artnobel revista 4
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Inspiration Review of Contemporary Art Revista 4 Henry GonzálezTRANSCRIPT
ARTNOBEL Inspiration Review of Contemporary Art
Nú
m.
4 n
ov.
-dic
. 2
01
5
i. Anosognosia, un frío salón a flor de piel
ii. Henry González en la isla de hielo y fuego
iii. 10 días de trekking por Islandia
iv. MIRA - Live Visual Arts Festival 2015
v. Ana Teresa Fernández. Bajo el mismo cielo
vi. Hablo, sabiendo que no se trata de eso. Comisart.
Nuevas miradas sobre dos grandes colecciones
vii. Juan Canela , 17 artistas y sus obras presentes en la
exposición
viii. María Ignacia Edwards. Instrumento móvil de aire y
cuerda
En este
número
encontrarás…
2
Fotografía de Karina Sechi Portada de Emilio Kabchi
Maite Alonso
Directora
Gregorio Alonso
Redactor
Cristina Martínez-Sandoval
Redactora de Opinión
eMe Alonso
Reportera de Eventos
Redacción
Todo le fascina.
Interesada en
los detalles, las
pequeñas
cosas pasando
delante de
nuestras
narices sin
sentido ni
razón.
Se abstrae en
un instante
durante horas
llenas de trazos
sobre papel.
Saltando de un
equilibrio a otro.
Descubriendo
cosas en cada
esquina.
Subiendo y
viajando por las
ideas de otros
que en algún
momento hará
suyas.
Corriendo tras
la paloma en
un campo
repleto de
amapolas.
Atenta y
contenta como
la bondad.
Gira, da
vueltas, se
mira en el
muro lo salta y
se espanta.
Sonríe, lo
aprecia, se
asombra, se
inquieta, se
olvida y lo
quiere
recordar.
Comunica,
entretiene,
disfruta, se
evapora y vuelve
a volar. Nada en
la zona adulta
sin soltar de la
mano a una niña
de cabellos
claros y sonrisa
perenne.
Incansable de
apetitos
exquisitos de
una sola vez.
3
4
Smartphonegrafía, 2015 por Agua Santa
ANOSOGNOSIA, UN FRÍO SALÓN A FLOR DE PIEL
Abate Bussoni
5
Contemplamos aquello que nos rodea en función de nosotros mismos, y al
tiempo, tenemos sentido en función de nuestro entorno. Nos percibimos el
centro de un universo observado desde nuestro punto de vista. Sin
embargo, para la humanidad apenas somos nada.
Nuestra particular visión del arte juega como un existencialismo, como un
juego de propio conocimiento, con interés por todo lo que nos envuelve. En
ese cosmos donde nada somos, donde nada hacemos, donde nada
entendemos, sino es a través de ese existencialismo. Actuamos como un
GPS indicando coordenadas, números y referencias, ubicándonos en un
lugar, en este caso, más imaginario que real.
Un lugar perdido, porque no sabemos descifrar esas coordenadas
definidas por nuestra existencia, como enfermos padeciendo una imposible
anosognosia.
La búsqueda de entendimiento nos aparta de conocer ésta auto cuestión.
Estando siempre ahí, a nuestro alcance… muy próximos.
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Henry González
en la isla de
hielo y fuego
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Desde hace unos años tenía la idea
de visitar Islandia, viaje que finalmente
pude realizar este año.
No tenía un proyecto preconcebido,
simplemente quería fotografiar el tipo
de paisaje boreal de la sorprendente y
septentrional “Isla de hielo y fuego”.
Acostumbrado a caminar y
aventurarme para conseguir
imágenes, decidí comenzar el viaje
realizando el trekking de
Laugaverurin, que comunica el valle
geotermal de Landmannlaugar con el
verde valle de Thórsmörk, al sur del
país junto al volcán de Eyjafjallajökul.
La región es considerada como la
tercera zona geotermal del planeta y
su recorrido se realiza en 5 días.
Como fotógrafo de naturaleza y
paisajista fue una maravilla poder
caminar por esa agreste región
totalmente volcánica con montañas de
riolita, bellos cañones y desiertos
negros, un espectáculo lleno de
contrastes y color. Era una novedad
para mí el poder realizar imágenes de
un paisaje tan diferente a los tepuyes
venezolanos, que es mi área de
acción y donde me he desarrollado
como fotógrafo de naturaleza y
paisajista.
