Fazıl Say b.1970 Four Cities sonata for cello and piano 1 I. Sivas 5.32

2 II. Hopa 4.33

3 III. Ankara 10.01

4 IV. Bodrum 2.37

world-premiere recording

Claude Debussy 1862–1918 Sonata for cello and piano 5 I. Prologue 4.00

6 II. Sérénade 3.01

7 III. Final 3.15

Leoš Janáček 1854–1928 Pohádka (A Tale) 8 I. Con moto 5.15

9 II. Con moto 3.41

10 III. Allegro 2.32

11 Presto 2.34

Dmitri Shostakovich 1906–1975 Sonata, Op.40 for cello and piano 12 I. Allegro non troppo 10.38

13 II. Allegro 3.02

14 III. Largo 7.39

15 IV. Allegro 3.47

72.35

Nicolas Altstaedt cello Fazıl Say piano

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“Four Cities is a plunge into the world of poetry, mysticism, into the history, the secrets and passions of the Orient. I have never been more fascinated exploring the miracles and the stories of people’s daily lives while challenging the limits of my own instrument. The cello is transformed into a flute, a fiddle, a percussion instrument, until it becomes the voice of the people, inviting us to enter a world — one that feels closer to us than ever before, now that we’ve encountered it through its music.” Nicolas Altstaedt

This bracingly eclectic recital opens with Fazıl Say’s Four Cities, a musical celebration of four Turkish locations the composer describes as “full of personal memories”. Originally a BBC commission, it was premiered in June 2012 during the City of London Festival by Nicolas Altstaedt and José Gallardo.

Sivas — a major cultural centre located in Eastern Anatolia and one of the first places where Say performed as a student — is brought hauntingly to life, initially by the song “Sazım” by celebrated poet Aş ık Veysel, named after the saz, a seven-stringed member of the lute family known also as the baǧlama. Say memorably captures the instrument’s melancholic personality during the closing section. Hopa lies on the border with Georgia at the east end of the Black Sea region, and Say plunges us into this colourful locale with a wedding celebration in full swing. The music is propelled irresistibly forward in the style of a Horon, a high-speed folk dance in 7/16 time, whilst emulating the sound of the kemençe, a small, three-stringed bowed instrument activated on the player’s knee. The strains of various folk songs are gleefully thrown into the mix, including the popular Turkish melody “Cilveloy nanayda”.

Say was born and raised as a child in Ankara, which helps explain this movement’s intensely nostalgic mood, especially during the middle section, which features a mournful recollection of “Ankara’nın Taşına Bak”, a protest song dating back to the First World War. Four Cities climaxes in a whirlwind visit to Bodrum, a popular holiday destination referred to colloquially as the “Turkish Saint-Tropez”. We focus our attention on Bar Street, in which all manner of musical styles intermingle, from rock and jazz to pop and swing. In the final section, a fight breaks out and the music is brought to a hurtling conclusion by a pub brawl.

If Four Cities is the music of a young man, gathering his materials together with exuberant imagination, Debussy’s Cello Sonata seeks to distil a lifetime’s experience in its purest essence. The 52-year-old composer was at the height of his powers when in 1914 he discovered he had cancer. An operation left him so debilitated that he composed nothing for over a year, although he continued to make the occasional concert appearance, writing sagely to his publisher Durand: “If I am doomed to vanish soon, I desire at least to have done my duty.”

As time went by, while undergoing radium treatment and wrecked by innumerable morphine injections, Debussy somehow manged to complete three neo-classical chamber sonatas (out of a planned six). He began with a Cello Sonata that dissolves the familiar structural formula of exposition, development and recapitulation into a liquefied sequence of organically related gestures and colours. Little wonder he proudly proclaimed himself on the title page “Musicien français”.

