the planets suite for orchestra h125 (1874-1934) holst 1. … · 2019. 5. 10. · mike batt....

HOLSTTHE PLANETS

ROYAL PHILHARMONIC ORCHESTRAconducted by MIKE BATT

Elgar - Pomp & Circumstance March No.1

GUSTAV HOLST (1874-1934)

THE PLANETS - Suite for Orchestra H125 (Op.32)

1. Mars - The Bringer of War (6:55)

2. Venus - The Bringer of Peace (8:46)

3. Mercury - The Winged Messenger (4:09)

4. Jupiter - The Bringer of Jollity (8:21)

5. Saturn - The Bringer of Old Age (9:35)

6. Uranus - The Magician (5:44)

7. Neptune - The Mystic (8:36)*

EDWARD ELGAR (1857-1934)8. Pomp and Circumstance March No.1 in D (from Op.39) (6:30)

(TPL: 59:14)


*Ladies from the John McCarthy Chorus

Recorded at Watford Town Hall, 25 August 1993Recording Producer: Robert Matthew-Walker.

Recording Engineer: Simon Rhodes. Assistant Engineer: Alex Marcou.p 2018 Guild Music Limited c 2018 Guild Music Limited

Holst & Elgar photos: Tully Potter Collection.

Holst – The Planets Few works of the twentieth century have made a greater initial impact or entered the international repertoire so quickly as did Holst’s ‘The Planets’, a suite in seven movements for large orchestra composed between 1914-16. At that time it was Holst’s interest in astrology that led him to compose the work. In 1913, he had befriended the writer and astrologer Clifford Bax, brother of the composer Arnold, who in turn directed Holst to a recently-

published book ‘The Art of Synthesis’ by Alan Leo, which outlined the astrological characteristics of the planets in the solar system.As Holst’s daughter Imogen explained, her father ‘learned that Mars was headstrong, forceful and assertive, Venus was of an even disposition, having a love of all things beautiful’; Mercury was ‘the winged messenger of the Gods’, Jupiter ‘was buoyant and hopeful’, Saturn was ‘patient and enduring’, Uranus was ‘eccentric, abrupt and unexpected’ and Neptune was subtly mysterious.These astrological characteristics delineated the nature and character of each movement (Pluto was not finally discovered until 1930; in 2006 it was reclassified as a dwarf planet). Planet Earth was not included in Holst’s work, which he originally entitled ‘Seven Pieces for Orchestra’; in 1919, following the premiere, he changed the subtitle to ‘Suite for large orchestra’ – a more accurate title, given that he demands a minimum of 114 players, not including the female chorus in the final ‘Neptune’ movement.‘The Planets’ was first performed at a private concert in London’s Queen’s Hall on September 29, 1918 – subvented by Holst’s friend, Henry Balfour Gardiner, as a gift to the composer. The conductor was (later Sir) Adrian Boult, who went on to make no fewer than five complete recordings of the work. Even at the rehearsals of the

Tätigkeit als Aufnahmeleiter für Steeleye Span bis hin zu seinem eigenen Solo-Hit „Summertime City“ (der in den UK-Charts den vierten Platz erreichte), sind Batts weitreichende Leistungen in der Popmusik-Szene legendär. Er wurde mit nicht weniger als fünf Ivor Novello Awards ausgezeichnet.Zu seinen Filmmusiken für Orchester zählen diejenigen für „Caravans“ (1978, basierend auf dem Roman von James Michener) und „Keep the Aspidistra Flying“ mit Richard E. Grant (1998), welche Batt mit dem London Philharmonic Orchestra einspielte. Zudem nahm er zwei Solo-Alben mit dem London Symphony Orchestra auf. Ein einzelstehendes Konzertstück ist die hervorragende „Dublin-Ouvertüre“ (1993) für großes Orchester, eine Hommage an John McCormack, die erstmals in Dublin mit dem National Symphony Orchestra of Ireland unter der Leitung des Komponisten aufgeführt und von Oxford University Press veröffentlicht wurde.Es folgten weitere Hits, die für Sir Cliff Richard und David Essex komponiert und produziert wurden, sowie ein Musical, „Zero Zero“, das anlässlich des 50. Jubiläums der Australian Broadcasting Corporation entstand. 1990 war Batt der Musikdirektor des Melbourne Sommer-Musikfestivals und trat mit dem State Orchestra of Victoria auf. Zusammen mit Andrew Lloyd Webber komponierte er das Titellied von „Phantom of the Opera“, gesungen von Steve Harley und Sarah Brightman, aus dem sich das Musical entwickelte. Zudem komponierte er Musik für die lang laufende Fernsehserie „The Dreamstone“ und den Film „Watership Down“. Seine Entdeckung der georgischen Sängerin Katie Melua und ihre darauffolgende Zusammenarbeit führte dazu, dass weltweit mehr als 11 Millionen ihrer Alben verkauft wurden.1997 erhielt Mike Batt den Auftrag, ein Werk zur Goldenen Hochzeit des britischen Königspaares Elisabeth II. und Prinz Philip zu komponieren, was von den erweiterten königlichen Militärkapellen im Rahmen des königlichen Tourniers jenes Jahres uraufgeführt wurde. Seitdem hat er noch weitere Werke auf den Wunsch Ihrer Majestät komponiert. Mike Batt wurde anlässlich der königlichen Geburtstagsehrungen 2013 für Dienste für den königlichen Haushalt mit dem Titel Lieutenant of the Royal Victorian Order (LVO) ausgezeichnet.