Volcanes, montañas de colores,
verdes valles, lagos, ríos, gargantas y
cañones, glaciares, ríos y lagos
glaciares, fumarolas, pozas y ríos
termales, caminos de lava, desiertos y
bosques boreales, se mezclan para
dar una variedad como pocas
regiones pueden tener, cada día un
paisaje diferente.
El trekking es de un nivel muy fácil y
que sin duda está hecho para
amantes de la fotografía y la
naturaleza.
Al terminarlo realizamos un viaje en
coche, dando vuelta a la isla en
sentido contrario a las agujas del reloj.
Islandia es un país que prácticamente
en su totalidad, es un parque nacional.
Es de esos lugares donde dan ganas
de perderse, conocer y viajar sin fin,
aún más si llevas una cámara, todo
allí es fotogénico. Es un país
amigable, bien organizado y todo está
muy a la mano, es posible llegar en
coche a la mayoría de los lugares de
interés. Y sin duda, una de las cosas
que me maravillaron, fue el acceso
gratuito a casi todos los lugares de
interés natural.
La carretera que da la vuelta a la isla
es estrecha, pero impecablemente
mantenida. Mientras conduces por
ella te cruzas con infinidad de
caravanas, camiones-casa, vans y
coches de alquiler, el turismo está
muy bien organizado y aunque los
precios de hoteles y restaurantes son
elevados, la acampada está permitida
en la casi totalidad del país, por lo que
es posible viajar de manera
económica si se organiza el viaje con
tiempo.
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Comenzamos nuestro recorrido
saliendo desde la capital, Reykjavik
dirección al llamado círculo dorado,
zona geotérmica donde se
encuentran el parque nacional de
Thingvellir, la famosa "cascada de
oro" Gullfoss y el gran Geiser.
Aunque el buen tiempo no nos
acompañó había mucho camino por
delante y mucho paisaje por ver y
fotografiar.
El camino nos llevó hacia las playas
negras del sur, en Vik localidad más
meridional de la isla, encontramos la
bella playa de Reynisfara con sus
acantilados y geométricas
formaciones de basalto sobre el mar
de Reynisdrangur, mar bravo y
tempestuoso que ofrece todo tipo de
posibilidades para la fotografía
creativa y de larga exposición, uno
de mis lugares favoritos del viaje.
Algo que me sorprendió en ese lugar
y que fue una constante durante todo
el viaje, fue ver la cantidad increíble
de fotógrafos profesionales o que
parecían serlo. Un impresionante
desfile de costosos equipos que
refleja la gran masificación de la
fotografía en nuestros días.
Nuestra siguiente parada, ahora
dirección este, fue la magnífica
laguna glaciar de Jökulsárlon, donde
bloques de hielo, focas, gaviotas y
azules turquesas se entremezclan en
un deleite visual, invadido de
trípodes y cámaras trabajando en
armonía.
Era septiembre, final del verano y los
días eran larguísimos, despertando a
veces, a las 4 de la mañana para
captar las primeras luces del día,
conduciendo durante horas, parado
en todos los lugares recomendados
y muchas veces improvisando, es
realmente un país lleno de
sorpresas, contrastes y variados
panoramas. La gente es
encantadora, todos hablan inglés,
afortunadamente porque el islandés
es complicadísimo, repleto de
consonantes y sonidos
impronunciables para un
hispanohablante.
Continuamos viajando dirección este
– noreste, donde se encuentra
situado el parque nacional Skatefell
al pie del glacial más grande de
Europa el Vatnajökull,
verdaderamente imponente, su
visión se pierde en la inmensidad, de
esos lugares donde notas la
fragilidad del ser humano frente a la
sublime naturaleza.
La costa este y los fiordos orientales
fueron un hermoso descubrimiento,
los panoramas entre el mar y la
montaña, la profundidad con que el
mar se impone tierra adentro, los
coloridos pueblos pesqueros con sus
casas de fuertes tonos, de tejados
escarlatas y añiles, un bonito y
pintoresco espectáculo para la vista
y las lentes de cualquier fotógrafo.
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Ya teníamos 10 días viajando, con
ganas de quedarnos más tiempo en
cada lugar, planeando ya volver en
un futuro, con más tiempo y para
acampar. Nos encontrábamos en el
norte de la isla y como cada día
habíamos hecho unos 300
kilómetros, hasta el momento
habíamos visitado un gran número de
cascadas, en todos sus formatos,
Islandia está repleta de ellas. Cuando
llegamos a dormir a una granja
ubicada al pie de la bonita Godafoss,
fascinante al amanecer y muy
cercana a Dettifoss, conocida por
aparecer en una mítica escena de la
película Prometheus, realmente un
lugar que vale la pena la visitar.
