14.01.2017 20:00 jazz & beyond «here and now» scott tixier

«Here and Now»Jazz à la Philharmonie with Kenny Barron

Kenny Barron pianoScott Tixier violinTineke Postma alto saxophoneDayna Stephens tenor saxophonePascal Schumacher vibraphoneJoshua Crumbly double bassJustin Faulkner drums

~ 90’ without intermission

Backstage19:15 Espace DécouverteVincent Cotro: «Kenny Barron ou la mémoire vive de la tradition» (F)

14.01.2017 20:00Grand Auditorium

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Kenny Barron : « jamais trop, jamais trop peu… »Vincent Cotro

À travers ses continuités, ses ruptures ou ses soubresauts, l’histoire du jazz est riche de rencontres entre musiciens appartenant à des générations ou relevant d’esthétiques différentes. Pensons aux enregistrements laissés par Coleman Hawkins avec Thelonious Monk, John Coltrane avec Duke Ellington, plus près de nous par Michel Petrucciani avec Lee Konitz ou Stéphane Grappelli. Pensons également aux « passages de témoins » entre King Oliver et Louis Armstrong, ou entre Bennie Moten et Count Basie à la tête de leurs orchestres respectifs. Si Miles Davis n’était que de quelques années le cadet de son idole Charlie Parker, aux côtés duquel débutera sa carrière, il représente le modèle parfait du musicien de jazz qui a su s’entourer de plus jeunes musiciens (d’Herbie Hancock à Kenny Garrett) capables de nourrir son aspiration au renouvellement continu. Et combien de jeunes loups du hard bop ont gagné leurs galons en participant brièvement, ou plus durablement comme le trompettiste Lee Morgan, aux inusables Jazz Messengers d’Art Blakey ? Cette tradition intergénérationnelle – la mise en valeur des jeunes talents par les aînés – est souvent incarnée de façon exemplaire, aujourd’hui, par ceux-là mêmes qui ont eu la chance d’en bénéficier : pensons à Elvin Jones hier, à Joachim Kühn ou Marcus Miller plus près de nous.Le pianiste Kenny Barron est de cette lignée, et le projet « Here and Now » en apporte ce soir l’heureuse illustration. Né en 1943 à Philadelphie, il n’a que quatorze ans quand il fait ses débuts dans l’orchestre de Mel Melvin aux côtés de son frère aîné Bill (saxo-phoniste), et à peine dix-sept quand il joue avec « Philly » Joe Jones, Yusef Lateef puis James Moody.

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L’expérience fondatrice viendra en 1962 avec son entrée dans le quintet de Dizzy Gillespie où se forgeront sa profonde maîtrise du langage du bebop et son imprégnation par les rythmes afro-cubains. Auprès de Milt Jackson, Buddy Rich ou Jimmy Heath, Kenny Barron va progressivement devenir l’un des sidemen les plus recherchés, en témoigne la longue collaboration qui va l’unir au contrebassiste Ron Carter à partir de 1976. Il enregistre notamment avec lui et différents batteurs plusieurs volumes de la célèbre série éducative des « Play Along » éditée par Jamey Aebersold et desti-née au perfectionnement des improvisateurs de jazz. S’y affirme sa maîtrise des idiomes et des répertoires les plus variés, de Duke Ellington à Herbie Hancock.

Le pianiste se produit tout au long des années 1980 en solo, duo et surtout trio avec Buster Williams et Ben Riley, formation qui devient le quartet Sphere avec le saxophoniste (et ancien partenaire de Thelonious Monk) Charlie Rouse, et qui honore et prolonge à la fois l’héritage de Monk. Au milieu de cette décennie, il intègre le quartet de Stan Getz qui le dévoile à un large public, notamment européen puisque c’est en public à Copenhague qu’est gravé le duo « People Time », trois mois avant la disparition du saxophoniste.

La carrière de Kenny Barron s’est diversifiée depuis une vingtaine d’années, marquée par de nombreux enregistrements pour le label Verve, l’extension des collaborations en duo (avec le percussion-niste Mino Cinelu, la violoniste Regina Carter, le vibraphoniste Mark Sherman) et son ouverture croissante aux rythmes afro-cubains ou brésiliens (« Canta Brazil », 2002). Gravé en 2008, un album comme « The Traveler » illustre bien la variété d’influences et de climats – post-bop, ballade impressionniste, calypso, Afrique – à laquelle ses rencontres, ses voyages et sa curiosité musicale exceptionnelle peuvent le conduire, bien au-delà d’un jazz main-stream auquel on aurait tort de le réduire. Sa soif de partager et de transmettre aux plus jeunes musiciens s’accentue au tournant des années 2000, ainsi dans le quintet où il réunit Stefon Harris (vibra-phone), Anne Drummond (flûte) et Kim Thompson (batterie) pour l’album « Images » (2004). S’il est possible d’identifier Kenny Barron à sa sonorité, à l’exigence de fluidité de ses traits, à la

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solidité de l’assise rythmique fournie par sa main gauche (notam-ment en solo et duo), force est d’admettre qu’il reste parfois diffi-cile à reconnaître avec certitude. Peut-être parce qu’il incarne, mieux que d’autres, la capacité de synthèse et d’absorption d’un musicien à l’aise dans tous les contextes, nourri au contact de tous les styles et meilleurs représentants du jazz post-parkérien. Mais à ses qualités individuelles, puisées à l’écoute d’Hank Jones, d’Oscar Peterson et de McCoy Tyner, s’ajoute son penchant pour la conversation en duo, qui l’autorise à lâcher prise (notamment avec les contrebassistes Charlie Haden ou Dave Holland) et stimule son goût pour une exploration plus spontanée. Holland ne dit-il pas de lui qu’« il écoute autant qu’il joue de façon formidable » ? Et Stan Getz : « J’ai été béni des dieux tout au long de ma vie en étant accom-pagné par les plus brillants des pianistes, d’Oscar Peterson à Chick Corea. Mais aucun d’eux ne m’a touché comme Kenny. Sa sensibilité n’a d’égal que sa disponibilité. Son sens harmonique est tout à fait étonnant. Son truc, c’est jamais trop, jamais trop peu ». Quant à sa vélocité au clavier, Jacques Réda a justement écrit qu’elle était chez lui, comme elle le fut chez Bud Powell, « l’un des plus sûrs véhicules de l’émotion ».

