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BEETHOVENSymphony No. 5Piano Concerto No. 4Emanuel Ax, piano

BEETHOVENSymphony No. 5Piano Concerto No. 4Emanuel Ax, piano

SAN FRANCISCO SYMPHONY

MICHAEL TILSON THOMAS

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San Francisco SymphonyMichael Tilson Thomas, conductorEmanuel Ax, piano

Ludwig van Beethoven (1770–1827)Symphony No. 5 in C minor, Opus 67 33:57

I. Allegro con brio 8:11II. Andante con moto 9:38III. Allegro 4:42IV. Allegro 11:25

Piano Concerto No. 4 in G major, Opus 58 34:20

I. Allegro moderato 19:30II. Andante con moto 4:45III. Rondo: Vivace 10:04

Producer: Jack VadElectronic Media Manager: Edie ChengEngineering Support: Mark Donahue, Dirk Sobotka, Roni Jules, Uwe Willenbacher, Rolf Lee

Post Production Support: Marie Ebbing, Jonathon StevensArt Direction and Design: Alan TrugmanCover photo: “Along the Redwood Trail”, Mt. Tamalpais, CA by Ursula Esser

All editorial materials © 2011 San Francisco Symphony, Davies Symphony Hall, San Francisco, CA 94102 (415) 552-8000

Recorded live at Davies Symphony Hall, San Francisco, December 9–12, 2009.

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Beethoven: Symphony No. 5 in C minor, Opus 67

Piano Concerto No. 4 in G major, Opus 58

No work in the orchestral canon has been analyzed and discussed more exhaustively than Beethoven’s Fifth Symphony, but familiarity has not made it any less potent. Wrote Robert Schumann about this masterwork, “No matter how frequently heard, whether at home or in the concert hall, this symphony invariably wields its power over people of every age like those great phenomena of nature that fill us with fear and admiration at all times, no matter how frequently we may experience them.”

In this music we may imagine Beethoven’s state of mind during the four-year period in which he wrote this piece. He was losing his hearing—a great adversity for anyone, but a catastrophe for a musician. In March1808, about when he finished this work, a raging infection threatened the loss of a finger, which would have spelled further disaster for a composer greatly attached to the keyboard. He was surrounded by a nervous political climate as Vienna bent beneath Napoleon’s occupation beginning in November 1805. In late 1807, he found himself rejected in love, and his personal life was generally chaotic: In 1808 alone he moved to no fewer than four apartments. But there was also a calmer side to his being. He frequently escaped to the suburban parks and countryside surrounding Vienna; that’s where we imagine the composer

when we hear his Sixth Symphony, the Pastoral, which was roughly coeval to the Fifth. We are not necessarily wrong to suppose that biographical overtones reside in Beethoven’s Fifth Symphony, but we shouldn’t be blind to the sheer breadth of character they cover. When all is said and done, this is a unique work, just as all of Beethoven’s masterpieces are, a vehicle in which the composer explores and works out strictly aesthetic challenges that he has set for himself. In metaphorical terms, the music traces a path from the darkness and struggle of the opening movement to the sunlight and triumph of the conclusion. Beethoven’s plan, executed so perfectly here, became a model for future generations of symphonists.

Beethoven unveiled his Fourth Piano Concerto at a private concert in the mansion of his patron Prince Franz Joseph von Lobkowitz in March 1807. Then he put it away for nearly two years and performed it only one more time—in his last public appearance as a pianist—at a concert at Vienna’s Theater an der Wien on December 22, 1808. That all-Beethoven marathon has gone into the annals as one of the most extraordinary events in all of music history. In addition to this concerto, the concert included the world premieres of the Symphonies Nos. 5 and 6 as well as of the C minor Choral Fantasy,

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the Vienna premieres of three movements from the C major Mass and the concert scena “Ah! perfido,” and a solo keyboard improvisation by the composer. To encounter all of these revolutionary pieces at one sitting must have been overwhelming, and to many listeners the Fourth Piano Concerto must have sounded like just more of the same madness—and who knows what the all-but-deaf Beethoven actually accomplished at the piano. His pupil Carl Czerny termed Beethoven’s performance on that occasion as “playful,” so odd a descriptive that you might wonder if it should be read as a euphemism. Informed members of that audience would have expected a concerto to begin with a long introduction during which the orchestra staunchly presented some of the first movement’s principal themes. But this concerto emerges with unexpected gentleness, played softly by the solo piano, after which the featured instrument withdraws, not to be heard again for another sixty-nine measures. The second movement, too, is extraordinary, and later commentators proclaimed that it—and maybe even the whole concerto—was meant to depict the Greek myth of Orpheus charming the demons at the gates of hell. The concluding movement is a rondo—energetic and, as Czerny might say, playful.

