembros del Dadaísmo, este era un modus vivendi que hacían presente al otro a
través los gestos y actos dadaístas: acciones que pretendían provocar a través de la expresión de la
negación dadaísta. Al cuestionar y retar el canon literario y artístico, el Dadaísmo crea una especie
de antiarte moderno, es una provocación abierta al orden establecido.
Hugo Ball
Nació en Pirmasens, el 22 de febrero de 1886 y muere en Sant’Abbondio el 14 de
septiembre de 1927) fue un autor y poeta alemán, una de las figuras principales del dadaísmo.
La Pintura Surrealista
En 1924 André Bretón presentó un manifiesto dando el nombre de surrealismo al
movimiento que proclamaba la superioridad del inconsciente y el papel de los sueños en la creación
artística. Los surrealistas más importantes fueron Ernst, Salvador Dalí, Joan Miró, René Magritte,
Jean Arp y André Masson. En América Latina destaca el chileno Roberto Matta, que combina el
surrealismo con la abstracción.
Por otra parte, se podría incluir a la mexicana Frida Kahlo dentro de una corriente surrealista
influida por el arte popular.
A partir de la II Guerra Mundial, los artistas de todo el mundo han desempeñado un
importantísimo papel en la creación de nuevos estilos o en el desarrollo de los ya existentes. Entre
ellos se encuentran el expresionismo abstracto, el Op Art y el Pop Art, el foto realismo y el
minimalismo.
El surrealismo penetró la actividad de muchos artistas europeos y americanos en distintas
épocas. Pablo Picasso se alió con el movimiento surrealista en 1925. Se consideran surrealistas las
Figura 79: Cabaret Voltaire, 1916.
78
obras del período Dinard (1928-1930), en que Picasso combina lo monstruoso y lo sublime en la
composición de figuras medio máquinas medio monstruos de aspecto gigantesco y a veces
terrorífico.
Salvador Felipe Jacinto Dalí i Domènech
Nace en Figueras el 11 de mayo de 1904y muere en ibídem el 23 de enero de 1989.
Fue pintor, escultor, grabador, escenógrafo y escritor español. Se le considera uno de los máximos
representantes del surrealismo.
Salvador Dalí es conocido por sus impactantes y oníricas imágenes surrealistas. Sus
habilidades pictóricas se suelen atribuir a la influencia y admiración por el arte renacentista. También
fue un experto dibujante. Los recursos plásticos dalinianos también abordaron el cine, la escultura y
la fotografía, lo cual le condujo a numerosas colaboraciones con otros artistas audiovisuales. Tuvo la
capacidad de acrisolar un estilo genuinamente personal y palpable al primer contacto, que en
realidad era muy ecléctico y que «succionó» de innovaciones ajenas. Una de sus obras más
célebres es La persistencia de la memoria, el famoso cuadro de los «relojes blandos», realizado
en 1931.
Como artista extremadamente imaginativo, manifestó una notable tendencia al narcisismo y
la megalomanía, cuyo objeto era atraer la atención pública. Esta conducta irritaba a quienes
apreciaban su arte y justificaba a sus críticos, que rechazaban sus conductas excéntricas como un
reclamo publicitario ocasionalmente más llamativo que su producción artística. Dalí atribuía su
«amor por todo lo que es dorado y resulta excesivo, su pasión por el lujo y su amor por la moda
oriental» a un autoproclamado «linaje arábigo», que remontaba sus raíces a los tiempos de la
dominación árabe de la península ibérica.
Figura 80: La persistencia de la memoria. 1931
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Expresionismo Abstracto
Es un movimiento pictórico contemporáneo dentro de la abstracción, en concreto, las
tendencias informalistas y matéricas posteriores a la Segunda Guerra Mundial. Surgió en los años
1940 en Estados Unidos y se difundió, décadas después, por todo el mundo. Se considera el primer
movimiento genuinamente estadounidense dentro del arte abstracto, y ejemplo del liderazgo que, en
materia de artes plásticas, asumió Estados Unidos después de la Segunda Guerra Mundial. Por ello
fue directamente financiado por la CIA en el contexto de la Guerra fría.
Pueden señalarse como características formales de este estilo, en primer lugar, su
preferencia por los grandes formatos. Trabajaban normalmente con óleo sobre lienzo.
Generalmente son abstractos en el sentido de que eliminan la figuración. No obstante, hay
excepciones y algunos emplean trazos figurativos, apareciendo figuras reconocibles, como ocurre
con las Mujeres de Willem de Kooning. Las telas presentan un aspecto geométrico que las hace
diferentes de movimientos precedentes, como el surrealismo.
