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AMSTERDAM / HALLEIN / LJUBLJANA / MÜNCHEN
WHAT'S THE DEAL? – MOVING URBAN CULTURES: EXHIBITION
What’s the deal? continues the tradition of EU-projects initiated by the Department of Arts and
Culture started over ten years ago. Whereas the last project, MELT, gave new attention to lively
traditional music, What’s the deal? centres on young urban scenes and their creative output.
The project put an emphasis on sustainability and how a diverse range of participants interpret
and implement that specific theme. Over the last two years a number of ideas, events, works of
art and developments about mural art, skateboarding, urban biking, design and DIY-concepts
were created together with Kunstzentrat e.V. from Munich and partners in Ljubljana, Hallein and
Amsterdam. What’s the deal? stimulated the interconnectedness between different urban scenes
across Europe – which resulted in creativity, new intellectual approaches and enthralling pieces
of art.
The outcomes of this project can be seen in the programme of the final event ‘What’s the deal?
– moving urban cultures’ as well as in the collateral ten-days exhibition. The multifaceted works
of art are pooled according to themes: ‘From Space to Place to Utopia (FSPU)’, ‘What’s the
deal? Lab (WTD Lab)’, Art Intervention and the Nomadic Sculpture together with the Bike Lab.
Corresponding to this classification, the artists and their works will be presented on the following
pages.
WHAT’S THE DEAL?
… is dealing with the subjects of sustainablity and young urban cultures in an international,
multidisciplinary and artistic way. During the last two years activities have been organized in all
partner cities around the main topics mural art, skateboarding, urban biking, design, and DIY
concepts: they ranged from research on urban scenes to creative interactions and workshops
as well as to exciting art productions like the ›Nomadic Sculpture‹, a mobile sculpture for
skateboarding which had been moved to different spots in Munich throughout last year.
›What’s the deal?‹ is questioning the idealized images of young urban scenes and their role
models, which have been exploited as marketing objects by entire economic sectors. Instead, it
highlights alternative deals where personal passion and commitment for the cause create added
value that reaches out beyond the boundaries of a community. New concepts come into play,
even though their terms have already been established in the mainstream: sustainability and
added value.
To act sustainably becomes the motor to transform one’s own lifestyle according to the principle
›You are the world in which you want to live!‹. How can existing resources be deployed more
effectively to generate manifold outputs? And what kind of role do art and culture play in the
development of these ideas?
whatsthedeal.eu
INTRODUCTION / EINFÜHRUNG – HERTHA PIETSCH-ZUBER
3
What’s the deal? setzt die mittlerweile schon zur Tradition gewordenen EU-Projekte des Kulturreferates
fort, die vor mehr als zehn Jahren begonnen wurden. Während in dem letzten Projekt MELT der
lebendigen Volksmusik eine neue Aufmerksamkeit verschafft wurde, stehen bei What's the deal? die
jungen urbanen Szenen und ihre Kreativität im Mittelpunkt.
Der Schwerpunkt des Projektes lag auf Nachhaltigkeit und wie verschiedene Akteure diese interpretieren
und umsetzen. Gemeinsam mit dem Münchner Verein Kunstzentrat und Partnern in Ljubljana, Hallein und
Amsterdam entstanden in den letzten zwei Jahren Ideen, Veranstaltungen, Kunstwerke und Entwicklungen
zu Mural Art, Skateboarding, Urban Biking, Design und D.I.Y.-Konzepten. What's the deal? förderte
die Vernetzung zwischen verschiedenen Szenen innerhalb Europas. Kreativität, neue Denkansätze und
spannende Kunstproduktionen sind das Ergebnis dieser Verbindung.
Die Resultate des Projektes spiegeln sich sowohl im abwechslungsreichen Programm des
Abschlussfestivals „What's the deal? - moving urban cultures“ wieder als auch in der parallel dazu
laufenden zehntägigen Ausstellung. Die vielfältigen Kunstwerke sind nach Themen zusammengefasst
unter „From Space to Place to Utopia (FSPU)“, „What's the deal? Lab (WTD Lab)“, Art Intervention und
Nomadic Sculpture mit Bike Lab. Entsprechend dieser Einteilung werden die einzelnen Künstler und ihre
Werke auf den folgenden Seiten vorgestellt.
WHAT’S THE DEAL?
… ist eine internationale, multidisziplinäre und künstlerische Auseinandersetzung mit jungen urbanen
Szenen und Nachhaltigkeit. Zu den Schwerpunkten Mural Art, Skateboarding, Urban
Biking, Design und D.I.Y.-Konzepte wurden in den letzten zwei Jahren Aktivitäten in allen Partnerstädten
organisiert: von einer Bestandsaufnahme der urbanen Szenen über kreative Interaktionen und Workshops
bis hin zu spannenden Kunstproduktionen.
›What’s the deal?‹ hinterfragt die von Medien propagierten und von ganzen Wirtschaftszweigen als
Marketingobjekt (aus)genutzten Ideal-Bilder junger urbaner Szenen und ihrer Leitfiguren.
Stattdessen zeigt es alternative Deals, in denen persönliche Leidenschaft und Engagement für die eigene
Sache einen Nutzen über die Grenzen der Community hinaus schaffen. Neue Begrifflichkeiten kommen
ins Spiel, obwohl auch sie schon längst im Mainstream angekommen sind: Nachhaltigkeit und Mehrwert.
Nachhaltiges Handeln wird zum Motor, die eigene Lebensform nach dem Motto zu gestalten ›Du
bist die Welt, in der Du leben willst!‹. Wie können bestehende Ressourcen und Netzwerke effektiver
genutzt werden, um vielfältige Outputs zu schaffen? Und welche Rolle spielen Kunst und Kultur bei der
Entwicklung dieser Ideen?
whatsthedeal.eu
CONTENTS / INHALT
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Introduction / Einführung
Contents / Inhalt
From Space to Place to Utopia (FSPU)
Amsterdam Het Stenen Hoofd: Niels Vinck, Sophia Twigt / Sanne Vos, Bert Scholten
Roofs of Hallein: Michaela Grieshaber, Dominik Gröstlinger, Daniel Übleis
Ljubljana Tobacna area: David Lotric, Aleš Arnež, Klasse Ingold
München Kreativquartier: Robert Pupeter, Matthias Wiegele, Klasse Ingold
München Max-Joseph-Platz: Robert Pupeter, Matthias Wiegele, Thomas Thiede
München Viehhof: Robert Pupeter, Matthias Wiegele, Evelyn Hribersek
What's the Deal? Lab (WTD Lab)
GUMB, Katharina Deml / Elena Carr, Erdogan Onur Ceritoglu, Marjanne van Helvert
Georg Hobmeier, Ralf Josef, Theresa Reiter
Bert Scholten, Philipp Weber, Lisa Simpson
Art Intervention
Geert Bartelink, Renée Boute, Hannah Kindler / Moulsari Jain, Iris Kloppenburg
Joran Koster, Shevia Limmen, Maria Mancini Ys
Liesbet Rabbinge, Mia Ventin, Jaap Warmenhoven
Nomadic Sculpture, Bike Lab
Philip Metz
Muslauf, Vasily Orlov Wagner, Andraz Tarman
Partners, Imprint / Partner, Impressum
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FROM SPACE TO PLACE TO UTOPIA
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FROM SPACE TO PLACE TO UTOPIA – TUNCAY ACAR
‘From Space to Place to Utopia’ (FSPU): A project about urban wasteland – six spots in Europe: present situations, creative strategies, wild utopia.
From Space to Place to Utopia (FSPU): Ein Projekt über urbanes Brachland – sechs Orte in Europa: Ist-Zustände, kreative Planungen, wilde Utopien.
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Nowadays, public spaces draw new attention to themselves. Society’s requirements become
more and more versatile where change happens with increasing frequency. How do different
members of society look at those public places? People with special interests, everyday folk, but
also artists and creative makers? How could urban wasteland be used here and now? And what
could be made out of it in the wildest dreams? What kind of utopia is possible?
To answer these questions, six locations across Europe were chosen exemplarily: three places
in Munich as well as one in each of the “What’s the deal?” partner cities: Ljubljana, Amsterdam
and Hallein near Salzburg. A diverse group of artists was asked to express their views on those
places, being pre-assigned to one of the following: ‘space’ as a documentation of the current
situation, ‘place’ as a viable ideal concept seen by a specific creative scene, and ‘utopia’ as a
utopia completely free of any constraints. This resulted in three works of art for each location.
Displayed one next to the other for the public, they present the artists’ interpretations on the topic.
Der öffentliche Raum erhält in der Gegenwart eine neue Aufmerksamkeit. Die gesellschaftlichen
Ansprüche werden immer vielfältiger und verändern sich ständig in schneller Abfolge. Wie sehen die
verschiedensten Mitglieder der Gesellschaft die öffentlichen Plätze? Szenegänger, Alltagsmenschen,
aber auch Künstler und Kreative? Wie könnte das urbane Brachland hier und jetzt genutzt werden?
Und was kann in den wildesten Träumen aus ihnen gemacht werden? Welche Utopien herrschen in den
Köpfen vor?
