catalogue d'archives 2009-2006
DESCRIPTION
Catalogue d'archives des expositions de 2006 à 2009, Observatoire maison GrégoireTRANSCRIPT
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L’Observatoire maison Grégoire
Expositions Exhibitions TentoonstelligenArchive Archief
2009 - 2006
Liste des artistes exposés de 1995 à 2009 à l’Observatoire maison Grégoire
Beatrijs Albers, Jacques André, Danai Anesiadou, Fabienne Audéoud, Sven Augustijnen, Simon Backès & Loîc Vanderstichelen, Laurent Baudoux, Jean Bedez, Marianne Berenhaut, Andy Best, André Beullens, Maura Biava, Pierre Bismuth, Aline Bouvy & John Gillis, Anne Brégeaut, Paul Casaer, Itsasne casas, Christophe Charon, Leo Chiachio, Fia Cielen, Philippe Cognée, Delphine Coindet, François Curlet, Anne Daems, Franck David, Koen de Decker, Alain Declercq, Damien Delepelaire, Monsieur et Messieurs Delmotte, Simona Denicolai & Ivo Provoost, Spencer Dormitzer, Christoph Draeger, David Evrard, Marie - Hélène Fabra, Peter Fletcher, Michel François, Patrice Gaillard & Claude, Toni Geirlandt & Carlos Montalvo, Agnès Geoffray, Catherine Geoffray, Babak Ghazi, Eric Gianquinto, Gonzalez & Russom, Jos de Gruyter & Harald Thys, Stéphan Guéneau, Chris Hanson & Hendrika Sonnenberg, David Hartt, Sophie Hassaerts, Mark Hosking, Philippe Hurteau, Runa Islam, Arato Janos & Miss X, Ann Véronica Janssens, Lydie Jean - dit - Panel, Bernard Joisten, Véronique Joumard, Ian Kiaer, John Knight, Regine Kolle, Paul Langworth, James Lee Byars, Adam Leech, Gabriel Lester, Trine Lise Nedreaas, Emilio Lopez - Menchero, Tatsuya Mc Coy, Jill Magid, Valérie Mannaerts, Julien Meert, Marie - Claire Mitout, Michelle Naismith, Warren Neidich, Olivier Nolin, Sophie Nys, Els Opsomer, Guillaume Paris, Pol Pierart, Régis Pinault, Benoit Plateus, Merja Puustinen, Claudia Radulescu, David Ramirez, Jimmy Robert, Benoît Roussel, Emma Rushton, John Russel, Eléonore Saintagnan, Joost Shouppe, Timothy Stappaerts, Olivier Stévenart, sun ok papi ko, Pierre Tatu, Christophe Terlinden, Philippe Terrier - Hermann, Derek Tyman, Joêlle van Autreve, Grégorio Vardanega, Mickael van den Abeele, Koen Van den Broek, Gert Verhoeven, Richard Venlet, Barbara Visser, Leen Voet, Freek
Wambacq, Nicole Wermers, Brigitte Zieger.
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THE HOUSE / LA MAISON /HET HUIS
Construite en 1933 pour le docteur Grégoire, cette maison est la plus petite réalisée par le célèbre architecte belge, Henry Van de Velde. Elle est son ultime projet résidentiel conservé à ce jour et a été classée en 1982. Également peintre, essayiste, ensemblier à ses débuts, Van de Velde architecte évoluera d’un style personnel résultant d’une fusion entre l’Art Nouveau et l’Arts and Crafts vers l’expression pure d’un fonctionnalisme sublimé. S’il a proclamé que « la fonction engendre la forme » et si son leitmotiv était la conception rationnelle, c’est bien à la forme – de plus en plus épurée au cours des ans – qu’il apporta toujours plus de soin.Les pièces de réception de la maison, maintenues dans leur état d’origine, sont consacrées aux expositions. Elles abritent quelques éléments de mobilier du XXe siècle qui attestent de la fonctionnalité multiple du lieu : exposer/ habiter/ travailler. Les œuvres sont ainsi intégrées de façon intime et directe à une architecture bien moins anonyme que celle d’un White Cube et qui est vivifiée par la présence manifeste du jardin.
Built in 1933 for Doctor Grégoire, this house is a construction by the celebrated Belgian Architect Henry Van de Velde. It is, in scale, his smallest realization which has survived to this day. It was listed in 1982. Also active at the beginning as a painter and a decorator, Van de Velde architect will first operate a personal synthesis between Crafts and Art Nouveau before developing a practice which is generally regarded as the paradygmatic and perfectly balanced expression of modernism. If in his Bauhaus years he often proclaimed that « function had to generate form » and if his leitmotiv was indeed rational conception, it is to the simple and sublimated expression form that he was going over the years to concentrate increasingly.It is the ground floor reception rooms of the residence, still in their original state, which currently house the exhibitions. A few elements of XXth century furniture
testify of the current poly-functional use of the architecture which acts as a residence, an office and exhibition space. Far from the anonymity of the White Cube, the works exhibited at maison Gregoire are thus integrated in an intimate way to day - to - day life of this exceptional piece of architecture, also enriched by the manifest presence of a remarkable garden.
Maison Grégoire in the end of the Thirties.
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THE HOUSE / LA MAISON /HET HUIS
un quartier verdoyant de la capitale européenne.
Le lieu stimule autant par son potentiel et ses qualités architecturales que par les contraintes qu’amène sa polyvalence d’espace de vie et de travail pendant la semaine. Les expositions, accessibles le week - end et sur rendez-vous, doivent tenir le pari d’une intégration à ce fonctionnement modulaire. Ces spécificités en on fait un moment particulier dans la carrière de ces jeunes artistes souvent habitués à présenter leurs travaux dans des lieux plus conventionnels dans leur fonctionnalité ou anonymes dans leur architecture.
Depuis Septembre 2008, la programmation artistique de la maison Grégoire est assurée par Emmanuel Lambion (Bn PROJECTS), en concertation avec les membres de l’Observatoire maison Grégoire asbl.
L’Observatoire maison Grégoire vzw is gesticht in 1995 door Veronique en Philippe Terrier - Hermann en Thomas Simon. Het doel was om artistieke projekten te ontwikkelen in het kader van een modernistisch huis gebouwd in 1933 door architect H. Van de Velde.
Specifiek is dat het huis zowel als een privé woning, een kantoor en een tentoonstellingsruimte functioneert. Sinds 1996 concentreeert de programmatie zich op specifieke, geïntegreerde projekten van jonge Belgische en internationale kunstenaars en curatoren, voor wie L’Observatoire maison Grégoire vaak de lancering in Brussel heeft betekend. Onder andere Maura Biava, Anne Daems, Els Opsomer, Christoph Draeger, Mark Hosking, Runa Islam, A. V. Janssens, Leen Voet, Barbara Visser, stelden tentoon in L’Observatoire maison Grégoire.
Sinds de zomer van 2008 wordt de artistieke werking verzorgd door Emmanuel Lambion / Bn Projects. De
Présentation / Presentatie /Presentation /
L’Observatoire maison Grégoire asbl, située dans ce fleuron du modernisme qu’est la maison Grégoire ( 1933 ) d’Henry van de Velde, est née en 1995 de l’initiative de Véronique et Philippe Terrier - Hermann et de Thomas Simon. Il s’agissait pour les fondateurs de l’asbl de rendre accessible ce lieu au public, à travers la mise en place d’une programmation d’expositions d’artistes émergeants.
Dès 1996, les fondateurs ont ouvert la programmation par l’invitation de commissaires extérieurs tels que Pascal Beausse, Anne Wauters, Jean-Paul Jacquet, Stéphane Roussel ou encore Florence Derieux. Invitant ensuite en 2004, les artistes Maura Biava, Mark Hosking, Runa Islam à les rejoindre dans un collectif de conseil artistique du lieu, les fondateurs ont poursuivi leur politique de plate - forme ouverte à l’expérimentation curatoriale et artistique.
Depuis 1995, la maison Grégoire a en effet présenté les travaux de plus d’une cinquantaine d’artistes tels que Els Opsomer, Christoph Draeger, Anne Daems, Ann -Veronica Janssens, Philippe Cognée, Jimmy Robert et John Knight. Les projets thématiques alternent avec les expositions en duo ( e.g. Peter Fletcher et Emilio Lopez - Menchero, Barbara Visser et Philippe Terrier-Hermann ) ou monographiques: c’est ainsi que Messieurs Delmotte, Delphine Coindet, Véronique Joumard, Sofie Haesaerts, Adam Leech, Jill Magid y ont réalisé leurs premières expositions personnelles en Belgique.
Alternative voire pionnière dans son fonctionnement et dans ses choix curatoriaux, l’asbl Observatoire maison Grégoire investit une résidence historique emblématique de l’architecture moderne, situé dans
doelstelling is om vier tot zes tentoonstellingen per jaar te organiseren.
L’Observatoire maison Grégoire was founded in 1995 by Véronique and Philippe Terrier - Hermann and Thomas Simon. Its object is the organisation and the promotion of site-specific art projects especially conceived for the framework of the modernist maison Grégoire house, built in 1933 by Architect H. Van de Velde .