Roger TempleÜbersetzung: Viola Scheffel

2 19

Copyright subsists in all Guild Music Limited recordings and it is illegal to copy them, in whole or in part, for any purpose whatsoever without permission from the copyright holder. Any unauthorized copying or re-recording, broadcasting, or public performance of this or any other Guild Music Limited recording will constitute an infringement of copyright. Applications for a public performance licence should be sent to Phonographic Performance Ltd., 1 Upper James Street, London W1F 9DE.

music it was clear that Holst’s score made an impact outside of what might be termed the normal concert-going public, for the story goes that during those rehearsals the cleaning ladies in the Queen’s Hall, dropped their brooms and other implements and danced in the aisles to ‘Jupiter’.And so it proved: within a few years (and be it remembered, this was during the financially straightened period immediately following the end of the War), Holst’s ‘The Planets’ had been performed throughout the concert-giving world – from the United States to the recently-emerged Soviet Union, and across Europe.Within eight years of the premiere, Holst himself had conducted two complete recordings of the work, and whilst not every performance (or even subsequent recordings) contained all seven movements in the decades after it was first heard, ‘The Planets’ today is universally regarded as totality – correctly so, for there are subtle relationships between the movements, as well as unifying contrasts in character between them that fully hold the work together.The opening movement, ‘Mars, the bringer of war’ is perhaps the best-known, although Holst was at pains to point out that the music was complete in his mind before the Great War began – a vision, therefore, not a commentary. Holst told Adrian Boult that he wanted to depict the stupidity of war – its utter senselessness and destruction of almost every decent human characteristic. The music is too well-known to require description, but the total originality of ‘Mars’ continues to grip and hold the attention of every listener – no music like this, surely, had ever been heard before – or appeared as prophetic of all things warlike in the (for its time) relatively new twentieth century.In the greatest contrast, ‘Venus’ brings not necessarily beauty, but Peace – the pacification itself a balm of beatific colour and slow-moving contemplation, free from all tension. Solo horn and solo violin weave their spells against an orchestral texture additionally highlighted by celeste and a group of four flutes, in which all is relaxed yet gently moving forwards.‘Mercury the winged messenger’ is the shortest movement, fleet of foot (of course), and technically equally demanding of the orchestra (particularly the strings) – as ‘mercurial’ a piece of orchestral music, gossamer in texture, yet always flying high, as ever has been composed.

18

d’harmonie des Gardes au tournoi royal de la même année. Mike Batt a composé ensuite d’autres musiques à la demande de Sa Majesté. Il a été nommé lieutenant dans l’Ordre Royal de Victoria (LVO) lors des distinctions honorifiques décernées en 2013 par la reine pour services rendus à la maison royale.

Roger TempleTraduction : Marie-Stella Pâris

Mike BattSeitdem er gegen Ende der 1960er Jahre in die Musikwelt eingetreten ist, hat Mike Batt sich zu einem der vielseitigsten britischen Musiker aller Zeiten entwickelt. In einer Laufbahn von fast 50 Jahren hat er seine Musikalität durchgängig mit Leistungen in breitgefächerten Genres demonstriert.Als äußerst erfolgreicher Liedermacher, Musical-, Film- und symphonischer Komponist, als Dirigent und als Aufnahmeleiter eines breiten Spektrums diverser Solokünstler und Bands – von denen er mehrere selbst entdeckt hat – hat Batts einnehmende Persönlichkeit und tatkräftiges musikalisches Können ihm stets internationalen Beifall eingebracht. Im Bereich der Musikverwaltung war er viele Jahre lang als stellvertretender Vorsitzender der Britischen Phonographischen Industrie tätig.Als Popmusik-Komponist ist er besonders bekannt für sein Lied „Bright Eyes“ für den Film „Watership Down“, welches ein Nr. 1-Hit für Art Garfunkel wurde – über die Kontinente hinweg. Batt hat eine Reihe von Hits für verschiedene Künstler komponiert und produziert, insbesondere mit der innovativen Wombles Gruppe: dieser Verbindung gingen acht Hit-Singles hervor (einer liegt ein symphonischer Satz von Mozart zugrunde) sowie vier Goldene Alben, darunter eine unterhaltsame Begegnung mit Pierre Boulez, der sich zu dem Zeitpunkt eine Pause bei den Aufnahmen der „Gurrelieder“ von Schönberg gönnte.Batt hat mehrere große internationale Orchester – so etwa das London Symphony Orchestra, Royal Philharmonic Orchestra, London Philharmonic Orchestra, Sydney Symphony Orchestra und die Stuttgarter Philharmoniker – mit sowohl klassischen Programmen als auch in Popmusik-Konzerten und -Aufnahmen dirigiert.Von Batts erster hochorigineller Version des Beatles-Songs „Your Mother Should Know“ – arrangiert, als würde es von einem Kammerorchester des 18. Jahrhunderts begleitet – über die Wombles-Hits, an denen er als Sänger, Songschreiber und Aufnahmeleiter beteiligt war, seiner