Für die Beantwortung dieser Fragen wurden beispielhaft sechs Orte in Europa – drei Plätze in München
und jeweils einer in den WTD-Partnerstädten Ljubljana, Amsterdam und Hallein bei Salzburg –
ausgesucht. Unterschiedliche Künstlerinnen und Künstler wurden gebeten, ihren Blick auf den Ort wieder
zu geben. Dabei hatten alle einen der drei verschiedenen Blickwinkel als Vorgabe: “Space” als die
Dokumentation des Ist-Zustandes, “Place” als realisierbare Idealvorstellung aus Sicht einer bestimmten
kreativen Szene und “Utopia” als vollkommen freie utopische Version. Das Resultat sind drei Werke
pro Ort, die nebeneinander ausgestellt den Besucherinnen und Besuchern die Interpretationen der
Künstlerinnen und Künstler auf die Aufgabenstellung wiedergeben.
FROM SPACE TO PLACE TO UTOPIA – AMSTERDAM HET STENEN HOOFD
1 Niels Vinck is a music photographer living
and working in Amsterdam. The artist created
a reversed reality by bringing the personal
into this desolate area of Het Stenen Hoofd
(The Stone Head) so near to the busy city
centre of Amsterdam. It now is home to people
with dogs, junkies and occasionally a small
scale festival or event. The place breathes
nothingness and is unused most of the time,
although it has a strong connection with
Amsterdam roots as it is directly connected
with the water.
1 Niels Vinck ist ein Musik-Fotograf aus
Amsterdam. Der Künstler schuf ein Kehrbild der
Wirklichkeit, indem er das trostlose Gebiet Het
Stenen Hoofd (Der Steinkopf) ganz in der Nähe
des geschäftigen Stadtzentrums von Amsterdam
mit seinem persönlichen Blick einfing. Das Gebiet
umweht ein Hauch von Nichts, es wird die meiste
Zeit nicht genutzt, sieht man von Hundeausführern,
Drogenjunkies und gelegentlichen kleineren
Festivals oder Events ab. Da es direkt am Wasser
liegt, ist es trotzdem stark mit der Stadtgeschichte
von Amsterdam verbunden.
1 Sophia Twigt and Sanne Vos are two graphic
designers based in Utrecht. Spending time at
Het Stenen Hoofd in Amsterdam, they found
three protected and four unprotected ferns and
were amazed by the nice looking and hidden
plants growing out of the walls. The designers
loved the way of how the structure of the leaves
are and how you can see different patterns in
the spores; so they produced a book in which
they present their observations of those hidden
lives in this place – making it a different place.
1 Sophia Twigt und Sanne Vos sind zwei
Grafikdesignerinnen aus Utrecht. In Het Stenen
Hoofd entdeckten sie drei geschützte und vier
ungeschützte Farnarten, die versteckt aus den
Mauern wuchsen. Fasziniert von der Schönheit
der Blattstrukturen und Muster der Sporen
beschlossen sie, ein Buch mit den Ergebnissen
ihrer Beobachtungen zu gestalten, das auf das
verborgene Leben an diesem Ort aufmerksam
macht – und damit den Ort selbst verändert.
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1 In May 2015, graphic designer, animation
artist and musician Bert Scholten placed a sign
on Amsterdam’s Het Stenen Hoofd-pier saying
‘stilstandgebied’. The pun refers to the Dutch
‘stiltegebied’ sign, meaning silence area: flora
and fauna dominate, without annoying sounds
for the environment and strange noises. The
pier provides a unique sight onto the IJ waters
(which separate the city centre from Amsterdam
North). Cargo ships, yachts and ferries drift by.
People walk their dog, have picnics and drink
together. The artist brings it towards a timeless
area with the ‘stilstandgebied’-sign meaning
standstill-area. Visitors enter a ‘timeless zone’.
A utopia which may be naive and impossible,
and may seem destined to fail. But as the
various parties aim for ‘keeping it the way it is’,
and people enjoy the pier like that, the utopia
is right now. Scholten shows that standing still
is not a bad idea, and celebrates the moment
of now.
1 Der Grafiker, Animationskünstler und Musiker
Bert Scholten platzierte im Mai 2015 ein Schild mit
der Aufschrift „Stillstandsgebiet“auf dem Het Stenen
Hoofd-Pier in Amsterdam . Das Wortspiel bezieht sich
auf das niederländische Wort für Lärmschutzgebiet,
„stiltegebied“, bezeichnet also ein Gebiet, in dem
sich Flora und Fauna ohne störende Geräusche und
ohne unnatürlichen Lärm entwickeln können. Vom
Pier aus hat man einen unvergleichlichen Blick auf die
Gewässer des IJ, die die Innenstadt von Amsterdam
Nord trennen. Frachtschiffe, Yachten und Fähren
fahren vorbei, die Einwohner führen ihre Hunde aus,
picknicken oder treffen sich zum Drink. Der Künstler
betont die Zeitlosigkeit des Ortes, indem er die
Bedeutung von „stilstandgebied“ in ein „Gebiet des
Innehaltens“ transformiert. Die Besucher betreten
hier eine „zeitlose Zone“. Zunächst mag diese Utopie
naiv und unmöglich erscheinen und zum Scheitern
verurteilt. Da sich jedoch verschiedene Parteien
dafür einsetzen, den Ort so zu belassen und die
Besucher den Ort so annehmen, wie er ist, ist diese
Utopie bereits Realität geworden. Scholten zelebriert
mit seiner Arbeit das Hier und Jetzt und zeigt, dass
Stillstand nichts Schlechtes bedeuten muss.
FROM SPACE TO PLACE TO UTOPIA – ROOFS OF HALLEIN
2 Michaela Grieshaber from Austria found a
new angle of view to photograph the roofs of
Hallein close to Salzburg. By using a two-
dimensional and graphic display, the roofs
close in on each other and form an entity.
The top view eliminates topographic ups and
downs and other irregularities. Since we are
used to staying on even platforms, the chosen
perspective gives a better understanding how
one can spend more time on the roofs.
2 Michaela Grieshaber fotografierte die Dächer
von Hallein in Österreich aus einem neuen
Blickwinkel: Indem sie eine zweidimensionale
und grafische Darstellungsweise verwendet,
nähern sich die Dächer aneinander an und
bilden einen Einheit. Der Blick von oben eliminiert
topografische Höhenschwankungen und andere
Unregelmäßigkeiten. Da wir unsere Umgebung
normalerweise von einem horizontalen Blickwinkel
aus betrachten, kann man sich durch die neue
Perspektive besser vorstellen, für längere Zeit auf
den Dächern zu verweilen.
2 Multi-media artist Dominik Gröstlinger
literally revives the roofs of Hallein with his
illustrations – this new life being inspired by the
atmosphere of the media art festival Schmiede.
Be it that someone draws or edits a video or
be it that a band impresses with its music. The
roofs not only become recreation areas but
places that bring people together and allow for
new kinds of creative engagement. The artist
records these scenes by drawing them and
consequently builds a new and theoretically
possible landscape for the creative community.
2 Der Multimedia-Künstler Dominik Gröstlinger
erweckt mit seinen Zeichnungen die Dächer
von Hallein zu neuem Leben. Als Anhaltspunkt
und Vorlage dient das Ambiente während des
Medienkunstfestivals Schmiede: jemand zeichnet,
ein anderer schneidet ein Video, eine Band, die
spielt und mit ihrer Musik beeindruckt. Die Dächer
werden also nicht nur zum Erholungsgebiet, sondern
auch zu Orten der Begegnung, die neue Formen
kreativer Beschäftigung zulassen. Der Künstler hält
diese Szenerien zeichnerisch fest und schafft damit
neue und theoretisch mögliche Stätten kreativer
Gemeinschaft.
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2 Daniel Übleis uses his skills as a photo
retouche artist to revive the roofs of Hallein
differently. Not the people are at his centre
of attention, but trees and grasslands are
responsible for new life on the top. Based on
the Austrian artist Friedrich Hundertwasser’s
idea to completely connect nature and housing,
Übleis’ concept seeks to cover roofs and walls
with grass, leaving only windows, doors and
chimneys uncoated.
2 Der Foto-Retouche Künstler Daniel Übleis
schlägt eine andere Herangehensweise zur
Wiederbelebung der Dächer von Hallein vor:
Nicht die Menschen, sondern Bäume und
Wiesenlandschaften stehen im Mittelpunkt.
Angelehnt an die Idee des österreichischen
Künstlers Friedensreich Hundertwasser, Natur und
Wohnen komplett miteinander zu verbinden, sieht
Übleis’ Konzept die vollständige Bedeckung der
Dächer und Wände vor – ausgenommen davon
sind nur Fenster, Türen und Schornsteine.
FROM SPACE TO PLACE TO UTOPIA – LJUBLJANA TOBACNA AREA
3 Aleš Arnež is a bike hedonist and a street
artist gone to the dark side: for him carbon
is the new black. In his work he combines
the lessons of the past and the newest
materials, joining both two worlds for the
best solutions for today. He uses carbon fibre
reinforced plastic to render a possible future
of the Tobacna-Area in Ljubljana, turning the
abandoned building site into a velodrome.
3 Aleš Arnež ist ein selbsternannter “Fahrad-
Hedonist” und Straßenkünstler aus Ljubljana.
Für ihn ist Carbon der letzte Schrei. In seinen
Arbeiten kombiniert er Tradition und die neuesten
Materialien – er verbindet beides, um die besten
Lösungen für heute zu entwickeln. So nutzt er
carbonfaserverstärkten Kunststoff und Holz, um ein
mögliches Modell für das zukünftige Tobacna-Areal
zu schaffen: die aufgegebene Baustelle wird in ein
Velodrom transformiert.