Presently, the main feature of the house is that it functions simultaneously as a residence, as an office and as a private art centre. Since the beginning of its activity, the emphasis has been put on specific and « integrated » proposals from young artists and curators from Belgium and abroad, for which the show at maison Grégoire often acted as a première in Brussels. Among many others, Barbara Visser, Runa Islam, Adam Leech, Maura Biava, Anne Daems, Els Opsomer, Michel François, Christoph Draeger, Mark Hosking, A. V. Janssens have exhibited here.
Since the summer of 2008, the curatorial activity of maison Gregoire has been ensured by Emmanuel Lambion / Bn PROJECTS, in collaboration with founders of L’Observartoire maison Grégoire.
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EXHIBITIONS / EXPOSITIONS / TENTOONSTELLINGEN
2009
IN THE MIND’S I, Warren Neidich
Curator : Emmanuel Lambion
A room painted in a light colour, empty, except for some chairs and a table. On the table are some objects, which include a sphere, pyramid and a cube. Some fetish objects such as talisman, post cards of art works and post cards from distant and exotic places. The visitor enters the room and sits opposite to the Agent.
Agent: Please sit down. (Participant sits in the empty chair and adjusts him or herself). The idea of this artwork as you may already know is for me to guide you in the production of a number of artworks, which I want to form in your mind. This situation is somewhat analogous to reading a beautiful description in a book in which the authors description produces in your mind’s eye a garden, or a living area or a rosy cheeked girl. To start this process I want you to choose one of the objects on the table and hold it in your hand. (She picks up the pyramid). Now really feel it and get to know it. Next I want you to throw these dice here. (Throws dice and gets a six). There are six cards on the table of distant and exotic places, Please pick the sixth card, which is of a picture of a beach in Madagascar. Palm trees create a crescent line formation and the white caps of the waves dance in the sun. Finally from the series of cards depicting art works choose your favourite. (She chooses a post card of a Malevich painting).
• A : I would like to help you imagine a group of works on paper, sculptures and performances. Please relax and close your eyes.• A : I want you to imagine a pencil. The first pencil you can remember from your first classroom. Is it yellow, blue?
• P : It is yellow• A : Does it have an eraser?• P : Yes it is red and on the end. • A : Can you point the pointed part of the pencil towards me?• P : Okay
This begins In the mind’s I, a one - on - one performative art work in which Warren Neidich utilizes visual memories of objects and scenarios of participants and a set of presented real objects to create works of art in their mind’s eye. The Minds Eye Becomes a kind of Stage in a Theater of consciousness that doubles as an immaterial Exhibition space. Each participant will be asked to make five very different pieces to hang or to be installed sequentially but appreciated finally simultaneously as an exhibition in their mind’s eye. As such the works of art only exist during the time of the performance. No physical trace is left behind to sell or barter. Although it is conceivable that the participant will take home certain memories with them that were generated during the performance. Each artwork can only be known as such to that particular participant, as they were the only ones who really experienced it. It is made up of her or his memories and is therefore a unique work of art. Does that visitor become the artist? Who owns the work? What are its display conditions? Is that person the only one who has the ability and right to display that work forever in their mind?
Performance, 2009 Warren Neidich.
Performance, 2009 Warren Neidich.
Performance, 2009 Warren Neidich.
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EXHIBITIONS / EXPOSITIONS / TENTOONSTELLINGEN
2009
TWINSBeatrijs Albers
Curator : Emmanuel Lambion
Twins , une installation in situ spécialement conçue par Beatrijs Albers. Tout a commencé par un click, ou, plutôt, par une série de clicks, ceux par lesquels Beatrijs s’est, sur un site d’enchères bien connu, portée acquéreuse d’un fauteuil des années 50 dans le style de Marco Zanuso, offert à un prix raisonnable. Il fallait que ce le fût, car l’objectif de Beatrijs Albers, conviée à participer à l’exposition de 58t à Bruxelles - Congrès dans le cadre du projet PARK58 (www.park58.be), était aussi simple que radical : détruire le fauteuil, le couper en deux, performer la coupure d’un symbole utilitaire d’une époque révolue de façon aussi juste et précise que possible et en reconfigurer les morceaux, pour ensuite les photographier.
Au - delà de la lettre du geste, on pressent des entrées de lecture et de symbolisation multiples, en accord avec le cadre large de réflexion qui était proposé par PARK58 : la réflexion sur la réappropriation utopique, virtuelle ou possible, mais déjà symbolique d’une histoire et d’un environnement urbains au travers d’une réflexion et d’une proposition sur un bâtiment emblématique d’une époque, d’un rapport à l’urbanité et de l’histoire d’une ville, Bruxelles... Dans le geste de translation symbolique posé par Albers se dessinent d’emblée toute une série de questions : celle de notre rapport à notre héritage patrimonial et à notre culture urbaine, qui, quoique récents, ne s’en trouvent pas moins menacés. Celle de la destruction aussi, comme nécessité dans l’évolution d’une ville ? Dans quelle mesure et suivant quelle approche ? En d’autres termes, la « monumen-talisation », la réévaluation symbolique et matérielle d’une élément banalisé de notre quotidien passe - t - elle par l’adoption d’un point de vue extérieur, par celle du prisme perspectif « héroïque » et « romantique » qui serait celui de l’autre, du touriste ?
A l’instar du projet fondateur PARK 58 / 58T , Twins peut aussi nous parler de Bruxelles, nous interpeller par des allusions à peine voilées au devenir de notre vivre ensemble.
Au - delà, et élargies, ces questions se posent comme autant de métaphores du geste créatif, de la dynamique de la poïesis. La destruction pour la reconstruction et la reconfiguration des possibles, de multiples possibles, est d’ailleurs l’une des constantes récurrentes qui traversent l’oeuvre de Beatrijs Albers. Tout comme la métaphore du regard de l’autre qui serait le regard de l’artiste détruisant altérant une forme ou un concept donnés pour arriver à une parthénogénèse de multiples combinatoires. La translation de l’idée initiale à la maison Grégoire offre de nouvelles involutions et résonances au projet : Car si l’édifice moderniste est antérieur à l’objet qui a servi de base aux propositions sculpturales, il porte en lui de façon intrinsèque des interrogations similaires sur la transmission des formes et des volumes, sur la transmission et la réactivation d’un héritage et d’une mémoire, ne fût - ce déjà, de façon tout à fait littérale, par l’utilisation multiple qui en est faite (habitation résidentielle, bureau, lieu de présentation de projets artistiques). Ramener le fauteuil transsubstantialisé, l’objet mobilier devenu « sculpture et structure » dans un intérieur fait ressortir la question du détournement fondateur de l’oeuvre d’art en même temps qu’il souligne l’ambivalence liminale des notions d’intérieur et d’extérieur de la pièce. Le format « exposition » permet de prolonger la dynamique combinatoire qui était initiée à Congrès par le choix d’un seul et unique cliché. Ici ce ne sont pas moins de 12 « états sculpturaux » du fauteuil qui sont présentées sous des formes distinctes, permettant à la fascination de l’artiste pour l’objet producteur de formes multiples de trouver libre cours.
Amplifiées par les variations de format et de présentation, les clichés se déclinent comme autant de réactivations du possible du geste et de l’objet. Un accessoire, une couverture banale de coton gris et brut permet en outre l’éventail d’un jeu dialectique d’occultation et de révélation de la forme sculpturale, porteur de sens supplémentaire... La vidéo, à la fois très brute, frontale et confidentielle de la destruction du
Photograph, Beatrijs Albers.
fauteuil / création de l’objet artistique accompagne en contrepoint la présentation des clichés. Revitalisé du fait de sa simple destruction, ou plutôt d’une division de ses parties qui le transpose dans un autre champ fonctionnel et sémantique, Twins nous renvoie aussi de façon explicite à la dualité organique de la naissance et du développement d’un corps par la simple division, le simple dédoublement de ses parties. Tout se passe
comme si le spectateur était aussi en quelque sorte invité à accepter l’idée de l’aliénation, de la perte de l’intégrité, d’une identité figée et univoque pour faire le pari d’une multiplicité polymorphe, polysémique et, indifféremment, a - ou poly - fonctionnelle.
Avec le soutien de la Vlaamse Gemeenschapscommissie
Twins is een in situ installatie van Beatrijs Albers die speciaal ontworpen werd voor de ruimte van het maison Grégoire. Alles begon met een klik, of beter : met een reeks klikken – die waarmee Beatrijs op een welbekende veilingswebsite eigenares werd van een fauteuil uit de jaren ’50, in de stijl van de Italiaan Marco Zanuso, aangeboden tegen een schappelijke prijs. Het doel van Beatrijs Albers, die uitgenodigd was om deel te nemen aan de tentoonstelling 58t in Brussel - Congres in het kader van het project PARK58 (www.park58.be), was even simpel als radicaal : de fauteuil vernietigen, hem doormidden zagen, en daardoor op performatieve wijze breken met een utilitair symbool uit een vervlogen tijd, zo juist en precies mogelijk, om vervolgens de stukken in een nieuwe configuratie te plaatsen en te fotograferen.
Aan het concrete gebaar kan men verschillende lezingen koppelen, zeker in het bredere reflectiekader dat het project PARK58 bood. Dat nodigde uit tot een reflectie over de utopische, virtuele, mogelijke en symbolische toeëigening van een geschiedenis, van een urbanistische context en omgeving, doorheen de reflectie over en het voorstel voor Parking 58 – een gebouw dat emblematisch is voor een tijdperk, voor een verhouding tot de stad en tot de geschiedenis van Brussel.