—James M. Keller

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The SAN FRANCISCO SYMPHONY gave its first concerts in 1911 and has grown in acclaim under a succession of music directors: Henry Hadley, Alfred Hertz, Basil Cameron, Issay Dobrowen, Pierre Monteux, Enrique Jordá, Josef Krips, Seiji Ozawa, Edo de Waart, Herbert Blomstedt (now Conductor Laureate), and, since 1995, Michael Tilson Thomas. In recent seasons the San Francisco Symphony has won some of the world’s most prestigious recording awards, among them France’s Grand Prix du Disque, Britain’s Gramophone Award, and a series of Grammy®s for recordings of music by Brahms, Orff, Prokofiev, and Stravinsky. The initial release in the Mahler cycle, of the Symphony No. 6, received the Grammy for Best Orchestral Recording of 2002, and the recording of the Mahler Third was awarded the Grammy for Best Classical Album of 2003. The recording of Mahler’s Seventh received Grammys for Best Orchestral Recording and Best Classical Album of 2006, and the recording of Mahler’s Eighth Symphony has been honored with three 2009 Grammy awards, for Best Classical Album, Best Choral Performance, and Best Engineered Classical Album. 2004 saw the launch of Keeping Score, a multimedia educational project on TV, DVD, radio, and the Web site keepingscore.org. For RCA Red Seal, Michael Tilson Thomas and the San Francisco Symphony have also recorded Berlioz’s Symphonie fantastique, two Copland collections, a

survey of Ives’s music, and a Gershwin collection including works they performed at Carnegie Hall’s 1998 opening gala, telecast nationally on PBS’s Great Performances. A Celebration of Leonard Bernstein (their Carnegie Hall 2008 opening gala concert) was also telecast nationwide and is available on DVD. The San Francisco Symphony performs regularly throughout the United States, Europe, and Asia, and in 1990 made stunning debuts at the Salzburg and Lucerne festivals. In 1980, the Orchestra moved into the newly built Louise M. Davies Symphony Hall. 1980 also saw the founding of the San Francisco Symphony Youth Orchestra. The San Francisco Symphony Chorus has been heard around the world on recordings and on the soundtracks of three major films: Amadeus, The Unbearable Lightness of Being, and Godfather III. Through its radio broadcasts, the first in America to feature symphonic music when they began in 1926, the San Francisco Symphony is heard throughout the US, confirming an artistic vitality whose impact extends throughout American musical life.

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MICHAEL TILSON THOMAS first conducted the San Francisco Symphony in 1974 and has been Music Director since 1995. A Los Angeles native, he studied with John Crown and Ingolf Dahl at the University of Southern California, becoming Music Director of the Young Musicians Foundation Debut Orchestra at nineteen and working with Stravinsky, Boulez, Stockhausen, and Copland at the famed Monday Evening Concerts. In 1969, Mr. Tilson Thomas won the Koussevitzky Prize and was appointed Assistant Conductor of the Boston Symphony. Ten days later he came to international recognition, replacing Music Director William Steinberg in mid-concert at Lincoln Center. He went on to become the

BSO’s Associate Conductor, then Principal Guest Conductor. He has also served as Director of the Ojai Festival, Music Director of the Buffalo Philharmonic, a Principal Guest Conductor of the Los Angeles Philharmonic, and Principal Conductor of the Great Woods Festival. He became Principal Conductor of the London Symphony Orchestra in 1988 and now serves as Principal Guest Conductor. For a decade he served as co-Artistic Director of Japan’s Pacific Music Festival, which he and Leonard Bernstein inaugurated in 1990, and he continues as Artistic Director of the New World Symphony, which he founded in 1988. Michael Tilson Thomas’s recorded repertory reflects interests arising from work as conductor, composer, and pianist. His television credits include the New York Philharmonic Young People’s Concerts, and in 2004 he and the San Francisco Symphony launched Keeping Score on PBS-TV. Among his honors are Columbia University’s Ditson Award for services to American music and Musical America’s 1995 Conductor of the Year award. He is a Chevalier des Arts et des Lettres of France, was selected as Gramophone 2005 Artist of the Year, was named one of America’s Best Leaders by U.S. News & World Report, has been elected to the American Academy of Arts and Sciences, and in 2010 was awarded the National Medal of Arts by President Obama.