3 David Lotric is a photographer,
cinematographer, geographer and sociologist
from Ljubljana. His FSPU project was to
present the current situation at the Tobacna-
area, nowadays an abandoned construction
site. There have been large plans for what
to do with the spaces of a former tobacco
plant – offices, hotels, apartments. If only the
investors had had the money they promised.
Consequently, the artist captures the site
without skilfully exaggerating anything: we see
simply the moment.
3 David Lotric ist ein Fotograf, Kameramann,
Geologe und Soziologe aus Ljubljana. Für FSPU
hat er den Ist-Zustand des Tobacna Areals
abgelichtet, einer verlassenen Bauruine. Es gab
weitreichende Pläne für die Bebauung auf dem
Gelände einer ehemaligen Tabakfabrik, Büros,
Hotels und Wohnungen sollten entstehen – bis
dem Investor mitten im Bau das Geld ausging. So
plötzlich fängt auch der Künstler den Moment ein:
im Vorbeigehen, ohne jegliche Überhöhung.
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3 A number of utopia for the Tobacna area in
Ljubljana created by the class Ingold from the
Academy of Fine Arts, Munich, refer to the end
of that one big story. They deal with a granular
society, in which everybody forms his own
individual way of life. Maybe someone longs for
spirituality and simplicity and therefore thinks
that technical development inevitably results
in an apocalypse. In contrast, someone else
links all his hopes to it: self-made or even self-
produced 3D-printers are causing a free world,
beyond a neo-liberal turbo-capitalism. As
diverse as those different models are, from time
to time their rhizome-threads get re-connected
with the result that a heterogeneous but shared
vision flashes. In the exhibition ‘Utopia is dead.
Long live the utopian dreams!’ several video
works and cross-media objects are building a
coherent kaleidoscopic installation.
3 Die Utopien der Klasse Ingold von der Akademie
der Bildenden Künste München für das Tobacna-
Areal in Ljubljana spielen mit dem Ende der
einen, großen Geschichte. Sie handeln von einer
granularen Gesellschaft, in der jeder seinen
eigenen, individuellen Lebensentwurf spinnt. So
sehnt sich der eine womöglich nach Spiritualität
und Einfachheit; er glaubt, dass technische
Entwicklungen zwangsläufig in die Apokalypse
führen. Ein anderer hingegen bindet gerade daran
seine Hoffnung: selber herstellbare, oder sich gar
selbst herstellende 3D-Drucker verheißen eine freie
Welt jenseits des neo-liberalen Turbokapitalismus.
So verschieden diese Modelle auch sind, ab und
an finden die rhizomatischen Stränge wieder
zusammen, sodass eine heterogene und doch
gemeinsame Vision aufblitzt. In der Ausstellung
„Die Utopie ist tot. Es leben die Utopien!“ bilden
mehrere Videoarbeiten und crossmediale Objekte
eine zusammenhängende kaleidoskopartige
Installation.
4 The city of Munich is planning to transform a
former casern area into a new neighbourhood
where living meets creative making and culture.
The picture by Munich based photographer
Robert Pupeter shows two monstrous halls
located in that area. For him their aura of
closeness is emblematic for the bulkiness
and inaccessibility of such city development
processes. Nevertheless, he puts his hopes
into what those closed doors will reveal when
they open in the future.
4 Auf einem ehemaligen Kasernengelände plant
die Stadt ein Stadtquartier, in dem Wohnen und
Kultur eine gemeinsame Heimat finden sollen. Das
Bild des Münchner Fotografen Robert Pupeter
zeigt zwei auf dem Gelände befindliche monströse
Hallen, die für den Künstler in ihrer Verschlossenheit
fast symbolisch für die Sperrigkeit und
Unzugänglichkeit solcher planerischen Maßnahmen
steht. Er hofft umso mehr auf das, was sich hinter
den Türen in Zukunft zeigen wird.
FROM SPACE TO PLACE TO UTOPIA – MÜNCHEN KREATIVQUARTIER
4 The Munich graphic designer Matthias Wiegele
sees the potential of the future ‘Kreativquartier’
as a waste land in a positive sense. To be
able to autonomously shape such a location
would be a dream come true especially for the
Munich skaters: it would enrich the scene to
build a skatepark according to DIY mentality.
The artist’s illustration displays one possible
implementation considering the given terrain.
4 Der Münchner Graphikdesigner Matthias Wiegele
sieht das zukünftige Kreativquartier als eine Brache
im positiven Sinne. Für die Skateboarder wäre eine
solche Fläche zur selbstbestimmten Gestaltung
ein Traum: hier mit den Wurzeln der Do-It-Yourself-
Kultur einen eigenen Skatepark zu erbauen,
wäre eine Bereicherung für die Skateszene. Die
Illustration stellt eine mögliche Umsetzung unter
Berücksichtigung des gegebenen Geländes dar.
17
4 ‘All of humanity’s problems stem from man’s
inability to sit quietly in a room alone’, Blaise
Pascal wrote in the 17th century. On the
contrary, nowadays, exactly the phenomenon
‘cocooning‘ is seen as a sign for social crisis.
In sociology and trend research cocooning is
described as a tendency to withdraw more
and more from the public into the private life.
Everyone wants to be comfortable and feel safe
in the Western affluent society.
The cocoon defines borders already at
the moment of its formation and thereby
determines an ‘in‘ and ‘out‘. How can it be
otherwise? Or is cocooning a one-way ticket to
conservatism? The installation ‘In the cocoon’
by the class Ingold from the Academy of Fine
Arts, Munich, creates a usable cocooning
4 „Alles Unheil dieser Welt geht davon aus, dass
die Menschen nicht still in ihrer Kammer sitzen
können“, schrieb Blaise Pascal im 17. Jahrhundert.
Dem hingegen wird heute ausgerechnet das
aktuelle Phänomen „Cocooning“ als Zeichen der
gesellschaftlichen Krise gesehen – als Cocooning
wird in der Soziologie und der Trendforschung
eine Tendenz bezeichnet, sich mehr und
mehr aus der Öffentlichkeit in das häusliche
Privatleben zurückzuziehen. Man möchte es sich
gemütlich machen und sich in der westlichen
Wohlstandsgesellschaft in Sicherheit wähnen.
Wie kann der Kokon, der schon im Moment seiner
Entstehung stets Grenzen definiert und dabei ein
Innen und ein Außen festlegt, anders gedacht
werden? Oder ist Cocooning ein One-way Ticket
in den Konservatismus? Für die Ausstellung „Im
Kokon“ der Klasse Ingold von der Akademie
der Bildenden Künste München entsteht eine
benutzbare Kokon-Situation aus Schlafsäcken,
Frischhaltefolien, Blätterteig und in was auch
immer man sich einspinnen kann. Cocooning
wird in Aktion und am Objekt experimentell
untersucht. Potentiale werden aufgezeigt und
weitergesponnen.
situation. There are cocoons made out of
sleeping bags, wrapping film, puff pastry
or whatever material one can spin a cocoon
around oneself. Cocooning will be examined
experimentally and through objects. Potentials
will be shown and developed.
FROM SPACE TO PLACE TO UTOPIA – MÜNCHEN MAX-JOSEPH-PLATZ
5 Munich based photographer Robert Pupeter
passes the Max Joseph Square almost daily.
FSPU gave him a reason to explore the location
unhurriedly, to experience it in different ways,
at different times, spending time where he
normally rushes by. Ultimately, he decided on
a typical post-card-view: a space with almost
no people, the opera hall being the centre of
attention – but it is the elevated point of view
which makes it unreachable for tourists.
5 Fast täglich fährt der Münchner Fotograf
Robert Pupeter am Max-Joseph-Platz vorbei. Das
FSPU-Projekt war für ihn Anlass, den Ort in Ruhe
zu erforschen, ihn auf unterschiedlichste Weise, zu
unterschiedlichsten Zeiten zu betrachten, Zeit dort
zu verbringen, wo er sonst nur schleunigst vorbei
fährt. Letztlich hat er sich für ein sehr typisches Bild
entschieden: fast leer, die Oper als Hauptobjekt.
Und doch ist es die erhöhte Perspektive, die für
normale Touristen unerreichbar ist.
5 The Max Joseph Square in front of the
opera house has always been a popular
spot for skateboarders according to Munich
graphic designer Matthias Wiegele: a big,
well-bituminised plain with only light traffic.
The features of the surrounding buildings offer
additional possibilities for skaters: edges, stairs,
slopes and benches. It became obvious quite
soon that in order to re-shape the square virtually,
also the buildings would have to be redrafted.
5 Laut dem Münchner Graphikdesigner
Matthias Wiegele war die Oper und der vorge-
legene Max-Joseph-Platz schon immer ein beliebter
Skatespot: eine große Fläche mit gutem Asphalt
und relativ wenig Verkehr. Die Architektur der
umliegenden Gebäude bietet ebenfalls eine Menge
Potenzial: Kanten, Treppen, Schrägen und Bänke.
Bei der fiktiven Umgestaltung des Platzes war
schnell klar, dass der gesamte Platz inklusive der
Gebäude umformuliert werden sollte.