In het symbolische gebaar dat door Albers werd gesteld, tekenen zich een hele reeks vragen af : die
over onze verhouding tot ons stedelijk erfgoed uit de tweede helft van de twintigste eeuw, dat, hoe recent ook, nu al bedreigd is. En ook die rond vernietiging : een noodzakelijke voorwaarde voor de evolutie van een stad ? Zoja, in welke mate en volgens welke benadering ? Gebeurt de monumentalisatie, de symbolische en materiële herevaluatie van een gebanaliseerd element uit onze dagelijkse omgeving door een extern standpunt in te nemen, door te kijken doorheen het prisma van wat « heroïsch » en « romantisch » is – het kijkpers-pectief van de ander, de toerist ? In navolging van het project PARK58 / 58t, waarin de tijd en de inzet die nodig waren om tot de realisatie ervan te komen zeker getuigen van de vitaliteit van een dynamische culturele context, maar ook van het vaak beklemmende keurslijf waarin de aanwezige energieën al te vaak worden gedrongen – het project zocht hiervoor een uitweg, een nieuwe bestemming –, kan ook Twins ons iets vertellen over Brussel, en ons aanspreken door de nauwelijks verholen allusie op de evolutie en toekomst van ons « samen leven ».
In bredere zin zijn deze vragen ook te lezen als metaforen van het creatieve gebaar, van de dynamiek van de poièsis. Destructie in dienst van de reconstructie en herconfiguratie van mogelijkheden, van multipele mogelijkheden, is trouwens een terugkerend concept in het oeuvre van Beatrijs Albers. Net als de metafoor van de blik van de ander als blik van de kunstenaar, die een gegeven vorm of concept vernietigt en verandert om te komen tot een parthenogenese van multipele combi-natiemogelijkheden. Het overbrengen van het project naar het maison Grégoire biedt nieuwe wendingen en resonanties. Want hoewel dit modernistische gebouw ouder is dan het object dat als basis heeft gediend van de sculpturale voorstellen, draagt het op intrinsieke wijze gelijkaardige vragen in zich over de overlevering van vormen en volumes, het doorgeven en het opnieuw
Photographs and sculpture, Beatrijs Albers.
activeren van een erfenis en een herinnering – al was het maar op de erg letterlijke manier van het multipele en polymorfe gebruik dat men van het gebouw maakt (als residentiële woning, als kantoor, als presentatieplaats van artistieke projecten). Doordat de « getranssubstan-tialiseerde » fauteuil, het « tot sculptuur en structuur geworden meubelobject » opnieuw een plaats krijgt in een interieur, komt het vraagstuk bovendrijven van de
scheppende afwijking die aan de grondslag ligt van het kunstwerk, en verschijnt tegelijk de ambivalentie van de noties van de binnenkant (het « interieure ») en de buitenkant (het « exterieure ») van het werk. Het format van een tentoonstelling laat toe om de dynamiek van combineren verder te zetten die in Brussel - Congres was ingezet door één enkele foto. Deze keer worden niet minder dan 10 ‘sculpturale toestanden’ van de
doorgezaagde fauteuil gepresenteerd als afzonderlijke formaties, waardoor Beatrijs Albers haar fascinatie voor het object als voortbrenger van verschillende vormen de vrije loop kan laten.
Versterkt door de variaties in hun formaat en presentatie, vormen de foto’s even zovele activaties van de potentialiteit in het gebaar en het object. Een accesoire, een banaal deken van ruwe grijze stof ontvouwt bijvoorbeeld een dialectisch spel van onthullen en verhullen van de sculpturale vorm, en legt op die manier bijkomende betekenissen bloot. De video – tegelijk bruut, frontaal en vertrouwelijk – over de destructie van de fauteuil en de creatie van het artistieke object vormt het contrapunt van de presentatie van de foto’s. Doordat het object nieuw leven in wordt geblazen door het simpele feit van zijn vernietiging, of eerder : van het scheiden van zijn delen, waardoor het naar een ander functioneel en semantisch veld wordt getransponeerd, doet Twins ons denken aan de organische dualiteit van de geboorte en de ontwikkeling van een lichaam door het simpele scheiden en ontdubbelen van zijn delen. Of nog : het aanvaarden van de vervreemding, het verlies van de eigen integriteit, van een vaste en eenduidige identiteit, om de uitdaging aan te gaan van een multipliciteit die polymorf, polysemisch en even a - als polyfunctioneel is.
Met de Steun van de Vlaamse Gemeenschapscommissie
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EXHIBITIONS / EXPOSITIONS / TENTOONSTELLINGEN
2009
GRACE HAS ONE LEG TO STAND UPONSofie Haesaerts
Curator : Emmanuel Lambion
L’ Observatoire maison Grégoire et Bn PROJECTS sont particulièrement heureux de vous présenter Grace has one Leg to stand upon - Eka Pada Pranamasana, un projet spécifique conçu par Sofie Haesaerts pour la maison dans la foulée du projet Infinite vertical Thoughts qu’elle a développé en Inde en automne 2008 dernier. Si Le titre s’éclaire directement pour ceux, qui, familiers de l’univers du yoga, auraient déjà pratiqué la position, il convoque, dans sa version occidentale, des notions d’élan, de verticalité et d’équilibre. L’équilibre fragile, précaire d’une grâce que l’on ne peut appréhender que dans l’instant et l’immédiateté, l’instantanéité d’un coup d’œil, d’une tension ou d’un effort.
Sofie Haesaerts aime en effet le vertical, formellement déjà, mais par-delà cette acception littérale et plastique, aussi comme une invitation à dépasser l’horizonta-lité du fonctionnement associatif des idées reçues de notre quotidien. Pour ses compositions spatiales qui peuvent ultérieurement prendre la forme dérivée d’un diaporama ou de photographies, Sofie travaille le plus souvent la forme sculpturale suivant le rythme évolutif d’une addition d’instants, d’instants de grâce. la question du rythme est essentielle, centrale dans son œuvre, qui s’appréhende ainsi de façon autant spatiale que temporelle. Partant le plus souvent d’objets trouvés, issus du quotidien le plus banal (marché aux puces ou autres) mais reconfigurés, recon-textualisés, suivant une combinatoire d’associations délicates et éphémères tenant de l’équilibre virtuose. Le dépassement de l’artefact commence par celui du champ et des destinations habituelles de l’objet trouvé ou rencontré, il se poursuit par celui des limites physiques ténues, quasi - gravitationnelles, des associations proposées, pour se terminer par celui inhérent à l’infini des combinatoires. On aurait beau jeu ici d’arguer d’une transposition décorative, toute en
grâce, du ready - made duchampien ou du mouvement appropriationniste. Ce serait sans compter le caractère involutif du questionnement et du dépassement vers lesquels, l’air de rien, l’œuvre convie. Cela nous apparaît à la fois clairement et subtilement dans les enjeux de la recherche « indienne » de Sofie Haesaerts, dont quelques réalisations sont reconfigurées pour la première fois à la maison Grégoire Grace has one leg to stand upon est ainsi le titre de l’une de ces propositions sculpturales finalisées en Inde, au départ d’un assemblage sculptural conçu ici en Europe. L’œuvre confronte l’artefact métallique occidental, ré - appropriation combinatoire d’éléments industriels, et leur reproduction artisanale, labour - intensive, faite en inde. Unready - made ou De l’œuvre d’art à l’ère de sa reproduction artisanale : les enjeux apparemment décoratifs de l’opération, mimétique et émouvante, de la re - production assument ici un sens littéral. Re - produit, l’artefact manufacturé se pare d’un sens nouveau, distinct, qui, autant que des interrogations esthétiques fondamentales, pose également la question d’une globalisation retournée. La tension, à la fois désignée et réconciliée, entre artefact et objet manufacturé représente une énième déclinaison de la pensée dialectique qui sous-tend l’œuvre de Sofie Haesaerts : entre semblant d’impro-visation, hasard apparent des rencontres et l’ordre et la précision contrôlée, fragile des associations, entre spatialisation singulière et régularité des déclinaisons sérielles, dynamique évolutive des compositions et unicité statique de l’instant sculptural, le déplacement, la transmutation (voire la re - fabrication) de l’objet trivial créent autant de métaphores singulières qu’elles n’ouvrent un vaste champ d’investigations formelles et conceptuelles..
L’ Observatoire maison Grégoire en Bn PROJECTS presenteren u met veel genoegen het project Grace has
one Leg to stand upon - Eka Pada Pranamasana van Sofie Haesaerts. Dit project werd specifiek ontworpen voor maison Grégoire en is een vervolg op haar project Infinite vertical thoughts, dat ze in de herfst van 2008 ontwikkelde en uitvoerde in India. De yogabeoefenaar herkent in de titel van Haesaerts’ project meteen de naam van een welbepaalde yogahouding. De Engelse vertaling van de titel roept een beeld op van verticaliteit, van sierlijkheid, van een fragiel evenwicht. Het breekbare en het gracieuze van dit kwetsbare evenwicht kan men inderdaad enkel grijpen in een moment van spanning, in de kortstondigheid van een inspanning.