À l’occasion de cette tournée européenne et de ce concert « Here and Now », Kenny Barron se présente dans une formation inhabi-tuelle et particulièrement alléchante, à mi-chemin du combo plus habituel – quartet ou quintet – et de la moyenne ou grande formation où les instruments s’organisent par pupitres. Pas de cuivres ici mais un violon, deux saxophones et un vibraphone pour entourer le trio formé par le pianiste avec la contrebasse et la batterie. Avec une moyenne d’âge de 32 ans, les musiciens qui l’entourent illustrent parfaitement la façon dont Kenny Barron met en pratique à son tour la tradition intergénérationnelle évoquée plus haut, tandis que leurs pedigrees respectifs permettent de mieux comprendre leur présence à ses côtés.

Scott Tixier s’inscrit dans la lignée d’une tradition française du violon jazz, et particulièrement dans le sillage de Jean-Luc Ponty, lequel signe les notes de pochette de son dernier album, « Cosmic Adventure » (Sunnyside). En 2007, il reçoit le premier prix des Trophées du Sunside à Paris, avant de poursuivre sa carrière à New

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York avec Lonnie Plaxico, Anthony Braxton, Dave Douglas et… Kenny Barron. En 2012, et plusieurs fois ensuite, il est nommé Rising Star Violon par le magazine Downbeat, et en 2013 déclaré Best New Artist par JazzTimes Magazine. Plus récemment, il se produit avec Cassandra Wilson et Stevie Wonder. Au-delà de sa carrière de violoniste de jazz, Scott Tixier travaille dans de nom-breux genres, pour le théâtre, le cinéma et la télévision.

La saxophoniste alto et soprano Tineke Postma a grandi aux Pays-Bas et étudié au Conservatoire d’Amsterdam avant d’intégrer la Manhattan School of Music (où elle étudie notamment avec Dave Liebman et Chris Potter) et de se faire remarquer sur la scène new-yorkaise. Elle a pu ainsi collaborer avec Terri Lyne Carrington, Dianne Reeves, Greg Osby, Wayne Shorter ou Esperanza Spalding. Parmi les nombreuses distinctions qu’elle a reçues, le Jazz All Star Award (États-Unis, 2003), la Révélation jazz internationale du Midem (France, 2006) ou celle du Festival d’Antibes Juan-les-Pins (France, 2009). L’une de ses formations phares comprend la pianiste Geri Allen, le contrebassiste Scott Colley et la batteuse Terry Lyne Carrington, quartet dont le disque « The Traveller » (c’est aussi le titre d’un album de Kenny Barron cité plus haut) a été nominé en 2010 pour l’Edison Jazz Award, dans son pays natal. Particulièrement influencée par Wayne Shorter, elle se dis-tingue par son énergie et sa sonorité particulièrement timbrée au soprano.

Né à Brooklyn, Dayna Stephens a débuté le saxophone à 12 ans, fasciné par le chaud vibrato de son grand-père sur cet instrument, qu’il affirme n’avoir jamais cessé de vouloir retrouver. La raison, peut-être, de cette sonorité veloutée où il affirme sa filiation avec les maîtres du ténor, tels Ben Webster ou Dexter Gordon. Dayna Stephens est ensuite passé par le Berklee College of Music de Boston puis le Thelonious Monk Institute of Jazz où il a étudié avec Terence Blanchard, Wayne Shorter et Herbie Hancock. Il compte six albums à son actif depuis 2007 en tant que leader. Pour « Peace », sorti en 2014, il rassemble autour de lui – excusez du peu – Brad Mehldau (piano), Larry Grenadier (basse), Eric Harland

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(batterie) et le jeune et prometteur guitariste Julian Lage. Com-positeur particulièrement attentif aux questions d’harmonie, pédagogue confirmé, Stephens écrit également pour big band ou formation symphonique.

L’enfant du pays de ce concert, le vibraphoniste Pascal Schumacher, est né à Luxembourg où il a étudié les percussions au conservatoire, avant de s’orienter vers le vibraphone, la musique contemporaine et le jazz. Il complète sa formation au conservatoire et à l’univer-sité de Strasbourg, à Bruxelles et à La Haye. Il a reçu entre autres les premier prix et prix du public au Tremplin Jazz d’Avignon en 2004, le Django d’Or du nouveau talent pour le Belgian Jazz Trophy l’année suivante, ou encore le JTI Eurocore Jazz Award en 2013. Pascal Schumacher se produit en duo avec le pianiste Jef Neve, en trio avec Bachir Khalifé et Francesco Tristano ainsi qu’avec son propre quartet (six enregistrements à ce jour). Il compose pour formations de chambre ou symphoniques (son Concerto pour vibraphone a été créé en 2015 par l’Orchestre Philharmonique du Luxembourg), pour le cinéma, le théâtre, en plus d’enseigner la percussion classique et le vibraphone jazz au conservatoire de Luxembourg.

Nés en 1991, Joshua Crumbly et Justin Faulkner sont les deux benjamins de ce projet « Here and Now ». Joshua Crumbly a grandi en Californie où il débute le piano classique dès l’âge de cinq ans et y affirme rapidement des talents précoces. Quelques années plus tard, il se tourne vers la basse électrique à laquelle il adjoint rapidement la contrebasse. Peu après son entrée à la Juilliard School de New York, il intègre – en alternance avec le grand Ron Carter – le quintet du trompettiste Terence Blanchard. Depuis 2013, il multiplie les tournées et collaborations avec Stefon Harris, Ravi Coltrane et beaucoup d’autres, et prépare son premier opus en tant que leader, à paraître prochainement.