19
5 Thomas Thiede is a visual artist from Munich.
He envisioned a future where in order to cover
the enormous demand of living space people
came back to the idea of building upwards and
to use the urban utopian models of the early
20th century. Multifunctional skyscrapers were
developed which combine living and working,
privacy and public, individual and society. One
of those contemporary designed and equipped
skyscrapers, called “Top Utopia”, is to be
found at the Max-Joseph-Platz according to the
artist’s imagination, being self-sustaining and
autarkic but connected to other skyscrapers
via skytrains. The former urban space at the
bottom of these mega buildings has totally
lost its function, becoming a scenery with old
buildings, parks and areas of water for people
to stroll around.
5 Thomas Thiede ist ein Zeichner und Collagen-
Künstler aus München. Er stellt sich eine
Zukunft vor, die auf den Städte-Utopien des
frühen zwanzigsten Jahrhunderts beruht, um
den gewaltigen Bedarf an Lebensraum zu
decken. Es wurden multifunktionale Hochhäuser
zum Leben und Arbeiten, für das Private wie
für das Öffentliche, für das Individuum und
die Gemeinschaft entwickelt. Eines dieser
zeitgenössischen Hochhäuser, genannt “Top
Utopia” stellt sich der Künstler am Max-Joseph-
Platz vor. Top Utopia ist autark, selbstversorgend,
aber mit anderen, ähnlichen Bauten durch
Hochbahnen verbunden. Der ursprüngliche
Stadtraum am Fuße dieser riesigen Gebäude hat
komplett seine Funktion eingebüßt – er wurde zu
einer Szenerie für Schaulustige, bestehend aus
alten Häusern, Parks und Wasserflächen.
FROM SPACE TO PLACE TO UTOPIA – MÜNCHEN VIEHHOF
6 Munich based photographer Robert Pupeter
calls areas like the former corral an oasis from
another time – a kind of wasteland that could
be found in earlier times quite often on railroad
properties and former industrial facilities.
Nowadays, such in-town open land hardly
exists anymore: where brushwood meets old
machinery, traces of their anarchic use and
urban city life. These locations have always
been an inspiration, fascinating the artist and
influencing his work.
6 Der Münchner Fotograf Robert Pupeter
bezeichnet das Gelände im ehemaligen Viehhof
als Oase aus einer anderen Zeit, ein Brachland,
wie es früher auf Bahngeländen, ehemaligen
Industriebetrieben und ähnlichem häufig zu finden
war. Inzwischen gibt es solche Freiräume, an denen
sich Gestrüpp, Reste von Industriemaschinen,
Spuren von anarchischer Nutzung und
Stadtlandschaft begegnen, fast nicht mehr. Für
den Künstler waren und sind diese Orte immer
Inspiration und Faszination.
6 Graphic designer and skateboarder
Matthias Wiegele from Munich reckons to build
a skate court out of old loading platforms,
walls and slopes inside the former corral,
called ‘Viehhof’. After all, the area has already
been put at the disposal of the street culture,
being the hall-of-fame of the local graffiti
scene. A landscape made out of small ramps
in between the walls and a so-called flow-park
in remembrance of the legendary ‘Pfanni-Hills’
in the district of Neuperlach are only a few first
things which come into a skater’s mind strolling
through the ‘Viehhof’-area.
6 Der Grafiker und Skateboarder Matthias Wiegele
meint, dass die alten Verladerampen, Mauern
und Schrägen des Viehhofs perfekt als Skatepark
funktionieren würden. Schließlich ist das Areal
als Hall-Of-Fame der Münchner Graffiti-Szene
bereits der Straßenkultur zur Verfügung gestellt
worden. Eine Miniramp-Landschaft zwischen
Mauern und ein Flow-Park in Erinnerung an die
legendären Pfanni-Hills in Neuperlach sind nur erste
Assoziationen beim Blick eines Skateboarders auf
den Viehhof.
21
6 With the movie ‘Back to the Future II’ the
worlds gets to see the hoverboard for the first
time: a floating skateboard enriching a scenery
set in 2015. Since then, industry and amateurs
work on making the sci-fi-afficionados’ dream
come true. The Slovenian innovation artist, future
thinker and tech evangelist Evelyn Hriberšek
explores current technological and media
trends and creates virtual, analogous future
scenarios . For WTD she designs her vision
for the hoverboard: steep ramps, obstacles
floating mid-air, holograms with ads, all
interacting with virtual game platforms and
social media. ‘Welcome to Hoverboard-Park’ is
the artist’s utopia for the Munich Viehhof.
6 In dem Film "Zurück in die Zukunft II" taucht
1989 zum ersten Mal das Hoverboard auf: ein
schwebendes Skateboard, das filmisch im Jahr
2015 verortet wird. Seitdem arbeiten Industrie
und Bastler daran, diesen Traum zahlreicher Sci-
Fi-Fans Realität werden zu lassen. Die gebürtige
Slowenin Evelyn Hriberšek erforscht als Innovation
Artist, Future Thinker und Tech Evangelist
aktuelle technologisch-mediale Entwicklungen
und kreiert virtuell-analoge Zukunftsszenarien.
Für WTD entsteht ihre Zukunftsvision zum
Hoverboard: Rampen erstrecken sich steil in den
Himmel, Hindernisse schweben durch die Luft,
Werbe-Hologramme interagieren mit Game- und
Socialmedia-Accounts: "Welcome to Hoverboard-
Park", die Utopie für den Münchner Viehhof.
WHAT'S THE DEAL? LAB
23
W T
D LHALLE 5
2
HALLEN 6 + 7
1
WHAT'S THE DEAL? LAB – ALEXANDRA WEIGAND
WTD-Lab is a collection of art projects created during the two-year span of the EU-supported ‘What’s the deal?’ programme.
Das WTD-Lab umfasst künstlerische Projekte, die während der zweijährigen Laufzeit des gleichnamigen EU-Projekts entstanden sind.
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Die Bandbreite der entwickelten Arbeiten reicht von konsumkritischen Positionen bis hin zu
alternativen und spekulativen Lösungsansätzen. Dabei werden Fragen nach unserem gegenwärtigen
Umgang mit Material, Ressourcen, Energie und Verteilung gestellt: Welche Folgen hat unsere
Hyperkonsumkultur auf globaler, welche auf individueller Ebene? Wie können und wollen wir in
Zukunft leben, wie uns kleiden? Welche Produkte entstehen bei einer partizipativer Mitwirkung der
zukünftigen Benutzer/innen? Welches Potential liegt in Recycling- und Do-it-Yourself-Strategien? Und
wie können bestehende Blickwinkel verändert und Neuausrichtungen vorgenommen werden?
Hierzu haben Künstlerinnen und Künstler aus Europa im Rahmen von Residencies im internationalen
Künstlerhaus Villa Waldberta der Landeshauptstadt München Position bezogen. Münchner
Designerinnen und Designer wiederum setzten sich durch Teilnahme an den Veranstaltungen der
Partnerorganisationen - wie dem Producer-Festival „Schmiede“ in Hallein bei Salzburg oder der „Art
Intervention“ in Amsterdam - kritisch mit der Thematik auseinander. Die Gastaufenthalte verstärkten
das Ziel einer europaweiten Vernetzung, um die Verbindung von Design und Nachhaltigkeit im
transnationalen Austausch zu diskutieren – und neue Antworten zu finden.
Projects range from anti-consumption views to alternative and speculative approaches.
Questions about our current dealings with materials, resources, energy and allocation arise:
which consequences does our hyper consumer culture have on a global and individual level?
How do we want to live and dress in the future? What kinds of products originate by involving
future users? How big is the potential of recycling and DIY? And how do we change existing
perspectives and redirect them?
Artists from all over Europe took up a stance on these issues during their stays at
international artist residency Villa Walberta near Munich. On the other hand, designers
from Munich dealt with the subject by participating at events of the city’s partners, e.g.
‘Schmiede’ festival for creative makers in Haiiein, Austria or ‘Art Intervention’ in Amsterdam,
the Netherlands. These visits reinforced the goal of a pan-European network to connect and
discuss design and sustainability on a transnational level – and to find new answers.
1 GUMB (Petra Gosenca, Jurij Bobic &
Katarina Zalar) is a collective from Ljubljana
dedicated to explore new creative ways of
turning waste into objects of everyday use.
‘Re:ciklarnica – waste as a challenge’ is an
educational, ecological and ethical design
project which, on one hand, questions the way
contemporary consumer society deals with
materials and resources and, on the other
hand, tries to find creative solutions for the by-
products of such squandering use. Illustration
by David Krancan
1 Das Kollektiv GUMB (Petra Gosenca,
Jurij Bobic & Katarina Zalar) aus Ljubljana stellt
sich die Frage, wie Müll auf kreative Art in
Alltagsobjekte umgewandelt werden können.
„Re:ciklarnica – waste as a challenge“ ist ein
pädagogisches, ökologisches und ethisches
Designprojekt. Es hinterfragt den Umgang der
heutigen Konsumgesellschaft mit Materialien und
Ressourcen, sucht aber gleichzeitig auch nach
kreativen Einsatzmöglichkeiten für die Überreste
dieses verschwenderischen Lebensstils. Illustration:
David Krancan
2 Elena Carr and Katharina Deml both study
at the Academy of Fine Arts in Munich. In
their project ‘Treten Sie näher!’ (Come closer)
they wonder about the perversions of artistic
presentations. Like in a circus arena, the artists
are in a fishbowl with their tender offers: all that
showing off – only to be liked?