Sofie Haesaerts speelt met het effect van de verticaliteit. Ze houdt van het verticale – niet alleen beeldend, als onderdeel van een bepaalde vormentaal, maar ook omdat die verticaliteit ons voortdurend uitdaagt om de horizontaliteit van het dagdagelijkse handelen en denken te doorbreken. Haar ruimtelijke composities, die achteraf de afgeleide vorm kunnen aannemen van foto’s of diaprojecties, structureert Sofie Haesaerts vaak
volgens een optelling van ogenblikken – momenten van gratie. Deze techniek manifesteert het ritme dat de sculptuur ondergaat in het moment. Het ritme is essentieel en staat centraal in Haesaerts’ œuvre, dat op die manier zowel een ruimtelijke als een tijdelijke dimensie krijgt. Het basismateriaal van deze sculpturen bestaat meestal uit gevonden voorwerpen, bijvoorbeeld van de rommelmarkt ; banale objecten uit onze dagelijkse omgeving die de kunstenares in een nieuwe configuratie en een nieuwe context plaatst volgens een combinatieprincipe van efemere associaties, in een delicaat maar virtuoos evenwicht. In dit nieuwe artefact worden de grenzen van het object op velerlei manieren verlegd : om te beginnen wordt het ontvreemd van zijn gebruikelijke context en bestemming ; in de fragiele verbindingen met andere elementen verlegt het zijn fysieke limieten en tart het de zwaartekracht ; en tenslotte overstijgt het zichzelf door de oneindigheid van mogelijke combinaties en reconfiguraties. Men zou hier gemakkelijk een decoratieve versie in kunnen zien van de ready-made à la Duchamp of van het werk van de appropriationisten. Maar dat zou voorbijgaan aan
Invitation card, Sofie Haersaerts. Photographs, Sofie Haersaerts. Sculpture, Sofie Haersaerts.
een fundamentelere dimensie in Haesaerts’ sculpturale werk, die ons uitnodigt tot bevraging en reflectie. Dat wordt op een subtiele manier duidelijk in het artistieke onderzoek dat Sofie Haesaerts voerde tijdens haar verblijf in India en dat ze hier, in maison Grégoire, voor de eerste keer voorstelt. Zo is Grace has one leg to stand upon is ook de titel van een welbepaald sculpturaal project dat Haesarts realiseerde in India. Voor deze serie liet Haesaerts assemblages die ze in Europa had gemaakt uit industrieel vervaardigde materialen re - produceren door lokale Indiase ambachtslieden. Het westerse artefact wordt aldus geconfronteerd met zijn ambachtelijke en arbeidsintensieve reproductie in India. Hier komt het concept van de unready-made in het spel, of nog : Het kunstwerk in het tijdperk van zijn manuele reproduceerbaarheid… Het is hier dat we voelen dat de inzet van Haesaerts sculpturen niet enkel decoratief of mimetisch is, maar dat er subtielere implicaties liggen vervat in het (re)produc-tieproces van haar werk. Het industriële artefact dat op ambachtelijke wijze wordt gereproduceerd krijgt hierdoor een nieuwe en verschillende betekenis. Het
verticality also appears to work as an invitation to rise above the simple, associative, horizontal functioning of the everyday. In her spatial compositions, which often take the derivative form of a slide show or of a series of photographs, Sofie Haesaerts has worked predominantly in the sculptured form following the evolving rhythm of instants of grace. The question of rhythm, spatial as much as temporal, is crucial in this process of unveiling. The starting point for these sculptures is often mundane objects, found in the likes of a charity shop or a flea market. These objects are reconfigured, reassembled in a delicate array of ephemeral, fragile and literally ‘artificial’ associations. The limits of the artefact are therefore pushed back in many ways : from the start by the displacement of its context and expected use ; then, in a quasi - gravitational way, in the physical fragility of the associations ; and, finally, in the virtually unlimited possibilities offered by these reconfigurations. Beyond the all too simplistic references to duchamp’s ready - mades or of appropria-tionism, the substance of the work seems to reside more precisely in the involutive reflections it encapsulates. This is particularly explicit in the research carried out during Haesaerts’s Indian sojourn, of which several works are shown (and reconfigured) here for the first time. Grace has one leg to stand upon is thus also the title of such one sculptural proposal : The metallic assemblage of industrial elements created by Haesaerts in Europe is placed in confrontation with its hand - crafted labour - intensive, Indian reproduction. This is where the concept of unready - made or, to paraphrase it differently, the notion of the work of art in the age of its hand - crafted reproduction, could come to the fore… One can feel that the mere decorative stakes of a mimetic reproduction may well have more subtle implications than expected, that they may be surpassed by aesthetic innuendo, challenging the usual paradigms. But this is not all : for in a seemingly
simple operation, there is also the hint of a statement about a different, reversed form of globalisation. The designated and reconciled tension between artefact and manufactured work may also be interpreted as a further example of the dialectical tensions underlying Sofie Haesaerts’s work : for between the apparent improvisation and randomness of the associations and their controlled precision, between the specificity of a single composition and the regularity of the series, between evolutive dynamics and the static uniqueness of the sculptural instant, the operations of displacement, reconfiguration and transmutation undergone by her mundane, trivial objects open a field of wide formal and conceptual investigation - as much as they provide us with striking visual metaphors.
bevraagt de esthetische ervaring, maar introduceert ook de idee van een omkering van de globalisatie- en moderniseringsprocessen. De spanning tussen het industrieel vervaardigde artefact en het handwerk, een spanning die tegelijkertijd opgedreven wordt en tot verzoening gebracht, is een zoveelste uiting van het dialectisch denken dat de onderstroom vormt van Sofie Haesaerts’ werk. Want in het spanningsveld tussen schijnbaar geïmproviseerde, toevallige samenvoegsels en nauwkeurig gecontroleerde, fragiele verbindingen, tussen de singulariteit van een ruimtelijke opstelling en de regelmaat van het seriële, tussen de dynamiek van de steeds evoluerende composities en de statische uniciteit van het sculpturale moment, creëert Haesaerts door de transformatie en refabricatie van triviale objecten krachtige metaforen die tal van formele en conceptuele onderzoekspistes openen.
L’ Observatoire maison Grégoire and Bn PROJECTS are particularly proud to present Grace has one Leg to stand upon - Eka Pada Pranamasana, a site-specific project by Sofie Haesaerts. This exhibition is a natural extension of the work the artist recently developed over the course of her stay in India (Infinite vertical Thoughts) in the fall of 2008.
For those familiar with the world of yoga, the title of the show may prove familiar – especially for the few who may have actually tried the position. For the majority of us, the English translation brings about notions of balance and vertical thrust, which convey an idea of precariousness and fragility : if one speaks of balance, it is indeed a balance which cannot be reached for and seized, but one that resides in the fugitive instant of a lucky glimpse. It is abundantly clear that Sofie Haesaerts enjoys working with all that is vertical : themes and compositions ; but beyond the purely formal and material expression of the concept,
Exhibition view, Sofie Haersaerts
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EXHIBITIONS / EXPOSITIONS / TENTOONSTELLINGEN
2009
RIGHT BEFORE SPRINGLise Duclaux Xavier Martin
Tinus Vermeersch
Curator : Emmanuel Lambion
L’ Observatoire maison Grégoire et Bn PROJECTS sont particulièrement heureux de vous présenter RIGHT BEFORE SPRING, émergences plastiques, un projet spécifique qui rassemble et confronte le temps d’une exposition pré - printanière des propositions de Lise Duclaux, Xavier Martin, Tinus Vermeersch.
La rencontre des pratiques d’un peintre, d’un dessinateur - sculpteur et d’une artiste qui investigue le vivant comme support et moyen d’expression de ses propositions et concepts pourrait apparaître à première vue comme surprenante dans l’écran architectural typé de cette maison moderniste qu’est la maison Grégoire.Loin de l’utilisation consacrée et légèrement galvaudée du mot dans les cénacles critiques, C’est sans doute par le terme d’émergence, dans son ’acception la plus directe et immédiate, que l’on saisit sans doute le mieux les résonances subtiles qui s’installent d’une proposition à l’autre.