Le batteur Justin Faulkner a grandi à Philadelphie et débuté la batterie dès son plus jeune âge avant d’étudier en parallèle la per-cussion classique. À 13 ans, il obtient son premier engagement

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professionnel auprès du bassiste Jamaladeen Tacuma, ancien partenaire d’Ornette Coleman. Âgé de 18 ans seulement, il rem-place le batteur régulier du quartet du saxophoniste ténor Branford Marsalis, arrachant ces mots au critique du New York Times : « C’est une terreur. [...] Son jeu est riche de combinaisons changeantes sur tous les éléments de la batterie, sans jamais laisser faiblir le groove. [...] En même temps, Mr. Faulkner reste à l’écoute, et attentif au son ». Pour retrouver Kenny Barron et le projet « Here and Now », Justin Faulkner arrive de Lyon où il vient de se produire avec le chanteur et oudiste tunisien Dhafer Youssef. Entre eux, c’est ici et maintenant que tout va se jouer. On ne saurait avoir d’hésitation sur le niveau et l’intensité de la rencontre qui nous attend.

Sources :Jazzmen de notre temps, Médiathèque en ligne de la Cité de la Musique (texte de Vincent Bessières) « Kenny Barron » dans le Dictionnaire du jazz, Paris, Robert Laffont, 1994 (texte de Xavier Prévost)Jazz Magazine (Paris) N° 467, 592, 609, 610« The Art of Conversation » (Kenny Barron & Dave Holland), CD Impulse (notes de pochette de John Murph)

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Eine Frage der OptionenRalf Dombrowski

Die Geschichte pianistischer Eleganz im Jazz beginnt in den 20er Jahren des vergangenen Jahrhunderts. Nach der zwar kreativen, aber doch recht rüden musikalischen Kinderstube in New Orleans, waren viele Künstler auf der Suche nach Arbeit in den Norden weitergezogen, nach Kansas City, Chicago oder auch New York. Aus der Freiluftkultur des Südens mit Marching Bands und Plan-tagen-Blues wurde urbanes Entertainment, das, von der Prohibition begünstig, in Clubs, Bars und Tanzpalästen, später dann auch in Konzerthallen Einzug hielt. Ein veränderter, veredelter Künstler-typus war gefragt, mit Anzug und Manieren, mit Stil im Umgang wie in der Musik. Das Klavier, das im Jazz zunächst eine bei-läufige Rolle gespielt hatte, allerdings mit verschiedenen Derivaten und Nebenentwicklungen des Ragtimes in Persönlichkeiten wie Jelly Roll Morton einerseits und Harlem-Stride-Koryphäen wie James P. Johnson, Fats Waller und als Gipfel umfassender Piani-stik Art Tatum auf der anderen Seite bereits Virtuosen vorweisen konnte, holte den Vorsprung in puncto Popularität schnell auf.

Neue Meister wie Duke Ellington erschienen auf dem Plan, der als Sohn eines Butlers in Washington per se eine gewisse Noblesse ins Spiel brachte. Sie bekamen in humorvoller Brechung der tat-sächlichen Situation kommerzieller Abhängigkeit und Segregation von der Szene Adelstitel wie Count oder Earl verliehen und prä-sentierten eine effektvoll swingende Kunst der pianistischen Zuspitzung, die einerseits famose Geläufigkeit, strukturelle Finesse und neuartige Phasierungskompetenz verinnerlicht hatte, sich auf der anderen Seite die damit verbundene Anstrengung aber nicht anmerken lassen wollte. Es war eine Phase der swingenden

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Lässigkeit, die dann mit Meistern des harmonisch redundanten, aber wunderbar eleganten Spiels wie Erroll Garner oder George Shearing ihren vorläufigen Höhepunkt erlebte, während der Bebop mit Querdenkern wie Thelonious Monk oder Bud Powell bereits an der Umwertung des Schönklangs arbeitete. Was dann seit den 50ern folgte, war eine zunehmende Ausdifferenzierung der Ausdrucksfähigkeit, die einerseits mit genialen Gestalten wie Bill Evans das Klavier romantisierte, mit Neutönern wie Dave Brubeck zunächst verbürgerlichte und daraufhin pädagogisierte oder auf der anderen Seite mit McCoy Tyner, Paul Bley oder Cecil Taylor mit dem Verhältnis von Auflösung und Restklangerhaltung expe-rimentierte.

Als zuverlässiger Begleiter mit solidem Gespür für Swing konnte man Barron in den Siebzigern bei Stan Getz, Buddy Rich und Ron Carter erleben, bevor er sich zunehmend auch mit eigenen Projekten präsentierte. Gemeinsam mit Charlie Rouse rief er 1981 die Formation Sphere ins Leben, spielte darüber hinaus zuweilen im Trio und Quintett. Spätestens seit den 70ern jedenfalls

Als Kenny Barron nun in der Szene erschien, waren die ersten großen Kämpfe der pianistischen Entwicklung schon ausgefoch-ten. Im Juni 1943 in Philadelphia geboren, lernte er als Kind und Teenager auf spielerische Weise die Jazzwelt kennen, indem er seit seinem 12. Lebensjahr bei der Schwester von Ray Bryant Unterricht nahm, der seinerseits wiederum als Pianist sich vom Swinggenius Teddy Wilson hatte beeinflussen lassen. Barrons Vorbilder hießen daher Art Tatum, später auch Thelonious Monk und Tommy Flanagan und sein Talent war beachtlich. Begonnen hat er seine Musikerlaufbahn dann zunächst unauffällig 1957 über die Vermittlung seines Bruders, des Tenorsaxofonisten Bill Barron, im Orchester von Mel Melvin. Um 1959 entschied er sich für den Umzug nach New York, arbeitete kurz mit Philly Joe Jones und kam mit Kollegen wie Yusef Lateef, James Moody und Lee Morgan zusammen. Nach einem Engagement bei Lou Donaldson 1961 wurde Barron zum Nachfolger Lalo Schifrins im Quintett von Dizzy Gillespie. An der Seite des renommierten Trompeters tourte er durch Europa und bekam den nötigen Karriereschub, um in die vorderen Ränge der Jazzprominenz vorzudringen.