(Photos by E. Carr, K. Deml, T. Kadar; text by
T.W. Adorno, E. Carr, N. Daniel, K. Deml, M.
Horkheimer; light)
2 Elena Carr und Katharina Deml, beide Studentinnen
der Akademie der Bildenden Künste München, fragen
in ihrer gemeinsamen Arbeit „Treten Sie näher!“ nach
der Perversion künstlerischer Darbietungen. Wie in
einer Zirkusmanege stehen die Kunstschaffenden
mit ihren Offerten auf dem Präsentierteller – das
ganze Imponiergehabe, nur um zu gefallen?
Fotografie, plakatiert (E. Carr, K. Deml, T. Kadar),
Text (T.W.Adorno, E. Carr, N. Daniel, K. Deml, M.
Horkheimer), Licht
WHAT'S THE DEAL? LAB
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4 Marjanne van Helvert is a textile designer and
writer from the Netherlands. She works according
to her ‘Dirty Design’ philosophy which involves
the ethical side of design into the aesthetical
side and considers the impact of material, labour,
technique and form on both social and natural
environment. The ‘unisex worker's skirt’ made
from worn jeans is part of a collection of up-
cycled clothes for a new urban generation.
3 Artist Erdogan Onur Ceritoglu lives and works
in Istanbul. He creates furniture-like installations
from locally found scrap wood which participants
can use and modify, e.g. ‘GEMI’. The goal of this
project was to assemble a playground sculpture
made collectively by the artist and children of
the intercultural and socio-educational institution
Projekt-Laden International Haidhausen in
Munich. Another project, ‘Birdwatch’, is inspired
by hunters’ raised hides found in forests around
the city and made of re-used Ikea slatted frame.
3 Der Künstler Erdogan Onur Ceritoglu lebt
und arbeitet in Istanbul. Er ist bekannt für seine
benutz- und veränderbaren Wohnobjekte aus
wiederverwertetem Holzmüll. Im Projekt „GEMI“
ging es darum, mit der Kindergruppe der interkulturell
tätigen, solzialpädagogischen Einrichtung Projekt-
Laden International Haidhausen in München
eine Spiel-Skulptur zu entwerfen und gemeinsam
zu bauen. Ein anderes Projekt, „Birdwatch“, ist
wiederum von den Hochsitzen der Jäger in den
Wäldern des Münchner Umlands inspiriert und
besteht aus umgenutzten Ikea-Lattenrosten.
4 Marjanne van Helvert aus den Niederlanden
ist Modedesignerin und Autorin. Ihre Arbeits-
philosophie "Dirty Design" zieht ethische
Zusammenhänge der Gestaltung ebenso in Betracht
wie ästhetische –sie berücksichtigt die sozialen
und ökologischen Auswirkungen von Material,
Produktionsbedingungen, Herstellungsweise
und Form sowohl auf den sozialen wie auf den
natürlichen Lebensraum. Der "Unisex Worker's
Skirt" aus abgetragenen Jeans beispielsweise ist Teil
einer Kollektion von upgecyclten Kleidungsstücken
für eine neue urbane Generation.
5 Georg Hobmeier is not someone who limits
himself – he works as a choreographer,
director, dramatic advisor, performer and game
developer. ‘Burn the Boards’ is a mobile game
designed to expose the reality of the informal
worker breaking down e-waste for a living while
being exposed to toxic fumes. The game makes
a difference: part of the revenue is donated to
support migrating workforces in India who form
the vast majority of workers in recycling.
5 Georg Hobmeier lässt sich beruflich nicht
einschränken: er arbeitet als Choreograph, Regisseur,
Dramaturg, Schauspieler und Spiele-Entwickler.
Das Spiel „Burn the Boards“ für Mobilgeräte zeigt
die Realität von illegalen Arbeitskräften, die mit dem
Zerlegen von Elektroschrott ihren Lebensunterhalt
verdienen, dabei aber giftigen Dämpfen ausgesetzt
sind. Das Spiel will verändern: Ein Teil des
Verkaufserlöses geht als Unterstützung an indische
Wanderarbeiter, die einen Großteil der Arbeitskräfte
im Recycling-Sektor ausmachen.
WHAT'S THE DEAL? LAB
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6 Ralf Josef is a theoretical designer living
and thinking in Munich. He figured out quite
early that design for its own sake was nothing
he wanted to be dealing with, so he decided
to create his own theoretical approach to the
subject. He speculates about a future that
is not about energy efficiency – but material
efficiency: his ‘Floating Light’ uses the heat
emitting from a simple filament light source for
levitation, meaning it has to be incredibly light
weight. His ‘Cooking Bowl’ is made of clay,
eliminating precious metal from the equation.
6 Ralf Josef ist ein theoretischer Designer aus
München. Schon früh war für ihn Design als
Selbstzweck nicht das, mit dem er sich beschäftigen
wollte – weswegen er sich für eine theoretische
Annäherung entschied. Er erschaffte ein Szenario,
in dem es nicht mehr um Energie-Effizinez, sondern
um Material-Effizienz geht. Die „Schwebende
Leuchte“ verwendet uneffizienten, aber auch
ungefährlichen Glühdraht, um mit der Abwärme
Auftrieb zu erzeugen – und muss dafür sehr leicht
sein. Seine „Kochschüssel“ besteht aus Ton, nicht
aus wertvollem Metall..
7 Theresa Reiter is a fashion designer from
Munich who worked for Iris van Herpen and
Alexander McQueen during her studies. Her
‘What’s the deal?’-project has a focus on different
urban characters. She analyses their needs,
for example those of a dancer, and designs
specific bags and backpacks which mirror their
personality. All parts of the collection are made
from old pieces of luggage and waste cut goods.
7 Theresa Reiter ist Modedesignerin aus München,
die bereits während ihrer Ausbildung für Iris van
Herpen und Alexander McQueen gearbeitet hat.
Für “What’s the deal?” beschäftigte sie sich mit
urbanen Charakteren, analysiert zum Beispiel
die Bedürfnisse eines Tänzers und gestaltet
darauf hin ein spezifisches Gepäckstück, das
die Persönlichkeit seines zukünftigen Nutzers
widerspiegelt. Gefertigt werden die Stücke
allesamt aus Restbeständen technischer Textilien
sowie aus Einzelteilen ausrangierter Rucksäcke.
At the opening of the festival ‘What’s the deal?
- moving urban cultures’, the live upcycling
artist and musician Lisa Simpson will install a
temporary exchange office at the Import Export
canteen as a textile/sound performance called
‘THE SINGER’, in collaboration with Stephanie
Müller, Gülcan Turna and Klaus Erlich Dietl. The
sound art quartet operates money-laundering
centre stage and transforms international
banknotes into mini-sound machines,
accompanied by live and amplified sewing
services. Handmade counterfeit money is sewn in
the pockets of visitors.
Die Upcycling Künstlerin und Musikerin
Lisa Simpson installiert bei der Eröffnung des
Festivals “What’s the deal? - moving urban
cultures” eine temporäre Wechselstube in der
Import Export Kantine. Gemeinsam mit Stephanie
Müller, Gülcan Turna und Klaus Erlich Dietl lädt
sie zur Textil-Sound-Performance „THE SINGER
– Opus im Akkord“ ein. Das Klangkunstquartett
betreibt Geldwäsche mitten auf der Bühne
und transformiert internationale Banknoten in
Mini-Soundmaschinen. Begleitend dazu: ein
Live-Nähservice bei dem Falschgeld in die
Jackentaschen der BesucherInnen eingenäht wird.
8 Bert Scholten is a graphic designer, animation
artist and musician from the Netherlands. His
recognizable scenes embody society and its
cultural codes: city life, subcultures, group
behaviour and how scenes and social networks
are knit together. With ‘Both feet on the
underground’ he created a series of 20 online
animations for which he researched the current
state of underground culture, with Munich
being his research site.
8 Bert Scholten kommt aus den Niederlanden,
er ist Grafiker, Animationskünstler und Musiker.
Typischerweise verkörpern seine Szenerien
die Gesellschaft und deren kulturelle Codes:
Stadtleben, Subkulturen, Gruppenverhalten -
wie sind solche Szenen und soziale Netzwerke
miteinander verbunden? „Both feet on the Ground“
präsentiert sich als Online-Serie bestehend aus 20
Animationsfilmen, die als Ergebnis seines Research-
Projektes den Status Quo der Untergrundkulturen
in München.
WHAT'S THE DEAL? LAB
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9 Philipp Weber is a product designer from
Munich who believes that in our digitalized
world the comprehension and appreciation of
original production processes are increasingly
lost. In his work he aims to rediscover
and revalue the emotional qualities within
these processes. Therefore, his installation
‚Anthracite‘ investigates the manufacturing
processes behind the fossil source of
bituminous coals by using coke as a material to
produce small objects.
9 Der Produktdesigner Philipp Weber aus München
ist davon überzeugt, dass das Verständnis und die
Wertschätzung für originäre Produktionsprozesse
in unserer digitalisierten Welt immer mehr
verloren gehen. Seine Projekte zielen darauf
ab, die emotionalen Qualitäten dieser Prozesse
wiederzuentdecken und neu zu beleben. Mit
seiner Installation „Anthracite” untersucht er die
Herstellungsprozesse, die hinter dem fossilen
Brennstoff Kokskohle stehen. Das bei der
Verkokung der Kohle entstehende Zwischenprodukt
„Koks“ wird als eigenständiges Material behandelt:
Es dient zur Herstellung von kleinen Objekten,
statt wie üblich als energiereicher Brennstoff
weiterverwendet zu werden.