3

‘Jupiter’ is almost the heart of the work – perhaps the most purely human music in the suite – the bringer of much-needed jollity, perhaps almost Falstaffian in its bluff good humour, balanced by the great theme which lies at the movement’s centre (which, in the decade following the Great War, received even wider circulation by being set to the words ‘I vow to thee, my country’ by Cecil Spring Rice) the inherent nobility of Holst’s inspired tune relating the music to every hearer.‘Saturn, the bringer of old age’, is a profoundly sympathetic depiction of the inevitable passing of time, not to be feared, but representing, as Holst himself said, ‘man’s time on earth, his ambition, his strategic delay, his wisdom toward fulfilment, his disappointments and frustrations’. The listener, of whatever age, may supply their own interpretation as to what this music represents to them.‘Uranus, the magician’ is a veritable concerto for orchestra of the most brilliant staggeringly virtuosic instrumental colouration and musical sleights-of-hand. Here Holst demonstrates his total mastery of orchestration, fully justifying his ‘large orchestra’ with two sets of timpani and large brass section of six horns, four trumpets, three trombones, two tubas – plus great organ – to create a wondrous world of instrumental chiaroscuro, growing in intensity until it suddenly vanishes – leaving just a few memories. The opening four-note theme, Holst later divulged, was his name ‘Gustav’ in musical nomenclature – revealing, perhaps, that he saw himself as the veritable wizard.‘Neptune, the mystic’ brings this utterly unique and wholly original masterpiece to a conclusion; the rhythm is 5/4, as in the opening ‘Mars’ but now very different in momentum, echoing the astrological claims that Neptune represents ‘the rapport between the worlds’. In Neptune, half a century before Man set foot on the Moon, is Holst’s equivalent of interstellar characterisation; music of undulating oscillation, barely having a pulse of its own but undoubtedly moving forwards, as eventually, and almost beyond earshot, high wordless female voices, human none the less, enter, eventually folding one over another in six parts, as the orchestra gradually ceases, little by little, before finally letting humanity slowly draft into space, beyond our perception, but not beyond our imagination.

lieu à huit singles (dont l’un sur un mouvement de symphonie de Mozart) et à quatre albums d’or — notamment une rencontre amusante avec Pierre Boulez, au cours d’une pause dans l’enregistrement des Gurrelieder de Schoenberg.Batt a dirigé plusieurs grands orchestres dans le monde entier, notamment l’Orchestre symphonique de Londres, le Royal Philharmonic, l’Orchestre philharmonique de Londres, l’Orchestre symphonique de Sydney et l’Orchestre philharmonique de Stuttgart dans des programmes classiques ainsi que dans des concerts et enregistrements de musique populaire.Depuis la première version totalement originale de « Your Mother Should Know » que Batt écrivit pour les Beatles — arrangée comme si elle était accompagnée par un orchestre de chambre du XVIIIe siècle — jusqu’à sa série de tubes comme chanteur/auteur-compositeur/producteur des Wombles, comme producteur de Steeleye Span, et à son propre succès en solo « Summertime City » (qui atteignit la quatrième place du hit-parade anglais), la diversité des réussites ultérieures de Batt dans le domaine de la musique populaire sur toute la scène internationale est légendaire. Il a remporté pas moins de cinq Ivor Novello Awards.Parmi ses partitions de musique de film pour orchestre, on trouve celles de Caravans (« Caravane », 1978, d’après le roman de James Michener) et de Keep the Aspidistra Flying, avec Richard E. Grant en vedette (1998), que Batt enregistra avec l’Orchestre philharmonique de Londres, ainsi que deux albums en solo avec l’Orchestre symphonique de Londres. La belle Dublin Overture (1993) pour grand orchestre est une œuvre de concert à part, un hommage à John McCormack, créée à Dublin avec le National Symphony Orchestra of Ireland sous la direction du compositeur et publiée par Oxford University Press.Vinrent ensuite d’autres succès, composés et produits pour Sir Cliff Richard et David Essex, et la comédie musicale Zero Zero pour le cinquantième anniversaire de l’Australian Broadcasting Corporation. En 1990, Batt a été directeur musical du Festival estival de musique de Melbourne, avec le State Orchestra de Victoria. Il a écrit avec Andrew Lloyd Webber la chanson-titre « Phantom of the Opera » de Steve Harley et Sarah Brightman qui est devenue la genèse du spectacle ; il a aussi composé la musique des séries télévisées The Dreamstone et Watership Down. Sa découverte de la chanteuse d’origine géorgienne Katie Melua et leur collaboration ultérieure a fait vendre à celle-ci plus de onze millions d’albums dans le monde entier.En 1997, Mike Batt a reçu la commande d’une œuvre pour les noces d’or de Sa Majesté la Reine et de Son Altesse Royale le duc d’Édimbourg ; elle a été créée par l’ensemble des orchestres