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verkörperte er über mindestens zwei Jahrzehnte hinweg quasi die Ultima Ratio des modern jazzenden Klavierspiels. Die Eleganz seiner Linien und seines kultivierten Anschlags war kaum zu über-bieten, ebenso wenig die Lakonik der beiläufigen Präsentation, mit der er selbst komplizierteste musikalische Herausforderungen meisterte. Barron galt international als einer der beliebtesten Begleiter seiner Generation, aber auch als lässiger Solist der tradi-tionell modernen Schule, der seinen Monk ebenso verinnerlicht hat wie seinen Tatum, Garner, Tyner. Damit passte er wiederum perfekt in die Phase der afroamerikanischen Rückbesinnung auf die Wurzeln des Jazz aus dem Geiste der Nobilitierung der Musik als originäre Kunstform, die viele Projekte seit den späten 80er Jahren im Umfeld von Wynton Marsalis und dessen Kulturlob-byisten dominierten.Analytisch versiert, lehrte Barron außerdem von 1973 an Musik-theorie an der Rutgers University, hielt sich insgesamt jedoch

Kenny Barronphoto: Fran Kaufmann

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mit eigenen Plänen zurück. Seine immensen spieltechnischen Fähigkeiten führten eher dazu, dass er latent unterfordert nicht immer die ganze Brillanz seiner musikalischen Möglichkeiten nutzte. Duo-Projekte wie mit dem Perkussionisten Mino Cinelu, bei dem Barron neben Klavier und Fender Rhodes auch zum Kontrabass griff, blieben die Ausnahme. Zwar wurde er im Laufe der Jahre mehrfach für den Grammy nominiert, außerdem von der amerikanischen Fachpresse viermal zum besten Jazzpianisten gekürt. Er besann sich nach eigenen Angaben aber erst während des vergangenen Jahrzehnts darauf, das sichere Feld seiner Kom-petenzen zu verlassen und mehr Experimente zu wagen. Dazu gehörten unter anderem Kooperationen mit dem brasilianischen Trio de Paz, dem Vibrafonisten Stefon Harris, dem Gitarristen Lionel Loueke oder auch ein Duo mit Dave Holland, dem Groß-meister des Kontrabasses.

Kenny Barron tat die Neuorientierung gut. Denn mit dem Ver-lassen des angestammten Stil-Terrains kehrte auch der Forscher-geist zurück. Es gab wieder etwas zu entdecken, nicht nur durch die Relativierung eigener Gewohnheiten, sondern auch im Kontakt mit jungen Musikern, die ihrerseits andere Erfahrungen zu Band-projekten mitbrachten, als er selbst im Lauf seiner an der klassi-schen Jazzhistorie orientierten Entwicklung erlebt hatte. «Here And Now» ist ein gutes Beispiel dafür. Die niederländische Saxofo-nistin Tineke Postma etwa zählt Dave Liebman und Wayne Shorter zu ihren wichtigsten Vorbildern. Während der vergangenen zwei Jahrzehnte ist es ihr gelungen, aus den musikalischen Errungen-schaften solcher Helden des Instruments eine Ausdrucksdichte zu entwickeln, deren motivische Präsenz und Unmittelbarkeit gut zum Thema postboppender Ensemblesprache passt. Ihr Kol-lege Dayna Stephens wiederum entstammt dem Musikerpool der Bay Area von San Francisco, der während der vergangenen zwanzig Jahre intensiv an der Neudefinition der stilistischen Modernität aus dem Geiste der afroamerikanischen Tradition arbeitet. Der Geiger Scott Tixier lernte zunächst sein klassisches Handwerk am Pariser Konservatorium, kam dann aber durch die Musik von John Coltrane und Joe Henderson auf den Jazzgeschmack und war während der vergangenen Jahre sowohl an der Seite von

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Pop-Größen wie Sting oder Steve Wonder als auch in Jazzbands etwa von Anthony Braxton oder mit eigenen Projekten zu erleben.

Der Luxemburger Vibraphonist Pascal Schumacher ist längst eine anerkannte Kapazität seines Instruments. Seit bald zwei Jahrzehn-ten ist der klassisch ausgebildete Musiker mit zeitgenössischen und improvisierenden Projekten in der internationalen Szene präsent und gehört auch zu den regelmäßigen Gästen auf der Bühne der Philharmonie Luxembourg. Der kalifornische Bassist Joshua Crumbly hingegen entstammt der vitalen Jazzwelt von Los Angeles und hat als jüngster Musiker des Ensembles ebenfalls bereits zahlreiche Meriten angesammelt. Nach dem Abschluss seines Studiums an der New York Juilliard School war er unter anderen mit den Bands von Terence Blanchard unterwegs, aber auch an der Seite von Ravi Coltrane oder Stefon Harris zu erleben. Zur gleichen Generation wie Crumbly gehört schließlich auch der in Philadelphia groß gewordene Schlagzeuger Justin Faulkner, der 2009 als 18-jähriger von Branford Marsalis in dessen Quartett geholt wurde und seitdem zu den meist beschäftigten, weil viel-seitigsten Drummern des jungen nordamerikanischen Jazz zählt. Mit diesem Sextett hat Kenny Barron ein Team an der Hand, das es ihm ermöglicht, ebenso die Jazzgeschichte Revue passieren zu lassen, wie sich musikalisch in der Gegenwart zu verorten. Denn für jemanden wie ihn, der musikalisch nahezu alles spielen kann, was für sein Instrument erfunden wurde, ist Musik vor allem eine Frage der Optionen. Je mehr Herausforderungen sich in einer Kombination verbergen, desto souveräner läuft er zu der Form auf, zu der er als einer der besten und erfahrensten Jazz-pianisten unserer Tage in der Lage ist.