Simplicity is the watchword in the exquisite opening Prologue, which gently evolves out of a descending line in the cello, buffering the music’s nominal D minor central tonality in swathes of modal obfuscation. The central Sérénade is by comparison a restless soundscape, littered with terse gestures that lead directly into an impassioned finale, in which for the first time the two protagonists engage in lively dialogue, with ideas being tossed back and forth with almost carefree abandon before a final declamatory flourish.

Like Debussy, the Moravian Leoš Janáček was a relatively shy and retiring figure, which in part explains why full recognition of his creative genius came very late in life. Until the 1890s, he struggled (largely in vain) to express himself effectively through such traditional stylistic models

as Wagner and Dvořák. It was only after discovering his native country’s indigenous folk music that he at last began to establish his unmistakable style, and having allowed his musical instincts free rein with a form of vocal writing he called “speech-melody”, the premiere of his first indisputable masterpiece and most celebrated opera, Jenůfa, took place in 1904 — he was already 50 years old.

Never one for the conventional, the closest Janáček got to composing a cello sonata was with Pohádka (Fairy Tale), based on the same epic poem by Vasily Zhukovsky that inspired Stravinsky’s ballet The Firebird. With the cello speaking for the young Czarevich and the piano for his beloved princess, daughter of the Kastchei, a much-feared underworld ruler, Janáček appears never to have envisaged the work as a programmatic arch, but rather as a series of musical reflections designed to evoke the broad brushstrokes of Zhukovsky’s tale.

As a result, he struggled to find a definitive form for his ideas. Premiered in 1910 in three movements as part of a planned larger work, two years later he produced a revised version in four movements, culminating in a poetic, reflective finale. Still dissatisfied with the work’s structural flow, he produced a fully revised version in 1923, which became the definite version. Also included here is a bracing 172-bar Presto that Janáček appears to have intended for Pohádka, but which in the event was omitted from all three versions.

If both Debussy and Janáček tended to compose large-scale structures against a background of sonata form, Shostakovich breathed new life into the symphony, quartet and sonata at a time when many felt these now 200-year-old genres were well past their sell-by date. In the case of his 1934 Cello Sonata, Shostakovich appears to have embraced its neoclassical gesturing as a means of containing his deep feelings of anxiety concerning a trial separation from his wife, Nina, and his love for another woman.

Composed for and dedicated to Viktor Kubatsky, a former principal cellist at the Bolshoi Theatre, the Sonata was slow to gain general acceptance due to the tantalising duality between the opening movement’s classical restraint and the finale’s outbursts of sardonic humour. In between comes a raging A minor scherzo that acted as a prototype for the vitriolic sting of the Tenth Symphony, and a deeply-felt Largo whose gloomy introspection brooks no sense of false consolation.Julian Haylock

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« Four Cities est une plongée dans l’univers de la poésie, le mysticisme, dans l’histoire, les secrets et les passions de l’Orient. Il n’y a rien de plus fascinant que d’explorer la vie quotidienne des gens, leurs histoires miraculeuses, tout en allant aux limites de son instrument. Le violoncelle est transformé ici en flûte, violon, instrument de percussion, puis il devient la voix du peuple et nous invite à entrer dans un monde qui nous semble plus proche que jamais, maintenant que nous l’avons rencontré par la musique. » Nicolas Altstaedt

Ce récital d’un éclectisme stimulant s’ouvre sur une œuvre de Fazıl Say, Four Cities, hommage musical à quatre villes turques qui renferment « une myriade de souvenirs personnels » selon le compositeur. Commande de la BBC, la partition a été donnée en première audition en juin 2012 par Nicolas Altstaedt et José Gallardo au Festival de la Ville de Londres.

Dans le premier mouvement, Fazıl Say donne merveilleusement vie à la ville de Sivas, grand centre culturel situé en Anatolie orientale et l’un des premiers endroits où il s’est produit encore étudiant. Il cite au début la chanson Sazım du célèbre poète chanteur Aş ık Veysel. Sazım vient de saz, luth à sept cordes connu également sous le nom de baǧlama dont le caractère mélancolique est rendu superbement dans la dernière partie.