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EMANUEL AX was born in Lvov, Poland, and moved to Winnipeg, Canada, with his family when he was a young boy. He studied at the Juilliard School with the sponsorship of the Epstein Scholarship Program of the Boys Clubs of America; he also attended Columbia University, majoring in French. Mr. Ax captured public attention in 1974 when, at age twenty-five, he won the first Arthur Rubinstein International Piano Competition in Tel Aviv. In 1975 he won the Michaels Award of Young Concert Artists, followed four years later by the Avery Fisher Prize. Emanuel Ax made his San Francisco Symphony debut in 1979 as soloist in the Grieg Piano Concerto, and he has since been a regular guest with the Orchestra.

Emanuel Ax appears courtesy of Sony Classical. Recent releases include R. Strauss’s Enoch Arden narrated by Patrick Stewart and two-piano works by Brahms and Rachmaninoff with Yefim Bronfman; and a disc of Mendelssohn trios with Yo-Yo Ma and Itzhak Perlman. Other recordings include a Haydn piano sonata cycle, for which Mr. Ax has received multiple Grammy® awards; a Grammy award–winning album with Yo-Yo Ma of cello and piano sonatas by Beethoven and Brahms; and period instrument performances of Chopin’s complete works for piano and orchestra.

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Beethoven : Symphonie no 5 en ut mineur, op. 67

Concerto pour piano no 4 en sol majeur, op. 58

Nulle œuvre du répertoire orchestral n’a suscité des analyses et des études plus exhaustives que la Cinquième Symphonie de Beethoven ; devenue familière, elle n’a pourtant rien perdu de sa force. « Si souvent qu’on l’entende, écrit Robert Schumann à propos de ce chef-d’œuvre, que ce soit chez soi ou en concert, cette symphonie exerce toujours son emprise sur les personnes de tout âge, comme ces grands phénomènes naturels qui nous emplissent de crainte et d’admiration à tout moment, si fréquemment qu’on en fasse l’expérience. »

Dans cette musique, on devine l’état d’esprit de Beethoven au cours de la période de quatre ans où il composa l’œuvre. Il était en train de perdre l’ouïe – un grand malheur pour quiconque, mais une catastrophe pour un musicien. En mars, 1808, à peu près au moment où il achevait cette œuvre, une grave infection menaçait de lui faire perdre un doigt, ce qui aurait été un nouveau désastre pour un compositeur très attaché au clavier. Il vivait aussi dans un climat politique tendu, tandis que Vienne pliait sous le joug de l’occupation napoléonienne depuis novembre, 1805. À la fin de 1807, il essuya un échec amoureux, et sa vie personnelle était dans l’ensemble chaotique : rien qu’en 1808, il vécut dans pas moins de quatre appartements. Mais son tempérament avait également un côté plus calme.

Il s’échappait souvent dans les parcs des faubourgs et dans la campagne autour de Vienne ; c’est là qu’on imagine le compositeur quand on entend sa Sixième Symphonie, la Pastorale, à peu près contemporaine de la Cinquième. On n’a pas nécessairement tort de supposer que la Cinquième Symphonie cache des résonances autobiographiques, mais il ne faut pas qu’elles masquent la simple richesse de caractère de la musique. En fin de compte, c’est une œuvre unique, comme tous les chefs-d’œuvre de Beethoven, une forme dans laquelle le compositeur explore et élabore les défis strictement esthétiques qu’il s’est donnés. En termes métaphoriques, la musique trace un chemin de l’obscurité et de la lutte du premier mouvement à la lumière et au triomphe du finale. La vision de Beethoven, si parfaitement réalisée ici, devint un modèle pour les générations futures de symphonistes.