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InterprètesBiographies

Kenny Barron pianoHonored by The National Endowment for the Arts as a 2010 Jazz Master, Kenny Barron has an unmatched ability to mesmerize audiences with his elegant playing, sensitive melodies and infectious rhythms. The Los Angeles Times named him «one of the top jazz pianists in the world» and Jazz Weekly calls him «the most lyrical piano player of our time.» Philadelphia is the birth-place of many great musicians, including one of the undisputed masters of the jazz piano: Kenny Barron. Kenny was born in 1943 and while a teenager, started playing professionally with Mel Melvin’s orchestra. This local band also featured Barron’s brother Bill, the late tenor saxophonist. While still in high school, Kenny worked with drummer Philly Joe Jones and at age 19, he moved to New York City and freelanced with Roy Haynes, Lee Morgan and James Moody, after the tenor saxophonist heard him play at the Five Spot. Upon Moody’s recommendation Dizzy Gillespie hired Barron in 1962 without even hearing him play a note. It was in Dizzy’s band where Kenny developed an appreciation for Latin and Caribbean rhythms. After five years with Dizzy, Barron played with Freddie Hubbard, Stanley Turrentine, Milt Jackson, and Buddy Rich. The early seventies found Kenny working with Yusef Lateef who Kenny credits as a key influence in his art for improvisation. Encouraged by Lateef, to pursue a college education, Barron balanced touring with studies and earned his B.A. in Music from Empire State College. By 1973, Kenny joined the faculty at Rutgers University as professor of music. He held this tenure until 2000, mentoring many of today’s young talents including David Sanchez, Terence Blanchard and Regina Bell. In 1974

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Kenny recorded his first album as a leader for the Muse label, entitled «Sunset To Dawn». This was to be the first in over 40 recordings (and still counting!) as a leader. Following stints with Ron Carter in the late seventies Kenny formed a trio with Buster Williams and Ben Riley which also worked alongside of Eddie «Lockjaw» Davis, Eddie Harris, Sonny Stitt and Harry «Sweets» Edison. Throughout the 1980s Barron collaborated with the great tenor saxophonist Stan Getz, touring with his quartet and record-ing several legendary albums including «Anniversary», «Serenity» and the Grammy nominated «People Time». Also during the 1980s, he cofounded the quartet Sphere, along with Buster Williams, Ben Riley and Charlie Rouse. This band focused on the music of Thelonious Monk and original compositions inspired by him. Sphere recorded several outstanding projects for the Polygram label, among them «Four For All» and «Bird Songs». After the death of Charlie Rouse, the band took a 15-year hiatus and

Kenny Barronphoto: Eddie Michel Azoulay

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reunited, replacing Rouse with alto saxophonist Gary Bartz. This reunion made its debut recording for Verve Records in 1998. Kenny Barron’s own recordings for Verve have earned him nine Grammy nominations beginning in 1992 with «People Time» an outstanding duet with Stan Getz followed by the Brazilian influ-enced «Sambao» and most recently for «Freefall» in 2002. Other Grammy nominations went to «Spirit Song», «Night and the City» (a duet recording with Charlie Haden) and «Wanton Spirit» a trio recording with Roy Haynes and Haden. It is important to note that these three recordings each received double-Grammy nominations (for album and solo performance.) His CD, «Canta Brasil» (Universal France) linked Barron with Trio de Paz in a fest of original Brazilian jazz, and was named Critics Choice Top Ten CDs of 2003 by Jazziz Magazine. His 2004 release, «Images» (Universal France) was inspired by a suite originally commissioned by The Wharton Center at Michigan State University and features multi-Grammy nominated vibraphonist Stefon Harris. The long awaited trio sequel featuring Ray Drummond and Ben Riley, The Perfect Set, Live At Bradley’s, Part Two (Universal France/Sun-nyside) was released October 2005. In Spring 2008 Barron released «The Traveler» (Universal France), an intoxicating mix of favorite Barron tunes set to lyrics and newly penned composi-tions. For his first vocal based recording, Barron invited Grady Tate (who sheds his drumsticks for this special appearance), Tony award winner Ann Hampton Calloway and Gretchen Parlato, winner of the Thelonious Monk International Competition for Jazz. On «Um Beijo», Mr. Tate’s warm, leathery voice balanced by Mr. Barron’s poignant touch make for a beautifully textured conversation, underscoring their longtime on stage collaboration. Another Barron original, «Clouds» is a lush vehicle for Ann Hampton Calloway’s romantic pitch-perfect yearnings matched with Barron’s trademark mastery of subtlety. The dramatic «Phantoms» intertwines Parlato’s ephemeral intimacy and synco-patic rhythms in an emotional escapade between Barron’s haunting notes, the West African stylings of guitarist Lionel Loueké, drummer Francisco Mela (who also adds a Cuban flavor to the vocals) and the driving bass of Kiyoshi Kitagawa. The jour-ney continues with the aptly named «Duet» an improvisation

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with Benin-born Loueké who also joins the trio for a rousing ver-sion of Barron’s «Calypso». A composer who relishes in the mo-ment, Barron’s modern approach is highlighted by alto saxophonist Steve Wilson’s open musings on «Illusion» and «The Traveler» who also brings an urgency to the fun-paced «Speed Trap». After a successful musical meeting of the minds with bassist Dave Holland, the two masters decided to collaborate on a duet project to be released on Impulse/Universal records in 2014 followed by a tour. Barron consistently wins the jazz critics and readers polls, including Downbeat, Jazz Times and Jazziz maga-zines. The famed Spanish ceramist Lladro honored Barron with a Lifetime Achievement Award in 2012 and he was awarded an Honorary Doctorate from his alma mater SUNY Empire State in 2013 and from Berklee College of Music in 2011. In 2009 he received the Living Legacy Award from Mid-Atlantic Arts Founda-tion and was inducted into the American Jazz Hall of Fame and won a MAC Lifetime Achievement Award in 2005. He is a six-time recipient of Best Pianist by the Jazz Journalists Association. Whether he is playing solo, trio or quintet, Kenny Barron is recog-nized the world over as a master of performance and composition.