Chacune de ces propositions participe d’un mouvement de résistance, d’affranchissement et d’irruption douce aux codes, aux courants, voire à leur support ou à leur contexte de monstration. Lise Duclaux présente deux projets : l’un lancé en novembre dernier lors de l’expo 58T à Bruxelles - Congrès (www.park58.be), s’intitule Plantes de Bruxelles : Lise au gré de ses promenades et rencontres bruxelloises a récolté, glané, subtilisé des boutures de plantes vivant dans la capitale qu’elle a dûment identifiées et rebaptisées. Il en résulte un protocole activé par le site internet de l’artiste (www.liseduclaux.be / plantesde...), où contre l’échange, je reprends ses termes, de la somme modique de vingt euros artiste et candidat - récipiendaire de la bouture se rencontrent et échangent l’un et l’autre des certificats « de vie et d’œuvre », permettant à lise de garder une trace des profils de ces nouveaux compagnons de vie.Le deuxième protocole lancé à l’occasion de cette
exposition se fonde sur un projet que Lise Duclaux a réalisé ces derniers mois au collège Jean Jaurès de Bourbourg (Nord - Pas - de - Calais). Lise y a réalisé une « tentative d’inventaire des habitants ordinaires et extraordinaires du collège (…) en collaboration avec ses occupants ». Se basant sur une réinterprétation des informations fournies par les occupants i.e. élèves et professeurs du collège, Lise a identifié, nommé, localisé, répertorié, cartographié et représenté les espèces vivantes, végétales et animales, de l’écosystème spécifique que constitue l’école. Et ce en faisant fi des hiérarchies usuelles : Monsieur Leroy, intendant de l’école, n’y est pas plus important que la coccinelle, l’ortie ou le nénuphar… L’idée sous - tendant le protocole lancé pour right before spring est de proposer une convention de réalisation d’un inventaire du vivant à qui le souhaite : amateur, privé, institution, centre d’art, espace de vie ou de travail Si les normes de classification (identification, localisation, détermination de l’origine) demeurent, La forme plastique de représentation qui sera in fine donnée à l’inventaire variera et sera agréée au cas par cas. La révélation et l’irruption du vivant, récurrentes dans les propositions de Lise Duclaux, trouvent une équivalence picturale dans l’œuvre picturale de Xavier Martin (Prix de la jeune Peinture Belge en 2003). C’est que les toiles qu’il présente ici ne sont monochromes et blanches qu’en apparence : de subtiles vibrations picturales et de légers accents chromatiques animent leur surface. On pressent la vie, le bouillonnement et l’agitation, la recherche et le labeur du peintre sous le glacis. Ici, on n’oblitère que pour mieux laisser transpercer un élan indéfini, plein de promesses et de potentialités, à l’instar sans doute du cycle saisonnier de la vie. Les concepts de rémanence et de résistance caractérisent également, fût-ce d’une tout autre manière, le travail de Tinus Vermeersch. L’univers de l’artiste gantois, qui pratique essentiellement le dessin et la sculpture, est
parcouru par ces figures isolées de l’homme aux prises avec les éléments, comme absorbé dans un univers de conflits oniriques, mi-humains, mi - fantastiques. Son langage est étonnamment classique (lavis, encre, plume) dans un style qui évoque tour à tour le dessin hollandais du XVIIe, l’univers surréaliste et la poétique du sublime. L’échelle miniaturiste renforce à la fois l’étrangeté et la singularité de ses compositions et en accroît paradoxalement la force expressive, leur rémanence. L’un des enjeux de l’invitation était de demander à Tinus d’investir directement l’espace moderniste de la maison Grégoire. Faire œuvre de fresquiste - miniaturiste, dans l’un ou l’autre recoin ou repli intime de l’architecture. Un contraste de plus pour affirmer l’expressivité de son vocabulaire.
De confrontatie van uiteenlopende praktijken (een schilder, een tekenaar / beeldhouwer en een kunstenaar die haar toevlucht neemt tot het leven als voornaamste manier van expressie van haar concepten en voorstellen) in de beperkte, intieme en zeer karakteristieke setting van een huis, embleem van de modernistische beweging, werkt in de eerste plaats verrassend.
Ver weg van het enigzins « worn out » aanvaarden van expressie in artistieke kringen, is het de topos van « emergent practices » die de confrontatie in dit project karakteriseert. het is dan ook in een meer directe, ongecompliceerde en etymologische betekenis van het woord, dat we « emergent » gebruiken om de snijpunten van deze praktijken te benoemen. Elk van de voorstellen draagt op de een of andere manier een vorm van verzet in zich en duiden ook, symbolisch of vrij letterlijk, een binnendringen van de ruimte aan, of het nu op een fysische, esthetische of architecturele manier is. Lise Duclaux presenteert twee projecten : het eerste, Plantes de Bruxelles, werd gelanceerd
Invitation card, Lise Duclaux
in november 2008 ter gelegenheid van expo 58t in Brussel - congres (www.park58.be ) : door haar vele tochten en ontmoetingen in de belgische hoofdstad verzamelde Lise Duclaux, soms op de grens van legaliteit, talrijke stekken van planten die voorkomen verspreid in de hoofdstad. Elke stek is zorgvuldig geïdentificeerd en her - doopt met een grappige naam, en wanneer ze klaar zijn voor een nieuw leven, een nieuwe omgeving, worden ze online aangeboden / verkocht door de artiest (www.liseduclaux.be / plantesde...). Het protocol van het project schrijft het zo voor dat aan het eind van de transactie (elke plant wordt verkocht voor 20 euro), kunstenaar en kandidaat elkaar ontmoeten om certificaten van « life and work » uit te wisselen zodat Lise een herinnering aan en spoor van de nieuwe levensgezellen kan bijhouden. Het tweede werk werd gemaakt voor RIGHT BEFORE SPRING. Het is gebaseerd op een project dat de laatste paar maanden liep in een school in Nord - Pas - de - Calais (F), het Lycée Jean Jaurès in de stad Bourbourg. Lise ondernam een « attempt at making an inventory of the ordinary and extraordinary inhabitants of the school (…) in collaboration with it’s occupants ». Ze verzamelde en herinterpreteerde zorgvuldig al de informatie die de leerlingen en leraars haar konden geven over de levende wezens aanwezig in de school. Elk wezen, zowel plant als dier (mensen inbegrepen) werd op die manier geïdentificeerd, Benoemd, gelocaliseerd, geklassificeerd en geplaatst in een globale cartografie, alvorens het elk apart getekend werd voor een tentoonstellingsproject in situ. De gebruikelijke hiërarchiën en schaalperspectieven liet ze links liggen : Monsieur Leroy, de schooldirecteur, was zo op geen enkele wijze belangrijker dan een brandnetel of een lieveheersbeestje. Voor right before spring, is het idee om het uitgangspunt van het bourbourg project aan te passen voor andere leef - of werkruimtes, of het nu deze zijn van particulieren, instellingen, kunstencentra etc.
Een conventie werd ondertekend waarin de kunstenaar zich ertoe bindt om een inventory of the living uit te voeren voor elke gegeven ruimtelijke omgeving. Ook al blijven de normen en stappen van klassificatie dezelfde (identificatie, localisering, determinatie van de speciën door een reeks van bezoeken van de ruimte en conversaties met hun bewoners), de visuele vorm van de artistieke presentatie van het resulaat van elk onderzoek varieert en wordt onderling overeengekomen tussen artieste en co - contractant.
De onthulling en doorsnede van het leven in het werk van Lise Duclaux vinden enigzins een picturale echo in de schilderwerken van Xavier Martin (jeune peinture belge award in 2003). De subtiele picturale trillingen en kleurhoogtepunten van zijn schilderijen geven met één haastige en kunstmatige oogopslag leven aan het oppervlak van de composities, zijnde witte monochromen. Na grondiger kijken, voel je onder dit oppervlak de chaos en onrust van het leven, de hardnekkige en gevoelige arbeid van creatie. Het witte van de laatst aangebrachte glans is er enkel om de onthulling te benadrukken van een vitaliteit die niet kan worden gestopt door het bevriezen van een ogenschijnlijke picturale verademing. De « lente » kleur is nooit ver weg van de canvasoppervlakken.De concepten van individuele slagkracht en verzet karakteriseren ook, al is het op een zeer kenmerkende manier, de creaties van Tinus Vermeersch. De wereld van deze jonge kunstenaar uit Gent, die in zijn werk het tekenaarsschap en sculptuur als voornaamste media gebruikt, toont vaak geïsoleerde menselijke figuren die strijden tegen de natuurelementen, geäbsorbeerd in een halve fantasie, half - menselijke atmosfeer. Zijn artistiek vocabularium (inkt, pen en was) is zeer klassiek, terwijl vormelijk referenties naar XVIIde - eeuwse nederlandse tekeningen doorschemeren, alsook het surrealisme en een romantische visie op het « sublieme ». De
vaak miniaturistische schaal van zijn composities onderlijnen hun vreemde eigenaardigheid en lichten een expressieve kracht en visuele hardnekkigheid uit in het gemoed van de aanschouwer. Voor dit project was de uitdaging voor Tinus om de modernistische ruimte van het huis te infiltreren en intieme hoeken van van de velde’s architectuur te exploiteren. Een verder contrast, om zo een soort van binnendringen van zijn eigen praktijk uit te drukken, en bedoeld om de expressiviteit van zijn vocabularium te vergroten.
The confrontation of such distinctive practices (a painter, a draughtsman / sculptor and an artist who resorts to the living as a main way of expression of her concepts and proposals) in the confined, intimate and very characteristic setting of a house emblematic of the modernistic movement, might at first surprise more than one. Far from the somewhat « worn out » acceptation of the expression in artistic circles, it is the topos of « emergent practices » which might characterize the confrontations brought about by the project. It is
Exhibition view, Lise Duclaux.
indeed in a much more direct, straightforward and etymological understanding of the word that we use « emergent » to qualify the intersections of these practices. Each of these proposals somehow engages in a form of resistance. They also, symbolically or quite literally, hint at a sort of irruption through space, whether it be in a physical, aesthetic or architectural way.