Le deuxième mouvement évoque Hopa, située à la frontière avec la Géorgie, aux confins orientaux de la mer Noire. Fazıl Say nous plonge dans cette ville pittoresque en évoquant un mariage qui bat son plein. La musique est propulsée irrésistiblement vers l’avant sur un rythme de horon, danse populaire très rapide à 7/16, et imite le son du kemençe, petit instrument à archet pourvu de trois cordes que l’on joue en le posant sur ses jambes. Des relents de divers chants populaires ressortent du joyeux mélange, notamment le célèbre air turc Cilveloy nanayda. Say naquit et grandit à Ankara, ce qui explique l’intense nostalgie du troisième mouvement, notamment de la partie centrale où l’on entend une réminiscence lugubre d’un chant de protestation datant de la Première Guerre mondiale, Ankara’nın Taşına Bak.

Four Cities culmine dans une visite tourbillonnante de Bodrum, villégiature fort prisée et communément surnommée la Saint-Tropez turque. Notre attention se fixe sur la rue des bars où toutes sortes de styles musicaux se mélangent, depuis le pop et le rock jusqu’au jazz et au swing. Dans la dernière partie, une bagarre éclate et l’œuvre s’achève de manière mouvementée sur cette échauffourée.

Si Four Cities est l’œuvre d’un jeune homme où les divers éléments thématiques sont réunis avec une imagination exubérante, la Sonate pour violoncelle et piano de Debussy est une page de la maturité qui s’attache à distiller l’expérience d’une vie et à en tirer l’essence la plus pure. En 1914, âgé de cinquante-deux ans et au sommet de son art, Debussy découvre qu’il a le cancer. Après une opération, il est tellement faible qu’il ne compose pas une seule note pendant plus d’un an. Il continue cependant de donner de temps un temps un concert, écrivant à son éditeur qu’il aura au moins fait son devoir s’il devait disparaître prochainement. Soumis à un traitement au radium et diminué par d’innombrables piqûres de morphine, il réussira quand même à donner naissance à trois sonates néo-classiques pour diverses formations de chambre (il en avait projeté six). Il commence par une sonate pour violoncelle et piano qui dissout la forme familière exposition–développement–réexposition en une suite fluide de gestes et couleurs liés organiquement. Sur la page de titre, il se proclame non sans fierté « musicien français ».

Simplicité est le maître mot du délicieux Prologue qui progresse délicatement à partir d’une ligne descendante du violoncelle, enveloppant la tonalité principale de ré mineur de nuées modales. En comparaison, la Sérénade centrale est un paysage sonore agité, parsemé de brefs motifs. Elle mène directement à un finale passionné où les deux protagonistes s’engagent pour la première fois dans un dialogue animé, se lançant et se relançant les idées avec un abandon presque insouciant jusqu’à un brillant geste déclamatoire conclusif.

Comme Debussy, le Morave Leoš Janáček était relativement timide et réservé, ce qui explique en partie que son génie créateur ne fût pleinement reconnu que sur le tard. Jusqu’aux années 1890, il prit Wagner et Dvořák comme modèles stylistiques pour tenter (souvent en vain) de s’exprimer

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avec efficacité. C’est seulement après avoir découvert la musique populaire de son pays qu’il commença à former son style inimitable, donnant libre cours à son instinct musical pour créer une écriture vocale qu’il nomma « discours-mélodie ». La première représentation de son opéra le plus célèbre, Jenůfa, indiscutable chef-d’œuvre, eut lieu en 1904 — il avait déjà cinquante ans.

C’est avec Pohádka (« Conte de fée »), fondé sur le même poème épique de Vassili Joukovski qui inspira à Stravinsky son ballet L’Oiseau de feu, que Janáček se rapprocha le plus du genre de la sonate pour violoncelle et piano, lui qui tournait toujours le dos au conventionnel. Si le violoncelle incarne le jeune tsarévitch et le piano la princesse qu’il aime, fille de Kachtcheï, seigneur maléfique redouté, Janáček semble n’avoir jamais envisagé son œuvre comme une arche narrative, mais plutôt comme une série d’épisodes musicaux reflétant les larges coups de pinceau du conte de Joukovski.