Scott Tixier violinLe violoniste Scott Tixier a obtenu de nombreux prix et a été nommé «Rising Star Violin» dans le cadre de la 60e édition de la tribune annuelle des critiques du magazine Downbeat. Novateur dans son domaine, il est rapidement devenu la nouvelle voix du violon jazz. Né à Montreuil, Scott Tixier a reçu ses premiers cours de violon et de théorie musicale au Conservatoire de Paris et à l’École nationale de musique et de danse de Montreuil (ENMD). Il a joué aux côtés de musiciens exceptionnels comme Stevie Wonder, Gladys Knight, Natalie Cole et Dave Douglas.

Scott Tixier ViolineDer Geiger Scott Tixier wurde mit zahlreichen Preisen geehrt, so mit dem Titel «Rising Star Violin» in der 60. Ausgabe der jährlichen Kritikerumfrage von Downbeat. Er gilt als Neuerer auf seinem

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Instrument und machte sich schnell einen Namen als die neue Stimme der Jazz-Violine. Im französischen Montreuil geboren, erhielt Scott Tixier von seinem fünften Lebensjahr an zunächst Unterricht in klassischer Violine und Musiktheorie am Pariser Konservatorium und am ENMD in Montreuil. Er spielte mit so herausragenden Musikern wie Stevie Wonder, Gladys Knight, Natalie Cole oder Dave Douglas.

Scott Tixierphoto: Slainez

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Tineke Postma alto saxophoneConsidérée par l‘Evening Standard comme «l’une des figures féminines majeures du jazz», Tineke Postma compte parmi les saxophonistes et compositrices les plus sollicitées. Elle se produit dans le monde entier avec différents musiciens tels que Nancy Wilson, Esperanza Spalding, Geri Allen Group, Terri Lyne Carring-ton et Wayne Shorter, ainsi qu’avec le Jazz Orchestra of the Concertgebouw et quelques ensembles. Elle vit entre Amsterdam et New York. Les six disques sous sa direction ont tous suscité l’enthousiasme de la critique. Elle a reçu de nombreuses distinc-tions parmi lesquelles le Buma Boy Edgar Award 2015 et le Jazz Juan Revelations Award en 2009 au festival de jazz d’Antibes Juan-les-Pins. Deux de ses albums ont été couronnés d’un Grammy: «Mosaic Project» (2012) avec Terri Lyne Carrington et «Beautiful Life» (2015) avec Dianne Reeves. Elle a été nommée «Rising Star» 2012, 2013, 2014 et 2015 par la tribune annuelle des critiques du magazine Downbeat. Elle enseigne le saxophone à Osnabrück et la musique d’ensemble ainsi que la composition, la théorie musicale et l’improvisation à Groningen. Elle a achevé son cursus à la Manhattan School of Music de New York auprès de Dick Oatts, David Liebman et Chris Potter. Elle est diplômée du conservatoire d’Amsterdam.

Tineke Postma Alt-SaxophonVom Evening Standard als «One of the leading ladies in Jazz» beti-telt, zählt Tineke Postma zu den international gefragten Jazz- Saxophonisten und -Komponisten. Sie spielt international mit Musikern wie Nancy Wilson, Esperanza Spalding, Geri Allen Group, Terri Lyne Carrington und Wayne Shorter sowie dem Jazz Orchestra of the Concertgebouw und eigenen Ensembles. Sie lebt in Amsterdam und New York. Die sechs CDs unter ihrer Leitung wurden von der Kritik mit höchstem Lob bedacht. Sie erhielt zahlreiche Auszeichnungen wie den Buma Boy Edgar Award 2015 oder den Jazz Juan Revelations Award 2009 beim Antibes Juan-les-Pins Jazz Festival. Sie wirkte an zwei Alben mit, die mit einem Grammy ausgezeichnet wurden: «Mosaic

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Tineke Postmaphoto: Pascal Poma

Project» (2012) mit Terri Lyne Carrington und «Beautiful Life» (2015) mit Dianne Reeves. Sie wurde in den Downbeat- Umfragen der Jahre 2012, 2013, 2014 und 2015 als «Rising Star» gewählt. Sie lehrt in Osnabrück Saxophon und Ensemblespiel sowie Komposition, Musiktheorie und Improvisation in Groningen. Ihre Ausbildung absolvierte sie an der Manhattan School of Music in New York bei Dick Oatts, David Liebman und Chris Potter. Sie ist Absolventin des Konservatoriums von Amsterdam.

Dayna Stephens tenor saxophoneDepuis la sortie de son album «The Timeless Now» (CTA) en 2007, Dayna Stephens fait partie des saxophonistes ténor et composi-teurs de jazz les plus en vue de sa génération. Il collabore avec

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Dayna Stephensphoto: droits réservés

les grands noms du jazz comme Brad Mehldau, Brian Blade, Justin Brown, Roy Hargrove, Joe Sanders, Larry Grenadier et Sachal Vasandani. Il a publié plus de cinq albums sous sa direction chez CTA, Sunnyside et Criss-Cross. Ses arrangements pour big bands et orchestre sont aussi très demandés. Né à Brooklyn, ayant grandi en Californie, Dayna Stephens vit aujourd’hui dans le New Jersey et fait partie des figures majeures de la scène jazz new-yorkaise. Il enseigne à la Manhattan’s New School of Jazz and Contemporary Music et à la Stanford University. Il joue du saxo-phone depuis l‘âge de 12 ans. Il a été formé par Dann Zinn et Kenny Barron, ainsi que par Terence Blanchard, Wayne Shorter ou encore Herbie Hancock.