Lise Duclaux presents two projects : The first was launched in November 2008, on the occasion of expo 58T at Bruxelles-Congrès (www.park58.be) and is entitled Plantes de Bruxelles : Through her many wanderings and encounters in the Belgian capital Lise Duclaux has been gathering and collecting, sometimes at the limit of legality, number of cuttings from plants which live and proliferate in the Belgian capital. Each cutting is carefully identified and re - baptised with a humorous name and when it is ready for a new life, a new environment, they are sold / made available by the artist through a specific web page (www.liseduclaux.be / plantesde...). The protocol of the project has it that, on the conclusion of a transaction (each plant is sold for 20 euros), the artist and the candidate meet up to exchange certificates of « life and work », which allows Lise to keep memory and trace of these new life companions. The second protocol is currently launched for Right BEFORE SPRING. It is based on a project carried out over the past few months in a school in Nord - Pas - de - Calais (F), the Lycée Jean Jaurès of the town of Bourbourg. Lise realised an « attempt at making an inventory of the ordinary and extraordinary inhabitants of the school (…) in collaboration with it’s occupants ». She carefully collected and reinterpreted all the information that pupils and teachers could give her on the living species present in the school. Each species, both vegetal and animal (humans included) was thus identified, named, located, classified and mapped in a global cartography, before being
individually drawn for an exhibition project in situ. The usual hierarchies and scale perspectives were left aside : Monsieur Leroy, the intendant of the school, was by no means more important than a nettle plant or a ladybird. For right before spring, the idea is to adapt the idea underlying the Bourbourg project for further living or working spaces, whether it be that of private individuals, institutions, Art centres etc. A convention is signed where the artist commits herself to carry out an inventory of the living for a given space environment. If the norms and steps of the classification remain the same (identification, location, determination of the species through a series of visits of the premises and conversations with their occupants), the visual form given to the artistic representation of the final outcome of the research will vary and be agreed by the artist and the co - contractant. The revelation and irruption of life in the proposals of Lise Duclaux somehow find a pictorial echo in the works painted by Xavier Martin (jeune Peinture Belge Award in 2003). The subtle pictorial vibrations and chromatic highlights of his paintings animate the surface of compositions which are white monochromes, only at a very hasty and superficial glance. On closer inspection, one cannot but feel all the turmoil and agitation of life, the obstinate and sensitive labour of creation, under the candid surface of the canvas. The whiteness of the final glaze is there just to enhance the revelation of a vitality which cannot be stopped by the frost of an apparent pictorial respite. The « spring » colour sap is never far away from the surface of the canvases. The concepts of individual resiliency and resistance also characterize, albeit in a very distinctive way, the creations of Tinus Vermeersch. The world of this gent - based young artist, who resorts to draughtsmanship and sculpture as the main media of his practice, often show isolated human figures struggling against the elements, absorbed in a half fantastic, half - human atmosphere. His artistic
vocabulary (ink, pen, and wash) is very classic, whilst the formal references alternatively hint at XVIIth century Dutch drawings, surrealism or at the romantic vision of the « sublime ». The often miniaturist scale of his compositions underlines their strange singularity, whilst highlighting their expressive strength and visual persistence in the mind of the beholder. For this project, the challenge for Tinus was to infiltrate directly the modernist space of the house, exploiting the intimate corners of van de velde’s architecture. A further contrast, as to express a sort of irruption of his singular practice and meant to enhance the expressivity of his vocabulary.
Exhibition view, Lise Duclaux.
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EXHIBITIONS / EXPOSITIONS / TENTOONSTELLINGEN
2008AU DELÀ DE LA NARRATIONAdam Leech
Curator : Emmanuel Lambion
L’Observatoire maison Grégoire et Bn PROJECTS sont particulièrement heureux de vous présenter la première exposition solo en Belgique du plasticien américain Adam Leech. Dans la continuité de sa participation à la dernière édition de Manifesta et en parallèle à sa participation au Prix Ariane de Rothschild à Tour et Taxis, l’artiste a spécialement conçu pour la maison Grégoire une installation picturale venant compléter sa récente vidéo Speech Bubble (2008).
La pratique d’Adam Leech s’articule depuis une dizaine d’année dans une exploration conjointe de la peinture et de l’art vidéo, dans une complémentarité d’enjeux et de préoccupations qui s’impose désormais comme étant le fondement même de sa recherche. Les oeuvres d’Adam Leech ne sont tout simplement pas ce qu’elles semblent être. Elles ne représentent, ni ne transmettent ou n’expriment nécessairement pas ce qu’elle paraissent nous suggérer. Traversées de leitmotive thématiques tels que le narcissisme, le désir, la séduction, elles captivent le spectateur dans le flux de leur narration autoréférentielle.
Ses vidéos articulent souvent de façon obsessionnelle un discours compulsif sur la compulsion, une compulsion appréhendée comme une quête, une urgence de se définir et de se re-présenter, encore et encore, en bousculant les codes de la narration. Dépassant la boucle de ses répétitions, et se nourrissant de ses propres déviations, la narration de Leech est elliptique plus que linéaire ou simplement cyclique.
Par ses dérives et décalages, le spectateur se voit empêché d’atteindre une appréhension stable et univoque du récit et de ses protagonistes, dont les identités se dissolvent dans un loop et un collage foisonnant confinant à la schizophrénie.
Les peintures d’Adam Leech pourraient à première vue sembler plus homogènes. Un examen plus attentif de leur maniera pointilliste stylisée révèle néanmoins de nouveaux paradoxes, dans la mesure même où les taches pointillées qui ponctuent leur surface sont en réalité le résultat d’un processus contrôlé d’abrasion et d’effacement. Et quand on apprend que l’artiste recours dans ce processus à un produit utilisé dans le traitement de la dysphasie, on réalise qu’il y a sans doute là bien plus que de simples coïncidences lexicales. Par cette abrasion, Leech introduit délibérément une discontinuité dans la représentation. Naturellement, le paradoxe, signifiant s’il en est, veut aussi que ce soient précisément ces traces d’effacements qui nous sautent le plus directement aux yeux.
Le point de départ de « Speech bubble », loop video de 4 min créé pour Manifesta, trouve son origine dans une investigation de la faillite de la société belge de reconnaissance vocale Leernout and Hauspie. Le développement incontrôlé de Lernout and Hauspie, fruit d’une culture d’entreprise reposant sur un cocktail schizophrénique marqué par l’appât du gain, l’utopie technologique et le culte de la personnalité entre-preneuriale, aboutit, on le sait, à l’éclatement d’une véritable bulle spéculative, que l’on vit aujourd’hui à une échelle bien plus globale.
En déplaçant son approche et son analyse du phénomène sur le plan d’un soap - opéra à trois personnages principaux, Leech fait plus que nous suggérer les analogies troublantes qui peuvent exister entre névroses individuelles et les dérives et autres dys-fonctionnements sociétaux. Speech Bubble rend aussi manifeste d’emblée le lien intrinsèque, la connexion étroite qui existe entre la pratique picturale d’Adam Leech et la discontinuité narrative et temporelle contrôlée de son oeuvre vidéo. En fin de compte, tout se
passe comme si Leech voulait nous instiller subtilement la conviction que le sens irréductible d’un discours ou d’une représentation se lovait dans les béances de son organisation narrative ou figurale.
Galerie L’Observatoire maison Grégoire en Bn PROJECTS zijn verheugd u de eerste solotentoonstel-ling in België van de Amerikaanse kunstenaar Adam Leech aan te kondigen. In het verlengde van zijn bijdrage aan de laatste editie van Manifesta en parallel met zijn deelname aan de Prix Arianne Rothschild in Tour & Taxis, heeft Leech speciaal voor het maison Grégoire een nieuwe picturale installatie gemaakt, die hij samen met zijn recente video Speech Bubble (2008) tentoonstelt. Het geheel is geïntegreerd in deze Brusselse privéwoning, gebouwd in 1933 door architect Henry Van de Velde.
Adam Leech’s artistieke praktijk ontwikkelde zich gedurende de laatste tien jaar als een gecombineerde praktijk van schilderkunst en videokunst – een combinatie en een complementariteit die geleidelijk aan het fundament van zijn onderzoek is gaan vormen. Zijn werken zijn niet zomaar wat ze lijken te zijn. Wat zijn werken ons schijnen te vertellen, is niet noodzakelijk wat ze representeren, overbrengen of uitdrukken. Met terugkerende leitmotieven als narcisisme, verlangen en verleiding vangen ze de kijker in de flow van hun naar zichzef verwijzende vertelling, die tegelijk onmiddellijk aanspreken en een absurd tintje hebben.
Leech’s video’s articuleren vaak, op een dwangmatige manier, een dwangmatig discours over dwangmatigheid, opgevat als een obsessionele zoektocht, een dringende nood om zichzelf te definiëren en te representeren, opnieuw en opnieuw, waardoor de narratieve codes worden doorbroken. De narratie in zijn video’s is niet lineair en ook niet cyclisch, maar eerder elliptisch.
Subtiele maar indringende verschuivingen en afwijkingen verhinderen de kijker een stabiele greep op de situatie te krijgen, of een eenduidig begrip van de verhalen van de personages. De identiteiten van de protagonisten lossen op in een haast schizofrene loop, of worden gefragmenteerd in een overdadige collage.
Adam Leech’s schilderijen lijken op het eerste gezicht misschien homogener. Een nader onderzoek van hun pointillistische en gestileerde maniera reveleert echter nieuwe paradoxen. De stippelige vlekken die de oppervlakte van het doek bedekken, zijn immers het resultaat van een gecontroleerd proces van afschuren en uitwissen. En als men verneemt dat de kunstenaar in dit proces gebruik maakt van een product dat ook gebruikt wordt bij de behandeling van dysphasie, dan beseft men dat dit ongetwijfeld meer dan toevallig is. Door deze methode van uitwissen en afschuren, brengt Leech bewust een element van discontinuïteit binnen in de representatie. De paradox wil ook dat het juist de sporen zijn van het uitwissen, die het duidelijkst in het oog springen.