Una de las características principales de los expresionistas abstractos es la concepción de la
superficie de la pintura comoall over (cobertura de la superficie), para significar un campo abierto sin
límites en la superficie del cuadro: el espacio pictórico se trata con frontalidad y no hay jerarquía
entre las distintas partes de la tela.
El cromatismo suele ser muy limitado: blanco y negro, así como los colores
primarios: magenta, amarillo y cian. Los pintores expresionistas que redujeron la obra a
prácticamente un solo color, estaban ya anticipando el arte minimal.
Este tipo de cuadros, con violentos trazos de color en grandes formatos, presenta como
rasgos distintivos la angustia y el conflicto, lo que actualmente se considera que refleja la sociedad
en la que surgieron estas obras.
Se considera como líder de este movimiento a:
Vostanik Manoog Adoyan, mejor conocido como Arshile Gorky Nace el 15 de abril de 1904 y
muere el 21 de julio de 1948), fue un pintor armenio naturalizado estadounidense y exponente
del arte abstracto.
Figura 81: Tracking Down Guiltless Doves. 1936.
80
Op Art y Pop Art
En la década de 1960 se iniciaron nuevos estilos y movimientos. Algunos pintores siguieron
en la senda de la abstracción, como muestra el Op Art. Este se basa en producir ilusiones ópticas
generalmente abstractas, el Pop Art es figurativo, como se aprecia en las divertidas obras de su
creador, el artista inglés Richard Hamilton. Los artistas Pop tomaban sus imágenes de los anuncios,
de las películas, de las tiras cómicas y de los objetos cotidianos.
El Arte Pop fue un movimiento artístico surgido a mediados de los años 1950 en el Reino
unido y finales de los años 1950 en los Estados Unidos. El arte pop desafió la tradición afirmando
que el empleo de imágenes de la cultura popular tomadas de los medios de comunicación es
contiguo con la perspectiva de las Bellas artes dado que el Pop remueve el material de su contexto y
aísla al objeto o lo combina con otros elementos para su contemplación. El concepto del Arte Pop no
hace tanto énfasis al arte en sí, sino a las actitudes que lo conducen.
La mayoría de las obras de este estilo son consideradas incongruentes debido a que las
prácticas conceptuales que generalmente son utilizadas hacen que sean de una difícil comprensión.
Nuevo Realismo
Es un movimiento artístico de pintura fundado en 1960 por el crítico de arte Pierre Restany y
el pintor Yves Klein, durante la primera exposición colectiva en la galería Apollinaire de Milán. El
Nuevo Realismo fue, junto con Fluxus y otros grupos, una de las numerosas tendencias de
la vanguardia de los años 1960.
Figura 82: Muestra de op art y Pop Art.
81
Nuevas Tendencias Abstractas
Después de la intensa subjetividad del expresionismo abstracto, la pintura abstracta se
inclinó hacia una pureza formal más rigurosa e impersonal. La culminación de esta tendencia fue el
minimalismo, en el cual la pintura se reducía a simples formas geométricas, motivos rítmicos o
colores lisos. Fue un movimiento relacionado con el anterior, que evolucionó hacia composiciones
abstractas más complejas y dinámicas.
Bajo la influencia de la máxima de Duchamp, según la cual la pintura debía estar
"al servicio de la mente", el arte conceptual solía consistir en una sola palabra o en una afirmación
teórica.
La Pintura Venezolana
El arte venezolano, como en otras culturas comienza a manifestarse desde tiempos donde la
existencia humana ya era una realidad. En Venezuela, esa manifestación comienza desde el período
precolombino, con pieza autóctonas moldeadas y pintadas de compleja y fina decoración. Piezas
toscas donde predominaban los motivos geométricos y estilizados. Luego poco a poco se fueron
adoptando formas humanas simplificadas de rectangulares o trapezoidales.
Figura 83: Muestra del nuevo realismo
Figura 84: la trampa de la luz. Nicolás Radic
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En el período colonial, desde los primeros tiempos de la conquista, la pintura fue utilizada
como soporte didáctico e instrumentos de evangelización. A partir de allí, comienza el arte
venezolano a ser influenciado por las formas europeas, a través de obras flamencas, italianas y
españolas, que junto a los grabados y a la presencia de numerosos pintores españoles, sirvieron de
instrumento de aprendizaje y difusión de la pintura en el Nuevo Mundo.