Dayna Stephens Tenor-Saxophon Seit dem Erscheinen seiner Platte «The Timeless Now» (CTA) im Jahre 2007 zählt Dayna Stephens zu den anerkanntesten Tenor-saxophonisten und Jazzkomponisten seiner Generation. Er arbeitete mit führenden Namen des Jazz zusammen, darunter Brad Mehldau, Brian Blade, Justin Brown, Roy Hargrove, Joe Sanders, Larry Grenadier und Sachal Vasandani. Bei CTA, Sun-nyside und Criss-Cross erschienen mittlerweile mehr als fünf Alben unter seiner Leitung. Gefragt sind auch seine Big-Band- und Orchesterarrangements. In Brooklyn geboren und in Kali-fornien aufgewachsen, lebt Stephens heute in New Jersey und ist fester Bestandteil der New Yorker Jazz-Szene und lehrt an Manhattan’s New School of Jazz and Contemporary Music und an der Stanford University. Saxophon spielt er seit seinem 12. Lebens-jahr. Er wurde u. a. von Dann Zinn und Kenny Barron ausgebildet, aber auch von Terence Blanchard und Wayne Shorter sowie Herbie Hancock.

Pascal Schumacher vibraphoneAprès avoir remporté le Django D’Or Jeune Talent en 2005, Pascal Schumacher est aujourd’hui un artiste et compositeur reconnu. Il a reçu l’ECHO Jazz Instrumentiste international en 2012 et 2013, et le JTI Trier Jazz Award. Depuis son premier projet musical

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en 1995, il a conçu des projets à l’image de sa nature éclectique. Son duo avec Francesco Tristano – également désigné Rising Star – a été décrit comme un entre-deux entre de la musique contemporaine ‹infusée› par la pop et du jazz ‹infusé› par la musique classique. Pascal Schumacher et Francesco Tristano jouent en trio avec le percussionniste Bachar Khalifé et font partager au public les images poétiques d’une belle journée suggérée par des improvisations. Le cinquième album studio du Pascal Schumacher Quartet, «Bang My Can», le troisième réalisé pour Enja records, est sorti en 2012. Pascal Schumacher revisite le Concerto Brandebourgeois N° 3 BWV 1048 de Bach dans le cadre du projet «In phase with J.S. Bach». Il a créé des projets en lien avec le cinéma, le théâtre et la danse. Il a ainsi été impliqué dans le projet multimédia CTRL variations et le projet théâtral transdisciplinaire «LUXTIME – Jacques Tati revisited». Il est diplômé des conservatoires de Luxembourg, sa ville natale, où il enseigne la percussion classique et le vibraphone jazz, de La Haye, de Strasbourg et de Bruxelles. Il a composé une bande-son pour accompagner le film muet A Woman one longs for créé en ciné-concert à la Philharmonie Luxembourg en 2012. En 2015

Pascal Schumacherphoto: Boris Breuer

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ont paru «Afrodiziak» chez MPS Records / Edel Kultur et «Left Tokyo Right» avec Magic Malik chez Laborie Jazz. Pascal Schu-macher se produit avec son propre quartet, avec lequel il a réa-lisé six enregistrements et prépare un nouvel album «Drops & Points».

Pascal Schumacher VibraphonSeit seiner Auszeichnung mit dem Django D’Or Jeune Talent 2005, ist Pascal Schumacher zu einem bekannten und gefragten Musiker und Komponisten avanciert. 2012 und 2013 erhielt er den ECHO Jazz als Instrumentalist international. Er ist Träger des JTI Trier Jazz Award. Seit seinem ersten musikalischen Pro-jekt im Jahre 1995 hat er seine originelle Tonsprache permanent weiterentwickelt. Im Duo mit – dem ebenfalls als Rising Star gewürdigten – Francesco Tristano wagt er Brückenschläge zwi-schen zeitgenössischer Musik, Pop, Jazz und Klassischem. Als Trio zusammen mit Bachar Khalifé laden die beiden Musiker ihr Publikum zu einem schönen Tag voller Improvisation ein. Das fünfte Studioalbum des Pascal Schumacher Quartetts, «Bang My Can» (Enja records), erschien 2012. Für das Projekt «In phase with J.S. Bach» setzte sich Schumacher mit dem Dritten Branden-burgischen Konzert BWV 1048 auseinander. Darüber hinaus ent-wickelte er Musik für Film, Theater und Tanz. Er war auch beteiligt am Multimedia-Projekt CTRL variations und am transdisziplinären Theater LUXTIME – Jacques Tati. Er ist Absolvent des Konser-vatoriums seiner Geburtsstadt Luxemburg, wo er heute klas-sisches Schlagzeug und Jazz-Vibraphon unterrichtet, ebenso wie der Konservatorien von Den Haag, Strasbourg und Brüssel. Er schuf den Soundtrack zum Stummfilm A Woman one longs for, die 2012 in einem Ciné-Concert der Philharmonie Luxemburg uraufgeführt wurde. 2015 erschienen «Afrodiziak» bei MPS Records/ Edel Kultur und «Left Tokyo Right» mit Magic Malik bei Laborie Jazz. Pascal Schumacher spielt ebenfalls mit seinem eigenen Quartett, mit dem er sechs CDs eingespielt hat. Das neue Album «Drops & Points» ist in Vorbereitung.