174

Elgar – Pomp and Circumstance March No 1 in D major opus 39 In 1899, the 42-year-old Edward Elgar’s ‘Enigma’ Variations were premiered under Hans Richter at that same Queen’s Hall in London, a masterpiece every bit as original in conception as Holst’s ‘The Planets’ proved to be, fifteen or so years later. The ‘Enigma’ was Elgar’s long-awaited breakthrough – nationally and internationally – and within two years he had followed the Variations with several other shorter orchestral works of similar lasting significance – the overture ‘Cockaigne – in London Town’ and the first two of (eventually) five ‘Pomp and Circumstance’ Marches.The Marches were first performed in Liverpool, to phenomenal acclaim, being heard in London very soon

afterwards. Queen Victoria had died in January 1901, succeeded by her music-loving son, King Edward VII, who early in his reign became a great admirer of Elgar’s music.Commissioned to compose a Coronation Ode for Edward’s 1902 Coronation, Elgar decided to utilise the noble theme of the first Pomp and Circumstance March, the trio section, in the work’s closing section. The result was ‘Land of hope and glory’, to words by AC Benson, which took the great March from which the music came to an even wider audience, in much the same way as ‘I vow to thee, my country’ did for Holst’s music a decade or so later.Such is the immediacy and power of Elgar’s great march that its originalities are often overlooked; principal amongst these is the fact that, although rooted firmly in D major, the March actually begins in E flat, half a tone up, which in the most subtle manner enhances the inherent excitement of the music, as it settles, briefly, before the first vigorous main theme gets the march properly under way. Subtleties or no, the sheer power of this music shines out from every bar of this utterly original and flawlessly inspired masterpiece.

Robert Matthew-Walker © 2018

Orchestra of Ireland conducted by the composer, and published by Oxford University Press. There followed further hits, composed and produced for Sir Cliff Richard and David Essex, and a musical ‘Zero Zero’ for the 50th anniversary of the Australian Broadcasting Corporation. In 1990, Batt was Music Director of the Melbourne summer Music Festival, with the State Orchestra of Victoria. He co-wrote with Andrew Lloyd Webber the title song ‘Phantom of the Opera’ by Steve Harley and Sarah Brightman that became the genesis of the show, alongside his music for the long-running television series ‘The Dreamstone’ and ‘Watership Down’. His discovery of the Georgian-born Katie Melua, and their subsequent collaboration, saw her sell more than 11 million albums world-wide.In 1997, Mike Batt was commissioned to compose a work marking the Golden Wedding of Her Majesty the Queen and HRH the Duke of Edinburgh, premiered by the massed bands of the Guards at that year’s Royal Tournament. He has subsequently composed other music at Her Majesty’s request. Mike Batt was appointed Lieutenant of the Royal Victorian Order (LVO) in the 2013 Birthday Honours for services to the Royal Household.

Roger Temple

Mike BattDepuis son entrée dans le monde musical à la fin des années 1960, Mike Batt est devenu l’un des musiciens les plus polyvalents que la Grande-Bretagne ait jamais produit. Au cours d’une carrière de près d’un demi-siècle, son talent musical varié s’est régulièrement manifesté par ses réussites dans chacun des genres les plus divers qu’il a abordés.Chanteur-auteur-compositeur, compositeur de comédies musicales, de musiques de film et de musique symphonique, directeur musical et producteur de disques d’un éventail impressionnant d’artistes solistes et de groupes — dont il a personnellement découvert la plupart —, la personnalité attachante et la profonde musicalité de Batt lui ont valu une reconnaissance internationale. Dans le domaine de la gestion musicale, Batt a été pendant de nombreuses années vice-président de la British Phonographic Industry.Comme compositeur de musique de variétés, il est peut-être surtout connu pour sa chanson « Bright Eyes » écrite pour le film Watership Down (« La Folle Escapade »), qui est devenu un succès planétaire avec Art Garfunkel. Batt a composé et produit une série de tubes pour beaucoup d’artistes, en particulier le groupe Wombles — association qui donna

516

Holst – The Plantets (« Les Planètes »)Rares sont les œuvres du XXe siècle qui ont eu un impact initial aussi important ou qui soient entrées au répertoire international aussi vite que Les Planètes de Holst, une suite en sept mouvements pour grand orchestre composée entre 1914 et 1916.À cette époque, c’est l’intérêt que Holst portait à l’astrologie qui le poussa à composer cette œuvre. En 1913, il s’était lié d’amitié avec l’écrivain et astrologue Clifford Bax, frère du compositeur Arnold Bax, qui à son tour orienta Holst vers un livre publié depuis peu, The Art of Synthesis d’Alan Leo, qui donnait un aperçu des caractéristiques astrologiques des planètes dans le système solaire.Comme l’expliqua la fille de Holst, Imogen, son père « apprit que Mars était impétueux, énergique et confiant, Vénus d’un tempérament égal, aimant tout ce qui était beau » ; Mercure était « le messager ailé des Dieux », Jupiter « était enjoué et optimiste », Saturne était « patient et constant », Uranus « excentrique, abrupt et imprévisible » et Neptune légèrement mystérieux.Ces caractéristiques astrologiques définirent la nature et le caractère de chaque mouvement (Pluton ne fut finalement découvert qu’en 1930 ; en 2006, il fut reclassé comme une planète naine). La planète Terre ne figura pas dans l’œuvre de Holst, qu’il intitula à l’origine « Sept Pièces pour orchestre » ; en 1919, après la première exécution, il changea le sous-titre en « Suite pour grand orchestre », titre plus approprié puisque le compositeur demande un minimum de cent quatorze instrumentistes, sans compter le chœur de femmes dans le dernier mouvement « Neptune ».« Les Planètes » furent créées lors d’un concert privé au Queen’s Hall de Londres, le 29 septembre 1918 — concert subventionné par l’ami de Holst, Henry Balfour Gardiner, un cadeau au compositeur. Le chef d’orchestre était (par la suite Sir) Adrian Boult, qui fit ensuite au moins cinq enregistrements complets de cette œuvre. Même pendant les répétitions, il était manifeste que la partition de Holst aurait un impact sur ce que l’on pourrait qualifier de public normal de concert, car l’histoire veut qu’au cours de ces répétitions, les femmes de ménage du Queen’s Hall lâchèrent leurs balais et autres outils et dansèrent dans les couloirs sur « Jupiter ».Et ce fut le cas : en l’espace de quelques années (et il ne faut pas oublier que c’était pendant la période économiquement redressée qui suivit immédiatement la guerre),