Beethoven dévoila son Quatrième Concerto pour piano lors d’un concert privé donné dans le palais de son protecteur, le prince Franz Josef von Lobkowitz, en mars 1807. Puis il le mit de côté pendant près de deux ans et ne le rejoua qu’une seulefois – à l’occasion de sa dernière apparition publique comme pianiste –, lorsd’un concert au Theater an der Wien de Vienne le 22 décembre 1808. Ce marathon entièrement consacré à Beethoven est entré dans

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les annales comme l’un des événements les plus extraordinaires de toute l’histoire de la musique. En plus de ce concerto, le concert comprenait les créations mondiales des Cinquième et Sixième Symphonies, ainsi que de la Fantaisie chorale en ut mineur, les premières auditions à Vienne de trois mouvements de la Messe en ut majeur et la scena de concert « Ah perfido ! », outre une improvisation du compositeur au piano. Ce fut certainement une expérience exaltante de découvrir toutes ces œuvres révolutionnaires dans un seul programme, et pour beaucoup d’auditeurs le Quatrième Concerto pour piano a dû sembler un prolongement de cette même folie – et qui sait ce que Beethoven, pratiquement sourd, a vraiment pu faire sonner au piano ? Son élève Carl Czerny qualifia son exécution en cette occasion d’« enjouée », terme si étrange qu’on peut se demander s’il faut y voir un euphémisme. Les auditeurs avertis devaient s’attendre à ce qu’un concerto commence par une longue introduction pendant laquelle l’orchestre présente résolument certains thèmes principaux du premier mouvement. Mais ce concerto émerge avec une délicatesse inattendue, et le piano solo joue doucement avant de se retirer pour ne plus se faire entendre pendant soixante-neuf mesures. Le deuxième mouvement est lui aussi extraordinaire, et les commentateurs ultérieurs ont affirmé qu’il (et peut-être même le concerto tout entier) était censé dépeindre le mythe grec d’Orphée charmant les Furies aux portes des enfers. Le mouvement conclusif est un rondo – vigoureux, et, comme aurait

dit Czerny, enjoué.

–James M. KellerTraduction : Dennis Collins

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Le SAN FRANCISCO SYMPHONY, après avoir donné ses premiers concerts en 1911, a bâti sa renommée avec les directeurs musicaux qui se sont succédé à sa tête : Henry Hadley, Alfred Hertz, Basil Cameron, Issay Dobrowen, Pierre Monteux, Enrique Jordá, Josef Krips, Seiji Ozawa, Edo de Waart, Herbert Blomstedt (aujourd’hui Conductor Laureate), et, depuis 1995, Michael Tilson Thomas. Au cours des saisons récentes, le San Francisco Symphony a remporté certains des prix discographiques les plus prestigieux, dont le Grand Prix du disque français, le prix Gramophone en Grande-Bretagne, et une série de Grammy®s pour ses enregistrements de la musique de Brahms, Orff, Prokofiev et Stravinsky. Le premier disque de cette intégrale Mahler, avec la Sixième Symphonie, a reçu le Grammy du « meilleur enregistrement orchestral » de 2002, tandis que l’enregistrement de la Troisième de Mahler s’est vu attribuer le Grammy du « meilleur album classique » de 2003. L’enregistrement de la Septième de Mahler a reçu des Grammys comme « meilleur enregistrement orchestral » et « meilleur album classique » de 2006, et le disque de la Huitième Symphonie de Mahler a été distingué par trois Grammy Awards en 2009 : « meilleur album classique », « meilleure interprétation chorale » et « meilleure prise de son classique ». 2004 a vu le lancement de Keeping Score, projet pédagogique multimédia (télévision, DVD, radio et site web keepingscore.org). Sa discographie chez RCA

Red Seal comprend également, sous la direction de Michael Tilson Thomas, la Symphonie fantastique de Berlioz, deux anthologies Copland, et une anthologie Gershwin avec des œuvres qu’il donna pour le gala inaugural de Carnegie Hall en 1998, retransmis à la télévision dans tout le pays dans le cadre de l’émission Great Performances de PBS. A Celebration of Leonard Bernstein (concert de gala inaugural 2008 à Carnegie Hall), également télédiffusé à travers le pays, est disponible en DVD. Le San Francisco Symphony se produit régulièrement aux États-Unis, en Europe, en Asie, et a fait en 1990 de saisissants débuts au Festival de Salzbourg et au Festival de Lucerne. En 1980, l’orchestre s’est installé dans la Louise M. Davies Symphony Hall nouvellement construite. 1980 a également vu la fondation du San Francisco Symphony Youth Orchestra. Le San Francisco Syymphony Chorus s’est fait entendre dans le monde entier sur disque et dans la bande-son de trois films importants, Amadeus, L’Insoutenable Légèreté de l’être et Le Parrain III. Grâce à ses retransmissions radiophoniques, les premières aux États-Unis à présenter de la musique symphonique lorsqu’elles ont débuté en 1926, le San Francisco Symphony est entendu à travers les États-Unis, confirmant une vitalité artistique dont l’effet se fait sentir dans toute la vie musicale américaine.