Ahora viajando en dirección oeste,
recorrimos el lago de Myvatn o “lago
de los mosquitos” región de una
biodiversidad extraordinaria, donde
es posible pasear entre pseudo-
cráteres y perderse en Dimmuborgir,
una inmensa área de campos de
lava, con variadísimas formas
rocosas y actividad volcánica. En la
mitología islandesa se dice que este
lugar conecta con las tierras del
infierno y que en él residen duendes
y gnomos.
Dirección al sur, ya casi cerrando el
círculo y después de casi 400 km,
parada en Borgarnes, en la costa
oeste, donde nos recibieron vientos
de más de 120 km por hora que
arrancaban tejados, letreros y hasta
ventanas de caravanas. Ese día
decidimos pasar la última noche del
viaje en Vik, donde ya habíamos
estado, íbamos a cerrar el círculo y
continuar de nuevo hacia el sur, hacia
la costa meridional de la isla.
Al comienzo del viaje descubrí que el
conocido fotógrafo americano de
naturaleza, Ian Plant, estaría en
Islandia al mismo tiempo que
nosotros. Realizaría un workshop
con un grupo de alumnos fotógrafos.
Le escribí un email para ver si era
posible encontrarnos y él me propuso
un encuentro en Vik, donde ellos
pasarían varios días. Nosotros ya
habíamos dejado Vik atrás, pero era
uno de los sitios que más nos marcó
en el recorrido de coche, valía la
pena volver. Unos kilómetros de
más, después de tantos días en el
coche, era una cosa totalmente
factible. Esa noche nos encontramos
con Ian en su hotel, fue una reunión
muy simpática y acertada. La
mañana siguiente volvimos a las
playas negras, donde conocimos
nuevos lugares. Disfrutamos mucho
nuestro último día, Vik y sus
alrededores, es un lugar donde vale
la pena quedarse unos días.
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De vuelta hacia Reykjavik, decidimos
dedicar nuestras últimas horas antes
de tomar el avión, a relajarnos y
descansar en el “Blue lagoon”,
impresionante balneario geotermal
situado en la península de Reykjane,
muy cerca del aeropuerto, es el lugar
más popular y visitado de Islandia. Un
entorno singular para un extraordinario
espectáculo natural, un ecosistema
único, reconocido por las propiedades
medicinales de sus azules aguas.
Existen otros centros termales en la
isla y en casi todos los pueblos hay
piscinas municipales. De hecho la
oferta de actividades y posibilidades de
ocio en Islandia es bastante completa y
variada, en la costa hay paseos en
barco para avistamiento de focas y
ballenas; en los glaciares, paseos con
crampones, subida o visita a su
interior; también se puede descender a
un volcán; existen varios museos
interesantes; en fin la oferta se adapta
a todos los gustos y bolsillos.
Esa noche relajados y satisfechos
subimos al avión, después de haber
realizado en 10 días un trekking de 60
km y 2800 km de coche, con la
absoluta convicción de que volveremos
a este maravilloso y asombroso país
de hielo y fuego.
Henry González
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MIRA
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Live Visual Arts Festival
2015
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MIRA es un festival que exhibe las
nuevas creaciones en artes visuales a
nivel internacional, generando
simbiosis únicas a través de
colaboraciones entre artistas
visuales y musicales, basándose en
tres áreas: exhibición, divulgación y
educación.
El programa de este año 2015 ofreció
33 conciertos, 9 instalaciones y 20
artistas visuales, además de
conferencias, workshops y
screenings. Más de 50 actividades a
lo largo de una semana -30 octubre al
7 noviembre- repartidas por los tres
espacios del festival: Fàbrica Fabra i
Coats, Arts Santa Mònica y
Razzmatazz.
Una de las revelaciones musicales de
la electrónica más inspiracional y
mejor producida de la escena
nórdica, Rival Consoles (UK),
presento su nuevo álbum -todavía sin
nombre, editado por Erased Tapes-,
un viaje cósmico digno de la música
del futuro.
Por quinto año consecutivo, el
magnífico edificio de Fabra i Coats,
emblema del patrimonio industrial de
la ciudad de Barcelona, se convirtió
en la sede de MIRA 2015.