Mike BattSince he entered the musical world in the late 1960s, Mike Batt has developed into one of the most remarkably versatile musicians Britain has ever produced. In a career spanning almost 50 years, his varied musicianship has been consistently demonstrated by his achievements in each of the wide-ranging genres he has tackled.As a hugely successful singer-songwriter, composer of musicals, film scores and symphonic orchestral music, as music director and recording producer of an impressively wide range of different solo artists and bands – several of whom he discovered personally – Batt’s engaging personality and thoroughgoing musicianship has brought him consistent international acclaim. In music administration, Batt served for many years a deputy Chairman of the British Phonographic Industry. As a composer of popular music he is perhaps best known for his song ‘Bright Eyes’ for the film ‘Watership Down’, which became a transcontinental No 1 hit for Art Garfunkel. Batt has composed and produced a string of hits for many artists, especially with the novelty Wombles group – which association produced eight hit singles (one founded upon a Mozart symphonic movement) alongside four gold albums – including an amusing encounter with Pierre Boulez, taking a break from recording Schoenberg’s ‘Gurrelieder’ at the time. Batt has conducted several of the world great orchestras, including the London Symphony, Royal Philharmonic, London Philharmonic, Sydney Symphony and Stuttgart Philharmonic in classical programmes as well as in popular music concerts and recordings.From Batt’s own first wholly original version of The Beatles’ ‘Your Mother Should Know’ – arranged as if accompanied by an eighteenth century chamber orchestra – to the string of hits as a singer/songwriter/producer by The Wombles, as a producer of Steeleye Span, and his own solo hit ‘Summertime City’ (which reached No 4 in the UK charts), Batt’s wide-ranging later achievements across the entire popular music scene are legendary. He has won no fewer than five Ivor Novello Awards.His orchestral film music scores include those for ‘Caravans’ (1978, on the James Michener novel) and ‘Keep the Aspidistra Flying’, starring Richard E. Grant (1998) which Batt recorded with the London Philharmonic Orchestra, as well as two solo albums with the London Symphony Orchestra. A separate concert work is the fine Dublin Overture (1993) for large orchestra, a tribute to John McCormack, premiered in Dublin with the National Symphony

6 15

Les Planètes de Holst avaient été jouées partout où se donnaient des concerts — des États-Unis jusqu’en Union Soviétique créée depuis peu, et dans toute l’Europe.Au cours des huit années suivant la création, Holst lui-même avait dirigé deux enregistrements complets de cette œuvre et si certaines exécutions (ou même des enregistrement ultérieurs) survenues au cours de la décennie qui suivit la première audition ne se sont limitées qu’à certains mouvements, aujourd’hui Les Planètes sont considérées de façon générale comme un tout — ce qui est juste, car il y a des relations subtiles entre les mouvements, ainsi que des contrastes unificateurs de caractère entre eux qui assurent totalement la cohésion de l’œuvre.Le mouvement initial, « Mars, porteur de la guerre » est peut-être le plus connu, bien que Holst ait pris grand soin de souligner que la musique était achevée dans sa tête avant le début de la Grande Guerre — une vision donc, pas un commentaire. Holst dit à Adrian Boult qu’il voulait dépeindre la stupidité de la guerre — son caractère totalement insensé et l’anéantissement de la quasi totalité de ce qu’il y a de bon chez l’homme. La musique est trop connue pour avoir besoin d’être décrite, mais la totale originalité de « Mars » continue à captiver et à retenir l’attention de chaque auditeur — une musique comme celle-ci n’avait sûrement jamais été entendue auparavant — ou n’avait paru aussi prophétique de tout ce qu’il y avait de belliqueux dans ce XXe siècle alors relativement nouveau. À la différence, « Vénus » n’apporte pas nécessairement la beauté, mais la Paix — la pacification elle-même, baume de couleur spirituelle et de lente méditation, dégagée de toute tension. Le cor solo et le violon solo nous tiennent sous le charme sur une texture orchestrale rehaussée en outre par le célesta et un groupe de quatre flûtes ; tout est détendu, mais va gentiment de l’avant .« Mercure, le messager ailé » est le mouvement le plus court, agile (bien sûr) mais aussi difficile sur le plan technique pour l’orchestre (en particulier pour les cordes) — un morceau de musique orchestrale aussi versatile, de texture fine et délicate, mais de haut vol, comme on n’en a jamais composé.« Jupiter » est un peu le cœur de cette œuvre — peut-être la musique la plus purement humaine de la suite —, le porteur de gaieté indispensable, presque falstaffien peut-être dans sa franche bonne humeur, contrebalancée par le grand thème qui se trouve au