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Beethovens Symphonie Nr. 5 in C-Dur, Opus 67

Klavierkonzert Nr. 4 in G-Moll, Opus 58

Kein Opus im Kanon der Orchesterwerke ist je gründlicher analysiert und diskutiert worden als Beethovens fünfte Symphonie; ihre Bekanntheit hat deren Wucht jedoch um nichts geschmälert, und schon Robert Schumann kommentierte dieses Meisterwerk so, „So oft gehört im öffentlichen Saal wie im Inneren, übt sie unverändert ihre Macht auf alle Lebensalter aus, gleich wie manche große Erscheinungen in der Natur, die, sooft sie auch wiederkehren, uns mit Furcht und Bewunderung erfüllen.“

In diesem Musikstück können wir uns ein Bild machen von Beethovens Geisteszustand in dem Vierjahresabschnitt, als er daran schrieb. Er war dabei, sein Gehör zu verlieren – ein schlimmes Übel gewiss für jedermann, aber für einen Musiker schlichtweg katastrophal. Im März 1808, ungefähr als er das Werk abschloss, kostete ihn eine grassierende Infektion beinahe einen Finger, was weitere Bitternis über ihn, einen Komponisten mit einem solchen Naheverhältnis zur Tastatur, gebracht hätte. Das politische Klima Wiens war unruhig – seit November, 1805 hatte man sich der napoleonischen Besatzung zu beugen. Mit dem zur Neige gehenden

Jahr 1807, wurde Beethoven von seiner Liebe zurückgewiesen, und sein Privatleben war insgesamt wirr. Allein im Jahre 1808 wechselte er vier Mal die Wohnung. Es gab allerdings auch eine beschaulichere Seite in seinem Wesen: Häufig floh er in die Parks der Vorstadt und ins Grüne von Wiens unmittelbarer Umgebung. Dort dürfen wir den Komponisten wähnen, wenn wir der Sechsten, der Pastoralsymphonie, lauschen, welche ungefähr zugleich mit der Fünften entstand. Wir liegen sicherlich nicht falsch, wenn wir in Beethovens Fünfter biographische Beiklänge vermuten, aber wir sollten auch deren Weitläufigkeit nicht unterschätzen. Ist einmal alles gesagt und getan, ist auch noch die Einzigartigkeit dieses Werkes herauszustreichen, wie sie sämtlichen Meisterwerken Beethovens eigen ist. Der Komponist erkundet und befolgt strenge ästhetische Maßstäbe, welche er sich selbst setzt. Metaphorisch gesprochen bahnt sich das Musikwerk den Weg aus Düsternis und Kampfstimmung im Eröffnungssatz hin zum Sonnenlicht und zum Triumph des Schlusses. Beethovens Zielsetzung, die hier so vollendet ausgeführt scheint, sollte den nachfolgenden Symphonikern zum Vorbild gereichen.

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Beethoven hob sein viertes Klavierkonzert im Zuge einer Privataufführung am Herrschaftssitz Prinz Franz Josefs von Lobkowitz im März 1807 aus der Taufe, um es hernach fast zwei Jahre ad acta zu legen und es lediglich ein einziges weiteres Mal, bei seinem letzten öffentlichen Auftritt als Pianist – während eines Konzerts im Theater an der Wien am 22. Dezember 1808 – aufzuführen. Dieser zur Gänze aus Beethoven bestehende Marathon ist als eines der außergewöhnlichsten Ereignisse in die Annalen der Musikgeschichte eingegangen. Außer diesem Klavierkonzert hat man dort sowohl die fünfte als auch die sechste Symphonie sowie die Fantasie für Klavier, Chor und Orchester in C-Moll uraufgeführt und die in Wien erstmals gehörten drei Sätze der C-Dur-Messe und die Konzertszene Ah Perfido! und eine solistische Improvisation auf der Tastatur durch den Komponisten selbst zu Gehör gebracht. All diese bahnbrechenden Werke auf einmal zu hören muss überwältigend gewesen sein, und in den Ohren so manchen Zuhörer hat das vierte Klavierkonzert wohl wie ein weiteres Beispiel des sattsam bekannten Irrsinns geklungen – denn wer weiß, was der so gut wie taube Beethoven auf dem Klavier wirklich von sich gegeben hat. Sein Schüler Carl Czerny bezeichnete Beethovens Darbietung bei der Gelegenheit als „verspielt“, ein so merkwürdiges Attribut, dass man sich fragt, ob es sich hier nicht um