Para el siglo XVIII, los primeros talleres locales se inician con obras del estilo plenamente
barroco. A raíz de las guerras de independencia (1810-1824), se introduce en la pintura la escena
del género histórico y el retrato de héroe civil y militar. Sus representantes más emblemáticos son:
Juan Lovera (1778-1841), como uno de los primeros pintores en cambiar el estilo religioso por el
retrato, Martín Tovar y Tovar (1827-1902), artista plástico, basó su pintura en la exaltación de las
batallas acontecidas durante la Guerra de Independencia, Cristóbal Rojas (1857-1890), se le
reconoce como un pintor con un nuevo estilo se enfocó más en la producción de naturalezas y
autorretratos, Herrera Toro (1857-1914), quien se dedicó a evocar las escenas costumbristas del
país; el finisecular Tito Salas (1888-1974), a quien se le reconoce como el último gran representante
de la corriente heroica de la pintura venezolana
No fue sino hasta el siglo XX, cuando en 1912, con la creación del Círculo de Bellas Artes,
un grupo de jóvenes pintores, se opusieron a las enseñanzas académicas y se abrieron a las
corrientes internacionales de la época, como el impresionismo, el postimpresionismo, el cubismo, el
muralismo social y el arte abstracto. La Escuela de Artes Plásticas de Caracas jugó un papel
decisivo para el rumbo que iba a tomar el arte venezolano. El clima de libertad y de apertura al
conocimiento de las corrientes internacionales estimuló la investigación y práctica de conceptos
artísticos cuyo acceso fue posible en gran parte por la abundante información de actualidad que
podía obtenerse a través de diarios y revistas y, sobre todo, a través de la lectura de libros y
monografías que circulaban de mano en mano en aquella época. Hoy en los muesos de Venezuela
se exhiben obras importantes que reflejan la cultura artística de sus autores, sus sentimientos,
pensamientos y opiniones.
83
Martín Tovar y Tovar
Nace en Caracas el 10 de febrero de 1827 y fallece el 17 de diciembre de 1902. Fue uno de
los más importantes pintores venezolanos del siglo XIX, destacando principalmente en los géneros
del retrato y de la pintura histórica.
Hijo de Antonio María Tovar, un oficial español retirado tras haber sido herido de bala
durante la Guerra de Independencia, y de la caraqueña Damiana Tovar Liendo. Sus padres se
residenciaron primero en Puerto Rico, pero poco antes de su nacimiento, regresan a Venezuela.
Recibe sus primeras lecciones de pintura de forma particular por parte de Celestino
Martínez. Luego estudia en la Academia de Dibujo con Antonio José Carranza y en el Colegio de La
Paz con Carmelo Fernández. En 1844 adquiere, en sociedad con Carmelo Fernández, Rafael
Meneses y Pedro Correa, la Litografía de los alemanes Johann Heinrich Müller y Wilhelm Stapler,
con lo cual se convierte en uno de los pioneros venezolanos del arte litográfico.
En 1850 viaja a España y, en Madrid, se matricula en la Academia de San Fernando, donde
cursa estudios con José de Madrazo y Federico de Madrazo y Kunz, entre otros. En 1852 se
traslada a Francia y, en París, estudia en el taller de Léon Cogniet. En 1855 regresa a Venezuela,
pero al año siguiente vuelve a viajar a París con el encargo de copiar cuadros de los mejores artistas
para luego formar un Museo Nacional en Caracas. Los retratos, sin embargo, se convierten en su
principal área de trabajo durante este tiempo. En 1862, participa en la Exposición Universal en
Londres.
Nuevamente en Caracas, en 1851, funda la Fotografía Artística de Martín Tovar y Tovar, a la
cual se asociará poco después José Antonio Salas. De esta forma, Tovar y Tovar se convierte en
uno de los pioneros de la fotografía en Venezuela. En 1867 participa en la Exposición Universal
Internacional de París, en la cual obtiene una medalla de oro. En1869 se convierte en el director de
la Academia de Bellas Artes de Caracas. En 1872 participa en dos importantes exposiciones: en la
Figura 85: Martín Tovar y Tovar (1878). Obra de Antonio Herrera Toro
84
"Primera exposición anual de bellas artes venezolanas" organizada por James Mudie
Spence y Anton Goering en el Café del Ávila (Caracas) y en la "Exposición internacional anual de
obras selectas de bellas artes y arte industrial e inventos científicos" en Londres.
En 1873, Tovar y Tovar firma su primer gran encargo: la realización de 30 retratos de los
próceres de la Independencia y otras personalidades de la vida republicana para el Salón Elíptico
del Palacio Federal Legislativo. El pintor se marcha a París para ejecutar el encargo, el cual
concluye y entrega en 1875. A este trabajo siguen diversas participaciones en diversas muestras
francesas, tales como laExposición Universal Internacional de París (1878) y el Salón de Artistas
Franceses (1881).
En 1881 recibe un nuevo encargo del gobierno de Antonio Guzmán Blanco: La firma del Acta
de la Independencia también para el Salón Elíptico del Palacio Federal Legislativo. La obra es
presentada en 1883 en la Exposición Nacional de Venezuela, por lo cual recibe una medalla de oro.