7

centre du mouvement (dans la décennie suivant la Grande Guerre, il connut une diffusion encore plus large avec les paroles de Cecil Spring Rice « I vow to thee, country » [« Je te promets patrie »]), la noblesse inhérente de la mélodie inspirée de Holst constituant une narration musicale pour chaque auditeur.« Saturne, le porteur de vieillesse » est une représentation pleine de bienveillance de l’écoulement implacable du temps, qu’il ne faut pas craindre, mais qui représente, comme le dit Holst lui-même, « la vie de l’homme sur terre, son ambition, son ralentissement stratégique, sa sagesse face à l’accomplissement, ses déceptions et ses frustrations ». Quel que soit son âge, l’auditeur peut trouver sa propre interprétation à propos de ce que cette musique représente pour lui.« Uranus, le magicien » est un véritable concerto pour orchestre d’une coloration instrumentale brillante et pleine de virtuosité et d’une incroyable dextérité musicale. Ici, Holst démontre sa maîtrise absolue de l’orchestration, justifiant complètement son « grand orchestre » avec deux jeux de timbales et une grande section de cuivres comprenant six cors, quatre trompettes, trois trombones, deux tubas — et un grand orgue — pour créer un univers merveilleux de clair-obscur instrumental, montant en intensité avant de disparaître soudain — laissant juste quelques souvenirs. Holst divulgua par la suite que le thème initial de quatre notes correspondait à son nom « Gustav » en nomenclature musicale — révélant peut-être qu’il se considérait comme le véritable magicien.« Neptune, le mystique » mène ce chef-d’œuvre totalement original à sa conclusion ; le rythme est à 5/4, comme dans « Mars », le premier mouvement, mais d’une dynamique très différente, rappelant les références astrologiques selon lesquelles Neptune représente « le rapport entre les mondes ». Dans Neptune, se trouve l’équivalent pour Holst de la caractérisation interstellaire, un demi-siècle avant que l’homme mette un pied sur la lune ; une musique qui oscille de manière sinueuse, presque sans pulsation qui lui soit propre, mais qui va indubitablement de l’avant, tout comme les voix de femmes aiguës qui chantent sans paroles, presque trop éloignées pour qu’on les entende, mais néanmoins humaines, entrent et finissent par se regrouper en six parties, alors que l’orchestre disparaît peu à peu, avant de laisser finalement dans l’espace une lente esquisse de l’humanité, au-delà de notre perception, mais pas au-delà de notre imagination.

Elgar – Pomp and Circumstance Marsch Nr. 1 in D-Dur, op. 391899 wurden die „Enigma-Variationen“ des 42-jährigen Edward Elgar unter der Leitung von Hans Richter in London, ebenfalls in der Queen’s Hall, uraufgeführt. In Bezug auf seine Konzeption war dieses Meisterwerk ebenso originell wie Holsts „Planeten“, die rund 15 Jahre später entstanden. Die „Enigma-Variationen“ waren Elgars langersehnter Durchbruch – sowohl im In- als auch im Ausland – und innerhalb von zwei Jahren ließ er auf die Variationen mehrere kleinere Orchesterwerke von ähnlich nachhaltiger Bedeutung folgen: die Ouvertüre „Cockaigne – in London Town“ und die ersten beiden der (letztendlich) fünf „Pomp and Circumstance“-Märsche.Die Premiere der Märsche fand in Liverpool statt und war äußerst erfolgreich, so dass auch bald Aufführungen in London folgten. Königin Victoria war im Januar 1901 gestorben, woraufhin ihr musikliebender Sohn Edward VII. den Thron bestieg, der bereits zu Beginn seiner Regentschaft ein großer Verehrer der Elgar’schen Musik wurde.Elgar hatte den Auftrag erhalten, eine Krönungsode für die Krönung Edwards im Jahre 1902 zu komponieren und verwendete dafür das noble Thema des ersten Pomp and Circumstance Marschs, das Trio, als Schlussteil des Werks. Das Resultat war „Land of hope and glory“ zu einem Text von A.C. Benson, wodurch die Musik des großen Marsches an ein noch deutlich größeres Publikum gelangte, ähnlich wie es mit „I vow to thee, my country“ und Holsts Musik etwa eine Dekade später passierte.Elgars großer Marsch ist derart unmittelbar und kraftvoll, dass seine Originalität oft übersehen wird. Dabei muss in erster Linie darauf hingewiesen werden, dass, obwohl die Musik fest in D-Dur verwurzelt ist, der Marsch tatsächlich in Es-Dur beginnt, also einen Halbton höher, was in äußerst subtiler Weise die Spannung steigert, wenn die Musik kurz zur Ruhe kommt, bevor das erste lebhafte Hauptthema den Marsch richtig in Bewegung setzt. Feinheiten oder nicht, allein die Kraft dieser Musik leuchtet aus jedem Takt dieses äußerst originellen und vollendet inspirierten Meisterwerks hervor.