« Speech bubble », de 4 min. durende videoloop die gecreëerd werd voor Manifesta en in deze tentoonstel-ling opnieuw wordt getoond, vertrekt van een onderzoek naar het failliet van het Belgische spraaktechnologie-bedrijf Lernaut & Hauspie. Hun ongecontroleerde ontwikkeling, die de vrucht is van een bedrijfscultuur die berust op de schizofrene cocktail van winstbejag, de technologische utopie, en de persoonscultus van de ondernemer, draait uit – we weten het intussen – op het uiteenspatten van de speculatieve zeepbal, wat men tegenwoordig trouwens meemaakt op globale schaal.In zijn benadering en zijn analyse van het fenomeen doet Leech beroep op de narrative structuur van een soap met drie hoofdpersonages. Hierin worden de verontrustende analogieën gesuggereerd tussen
individuele neuroses en collectieve maatschappeli-jke dysfuncties. Daarnaast legt Speech Bubble ook de instrinsieke band bloot tussen de schilderkuns-tige praktijk van Adam Leech en de – gecontroleerde – narratieve en temporele discontinuïteit van zijn videowerk. Of het nu op een schilderkunstige manier is of in een audiovisuele vorm, Leech lijkt ons subtiel te willen suggereren dat de ware en onherleidbare betekenis van een discours of een representatie zich bevindt in de gaten die gapen in hun narratieve of picturale organisatie.
L’Observatoire Galerie maison Grégoire and Bn PROJECTS are proud to present the first solo exhibition in Belgium by American artist Adam Leech: further to his participation in Manifesta Süd Tyrol, Adam Leech will present a new series of works, a pictorial installation integrated for this private Brussels mansion, built in 1933 by architect Henry Van de Velde. The exhibition will also display Leech’s recent video Speech Bubble (2008).
Adam Leech’s practice developed over the past ten years in a combined and intertwined practice of painting and video art. Over the years, this combination has been gaining a decisive strength, which encapsulates the essence of his research. Adam Leech’s works are just not what they seem to be. They do not necessarily represent, transmit or express what they pretend to narrate. With recurring areas of investigation such as narcissism, desire, seduction, they captivate the onlooker in the flow of their strong seemingly self - referential narratives, which are simultaneously straightforward and absurd.
His videos often articulate, in a compulsive way, a discourse about compulsion, apprehended as an obsessive longing and urge to define oneself, disrupting
Invitation card, Adam Leech.
the normal course of narratives. Neither simply linear nor cyclical, the temporality of his videos is often elliptical, with persisting, if slight, shifts and deviations, which prevent the onlooker from having a definite grasp of the situation. His character(s) dissolve(s) into a schizophrenic loop, identities are fragmented.
Adam Leech paintings may seem, at first sight, more homogeneous: they seem to be painted in adapted, if stylized, pointillist « maniera ». At a closer look, it appears that the approximate dotty patterns, which obliterate the surface of the canvas, are the result of a careful process of painterly erasion. Leech uses a liquid eraser, derived from a product (and this is possibly much more than a lexicological coincidence), employed to treat dysphasia. Creating powerful lines and complicated textures, the erasion device introduces discontinuity in the representation and makes the marks, whilst physically receding into the image, paradoxically pop up to our attention.
« Speech bubble » the 4 min loop video created for Manifesta and shown in this exhibition departed from an investigation on the bankruptcy of the Belgian high - tech speech recognition company Leernout & Hauspie, whose development and corporate culture, resting on a schizophrenic combination of money, technology, utopias and the cult of the entrepreneurial personality led to a (now ubiquitous) market bubble..
In his approach of the phenomenon, transmuted into a semi - soap narrative with three main characters, Leech suggests troubling analogies between individual neurosis and collective societal dysfunctional drifting, the former being as revealingly vain and compulsive as the others.
The video also helps us grasp how intrinsically narrow is the connection is between Leech’s pictorial strategy and the narrative and temporal self - controlled discontinuity of his video works. Whether it be in a visual, painterly fashion or in an articulated, textual form, Leech seems to suggest that the true meaning of a discourse may reside in the very gaps of its narratives and organization.
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EXHIBITIONS / EXPOSITIONS / TENTOONSTELLINGEN
2008
L’UNION FAIT LA FORCEJean Bedez
Curator : Philippe Terrier - Hermann
Pour sa première exposition personnelle en Belgique, Jean Bedez a choisi de s’intéresser aux problématiques communautaires qui marquent le pays. Sous le titre « L’union fait la force », devise nationale de la Belgique, l’exposition rassemble de toutes nouvelles productions réalisées spécialement pour la maison Grégoire aux côtés d’œuvres plus anciennes dans lesquelles les questions du politique ou plus largement du pouvoir et de sa représentation engagent le jeune artiste français. En réponse à l’invitation de la maison Grégoire, Jean Bedez propose notamment son projet State Flag (2008) qui stigmatise la crise identitaire belge. L’artiste fixe également le portrait des représentants des grandes puissances mondiales représentées à travers sa série de dessins monumentaux Collection : Leaders (2007-2008). Dans ce qui apparaît comme autant de scènes historiques, politiques ou encore géopolitiques, Jean Bedez déjoue ici les référents et attributs du pouvoir parfois réduits à l’échelle infantile d’un jeu de bataille navale ou encore d’une immense guerre de Pokemon.
Drawing, Jean Bedez.
Drawing, Jean Bedez.
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EXHIBITIONS / EXPOSITIONS / TENTOONSTELLINGEN
Interdit - 18 ans.
2007
INTERDIT- 18 ANS
Jacques André, Danai Anesiadou, Fabienne Audéoud, Sven Augustijnen, Laurent Baudoux, Aline Bouvy & John Gillis, Leo Chiachio, Fia Cielen, François Curlet, Toni Gierlandt & Carlos Montalvo, Jos de Gruyter & Harald Thys, Damien Delepelaire, SimonaDenicolai & Ivo Provoost, Patrice Gaillard & Claude, David Evrard, Michel François, Mark Hosking, Ann Véronica Janssens, Valérie Mannaerts, Julien Meert, Michelle Naismith, Sophie Nys, Régis Pinault, Benoit Plateus, Claudia Radulescu, Benoît Roussel, John Russel, Eléonore Saintagnan, Joost Shouppe, Timothy Stappaerts, Olivier Stévenart, Pierre Tatu, Christophe Terlinden, Philippe Terrier - Hermann, Joêlle van Autreve, Mickael van den Abeele, Loîc Vanderstichelen, Richard Venlet, Gert Verhoeven, Leen Voet, Freek Wambacq.
Curator : J. P. Jacquet
L’origine du monde, painting, 2007, Leen Voet.
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EXHIBITIONS / EXPOSITIONS / TENTOONSTELLINGEN
2007
SALONISHESQUE TENDENCIESItsasne casas Christophe CharonAgnès GeoffrayDavid RamirezJimmy Robert
Curator : Jimmy Robert
A modernist house is used as a backdrop for eclectic interests, refineries, humour and decadence all at once. Proustian salons were a unique moment to experience the meeting and radical juxtaposition of different fields, ideas and communal sensitivities, as in a literary device (exercise de style), a zealous engagement in a necessarily mediated sense of contemporaneity. An appetite for taste rather than taste itself : eventually perhaps just a desire to reactivate desire itself.
We read passages of rare books to each other, smoke various substances masked by elegant perfumes, organize exotic concerts or witness unparallel dances in the confines of the salon, discussing seemingly deviant sexual practices, continually redesigning the world, tempatively going forward, then go home full of hopes or really frustrated and angry, upset by some non-descript feeling forming a knot in the depth of our throat. Belonging to the group and at the same time feeling left out and a quite separate entity : aspiring to the « Oh, so dear… » image of the artist as outsider…but quickly again passions re-emerge and the need to share with a familiar audience, an audience « in the knowledge » is painfully present. Vicious circles.
As artists, are we some sort of « in between classes » (socially, politically)? Are we as a group the contemporary emulations of the bourgeois cultural militants of the proustian era? Exhibiting our Salonishesque desires onto these walls? Jimmy Robert
Poster, « Salonishesque Tendencies ».
Salon i s h e s q u e Tendenc i e sL’Observatoire Maison Grégoire
292 Dieweg, 1180 Bruxelles
Opening: Sat 22nd Sept (6pm-12)
+ every Saturday until 27th Oct
www.maisongregoire.org
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EXHIBITIONS / EXPOSITIONS / TENTOONSTELLINGEN
2007
MAURA BIAVA
Curator : Philippe Terrier-Hermann
For her first solo show in Belgium, Maura Biava will invest the maison Grégoire with some of the different characters she developped in the last thirteen years, from the political activist character of « Marta » in 1995 to the underwater onieric « Doride, effervescing » realized in Egypt in 2007. The modernistic house is used by Maura Biava as a possible studio to edit her work with a focus on the fictional characters, past present and future. The viewers will be surrounded by photographs, sketches, objects, props that are telling about the life of people you don’t know yet…
Photograph, Maura Biava.
Photograph realized in maison Grégoire, Maura Biava.