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Joshua Crumbly double bassOriginaire de Californie, Joshua Crumbly commence à jouer du piano à l’âge de 3 ans. Deux ans plus tard, il reçoit ses premières leçons et donne peu après des récitals. À 9 ans, il se met à la basse électrique et, un an après, prend part à des concerts pro-fessionnels avec son père et d’autres grands noms de la scène jazz de Los Angeles. Il bénéficie notamment de l’enseignement de Todd Johnson, Reggie Hamilton et Victor Bailey. Il compte parmi ses mentors Marcus Miller et Rickey Minor. À la fin de ses études, il commence la contrebasse – il a été formé entre autres par le bassiste de Charlie Parker Al McKibbon et par Coleman Hawkins. Il a étudié à la Juilliard School et intégré le Terence Blanchard Quintet. Depuis l’obtention de son Bachelor en 2013, il a collaboré avec Stefon Harris, Ravi Coltrane, Anthony Wilson et The Curators. Ces derniers temps, il a beaucoup travaillé à ses propres projets.

Joshua Crumbly BassDer aus Kalifornien stammende Joshua Crumbly begann bereits dreijährig Klavier zu spielen, mit fünf erhielt er den ersten Unter-richt und spielte nach nur kurzer Zeit Recitals. Mit neun Jahren griff er zum elektrischen Bass und spielte nach nur einem Jahr Profi-Gigs mit seinem Vater und anderen anerkannten Größen der Jazz-Szene um Los Angeles. Unter seinen Lehrern waren Todd Johnson, Reggie Hamilton und Victor Bailey. Darüber hinaus zählt er Marcus Miller und Rickey Minor zu seinen Mentoren. Gegen Ende seiner High-School-Zeit begann er auch Kontrabass zu spielen – er wurde u.a. vom Charlie-Parker-Bassisten Al McKibbon und Coleman Hawkins ausgebildet. Er studierte an der Juilliard School und wurde Mitglied des Terence Blanchard Quintet. Seit seinem Bachelor-Abschluss im Jahre 2013 spielte er mit Künstlern wie Stefon Harris, Ravi Coltrane, Anthony Wilson und The Curators. In jüngerer Zeit arbeitet er intensiv an eige-nen Projekten.

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Justin Faulkner drumsNé et élevé à Philadelphie, Justin Faulkner joue de la batterie depuis qu’il sait marcher. Il a pris ses premiers cours à l’âge de 7 ans. Il a été formé par Sue Jones et Sam Ruttenberg à la Settlement Music School, au Clef Club of Jazz and Performing Arts et par Don Liuzzi, timbalier solo du Philadelphia Orchestra. Il a fait ses débuts professionnels à treize ans aux côtés de Jamaaladeen Tacoma. Depuis, il a joué avec des musiciens de premier plan comme Peter Nero, Jimmy Heath, Orrin Evans, Sean Jones, Tim Warfield, Bernard Purdie, Pharoah Saunders, Terence Blanchard, Mingus Big Band/Dynasty/Orchestra, Bootsie Barnes, Jacky Terrasson, Terrence Howard, Bilal et Christian McBride. Depuis 2009, il est le batteur du Branford Marsalis Quartet. Il dirige par ailleurs plusieurs de ses propres ensembles. Il a com-mencé une carrière au cinéma en jouant le rôle de Cornelius Tillman dans Bolden en 2015.

Justin Faulkner DrumsGeboren und aufgewachsen in Philadelphia, spielt Justin Faulkner Schlagzeug, seitdem er laufen kann. Den ersten Unterricht erhielt er dann im Alter von sieben Jahren. Er wurde ausgebildet von Sue Jones und Sam Ruttenberg an der Settlement Music School, am Clef Club of Jazz and Performing Arts und durch Don Liuzzi, den Solo-Pauker des Philadelphia Orchestra. Seinen ersten professionellen Auftritt hatte Faulkner im Alter von 13 Jahren an der Seite von Jamaaladeen Tacoma. Seither spielte er mit so herausragenden Musikern wie Peter Nero, Jimmy Heath, Orrin Evans, Sean Jones, Tim Warfield, Bernard Purdie, Pharoah Saunders, Terence Blanchard, Mingus Big Band/Dynasty/Orchestra, Bootsie Barnes, Jacky Terrasson, Terrence Howard, Bilal und Christian McBride. Seit 2009 ist er der Schlagzeuger im Branford Marsalis Quartet. Darüber hinaus leitet er eine Reihe eigener Ensembles. 2014 startete er mit der Rolle des Cornelius Tillman in Bolden (2015) seine Filmkarriere.

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Jazz & beyondProchain concert du cycle «Jazz & beyond»Nächstes Konzert in der Reihe «Jazz & beyond»Next concert in the series «Jazz & beyond»

31.03.2017 20:00 Grand Auditorium

Vendredi / Freitag / Friday

Branford Marsalis Quartetwith Special Guest Kurt Elling

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Partenaire officiel: Partenaire automobile exclusif:

La plupart des programmes du soir de la Philharmonie sont disponibles avant chaque concert en version PDF sur le site www.philharmonie.lu

Die meisten Abendprogramme der Philharmonie finden Sie schon vor dem jeweiligen Konzert als Web-PDF unter www.philharmonie.lu

Impressum

© Établissement public Salle de Concerts Grande-Duchesse Joséphine-Charlotte 2017Pierre Ahlborn, PrésidentStephan Gehmacher, Directeur Général Responsable de la publication: Stephan GehmacherRédaction: Lydia Rilling, Charlotte Brouard-Tartarin, Dr. Tatjana Mehner, Anne Payot-Le Nabour Design: Pentagram Design LimitedImprimé au Luxembourg par: Imprimerie Centrale Tous droits réservés.

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14.01.2017 20:00 jazz & beyond «here and now» scott tixier

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