Robert Matthew-Walker © 2018Übersetzung: Viola Scheffel

138

9

Elgar – Pomp and Circumstance Marche n° 1 en ré majeur, opus 39 En 1899, Edward Elgar avait quarante-deux ans, lorsque ses « Enigma » Variations furent créées par Hans Richter au même Queen’s Hall de Londres, un chef-d’œuvre de conception en tout point aussi originale que « Les Planètes » de Holst s’avérèrent être, une quinzaine d’années plus tard. Les « Enigma » Variations furent la percée qu’Elgar attendait depuis longtemps — tant sur le plan national qu’international — et, en l’espace de deux ans, il écrivit, après ces variations, plusieurs autres courtes pièces pour orchestre d’une importance analogue et durable — l’ouverture « Cockaigne – in London Town » et les deux premières de ses Marches « Pomp and Circumstance » (il allait finalement en écrire cinq).Les Marches furent créées à Liverpool où elles remportèrent un succès considérable et furent données à Londres peu après. La reine Victoria était morte en janvier 1901 ; son fils, le roi Édouard VII, très mélomane, lui succéda sur le trône et, au début de son règne, il devint un grand admirateur de la musique d’Edgar.Ayant reçu la commande d’une ode pour le couronnement d’Édouard en 1902, Elgar décida d’utiliser le noble thème de la première Marche Pomp and Circumstance, le trio, dans la section finale de l’œuvre, pour mettre en musique les paroles d’A. C. Benson, « Land of hope and glory », ce qui fit connaître la grande Marche dont était issue cette musique à un auditoire encore plus fourni, un peu de la même façon que « I vow to thee my country » pour la musique de Holst une dizaine d’années plus tard.L’immédiateté et la puissance de la grande marche d’Elgar sont telles que ses traits d’originalité sont souvent ignorés ; le principal est le fait que, même si elle est fermement ancrée en ré majeur, la Marche commence en fait en mi bémol majeur, un demi-ton plus haut, ce qui accroît de manière très subtile l’émotion de la musique, car elle s’installe, brièvement, avant que le vigoureux premier thème principal mette vraiment la marche en route. Subtilités ou non, la seule force de la musique transparaît dans chaque mesure de ce chef-d’œuvre totalement original et d’une inspiration sans faille.

Robert Matthew-Walker © 2018Traduction : Marie-Stella Pâris

nach dem Ersten Weltkrieg als Vertonung der Worte „I vow to thee, my country“ von Cecil Spring Rice sogar noch bekannter war); diese inspirierte Melodie von Holst besitzt eine Erhabenheit, welche die Musik allen Hörern nahebringt.„Saturn, der Bringer des Alters“ ist eine äußerst mitfühlende Darstellung des unvermeidlichen Vergehens der Zeit, welches aber nicht zu fürchten sei, sondern, in Holsts eigenen Worten „die Zeit des Menschen auf der Erde, seinen Ehrgeiz, seine strategische Verzögerung, seine Weisheit in Bezug auf Erfüllung, seine Enttäuschungen und Frustrationen“ repräsentiere. Jeder Hörer mag, altersunabhängig, die Bedeutung dieser Musik für sich interpretieren.„Uranus, der Magier“ ist sozusagen ein Konzert für Orchester mit brillanter und hochvirtuoser instrumentaler Farbgebung und musikalischer Zauberei. Hier demonstriert Holst seine meisterhafte Beherrschung der Instrumentationskunst und legitimiert sein „großes Orchester“ mit zwei Paukensätzen und erweitertem Bläserapparat mit sechs Hörnern, vier Trompeten, drei Posaunen und zwei Tuben sowie großer Orgel. Es ergibt sich damit ein wundersames instrumentales Chiaroscuro, welches immer intensiver wird, bis es plötzlich verschwindet und nur einige Erinnerungen zurückbleiben. Das Vierton-Thema zu Beginn repräsentiert, wie Holst später preisgab, seinen Vornamen „Gustav“ in musikalischer Nomenklatur, was vielleicht offenbart, dass er sich selbst als Zauberer verstand.„Neptun, der Mystiker“ führt dieses absolut einzigartige und originelle Meisterwerk zu Ende; der Takt steht, ebenso wie im Eröffnungssatz „Mars“, in 5/4, hier jedoch mit ganz anderer Schwungkraft, wobei die astrologische Behauptung, Neptun repräsentiere „das Verhältnis zwischen den Welten“, dargestellt wird.Ein halbes Jahrhundert, bevor der erste Mensch einen Fuß auf den Mond setzte, zeichnet Holst in „Neptun“ interstellare Charakteristika nach – es ist dies hin und her schwingende Musik, fast ohne einen eigenen Puls, sich jedoch zweifellos vorwärts bewegend, bis schließlich hohe, wortlose Frauenstimmen fast außer Hörweite einsetzen. Diese ordnen sich dann übereinander in sechs Stimmen ein, während das Orchester nach und nach ausklingt, bevor es die Menschheit schließlich in den Weltraum, jenseits unserer Wahrnehmung – jedoch nicht außerhalb unserer Phantasie – ziehen lässt.