La conséquence de cela est qu’il eut du mal à donner une forme définitive à ses idées. Trois mouvements d’une œuvre qui devait en comporter plus furent donnés en première audition en 1910. Deux ans plus tard, une version révisée en quatre mouvements vit le jour, culminant dans un finale poétique et méditatif. Pas encore satisfait de la structure de l’œuvre, Janáček remania complètement sa partition en 1923, et c’est cette refonte qui devint la version définitive. Figure ici en plus un Presto énergique de cent soixante-douze mesures qui semble avoir été destiné à l’œuvre mais finit par être écarté de chacune des trois versions.

Si autant Debussy que Janáček imaginaient le plus souvent de vastes structures reléguant à l’arrière-plan la forme sonate, Chostakovitch insuffla une nouvelle vie à la symphonie, au quatuor et à la sonate à une époque où nombreux étaient ceux à penser que ces genres désormais biséculaires avaient largement dépassé la date limite de vente. Dans le cas de sa Sonate pour violoncelle et piano de 1934, le compositeur russe semble avoir embrassé le cadre néoclassique pour contenir la profonde anxiété qu’il ressentait à un moment où il s’était séparé de son épouse Nina et aimait une autre femme.

La sonate, destinée et dédiée à Victor Koubatski, ancien violoncelliste solo au Théâtre du Bolchoï, a mis du temps à s’imposer auprès du public à cause du grand écart qu’elle fait entre un premier mouvement d’une retenue classique et un finale où éclate un humour sardonique. Entre les deux figurent un scherzo déchaîné en la mineur, qui servit de prototype aux piques acerbes de la Dixième Symphonie, et un Largo plein de profondeur dont la sombre introspection ne tolère aucune fausse consolation.Julian HaylockTraduction : Daniel Fesquet

„Four Cities versetzt den Hörer in die Welt der Poesie und Mystik, in die Geschichte, die Geheimnisse und die Leidenschaften des Orients. Ich fand es ungemein faszinierend, die Wunder und das alltägliche Leben der Leute zu entdecken, während ich mein Instrument an seine Grenzen treibe. Das Cello wird hier in eine Flöte, eine Fiedel und ein Schlaginstrument verwandelt, bevor es die Stimme des Volkes annimmt, das uns in seine Welt einlädt — eine Welt, die uns näher erscheint als je zuvor, nachdem wir sie nun durch ihre Musik kennengelernt haben.“Nicolas Altstaedt

Dieses mitreißende Rezital, in dem sich verschiedene Stile mischen, beginnt mit Fazıl Says Four Cities, einer musikalischen Hommage an vier Orte in der Türkei, mit denen der Komponist eine „Fülle persönlicher Erinnerungen“ verbindet. Dieses Auftragswerk der BBC wurde im Juni 2012 im Rahmen des City of London Festivals von Nicolas Altstaedt und José Gallardo uraufgeführt.

Im ersten Satz wird der Ort Sivas — ein bedeutendes kulturelles Zentrum in Ostanatolien und einer der ersten Orte, an denen Say als Student Konzerte gab — auf bewegende Weise zum Leben erweckt. Zunächst ist das Lied „Sazım“ des berühmten Poeten Aş ık Veysel zu hören, welches nach der saz, einem ebenfalls als baǧlama bekannten siebensaitigen Instrument der Lautenfamilie, benannt ist. Im Schlussabschnitt bringt Say eindrucksvoll das melancholische Wesen dieses Instruments zur Geltung. Der Ort Hopa liegt an der Grenze zu Georgien im östlichen Winkel der Schwarzmeerregion, und Say versetzt im zweiten Satz den Hörer mit einer rauschenden Hochzeitsfeier mitten in diese abwechslungsreiche Gegend. Die Musik steht im mitreißenden Rhythmus des Horon, eines schnellen Volkstanzes im 7/16-Takt, und imitiert den Klang des kemençe, eines kleinen, dreisaitigen, auf dem Knie gespielten Streichinstruments. Kunterbunt mischen sich Züge verschiedener Volkslieder in die Musik, darunter die beliebte türkische Melodie „Cilveloy nanayda“.