ART INTERVENTION
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A R
T IHALLEN 6 + 7
ART INTERVENTION – SUSANNE ESKENS-VINCK
'How to change the world as a designer?
"Wie können wir die Welt als Designer verändern?"
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Das Art Intervention Programm brachte eine Gruppe von internationalen Designer/innen und Künstler/
innen mit unterschiedlichem Hintergrund zusammen, um sich gemeinsam mit der Idee von Nachhaltigkeit
zu beschäftigen – sowohl in praktischer als auch in konzeptueller Hinsicht. Wir haben sie gebeten, zurück
zum Ursprung dessen zurückzugehen, was eine/n Designer/in (oder Künstler/in oder beides...) ausmacht.
Und einen Moment innezuhalten, zu reflektieren – sei es auch nur für eine Sekunde – und dann im
nächsten Schritt neu zu denken.
„Wie können wir die Welt verändern?“ war das Motto, mit dem wir die Reise antraten. Dabei war es
jedem freigestellt, seinen eigenen Weg zu gehen. Diese kleine Frage löste eine Serie von Antworten aus,
die weitere Fragen nach sich zogen, Stellungnahmen einforderten, Dilemmas zutage brachten – und neue
Konzepte für nachhaltiges Leben, Arbeiten und Entwerfen.
Die Ausstellung vermischt die unterschiedlichen Designwelten mit dem gewonnenen Wissen um
gesellschaftspolitische Bewegungen, das globale Wirtschaftssystem und der Idee, von den persönlichen
Idealen ausgehend eine bessere Welt zu erschaffen. Das Programm wurde entwickelt, um die Rolle von
Design in einer Gesellschaft zu hinterfragen, für die eine nachhaltige Zukunft unausweichlich wird. In einer
Zeit, in der „Nachhaltigkeit“ ausgiebig diskutiert, angepriesen, aber auch missbraucht wird, kann so das
aktuelle Verständnis der Thematik erforscht und diskutiert werden.
Art Intervention brings together a group of international designers and artists from various
backgrounds to approach the idea of sustainability – the practical as well as the conceptual
side – collectively. We asked them to go back to the core of what being a designer (or an artist, or
both…) is all about. To stand still – if only for a second – reflect, and then go back to join the dots.
‘How to change the world?’ was the motto with which we entered this journey together: each
free to create their own path. This little question has resulted in a series of answers, consisting
of more questions, statements, dilemmas and new concepts for sustainable living, working and
designing.
The exhibition mixes their different design worlds with insights from socio-political movements,
global economy and the idea of creating from your personal ideals for a better world. The
program is designed to create a disruptive space to question the role of design in society as
we inevitably move towards a more sustainable future. In a time where ‘sustainability’ is widely
discussed, promoted and misused, it questions and explores people’s actual understanding of
the issue.
1 Geert Bartelink is a visual artist living and
working in Groningen, the Netherlands. The
collapsing buildings in the three paintings he
created for ‘Art Intervention’ are a reaction
on the actualities reaching the artist through
newspapers and the Internet. On the one
hand, these buildings symbolize the decay and
threats often mentioned in these news items.
But they also tell us a story about the hope of
breaking out of oppressive social systems.
1 Geert Bartelink ist Maler und lebt und arbeitet
in Groningen. Die drei Werke, die er für Art
Intervention geschaffen hat, stellen seine
Reaktion auf die aktuellen Gegebenheiten dar,
die ihn über Zeitungen und Internet erreichen.
So symbolisieren die zusammenbrechenden
Gebäude auf seinen Bildern einerseits den Verfall
und die Bedrohung, die so oft in den Medien
betont werden. Andererseits aber erzählen sie
auch von der Hoffnung, aus diesen bedrückenden
Sozialsystemen ausbrechen zu können.
2 Dutch designer Renée Boute’s projects are
based on a thorough research into crafts,
culture, sustainability, materials and nature.
Giving value to worthless material is an
important driver in her projects, which is what
she did with “MIKS”: the collection made out of
clay changes the role of waste in the ceramic
world, giving new meaning to a material that
would otherwise land in the trash.
2 Die Projekte der niederländischen Designerin
Renée Boute basieren auf einer intensiven
Auseinandersetzung mit Handwerk, Kultur,
Nachhaltigkeit, Materialien und Natur. Wertlosem
Material einen neuen Wert zu geben ist dabei eines
der Hauptanliegen, das sie auch für ihr Projekt
„MIKS“ umgesetzt hat: Indem sie eine Kollektion aus
Abfallsprodukten der Keramikherstellung entwirft, gibt
sie Restmaterialien, die normalerweise im Müll landen
würden, einen neuen Wert und hinterfragt nebenbei
unsere Auffassung von „Abfall“.
ART INTERVENTION
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3 While textile-artist Hannah Kindler comes
from Germany, brand developer and
conceptual thinker Moulsari Jain was born
in India. Both met in Amsterdam asking
provocative questions about the way we live
and wondering about how each of us can
make his or her contribution to change. Their
installation ‘Objets d’art’ revalues objects as
vehicles carrying human stories, creating a
deeper connection to the objects that surround
everyone of us.
3 Die Textilkünstlerin Hannah Kindler aus Deutschland
und die Markenentwicklerin und konzeptionelle
Denkerin Moulsari Jain aus Indien leben und
arbeiten beide in Amsterdam. Zusammen stellen
sie provokante Fragen über unsere Lebensweisen
und fragen sich, wie jede/r Einzelne ihren oder
seinen Beitrag zu einer Veränderung leisten kann.
Mit ihrer Installation “Objets d’art” nehmen sie eine
Neubewertung von Objekten vor und verweisen
auf diese als Träger menschlicher Geschichten.
Ihr Anliegen ist es, eine tiefere Verbindung zu den
Objekten zu schaffen, die jeden von uns umgeben.
4 Iris Kloppenburg is an Amsterdam based
designer who explores the unbeaten paths
of design & technology. By transmitting the
needs and dreams of the public to those who
can realise them, she is able to trigger new
design scenarios. Her mixed media installation
‘Designed by microorganisms’ is about a special
relation: design and its symbiosis with nature.
The designer interests how this symbiosis can
trigger our sensations, emotions and inspire us
to a new level of interaction and communication.
4 Iris Kloppenburg ist eine Designerin aus
Amsterdam, die neue Potenziale von Design
in Verbindung mit Technologie erkundet und
dabei neue Design-Szenarien erschafft. In
ihrer Multimedia-Installation “Designed by
microorganisms” verweist sie auf ein besonderes
Verhältnis: die Symbiose von Design und Natur.
Das besondere Interesse der Designerin gilt der
Frage, wie diese Symbiose unsere Sinneseindrücke
und Emotionen beeinflusst und ob sie uns zu einer
neuen Stufe der Interaktion und Kommunikation
inspirieren kann.
5 Joran Koster is a graphic designer from the
Netherlands. His work comes into being on the
cross section of culture and media, creating
social interventions and showcasing ideas and
problem solving under conditions of scarcity.
His photographic project ‘Converted Bicycles’
displays how bicycles in India are adjusted to
accommodate a wide spectrum of tasks with
minimal tools and resources as the bicycle
fulfils an essential role in supporting and even
creating the livelihood of many.
6 Maria Mancini Ys is a visual artist based in
Vlissingen, the Netherlands. Her work is multi-
disciplinary and has its roots in popular culture,
anarchy and philosophy. Her project ‘Dear
Mr. Present State’ is a personal experiment;
utilizing a back to basic-‘Do as the ancestors
do’-principle, using only self-created, natural
pigments. She wanted to create a confrontation
between her own attitude towards aesthetics
versus her desire to work in the most sustainable
way possible as a modern-day artist.
6 Maria Mancini Ys ist eine Künstlerin aus
Vlissingen, deren multi-disziplinäre Arbeit in der
Pop Kultur, dem Anarcho-Gedankengut und der
Philosophie verwurzelt ist. Das Projekt „Dear Mr.
Present State“ ist ein persönliches Experiment,
bei der sie auf das elementare „Zurück-zu-den-
Ursprüngen“-Prinzip zurückgreift und nur selbst
erzeugte, natürliche Pigmente verwendet. Damit
will sie eine Konfrontation zwischen ihrem eigenen
ästhetischen Anspruch und ihrem Wunsch
nach einer möglichst nachhaltigen Arbeitweise
hervorrufen und so auf den Konflikt einer modernen
Künstlerin hinweisen.
ART INTERVENTION
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5 Die Arbeiten des niederländischen Grafik-
designers Joran Koster entstehen an der
Schnittstelle von Medien und Kultur. Sie können
als soziale Interventionen verstanden werden
und zeigen Ideen und Problemlösungen,
die unter verschärften Bedingungen wie
Ressourcenknappheit und Mangel entstehen.
Sein Fotoprojekt “Converted Bicycles” zeigt, wie
Fahrräder in Indien mit einfachsten Werkzeugen
und Mitteln an die vielfältigsten Aufgabenbereiche
angepasst werden können und so eine wesentliche
Rolle bei der Schaffung von Existenz und deren
Aufrechterhaltung einnehmen.