La nave central de esta fábrica –con
más de 1000 m2- acogió el escenario
del festival que, también conto con
una segunda nave anexa al edificio
principal.
Fabra i Coats, que forma parte del
circuito Fábricas de Creación del
Ajuntamiento de Barcelona, apuesta
por la creación más emergente
apoyando a la innovación y la
creatividad.
El centro cultural Arts Santa Mònica
se sumo un año más al festival,
dando cabida a conferencias y shows
en directo. Dos días de actividades
gratuitas orientadas a la difusión de
las artes visuales y la tecnología.
Los espacios The Loft y Lo*li*ta en la
mítica Sala Razzmatazz de
Barcelona, ofrecieron los conciertos
de clausura del festival MIRA el
pasado 7 de noviembre.
Este año, la imagen del MIRA - Live
Visual Arts Festival se propuso
personificar el festival en forma
humanoide. "Personajes con cara y
ojos que se dirigen al público a través
de la sensualidad", según palabras
del estudio de diseño barcelonés
Device, responsable de la campaña
gráfica del MIRA por tercer año
consecutivo.
A mediados del pasado julio, el
festival publicó "She", el nacimiento
de un ser artificial que emergía del
fondo del mar y pregonaba: "te he
estado esperando. ¿Estás
preparado?". Meses después el
festival publicaba el segundo teaser
de la imagen, titulado "He", otro ser
misterioso nacido de un monolito de
tierras áridas.
La imagen del MIRA 2015 pretende
explorar en el erotismo situándolo en
un contexto artificial donde las
posibilidades y la imaginación se ven
ampliadas gracias al factor
tecnológico.
La campaña gráfica de esta edición,
es el punto de unión entre los
instintos primarios del ser humano y
la actualidad de la técnica vinculada al
mundo digital. Una estética
vanguardista ligada a la era de
internet.
Rival Consoles. Odyssey, vídeo en:
https://vimeo.com/75201259
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Ana Teresa Fernández.
Bajo el mismo cielo
BBC, CNN, The New York Times, han
escrito sobre Ana Teresa Fernández y
Borrando la frontera un proyecto de
arte en el que la artista, invitada por la
organización Border Community
Alliance, pinta de azul la valla que
separa a Estados Unidos y México
como una plataforma visual para exigir
mayor respeto a los derechos
humanos de los inmigrantes no solo en
Latinoamérica sino a nivel mundial.
Nacida hace 34 años en Tampico,
México, la artista activista reside en
San Francisco, pero durante varios
años vivió en Nogales, ciudad
fronteriza con San Diego, California,
donde observó cómo muchas
personas atravesaban el puerto
fronterizo diariamente.
En esta valla que hoy pinta Ana Teresa
Fernández han muerto desde 1998
hasta 2014 más de 6.000 personas. El
6% de las muertes de migrantes en
todo el mundo. La artista ha querido
borrar ese recuerdo en 10 metros de
ancho y seis de alto. Aunque
matiza: "No lo hacemos desaparecer.
Estamos jalando el telón del cielo
hacia abajo”.
La primera vez que Ana Teresa
Fernández “baja el cielo como un
telón", fue en el 2012 en un lugar
emblemático de la playa de Tijuana
donde la valla fronteriza atraviesa el
océano y divide Estados Unidos y
México.
Esta vez el pasado mes de octubre, la
artista ayudada por compañeros,
pintaron una parte que divide las
ciudades del mismo nombre: Nogales,
del estado mexicano de Sonora y
Nogales, del estado norteamericano
de Arizona. Las autoridades fronterizas
de ambos países no interrumpieron la
intervención artística.
Como bien dice Ana Teresa
Fernández: “Sí, somos diferentes
culturas pero es bajo el mismo cielo”.
Ver el vídeo editado por AJ+
https://youtu.be/EMDCpKRCScI
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Hablo, sabiendo que no
se trata de eso. Comisart. Nuevas miradas sobre
dos grandes colecciones
Hablo, sabiendo que no se trata de
eso, es la primera de las tres
exposiciones que componen la
segunda edición de Comisart. Nuevas
miradas sobre la Colección ”la Caixa”.
En 2012, la entidad puso en marcha
el programa Comisart para dar a
conocer el trabajo de jóvenes críticos
y comisarios de arte y ofrecerles la
posibilidad de desarrollar un proyecto
de exposición a partir de los fondos
de la Colección ”la Caixa” de Arte
Contemporáneo.