Say wurde in Ankara geboren und verbrachte dort seine Kindheit. Das erklärt die eindringlich nostalgische Stimmung, die vor allem im mittleren Abschnitt des nach der Stadt benannten Satzes mit seinen wehmütigen Anklängen an den Protestgesang „Ankara’nın Taşına Bak“ aus dem Ersten Weltkrieg spürbar wird. Der Höhepunkt von Four Cities ist ein turbulenter Besuch in Bodrum, einem beliebten Ferienziel, das im Volksmund das „türkische Saint-Tropez“ genannt wird. Im Zentrum der Aufmerksamkeit steht die Bar-Meile, wo sich die verschiedensten Musikstile von Rock und Jazz bis hin zu Pop und Swing vermischen. Im letzten Abschnitt bricht ein Streit aus und die Musik endet rabiat mit einer Kneipenschlägerei.

Four Cities mag das Werk eines jungen Mannes sein, der unterschiedliches musikalisches Material mit überschäumender Fantasie zusammenträgt. Claude Debussys Cellosonate hingegen ist ein Stück, in dem die Erfahrung eines ganzen Lebens in ihrer reinsten Form Ausdruck findet. Der 52-jährige Komponist stand im Zenit seiner Schaffenskraft, als 1914 bei ihm Krebs diagnostiziert wurde. Nach einer Operation war er derart geschwächt, dass er über ein Jahr lang gar nichts komponierte, obwohl er noch gelegentlich Konzerte spielte. An seinen Verleger Durand schrieb er die vielsagenden Worte: „Wenn ich schon dazu verdammt bin, bald ausgelöscht zu sein, möchte ich wenigstens davor meine Pflicht erfüllt haben.“

Obwohl Debussy sich einer Radiumtherapie unterzog und durch unzählige Morphin-injektionen zermürbt war, gelang es ihm noch, drei neoklassische Kammersonaten (von ursprünglich geplanten sechs) zu vollenden. Den Anfang bildete eine Cellosonate, die die gewohnte Struktur aus Exposition, Durchführung und Reprise zu einer Abfolge harmonisch miteinander verbundener Gesten und Klangfarben verschmilzt. Es überrascht kaum, dass er sich auf dem Titelblatt stolz als „französischer Musiker“ auswies.

Einfachheit ist das Motto des wunderbaren Prologs, der sich sanft aus einer absteigenden Melodielinie des Cellos entwickelt und die eigentliche Haupttonart der Musik, d-Moll, durch gelegentlich auftretende modale Eintrübungen abmildert. In der zentralen Sérénade hingegen offenbart

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sich eine ruhelose Klanglandschaft voll knapper Gesten, welche unmittelbar in ein leidenschaftliches Finale überleiten, in dem die beiden Protagonisten zum ersten Mal in einen lebhaften Dialog eintreten und sich mit beinah sorgloser Selbstvergessenheit gegenseitig Ideen zuspielen, bevor die Sonate mit einer pompösen Geste endet.