7 Croatian Designer Mia Ventin is currently
researching sensory/synaesthetic values
and different social factors that dictate the
development of design in order to create new
materials, shapes and functions of objects
and space. Her project is a research about
smell, presented in a video and a book. Often
overlooked and ignored, smells are providing
a very specific and complex information
about matter, even being able to recall strong
memories and their associated emotions.
7 Die kroatische Designerin Mia Ventin erforscht
die sensorischen und synästhetischen Wirkungen
sowie die unterschiedlichen sozialen Faktoren, die
die Entwicklung des Designs derzeit bestimmen.
Ihr Ziel ist es, neue Materialien, Formen und
Funktionen von Objekten und Räumen zu
entwickeln. In ihrem aktuellen Projekt untersucht
sie Gerüche. Diese geben - obwohl oft unbemerkt
und ignoriert - sehr genaue und komplexe
Informationen über Sachverhalte preis. Mit
ihrer Hilfe ist sogar möglich, verloren geglaubte
Erinnerungen und die damit verbundenen
Emotionen wieder zu beleben.
'I am strongly convinced that the combined strength of every individual will lead to something we have not yet even dared to dream of.'
Shevia Limmens Leidenschaft gilt innovativer Kunst
und Technologie. Die niederländische Gestalterin
und Gründerin von Dotsmagazine bringt Kreative
zusammen und erzählt deren Geschichten, um
zu inspirieren und neue Lösungsansätze für die
Herausforderungen der Gegenwart vorzustellen.
Ihr eigentliches Projekt wird erst während des
Festivals in München richtig starten – dann macht
sie sich auf die Suche nach den Gründen des
Tatendrangs heutiger Gestalter: warum sind sie mit
der Realität, so wie sie ist, nicht zufrieden? Und
was tun sie dagegen?
8 Liesbet Rabbinge is a freelance exhibition
and interior designer from the Netherlands.
Her project is about delivering tools to create
furniture from garbage and second hand
articles. Leftover plates and tubes can be
converted with personalized, 3d-printed
components. In the slums in the third world
where waste is lying around everywhere,
plastic bags with designed patterns and tape
can create seating elements.
Dutch creative maker and founder of
dotsmagazine Shevia Limmen has a passion
for cutting-edge art and technology. She works
together with creatives and uses their stories
to inspire and to offer new solutions to the
challenges the world faces today. Her project
will only start off during the Munich event , as
she will try to sense the reasons behind today’s
artists’ urge to change something about the
reality as it is.
"Ich bin fest davon überzeugt, dass die gemeinsame Stärke jedes Einzelnen zu etwas führen wird, von dem wir noch nicht einmal gewagt haben zu träumen."
ART INTERVENTION
41
9 Dutch designer, musician and consultant
Japp Warmenhoven’s work is aimed at a concrete
role for art and design in the heart of social and
organizational problems. According to him, we
need to change, but he is not sure if we are up for
the task. ‘Soon now’ is an open invitation from the
artist to share doubts about our ability to change:
an experiment controlled by an analogue chess
clock that is supposed to make you feel better,
maybe.
9 Der niederländische Designer, Musiker und Berater
Jaap Warmenhoven widmet sich der Aufgabe, einen
konkreten Platz für Kunst und Design bei der Lösung
sozialer und organisationsbezogener Probleme zu
schaffen. Seiner Meinung nach brauchen wir eine
Veränderung – allerdings ist er sich nicht sicher,
dass wir für diese Aufgabe schon bereit sind.
Seine Installation “Soon now” ist daher als offene
Einladung zu verstehen, die Zweifel des Künstlers
zu teilen: Ein Experiment, das von einer analogen
Schachuhr kontrolliert wird und dazu beitragen soll,
sich besser zu fühlen – eventuell.
8 Liesbet Rabbinge ist freiberufliche
Ausstellungsdesignerin und Innenarchitektin aus
den Niederlanden. In ihrem Projekt geht es darum
aufzuzeigen, wie aus Müll und Secondhandwaren
neue Möbel gefertigt werden können:
Bestimmte Restmaterialien können mit Hilfe von
personalisiertem 3D-Druck umgewandelt werden.
Und aus Plastiktüten und Klebeband kann man
Sitzgelegenheiten einfach herstellen: dazu kann
beispielsweise der Müll verwendet werden, der
überall herumliegt.
NOMADIC SCULPTURE / BIKE LAB
43
N S
B LFREIGELÄNDE VOR / FREE SPACE IN FRONT OF
IMPORT EXPORT KANTINE / CANTEEN
1
2
1 The ‘Nomadic Sculpture’ is a usable art object
for public spaces, created under the leadership
of concept artist Philip Metz from Berlin. The
sculpture is largely made of old recycled timber
and can vary in shape and dimensions because
of its modular structure. It was mainly made
with skateboarders in mind. The object kept
developing during its journey through Munich
to five urban unused places. The experience
gained and the dialogue with the surroundings
and the public was used in the continuing design
process. The ‘Nomadic Sculpture’ therefore
surpasses an expectation that would be hard to
fulfil anyways – especially for an object of art,
which per definition is not an object created with
the purpose of being used.
NOMADIC SCULPTURE
45
1 Die Nomadic Sculpture ist ein nutzbares
Kunstobjekt im öffentlichen Raum, das unter der
Leitung des konzeptionell arbeitenden Künstlers
Philip Metz aus Berlin entstand. Die Skulptur besteht
zum Großteil aus altem, wieder verwendetem Holz
und ist wegen ihres modularen Aufbaus in Form und
Größe variabel. Sie ist vor allem für die Nutzung
durch Skateboarder gedacht. Mit der Wanderung
durch München und den Zwischenstopps an fünf
ungenutzten Stadträumen entwickelte sich die
Nomadic Sculpture stets weiter. Die gewonnene
Erfahrung und der Dialog mit der Umgebung und
der Öffentlichkeit wurden in den fortlaufenden
Designprozess mit aufgenommen.
Die Nomadic Sculpture löst damit eine Aufgabe,
die nur schwer zu erfüllen ist: die Vereinbarung von
Kunstwerk und Gebrauchsgegenstand. Schließlich
ist Kunst eigentlich nicht dafür gemacht, „genutzt“
zu werden.
2 Fahrrad-Bauer Vasily Orlov Wagner, der der
kreativen und fahrradverrückten Gruppe „Muslauf“
aus Ljubljana angehört, hat ein Faible für Rostiges.
Eine seiner Grundprinzipien lautet, ausschließlich
Fahrräder zu fahren, die entweder älter als er selbst
sind oder die er selbst zusammengeschweißt hat.
Und selbst dann würde er nichts konstruieren,
was nicht einen eindeutigen Retro-Look hat.
Von ihm sind zwei Werke zu sehen. Das eine
ist das „Assistance Trike“. Das Lastenrad
entstand während des Schmiede Festivals in
Hallein im September 2014 und dient als eine Art
Krankenwagen für Fahrräder, komplett ausgestattet
mit allen nötigen Werkzeugen zur schnellen
ambulanten Reparatur.
Das andere Werk ist die „Cycling Chapel“, eine
künstlerisch gestaltete Fahrradreparaturbox,
die die typischen slowenischen Heustadel und
Kapellen in ihrer Gestalt vereint, aber trotzdem für
den praktischen Einsatz geeignet ist.
2 Bike builder Vasily Orlov Wagner belongs
to ‘Muslauf’ from Ljubljana, a creative group
building crazy bicycles – and he has an eye for
rust. One of his personal rules is that he would
only ride bikes older than himself, unless it is
a bike that he has built. But even in that case,
he would never construct a bike or a trike
without an unmistakeable retro touch. In the
show he exhibits two works. The first one is the
‘Assistance Trike’, created during the Schmiede
festival in Hallein near Salzburg in September
2014. Built for the on-call help for bikers in trouble,
it comes fully equipped with tools for all kinds of
on-the-spot bike repairs.
His other piece is the ‘Cycling Chapel’. The shape
of this publicly accessible toolbox is inspired
by the traditional Slovenian hayrack and by the
countless roadside chapels that are scattered all
along the rural crossroads.
BIKE LAB
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2 Das zweite Fahrrad aus Ljubljana wurde von
dem Industriedesigner Andraž Tarman, ebenfalls
ein„Muslauf“-ianer, entwickelt. Es ist ein „Keg-
Trike“ – eine Mischung aus mobiler Getränke-
Zapfsäule und Lastenrad - und wurde wurde
zusammen mit dem „Assistance Trike“ nach dem
Schmiede Festival auf der „Biking Caravan“-
Radtour von Hallein nach München auf Herz und
NIeren geprüft.
Die Trikes stehen während des Festivals neben den
lustigen Fahrradkreationen des Münchners Volkan
Özekcin zum Ausprobieren bereit. Sie sind gute
Beispiele dafür, wie die scharfe Trennung zwischen
Kunst und Gebrauchsobjekt fließend werden kann.
2 Andraž Tarman is an industrial designer and
also a bike enthusiast of ‘Muslauf’. He led the
development of the ‘Keg-Trike’, which combines
a tricycle with a beverage dispenser. It was
also constructed at the Schmiede festival and
tested together with the ‘Assistance Trike’
thoroughly during a ‘biking caravan tour’ from
Hallein to Munich.