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EXHIBITIONS / EXPOSITIONS / TENTOONSTELLINGEN
2007
COME OVER TO SEEAline Bouvy & John Gillis, Philippe Cognée, Marie-Héléne Fabra,Catherine Geoffray, Philippe Hurteau, Bernard JoistenRégine Kolle
Curator : Philippe Terrier - Hermann
L’exposition « Come Over to my House to See my Album » présente, dans le cadre domestique de la maison Grégoire, un ensemble d’images rendues par différents procédés picturaux. Rassemblées comme dans un album, ces images attestent d’une volonté de leurs réalisateurs de s’inscrire dans une iconographie réellement contemporaine. Google, journal télé, pornographie, publicité, magazine, cinéma, famille sont les sources d’images de ces artistes qui, bien que submergés par celles-ci, décident d’en sélectionner certaines, dans ce flux incessant, afin de leur donner un tout autre statut, les rendre icônes. Une fois isolée, l’image sera retraitée, puis reproduite, afin de « créer un trouble dans cet océan d’image, introduire du sens, un espace-temps, une distance, une critique, alimenter la réflexion ».
Exhibition view, Come over to see. Painting, Bernard Joisten.
Exhibition view, Come over to see.
Painting, Catherine Geoffray.
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EXHIBITIONS / EXPOSITIONS / TENTOONSTELLINGEN
2006
LEEN VOET
Curator : J. P. Jacquet
L’installation de dias «Jardins Grégoire», basée sur vingt et une grandes peintures à l’huile sur toile, montre des fragments du sentier du jardins de la maison Grégoire, une bâtisse conçue par Henry Van de Velde en 1933. Le jardin, avec ses volumes architecturaux qui donnent une impression d’espaces intérieurs, a été conçu à cette époque par l’architecte. Les peintures sombres montrent un chemin qui se faufile entre les arbres et aboutit toujours au même endroit. Au sein de l’installation de dias «Jardins Grégoire», les peintures sont seulement utilisées comme reproduction. La conversation de la peinture en dia crée une distance entre ce que nous vivons et ce que nous savons (ce que nous pensons savoir). Bien que la réalité du jardin soit proche, les différentes couches des présentations emmènent progressivement le spectateur dans un autre état. Par l’absence physique marquantes des peintures, l’idée d’un souvenir s’impose. Ainsi, chaque moment de la série de dias est marqué par l’absence et l’inaccessibilité. N’empêche qu’à chaque nouvelle image projetée, on risque de croire de nouveau en l’illusion des peintures. Jusqu’à ce que l’on se heurte une nouvelle fois au paradoxe précité et que l’on ne voie plus que le côté physique et plastique de l’image peinte, qui est saisie dans un faisceau lumineux de la projection de dias.
De dia-installatie «Jardins Grégoire», gebaseerd op eenentwintig grote schilderijen in oliverf op doek, toont fragmenten van het tuinpad van het Huis Grégoire, een door Henry Van de Velde in 1933 ontworpen wonin. Ook de tuin, met zijn architecturale volumes die aanvoelen als binnenruimtes, werd in die tijd door de architect ontworpen. De donkere schilderijen tonen een pad dat tussen de bomen slingert en steeds weer op dezelfde plek iutkomt. Binnen de dia-installatie «Jardins Grégoire» worden de schilderijen enkel gebruikt als reproductie. Door de omzetting van schilderij naar
dia wordt een afstand gecreërd tussen wat we beleven en wat we (denken te) weten. Hoewel de realiteit van de tuin nabij is, bregen de verschillende lagen van de voorstellingen de toeschouwer gradueel in een andere staat. Door de markante fysieke afwezigheid van de schilderijen dringt zich het idee van een herinnering op. Zo wordt elk moment van de diareeks gemarkeerd door afwezigheid en ontoegankelijkheid. En toch dreig je bij ieder nieuw geprojecteerd beeld weer in de illusie van de schilderijen te trappen. Tot je opnieuw op de voornoemde paradox stoot en alleen nog het fysieke en plastische van het gesechilderde beeld ziet, gevangen in een lichtbundel van de diaprojectie.
The slide installation «Jardin Grégoire», based on twenty-one large oil painting on canvas, shows fragments of the garden path at Grégoire House, designed by Henry Van de Velde in 1933. He also designed the garden, with its architectural spaces that feel like indoor rooms, at the time. The dark painting reveal a path that winds between the trees and always ends up at the same spot. In the Jardin Grégoire slide installation, the paintings are only used as a reproduction. By converting a painting into a slide, a gap is created between what we experience and what we know (or think we do). Even though the reality of the garden is close-by, the different layers of these depictions gradually take the viewer into another state. The notion of memory imposes itself through the marked physical absence of the paintings. So each moment of the slide show is marked by absence and inaccessebility. And yet with each newly projected image you are again lured into believing in the illusion of the painting. Until you are again struck by the aforementioned paradox and can only see the physicality and plasticity of the painted image, imprisoned within the projected beam of light.
Paintings, Jardins Grégoire, Lenn Voet.
Slide installation, Jardins Grégoire, Leen Voet.
Slide installation, Jardins Grégoire, Leen Voet.
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EXHIBITIONS / EXPOSITIONS / TENTOONSTELLINGEN
2006
ADJUSTED FOR INFLATIONJohn Knight
Curator : J. P. Jacquet
Sculpture produced for the maison Grégoire, Adjusted for Inflation, 2006, John Knight.
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EXHIBITIONS / EXPOSITIONS / TENTOONSTELLINGEN
2006
BABAK GHAZI
Curator : J. P. Jacquet
Poster, Babak Ghazi.
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EXHIBITIONS / EXPOSITIONS / TENTOONSTELLINGEN
2006
Black DiceGonzales & Russom, Sun ok papi Ko,
Nicole Wermers
Curator : J. P. Jacquet
Invitation card.
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EXHIBITIONS / EXPOSITIONS / TENTOONSTELLINGEN
2005
TENTATIVE DE RAPPROCHEMENTPhilippe Terrier-Hermann
Curator : J. P. Jacquet
Pour sa première exposition personnelle à Bruxelles, Philippe Terrier - Hermann montrera une sélection de travaux réalisés ces huit dernières années.
Le titre de l’exposition se réfère à sa volonté récurrente d’approcher différentes cultures mais aussi de tenter un rapprochement entre différents éléments de son travail. Il profitera de l’espace privé de la maison Grégoire pour présenter un accrochage de pièces très diverses reflétant aspects de sa démarche. Au risque de créer un sentiment de confusion et une overdose, cette expérience permettra une immersion totale dans le travail de cet artiste qui se plait à utiliser des esthétiques fort différentes. Étant donnée la proximité esthétique de certaines œuvres et des éléments de mobilier présents dans la maison, l’accrochage tendra, malgré sa densité, à une certaine harmonie, tel un cabinet de curiosité.
Une boule de Bowling (2005) géante en granit sera présentée à proximité du Mikado (1996) géant en céramique et accentuera la fragilité de ce jeu qui demande une finesse et une patience toute asiatique.Les stratégies et fonctionnements de ces jeux accusent les symboles des cultures auxquelles ils font références.Puis une Japonaiserie (1997) réalisée en céramique émaillée de couleur verte trônera sur son socle en Wengee. Cette pièce prend ici en compte les éléments formels japonais (forme, couleur) tout en préservant son sens européen de la sculpture traditionnelle.
Une multitude de Chinoiseries (2000), vulgaires copies d’une japonaiserie, mais de plus petite taille sera disposée à profusion dans le jardin, tels des nains ou des petits pois géants. Ces petites boules en céramiques vertes ont été produites dans les unités de production chinoises de nains destinés aux jardins européens.
Conçues comme petits bibelots d’agréments, elles ont été « baptisées » en 2000 dans le Bassin du Pavillon Mies van der Rohe à Barcelone, temple du bon goût occidental…
Trois ensembles de photographies appartenant à différentes séries seront présentés :
-Internationales (2000)-Fascination (2001)-Les beautés japonaises (2003)
Enfin, la vidéo Romans, (2001), de 42 mn, tournée à la villa Médicis avec de jeunes acteurs italiens (Luisa Ranieri, Caterina Murino, Alberto Alemano...) sera présentée au salon.
Philippe Terrier - Hermann
Photograph, Beauté japonaise N°73, 2003, Philippe Terrier-Hermann.
Catalogue d’archives / Archive’s catalogue Observatoire maison Grégoire
2009 - 2006
• Graphic Design : Studio Poney-M
Émilie Vercez & Mélodie Liquet :[email protected]
01/2010
9.80
12.97
7.70
8.00
9.789.60
9.809.80
13.07
12.73
13.7713.22 13.22
10.00
10.84
10.59
10.84
10.06
8.59
14.32
13.15
14.04
17.84
17.21
16.94
16.4016.19
11.07
14.88
9.63
8.72
7.76
8.818.90 8.95
10.16
12.77
11.03
7.71 7.66
10.00
11.04
9.80
12.97
7.70
8.00
9.789.60
9.809.80
13.07
12.73
13.7713.22 13.22
10.00
10.84
10.59
10.84
10.06
8.59
14.32
13.15
14.04
17.84
17.21
16.94
16.4016.19
11.07
14.88
9.63
8.72
7.76
8.818.90 8.95
10.16
12.77
11.03
7.71 7.66
10.00
11.04
L’Observatoire maison Grégoire
292 Dieweg - 1180 Brussels 00 32 ( 0 )2 372 05 38
mail : observatoiregalerie@maisongregoire.
Curator contact :
- Emmanuel Lambion : [email protected] Philippe Terrier - Hermann : [email protected]