Wie Debussy war auch der Mährer Leoš Janáček eine recht schüchterne und zurückgezogene Persönlichkeit, was zur Erklärung beitragen könnte, warum seine kreative Begabung erst sehr spät zu seinen Lebzeiten die volle Anerkennung fand. Bis in die 1890er-Jahre hinein bemühte Janáček sich (größtenteils ohne Erfolg) um eine wirkungsvolle Ausdrucksweise nach dem Vorbild von Wagners und Dvořáks traditionalistischen Modellen. Erst als er die einheimische Volksmusik seines Landes entdeckt hatte, bildete sich allmählich sein unverkennbarer Stil heraus. Nachdem er seinen musikalischen Instinkten freien Lauf gelassen und eine gesangliche Gestaltungsweise entwickelt hatte, die er als „Sprachmelodie“ bezeichnete, fand 1904 die Uraufführung des unumstrittenen Meisterwerks Jenůfa, seiner berühmtesten Oper, statt — zu diesem Zeitpunkt war er bereits 50 Jahre alt.

Janáček war nie ein Mann fürs Konventionelle gewesen, doch sein Werk Pohádka (Märchen), das auf demselben Epos von Wassili Schukowski beruht, welches auch Strawinskij zu seinem Ballett Der Feuervogel inspirierte, kam einer Cellosonate recht nah. Das Cello verkörpert hier den jungen Zarewitsch und das Klavier seine geliebte Prinzessin, die Tochter des gefürchteten Unterweltherrschers Koschtschei. Janáček hatte sich das Werk scheinbar nie als Programm mit stringentem Handlungsbogen vorgestellt, sondern vielmehr als Abfolge musikalischer Gedanken, die in groben Zügen Schukowskis Erzählung heraufbeschwören sollen.

Dies hatte zur Folge, dass es ihm schwerfiel, seine Ideen in eine endgültige Form zu bringen. Das Werk wurde 1910 in dreisätzigem Aufbau als Teil eines geplanten umfangreicheren Werks uraufgeführt. Zwei Jahre später entstand eine überarbeitete Fassung in vier Sätzen, deren Höhepunkt ein poetisches, besinnliches Finale war. Janáček war jedoch immer noch nicht zufrieden mit dem strukturellen Fluss und brachte das Werk deswegen 1923 nach einer vollständigen Überarbeitung in seine endgültige Form. Das Rezital von Altstaedt und Say umfasst ebenfalls ein mitreißendes Presto in 172 Takten, das Janáček wohl in Pohádka aufnehmen wollte, schließlich aber in allen drei Fassungen ausließ.

Sowohl Debussy als auch Janáček hatten eine Vorliebe für großformatige Strukturen vor dem Hintergrund der Sonatenform, während Schostakovitsch den inzwischen 200 Jahre alten Gattungen Sinfonie, Quartett und Sonate neues Leben einhauchte, als diese bereits weithin als völlig überholt galten. Was Schostakovitschs Cellosonate von 1934 betrifft, so schien er darin einen neoklassischen Gestus genutzt zu haben, um seine bitteren Ängste in Bezug auf eine vorübergehende Trennung von seiner Frau Nina und die Liebe zu einer anderen Frau auszudrücken.

Die Sonate war für Viktor Kubatzki komponiert, einen ehemaligen Ersten Cellisten des Bolschoi-Theaters, der auch Widmungsträger des Werks war. Wegen der verstörenden Dualität zwischen der klassischen Beherrschtheit des Kopfsatzes und den Ausbrüchen sarkastischen Humors im Finale dauerte es lang, bis die Sonate allgemeine Zustimmung fand. Die mittleren Sätze sind ein furioses a-Moll-Scherzo, das die beißende Schärfe der Sinfonie Nr.10 vorwegnimmt, sowie ein inniges Largo, das in seiner düsteren Selbstbeschau keinen Eindruck falscher Tröstlichkeit zulässt.Julian HaylockÜbersetzung: Stefanie Schlatt

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Recorded: 4–7.X.2015, Great Hall, Mozarteum SalzburgRecording producer & balance engineer: Jean-Martial GolazEditing & mixing: Jean-Martial GolazPhotography: Marco BorggreveP 2017 Parlophone Records Limited.C 2017 Parlophone Records Limited, a Warner Music Group Company.www.warnerclassics.com C

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