Both bikes can be driven during the time of the
Munich festival – as can the funny creations
of bike builder Volkan Özekcin from Munich.
These works are good examples of how to
dilute the sharp line between art and objects of
everyday use.
The mission of The Department of Arts and Culture,
City of Munich, Germany, as part of the municipality
is to be active in all cultural domains relevant to
an urban environment. It fosters culture and the
arts in Munich by designing and realizing cultural
programmes with local, national and international
partners but also by supporting and funding cultural
institutions and cultural players. Although Munich
has the public image of a traditional city with many
established art institutions, it also has thriving, but
less noticeable, young urban cultures scenes. The
project 'What's the deal?' is meant to empower these
scenes by giving them more visibility, but also to
approach the project’s theme – sustainability – with
artistic means. The Department of Arts and Culture is
the coordinator of 'What's the deal?'.
Founded in 2003, Kunstzentrat e.V., Munich,
Germany, an association focusing on (socio)-cultural
Lokaalmondiaal/Coolpolitics, Amsterdam/Utrecht,
the Netherlands, is a non-profit foundation that -
with its Coolpolitics programme - aims to stimulate
young people to actively and equally participate in
social and political discourse as well as decision-
making processes that form their life, their society
and their future. Coolpolitics creatively fuses youth
culture, art and science into authentic projects with
high attention value and sees its mission to create
PARTNERS
Der Verein Kunstzentrat legt den Schwerpunkt auf sozio-
kulturelle Aktivitäten und auf die Verwirklichung kultureller
und künstlerischer Projekte. Er ist stark verbunden mit
den Künstlerinnen und Künstlern der urbanen Szenen
in München. Seine langfristige Vision ist es, ein Think
Tank für neue und effektive Lösungen zu werden, die
aktuelle Themen zu urbaner Gellschaft und urbanem
Leben aufgreift, wie zum Beispiel die temporäre Nutzung
von öffentlichem Raum oder urbanem Brachland sowie
das Thema Nachhaltigkeit. Bei “What's the deal?”
konzentrierte sich Kunstzentrat e.V. auf die (Rück-)
Eroberung von urbanem Brachland aus der Perspektive
der Skateboarderszene und bot den jungen Kreativen
eine Plattform für Austausch und Präsentation ihrer
Kunstwerke.
Die Aufgabe des Kulturreferates als Teil der
Stadtverwaltung von München ist es, in allen kulturellen
Belangen einer urbanen Umgebung tätig zu sein. Es
fördert Kunst und Kultur in München durch eigene
kulturelle Veranstaltungen mit lokalen, nationalen
und internationale Partnern, unterstützt aber auch
eigenständige Kulturinstitutionen sowie Kulturschaffende.
Obwohl München das Image einer traditionellen Stadt
mit vielen alteingesessenen Kulturinstituten hat, hat es
auch lebendige, aber weniger bemerkte, junge urbane
Szenen. Das Projekt “What’s the deal?” möchte diese
Szenen stärken und ihnen mehr Sichtbarkeit geben.
Gleichzeitig möchte es das viel diskutierte Thema
Nachhaltigkeit mit künstlerischen Mitteln beleuchten. Das
Kulturreferat ist der Koordinator von “What’s the deal?”.
activities and community-related projects, has strong
links to the grassroots artists of the young urban
culture scenes in Munich. Its long-term vision is to
become a think tank on new and effective solutions
for an urban society tackling current issues of
urban life like the (temporary) use of public space,
abandoned places in an urban city or sustainability.
Within 'What's the deal?' Kunstzentrat concentrated
on the (re)claim of urban wasteland from the
perspective of the skateboarder scenes and offered
the young creatives a platform to exchange and
present their work both on local and on international
level. on unused public areas.
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Schmiede Hallein, near Salzburg, Austria, is a
non-profit initiative for the advancement of digital
culture and an annual festival for producers.
Each year, the former saline premises become an
experimental field for around 200+ international
digital creatives and artists to produce their own
projects and/or to collaborate within the Schmiede
network. Throughout the year, the community stays
in active contact via the web. In the context of 'What's
the deal?' Schmiede Hallein provided an open
platform for new sustainable forms of transnational
collaboration and exchange processes. Kino Šiška, Ljubljana, Slovenia, a Centre for
Urban Culture, was founded by the municipality
of Ljubljana to bring contemporary urban cultural
trends into the city. Formerly used as a cinema, it
was completely redesigned and now serves as a
venue for contemporary and urban art where local
as well as international artists perform. In 'What's
the deal?' Kino Šiška emphasized on mural art as a
statement for (re)claiming vertical public space for
artistic expression and on supporting DIY-comcepts
in the field of recycled and self-created design.
Lokaalmondiaal/Coolpolitics mit Sitz in Amsterdam/
Utrecht ist eine Non-Profit-Stiftung, die mit ihrem
Programm junge Menschen dazu anregen möchte,
sich aktiv an gesellschaftlichen und politischen
Entscheidungsprozessen zu beteiligen. Im Projekt
“What’s The deal” organisierte der niederländische
Partner eine Art Intervention mit internationalen
Designerinnen und Designern zum Thema “Wie können
wir die Welt als Designer verändern?”- gemeint in Bezug
auf das Thema Nachhaltigkeit. Die Ergebnisse werden in
der Abschlussausstellung von “what's the deal? - moving
urban cultures” präsentiert.
Die kulturelle Einrichtung Kino Šiška aus Ljubljana,
Slowenien, bezeichnet sich als Zentrum für urbane Kultur.
Sie wurde von der Stadt gegründet, um zeitgenössische
urbane kulturelle Trends nach Ljubljana zu bringen. Früher
als Kino genutzt, wurde das Haus völlig umgebaut und
dient jetzt als Veranstaltungsort für zeitgenössische
Schmiede Hallein ist eine Non-Profit-Initiative zur Förderung
der digitalen Kultur und zugleich ein jährliches Producer-
Festival. Jedes Jahr wandeln sich die früheren Salinenräume
von Hallein bei Salzburg in ein Experimentierfeld
für ungefähr 200 internationale Kreative im Bereich
Medienkunst. Die Teilnehmer/innen setzen entweder
ihre eigenen Projekte um oderarbeiten an gemeinsamen
Projekten mit anderen aus dem Schmiedenetzwerk.
Zwischen den Festivals bleibt die Schmiede Community
aktiv in Kontakt über das Web. Für “What’s The deal?” bot
Schmiede Hallein eine offene Plattform für neue nachhaltige
Formen transnationaler Zusammenarbeit.
a global civil society for youth. In the project 'What's
the deal?', Coolpolitics organized an international
art intervention on 'How to change the world as a
designer?' aimed at sustainability. The results are
shown in the exhibition of 'moving urban cultures'.
und urbane Kunst, an dem sowohl lokale wie auch
internationale Künstlerinnen und Künstler auftreten.
In “What's the deal?” lagen die Schwerpunkte von
Kino Šiška auf Mural Art als einem Statement für die
(Rück-)Eroberung von vertikalen öffentlichen Raum für
künstlerischen Ausdruck und auf D.I.Y.-Konzepten im
Bereich von recyceltem und selbstgeschaffenem Design.
Published by: Department of Arts and Culture,
City of Munich, GERMANY
Overall project coordination:
Kulturreferat LH München
(Hertha Pietsch-Zuber, Patricia Müller)
in cooperation with
Kunstzentrat e.V., München
(Tuncay Acar - contributing the idea to WTD)
Kino Šiška, Ljubljana
(Piera Ravnikar, Uroš Veber)
Coolpolitics, Amsterdam/Utrecht
(Susanne Eskens-Vinck)
Schmiede Hallein
(Rüdiger Wassibauer, Kerstin Klimmer)
Exhibition:
Curators of the exhibition:
Alexandra Weigand und Johanna Kronhofer
Curator FSPU: Tuncay Acar
Exhibition architecture:
Boris Maximowitz in cooperation with TREIBGUT
Technical support:
Michael Bischoff
Programme of the festival:
Overall coordination:
Tuncay Acar, Johanna Kronhofer, Patricia
Müller, Hertha Pietsch-Zuber supported by
Laura Kohlstetter and other interns
Technical support:
Michael Bischoff
Panama Plus 2015:
Florian Kreier and Panama Plus Team
velocity:
Florian Schönhofer
New.Design.Culture:
Alexandra Weigand
Skateboarding, Arts and Culture:
Matthias Wiegele
Special thanks to all the helping and supporting
hands - be it in Munich, Ljubljana, Amsterdam/
Utrecht or Hallein - who have made this project
come to life and stay alive.
Editorial Team: Ralf Josef, Hertha Pietsch-Zuber,
Alexandra Weigand
Design and graphics: Ralf Josef
Font: Linotype Neuzeit S Book / Book Heavy
All pictures by courtesy of the artists.
WTD was realized with the support of
This project has been funded with support from
the European Commission. This publication
solely reflects the views of the authors, and the
Commission cannot be held responsible for
any use which may be made of the information
contained therein.
Published under the Creative Commons BY-NC-
SA 3.0 License
© 2015, Department of Arts and Culture, City of
Munich, Germany
whatsthedeal.eu
www.facebook.com/wtdproject
M Ü N C H E N
IMPRINT / IMPRESSUM
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