La idea nació al constatar la
transformación que ha experimentado
en los últimos años el mundo de la
crítica y del comisariado: muchos
jóvenes han viajado al extranjero, han
estudiado en las mejores
universidades y han trabajado en
museos e instituciones de primera
línea. De estas experiencias
cosmopolitas ha surgido una nueva
mirada sobre el arte contemporáneo
que, a menudo, no encuentra
caminos para manifestarse: cuesta
hallar espacios de comunicación entre
los críticos jóvenes, las nuevas
lecturas del arte, la comunidad
artística y el público. El interés de
Comisart es múltiple: para los jóvenes
comisarios, representa una
oportunidad de desarrollo de sus
ideas en contacto con las obras de los
grandes artistas de nuestro tiempo, y
para la comunidad artística y para el
público, permite descubrir nuevas
voces críticas y nuevas formas de
vivir la experiencia contemporánea.
Esta segunda edición de Comisart
presenta dos novedades principales:
en primer lugar, la posibilidad de
incorporar al proyecto, además de las
obras de la Colección ”la Caixa” de
Arte Contemporáneo, los fondos de la
Colección MACBA; por otra parte, los
comisarios pueden invitar a artistas
jóvenes a participar en sus proyectos.
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La primera de las muestras que
surgen de esta convocatoria, Hablo,
sabiendo que no se trata de eso, a
cargo del joven comisario Juan
Canela, aprovecha estas nuevas
oportunidades para organizar su
proyecto y reúne obras de 17
artistas. Seis de ellos pertenecen a la
Colección ”la Caixa”, seis más
provienen de la Colección MACBA, y
cinco obras de jóvenes artistas han
sido cedidas a la exposición y en
algún caso, adaptadas
expresamente.
La muestra, organizada y producida
por la Obra Social ”la Caixa”, se
enmarcaen la voluntad histórica de la
entidad de contribuir a aumentar la
capacidad de generar conocimiento y
sensibilidad hacia el arte más actual.
Dar a conocer la creación
contemporánea rompiendo las
barreras que a menudo la separan
del público es uno de los objetivos de
la Obra Social ”la Caixa” en el ámbito
cultural.
En este sentido, es paradigmática la
Colección ”la Caixa”, formada por
cerca de un millar de obras de los
artistas más importantes de los
últimos treinta años.
Esta colección es hoy un punto de
referencia artístico, como lo
demuestran el préstamo constante de
algunas de sus obras para
exposiciones en todo el mundo, la
organización de numerosas
exposiciones en los centros
CaixaForum y las muestras
tinerantes en España, Europa y el
mundo entero. En los últimos años,
se ha iniciado con el Museu d’Art
Contemporani de Barcelona
(MACBA) la gestión coordinada de
los fondos de arte contemporáneo de
estas dos instituciones y una política
también coordinada de adquisición de
obras, así como la coproducción de
exposiciones a partir de los fondos de
sus colecciones.
Más de cuarenta propuestas se
presentaron en la segunda edición de
Comisart. Este programa brinda la
oportunidad de trabajar con obras de
primer nivel y de realizar un proyecto
expositivo en condiciones
profesionales, con la ayuda de un
tutor o tutora y con todos los medios
que la Obra Social ”laCaixa” pone a
disposición de los proyectos
seleccionados. Con Comisart, la
entidad da continuidad a su larga
trayectoria de compromiso con
nuevos talentos en el ámbito de la
cultura en general, y de las artes
visuales en particular. A lo largo de
los años, la entidad ha programado
varias iniciativas con la voluntad de
dar más proyección a los jóvenes que
inician el camino profesional,
reforzando su apuesta por el arte
emergente.
El programa de apoyo al comisariado
emergente de la Obra Social ”la
Caixa” está destinado a comisarios
de arte menores de 40 años, de
nacionalidad o residencia española y
que previamente hayan comisariado
un mínimo de tres exposiciones.
Quedan descartados los comisarios o
comisarias que tengan una
trayectoria profesional consolidada.
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Comisart se concreta en un programa
de periodicidad bienal que desarrolla
tres proyectos expositivos específicos
a partir de las obras disponibles que
forman la Colección ”la Caixa”.
El jurado de esta segunda edición de
Comisart ha estado compuesto por
Ferran Barenblit, Sabel Gavaldón,
Antònia M. Perelló y Manuel Segade.