einen Euphemismus handelt. Sachkundige Zuhörer hatten gewiss ein Konzert mit langer Einführung erwartet, in dem das Orchester wie gehabt einige der Themen des ersten Satzes vorlegt. Dieses Konzert hebt indes mit ungeahnter Sanftheit an, sachte und solistisch auf dem Klavier geboten, wonach sich das führende Instrument zurückzieht und 69 Takte lang schweigt. Der zweite Satz ist ebenso ungewöhnlich. Spätere Kommentatoren haben erklärt, dass er – und vielleicht sogar das ganze Konzert – den griechischen Mythos des Orpheus darstelle, der die Dämonen an den Pforten der Hölle betört. Der Schlusssatz ist ein Rondo – kraftvoll und, wie Czerny es wohl ausgedrückt hätte, „verspielt“.

– James M. Keller Übersetzung: Luna Gertrud Steiner

Das SAN FRANCISCO SYMPHONY Orchester gab seine ersten Konzerte im Jahre 1911 und hat seitdem bei wachsender Publikumsbegeisterung unter einer Reihe von Dirigenten konzertiert: Henry Hadley, Alfred Hertz, Basil Cameron, Issay Dobrowen, Pierre Monteux, Enrique Jordá, Josef Krips, Seiji Ozawa, Edo de Waart, Herbert Blomstedt (nun zum Ehren-Dirigenten ernannt) und seit 1995 unter Michael Tilson Thomas. In den vergangenen Jahren konnte das San Francisco Symphony Orchester einige der weltweit bedeutendsten Schallplatten-Preise gewinnen, wie den französichen Grand Prix du Disque, den britischen Gramophone Award und eine Reihe von Grammy®s für die Aufnahmen von Werken Brahms, Orffs, Prokofievs und Strawinskys. Die erste Aufnahme dieses Mahler-Zyklus, die 6. Sinfonie, erhielt 2002 den Grammy für die beste Orchesterproduktion des Jahres, und die Aufnahme der 3. Sinfonie wurde 2003 mit dem Grammy der Kategorie “bestes klassisches Album” ausgezeichnet. 2006 wurden dem San Francisco Symphony Orchester anlässlich der Aufnahme der 7. Sinfonie die beiden Grammys für die beste Orchesterproduktion und für das beste klassische Album des Jahres zuerkannt; die Aufnahme von Mahlers Achter wurde 2009 mit drei Grammys für das beste klassische Album, die beste Chorproduktion und das bestausgeführte klassische Album geehrt. 2004 wurde das multimediale Pädagogikprojekt Keeping Score im TV, auf DVD,

über den Rundfunk und die Web site keepingscore.org lanciert. Für den Label RCA Red Seal hat das San Francisco Symphony unter Michael Tilson Thomas auch Berlioz’, Symphonie fantastique, zwei Copland-Alben, eine musikalische Auswahl von Charles Ives und eine Gershwin-Sammlung aufgenommen, die das Programm der Eröffnungsgala der Saison 1998 in der Carnegie Hall, New York, enthält. Die Celebration of Leonard Bernstein, eine Live-Aufnahme der Carnegie Hall-Eröffnungsgala von 2008, wurde bundesweit im Fernsehen ausgestrahlt und ist auf DVD erhältlich. Das San Francisco Symphony Orchester ist regelmäßig in den USA, Europa und Asien zu hören und debütierte 1990 mit großem Erfolg bei den Salzburger Festspielen und beim Lucerne Festival. 1980 übersiedelte das Orchester in die neuerbaute Louise M. Davies Symphony Hall. Im selben Jahr wurde zusätzlich das San Francisco Jugendsymphonie-Orchester gegründet. Der San Francisco Symphony Chorus ist auf dem Soundtrack der drei weltbekannten Filme Amadeus, Die unerträgliche Leichtigkeit des Seins und Der Pate III zu hören. Das San Francisco Symphony Orchester hat nicht nur im Jahre 1926 als erstes amerikanisches Orchester überhaupt im Radio symphonische Musik aufgeführt, sondern wird auch noch heute überall in den USA gern gehört und leistet durch seine künstlerische Vielfalt einen wesentlichen Beitrag zum amerikanischen Musikleben.

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– WALL STREET JOURNAL

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GUSTAV MAHLER

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821936-0037-2