El éxito obtenido le valen nuevas encomiendas: la representación de las Batallas de Carabobo,
Boyacá, Junín y Ayacucho, así como del Tratado de Coche.
En 1885 parte a Francia para ejecutar en su taller de París las obras encargadas, de las
cuales sólo puede concluir la Batalla de Carabobo (1887), la Batalla de Boyacá (1895), la Batalla de
Junín (1895) y el Tratado de Coche.
En los últimos dos décadas de su vida, Martín Tovar y Tovar se interesó por el género del
paisaje, por lo cual se considera que su obra sirve de enlace entre el paisajismo de los artistas
viajeros y la obra del Círculo de Bellas Artes.
Martín Tovar y Tovar muere en Caracas, el 17 de diciembre de 1902 a la edad de 75 años.
Catálogo de obras:
Retrato de Anita Tovar de Zuloaga, 1858.
Figura 86: Batalla de Carabobo.
85
Retrato del general Manuel Vicente de las Casas, 1861 (Colección Galería de Arte
Nacional, Caracas).
Llaneros de Venezuela, 1862.
Estudio de mulato ebrio, 1862.
Retrato de Soledad de Rojas, 1867.
Retrato de Carlota Blanco de Guzmán, 1867.
La miseria, 1872.
Estudio del natural, 1872.
Retrato de Isaac J. Pardo, 1872.
Retrato de Antonio Guzmán Blanco, 1875 (Palacio Federal Legislativo, Caracas).
Retrato del Coronel Juan José Quintero 1875.
Retrato de Juana Verrué, 1877 (Colección Galería de Arte Nacional, Caracas).
Cabeza de una anciana, 1878.
Tipos italianos, 1883.
El puerto de La Guaira, 1883.
La firma del Acta de la Independencia, 1883 (Palacio Federal Legislativo, Caracas).
Batalla de Carabobo, (1887) (Palacio Federal Legislativo, Caracas).
Vista de Caracas desde Gamboa, 1891.
Batalla de Boyacá, 1895 (Palacio Federal Legislativo, Caracas).
Batalla de Junín, 1895 (Palacio Federal Legislativo, Caracas).
La muerte de Ambrosio Plaza, 1896.
Retrato de Agustín Aveledo, 1896.
Retrato de Santiago Machado, 1896
Retrato de Juan E. Linares, 1896
Retrato de Calixto González, 1896
Retrato de Joaquín Crespo, 1896
Retrato de Jacinta de Crespo, 1896
El Ávila desde Gamboa, 1896
Macuto, 1898
El Tratado de Coche, 1903 (paradero desconocido)
86
Conclusiones
Los fundamentos necesarios que nos permiten definir la pintura son la conciencia que el
artista tiene de su obra, y la conciencia complementaria que de la obra de arte tiene el
contemplador ajeno a la labor creadora.
La pintura está ligada indisolublemente a las necesidades extraartísticas de la sociedad en
cada momento.
En los tiempos prehistóricos la pintura no fue un arte propiamente dicho. Es decir que no
tuvo un afán estético de expresión, sino más bien, era un medio "mágico" para propiciar la
caza. Podemos afirmar esto, ya que las pinturas prehistóricas representan animales, o
figuras humanas en actitudes que pueden ser directamente relacionadas con la necesidad
vital de dar muerte al animal enemigo y nutricio.
Para los egipcios, la pintura era una manera de perpetuar los hechos de los muertos. Por lo
tanto se puede definir que la pintura egipcia funcionó como un arte funerario.
La pintura en Grecia, es un elemento decorativo y secundario.
Roma, es continuadora de Grecia, y por su pintura es posible adivinar el desarrollo logrado
por los griegos.
Durante el románico, es la miniatura la que conserva vigorosamente las esencias pictóricas.
Durante el gótico, la pintura está todavía mediatizada por la arquitectura. La miniatura
alcanza magníficas realizaciones.
Durante el período románico y gótico, el arte del color se acrecienta considerablemente.
El renacimiento significa para la pintura la integración total.
En la época del renacimiento se definen y estructuran los elementos pictóricos tradicionales:
la línea a través del dibujo, la composición; las leyes del color, los tonos afines, opuestos y
complementarios, el valor de la luz, el vigor del claroscuro y la expresividad de las
tonalidades medias y de las gradaciones; la importancia de los fondos; se establece la
separación de los géneros, nacen el paisaje y el retrato en su sentido moderno.
La eclosión impresionista francesa abrió nuevos rumbos, una nueva inquietud que multiplicó
las posibilidades inacabadas del arte: el expresionismo, cubismo, abstraccionismo,...entre
otros.