Entre las cuarenta propuestas
presentadas, las tres seleccionadas
corresponden a las de Juan Canela
(Hablo, sabiendo que no se trata de
eso), Carlos Martín (Gestos
iconoclastas, imágenes heterodoxas)
y Érika Goyarrola y Xurxo Ínsua (Alt-
architecture). La primera trata sobre
los límites del lenguaje; la segunda,
sobre el arte como provocación y
revulsivo, y la tercera, sobre las
relaciones entre arte y arquitectura y
la posibilidad de buscar formas de
construcción social alternativas.
¿Acaso en la actualidad dependemos
demasiado de un tipo de lenguaje, de
un mismo esquema de representación
y comunicación predominantemente
narrativo? Esta es la pregunta que se
formula Juan Canela y que vehicula la
exposición Hablo, sabiendo que no se
trata de eso (que toma prestado el
título de un poema de Alejandra
Pizarnik).
La conciencia de lo inefable poético,
la incapacidad del lenguaje oral o
escrito para transmitir ideas y
emociones, no es ninguna novedad:
forma parte de la propia naturaleza
del arte y la literatura.
Pero el arte contemporáneo ha
profundizado como nunca en el tema:
desde artistas que han querido
transmitir el dolor absoluto -Hinter
dem Knochen wird gezählt -
SCHMERZRAUM, de Joseph Beuys,
una de las piezas más importantes de
la Colección ”la Caixa” - hasta
creadores que han explorado formas
de Comunicación alternativas, como
los dadaístas con sus performances o
el teatro de la crueldad de Antonin
Artaud.
El punto de partida de Hablo,
sabiendo que no se trata de eso es
una serie de trabajos de las
colecciones de ”la Caixa” y del
MACBA que reflexionan sobre el
propio hecho lingüístico o comunican,
a través de un lenguaje significativo y
original, un escenario propio
elaborado a partir de códigos
personales, históricos, culturales,
lingüísticos y sociales.
Uno de los aspectos más fascinantes
de la muestra es la libertad con que
elige las obras y establece vínculos
entre creadores de distintas épocas,
que trabajan con materiales y
lenguajes muy variados: de Eduardo
Chillida y Susana Solano a Matt
Mullican y Asier Mendizabal, de la
escultura en acero al trabajo
conceptual realizado con vidrieras o
banderas. En esta línea, se ha
invitado a una serie de artistas
jóvenes a intervenir en los proyectos
con performances, de forma paralela
o en el mismo espacio de exposición.
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De esta forma, la Colección ”la Caixa”
emerge como un organismo vivo en el
que los objetos actúan en el momento
presente. Llevando el razonamiento
performativo de la colección al
extremo, los materiales de las obras,
los cuerpos (de artistas, performers y
público), sus acciones y el espacio
son los agentes que forman un nuevo
escenario de comunicación, más allá
de las palabras. La selección de los
trabajos articula distintas líneas
discursivas y performativas que se
entrecruzan en el espacio expositivo,
e incluso se expanden más allá de
sus muros.
En este sentido, el «espacio de dolor»
de Beuys se convierte en una pieza
central que, además, provoca la
acción Cabaña de madera, cabaña de
plomo,a cargo del artista y doctor en
Física Pep Vidal. Esta performance
podrá verse en vídeo en la sala de
exposiciones, y también en una
sesión en directo abierta al público en
el mismo espacio de dolor, el sábado
19 de diciembre, a las 19 horas.
Tres son las líneas de acción y
reflexión de la exposición. En primer
lugar, encontramos una serie de
obras que se cuestionan directamente
sobre el propio lenguaje, el hecho
narrativo y sus límites (Isidoro
Valcárcel Medina, Jonathan Monk,
Juan López, Falke Pisano y Ryan
Gander).
Otra de las líneas temáticas está
formada por trabajos que generan
sistemas de comunicación perceptiva
abstracta, que escapan totalmente del
lenguaje (Matt Mullican, Asier
Mendizabal, Eduardo Chillida, Susana
Solano y Juan López).
Por último, una serie de piezas juegan
con la abstracción y el lenguaje
creando sistemas de comunicación en
los que la presencia del cuerpo tiene
un protagonismo especial (Félix
González-Torres, Dora García,
Abraham Cruzvillegas y Julia
Spínola).
En esta última línea discursiva se
incluyen también la coreografía
performativa de Aimar Pérez Galí y la
intervención de Marc Vives. La
primera podrá verse el sábado 23 de
enero 2016, a las 19 horas,. La
segunda, pudo verse el pasado 29
de octubre y el 7 de noviembre.
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Juan Canela , los 17
artistas y sus obras
presentes en la
exposición
Juan Canela (Sevilla, 1980) vive y
trabaja en Barcelona. Comisario
independiente y crítico de arte, es
fundador y comisario de BAR project i
Azotea. Entre sus proyectos
recientes, se encuentran Lesson 0,
proyecto de largo recorrido para el
Espacio 13 de la Fundación Miró,
Barcelona; ¿Por qué lo llaman
entropía?, exposición comisariada
junto con Ariadna Ramonetti para la
edición 0 del Encuentro Internacional
de Cultura Contemporánea de
Guadalajara, México (2015); Ignacio
Uriarte: 1&0s, MARCO (Museo de
Arte Contemporáneo de Vigo) (2014);
¿Estudias o trabajas?, La Ene,
Buenos Aires, Argentina (2013); y Lo
viejo y lo nuevo, ADNPlatform,
Barcelona (2013), proyecto
comisariado por Azotea (Ane Agirre y
Juan Canela). En octubre de 2015
comisaria Swab Performance, un
programa de performances para
Swab Barcelona. Junto con Chris
Sharp, será comisario de la sección
Opening de ARCOmadrid 2016.
Recientemente, ha participado en
seminario Surrounding Education en
De Appel Arts Centre de Ámsterdam,
y en Synapse Workshop 2015 de la
Haus der Kulturen der Welt, Berlín.
Escribe para revistas como A*Desk,
Dardo Magazine, South Magazine y
Kaleidoscope.
En la exposición Hablo, sabiendo que
no se trata de eso, Juan Canela ha
vinculado a los sigientes artistas:
Joseph Beuys (Krefeld, Alemania,
1921 – Düsseldorf, Alemania, 1986)
Hinter dem Knochen wird gezählt -
SCHMERZRAUM [Se cuenta detrás
del hueso -
ESPACIO DE DOLOR], 1983
Planchas de plomo, hierro y anillas de
plata
Colección ”la Caixa” de Arte
Contemporáneo.
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Pep Vidal (Barcelona, 1980)
Cabana de fusta, cabana de plom
[Cabaña de madera, cabaña de
plomo], 2015
Acción, registro en vídeo y audio
Cortesía del artista.
Eduardo Chillida (San Sebastián,
1924-2002)
Iru Burni [Tres hierros], 1986
Acero Aloña
Colección MACBA. Fundación
MACBA. Colección Telefónica.
Ryan Gander (Chester, Inglaterra,
1976)
I am nothing. I just have no mass
(Alchemy Box #27) [No soy nada.
Simplemente, no tengo masa (caja
de alquimia n.º 27)], 2011
Resina, polvo de mármol, madera y
vinilo
Colección MACBA. Consorcio
MACBA. Depósito particular.
Abraham Cruzvillegas (México DF,
México, 1968)
Autorretrato ciego, escapándome
de mí mismo, tratando de recordar
el año en que fue publicado Mille
plateaux, 2013
Pintura acrílica lila sobre periódico,
cartón, fotografías, postales,
sobres, dibujos, tiques, cartas,
pósteres, tarjetas, recibos,
servilletas y agujas
Colección ”la Caixa” de Arte
Contemporáneo.
Dora García (Valladolid, 1965)
Bolsa dorada, 1995
Polietileno y pigmento dorado
Colección ”la Caixa” de Arte
Contemporáneo.
Félix González-Torres (Guaimaro,
Cuba, 1957 – Miami, Estados
Unidos, 1996)
Untitled (Last Night) [Sin título (Ayer
noche)], 1993
Bombillas, hilo eléctrico y
transformador
Colección MACBA. Fundación
MACBA. Depósito colección
privada.
Juan López (Alto Maliaño,
Cantabria, 1979)
Push the envelope [Ampliar los
límites], 2013-2015
Vinilo adhesivo y placas de yeso
laminado. Dimensiones variables
Cortesía del artista.
Numerosis, 2008
Vídeo monocanal, color, 4 min 5 s,
proyección continuada
Cortesía del artista.
ARTNOBEL Inspiration Review of Contemporary Art
74
Asier Mendizabal (Ordizia,
Guipúzcoa, 1973)
Not All That Moves Is Red (Telón)
#1, 2012
Tela cosida
Colección ”la Caixa” de Arte
Contemporáneo.
Jonathan Monk (Leicester,
Inglaterra, 1969)
What is Seen is Described, What is
Described is Seen, Version III
[Lo que se ve se describe, lo que se
describe se ve, versión III], 2007
Óleo sobre tela y vinilo
Colección ”la Caixa” de Arte
Contemporáneo.
Falke Pisano (Ámsterdam, Países
Bajos, 1978)
Chillida (Forms and Feelings)
[Chillida (formas y sentimientos)],
2006
Grabación audiovisual
Vídeo de doble canal, b/n, sonido,
14 min c/u
Colección MACBA. Fundación
MACBA.
Matt Mullican (Santa Mónica,
California, Estados Unidos, 1951)
Untitled [Sin título], 1992
Vidrio emplomado y marco de metal
Colección ”la Caixa” de Arte
Contemporáneo.
Aimar Pérez Galí (Barcelona,
1982) A system in collapse is a
system moving forward [Un sistema
que se hunde es un sistema que
avanza], 2015
Coreografía para dos bailarines,
voz pregrabada
Cortesía del artista.
Susana Solano (Barcelona, 1946)
Pedrís II [Banco de piedra II], 1985
Acero, yeso y malla metálica
Colección MACBA. Fundación
MACBA. Depósito Lorena Ruiz de
Villa.
Julia Spínola (Madrid, 1979)
Frase (objeto). BOCA, 2013-2015
Objetos. Dimensiones variables
Cortesía del artista.
Isidoro Valcárcel Medina (Murcia,
1937)
El libro transparente, 1970
Transferibles (Letraset) sobre
poliéster
Colección MACBA. Fundación
MACBA.
Marc Vives (Barcelona, 1978)
Una fiesta en la terraza, 2015
Acción, audio y vídeo
Cortesía del artista.
75
ARTNOBEL Inspiration Review of Contemporary Art
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María Ignacia Edwards.
Instrumento móvil de
aire y cuerda
Proyecto realizado a partir de la
residencia otorgada por la Red
Europea de Arte Digital y Ciencia y Ars
Electronica.
La residencia comenzó con el viaje a
los distintos observatorios del
European Southern Observatory
(ESO), en el Desierto de Atacama,
Chile; La Silla, Alma y Paranal.
Concluyó con una residencia de
producción en Linz, Austria.
El resultado de esta travesía artística
inspirada en los "encuentros", la
observación y la experiencia, ha dado
origen a la obra; un instrumento móvil
de aire y cuerda, compuesto por un
piano, como caja de resonancia y 11
columpios, como la extensión y
proyección de us teclas. Las teclas de
este instrumento serán enviadas a 11
lugares distintos: Belgrado, Serbia /
Kosice, Eslovakia / Gijón, España /
Zaragoza, España / Ljubljana,
Eslovenia / Londres, Reino Unido /
Dublin, Irlanda / Linz, Austria /
Santiago, Chile / La Silla, La Serena /
Alma, Chajnantor, conectando estas
distancias al trazar un mapa /
constelación a escala. El movimiento
de cada columpio provoca que el
piano emita una nota, completando
con ello una composición de 11 notas
tocadas a distancia y escuchadas en
un mismo lugar, el museo de Ars
Electronica en Linz, donde
permanecerá el piano hasta que los 11
columpios sean instalados.
La obra de María Ignacia
Edwards parte de la voluntad de la
artista por situarse como observadora
activa del mundo, de su propia
actividad de selección y descarte... De
una mezcla de relaciones y
encuentros, de sus largos trayectos en
bicicleta y de su gran interés por el
cosmos y el pensamiento científico y
filosófico. Fruto de todas estas
referencias surge el concepto de
“trama”, como una vasta red de
puntos interconectados en el espacio,
como en una constelación. El mapa
celeste impreso sobre la superficie de
la tierra mediante las líneas que van
describiendo los caminos.
Sus viajes, pizarras, libretas y
construcciones móviles forman, como
en una filosofía del mundo, un mapa
mental y físico de experiencias que
refleja el lugar y la posición que la
artista ocupa en el mundo y en el
universo.
Ver https://vimeo.com/143700753
El arte como las matemáticas debe ayudarnos a descubrir otros mundos
La contraportada inspiradora