12

Holst – Die PlanetenKaum ein Werk des 20. Jahrhunderts stieß gleich auf so große Begeisterung und fand so schnell Eingang ins internationale Repertoire wie „Die Planeten“ von Holst – eine Suite in sieben Sätzen für großes Orchester, die zwischen 1914 und 1916 entstand.Holsts Interesse für Astrologie zu jener Zeit hatte ihm den Impuls geliefert, das Werk zu komponieren. 1913 hatte er sich mit dem Schriftsteller und Astrologen Clifford Bax – der Bruder des Komponisten Arnold Bax – angefreundet, der Holst auf ein Buch von Alan Leo, „The Art of Synthesis“, aufmerksam machte, welches kurz zuvor erschienen war und in dem die astrologischen Charakteristika der Planeten im Sonnensystem skizziert sind.Holsts Tochter Imogen zufolge lernte der Komponist, dass „Mars eigensinnig, kraftvoll und bestimmt war, Venus hingegen ausgeglichen und voll Liebe für alle schönen Dinge“; Merkur war „der geflügelte Bote der Götter“, Jupiter „lebhaft und hoffnungsvoll“, Saturn „geduldig und beständig“, Uranus war „exzentrisch, abrupt und unerwartet“ und Neptun „subtil-geheimnisvoll“.Diese astrologischen Charakteristika umreißen jeweils den Charakter und das Naturell der einzelnen Sätze (Pluto wurde erst 1930 richtig entdeckt und 2006 als Zwergplanet eingestuft). Der Planet Erde ist in das Werk nicht mit einbezogen, das Holst ursprünglich als „Sieben Stücke für Orchester“ bezeichnet hatte; 1919, nach der Premiere, änderte er den Untertitel in „Suite für großes Orchester“ um, was angesichts der Tatsache, dass mindestens 114 Orchesterspieler gefordert sind (wobei der Frauenchor im letzten Satz, „Neptun“, nicht mitgezählt ist), als Titel zutreffender ist.„Die Planeten“ wurden erstmals im Rahmen eines privaten Konzerts in der Londoner Queen’s Hall am 29. September 1918 aufgeführt, welches von Holsts Freund Henry Balfour Gardiner als Geschenk an den Komponisten finanziert worden war. Der Dirigent war (später Sir) Adrian Boult, der im Laufe seiner Karriere nicht weniger als fünf Gesamteinspielungen des Werkes vornahm. Schon vor der Premiere wurde klar, dass Holsts Werk auch einen besonderen Eindruck bei Menschen hinterließ, die man vielleicht nicht zum „normalen“ Konzertpublikum zählen würde – es heißt, dass während der Proben die Putzfrauen in der Queen’s Hall ihre Besen und andere Utensilien fallen ließen und stattdessen zwischen den Sitzreihen zum „Jupiter“ tanzten.

Und so sollte es sein: innerhalb weniger Jahre (und es sei daran erinnert, dass dies in der harten Nachkriegszeit war) wurden „Die Planeten“ von Holst in der gesamten konzertierenden Welt aufgeführt, von den Vereinigten Staaten von Amerika bis zu der gerade entstandenen Sowjetunion sowie in ganz Europa.Innerhalb von acht Jahren nach der Premiere hatte Holst selbst zwei Gesamtaufnahmen des Werks dirigiert. Zwar erklangen in nicht jeder Aufführung (und auch nicht in allen folgenden Aufnahmen) in den Jahrzehnten nach der Erstaufführung alle sieben Sätze, doch werden „Die Planeten“ heutzutage generell in ihrer Gesamtheit gegeben. Dieser Ansatz ist völlig richtig, da zwischen den Sätzen subtile Verhältnisse existieren, wie auch vereinende charakterliche Kontraste, die das Werk zusammenhalten.Der erste Satz, „Mars, der Kriegsbringer“, ist vielleicht der berühmteste, obwohl Holst betonte, dass er die Musik bereits vor Beginn des Ersten Weltkriegs vollständig im Kopf hatte – eine Vision also, und nicht ein Kommentar. Holst erklärte Adrian Boult, dass er die Dummheit des Krieges darstellen wollte, die völlige Sinnlosigkeit und Zerstörung fast aller anständigen menschlichen Charakterzüge. Die Musik ist zu berühmt, als dass man sie beschreiben müsste, doch die tonale Originalität des „Mars“ packt seine Zuhörer immer wieder und hält sie im Bann – derartige Musik war wohl bis dahin noch nie zu hören gewesen, noch kann eine Musik in Bezug auf den Krieg derartig prophetisch gewirkt haben wie zu jener Zeit, zu Beginn des 20. Jahrhunderts.Im krassen Gegensatz dazu bringt „Venus“ nicht unbedingt Schönheit, aber Frieden – die Befriedung selbst ist ein Balsam glückseliger Farbe und Besinnlichkeit, frei von jeglicher Spannung. Das Solo-Horn und die Solo-Violine erzeugen ihre Zauberformeln zu einer Orchestertextur, in der hin und wieder eine Celesta und eine Gruppe von vier Flöten aufleuchten und wo alles entspannt ist und sich langsam voran bewegt. „Merkur, der geflügelte Bote“ ist der kürzeste Satz, leichtfüßig (natürlich) und technisch ebenso anspruchsvoll für das Orchester, insbesondere die Streicher – ein quecksilbriges Stück Orchestermusik mit hauchzarten Strukturen und doch stets hoch hinaus strebend.„Jupiter“ ist fast das Herzstück des Werks – die wohl humanste Musik der Suite – und der Bringer dringend nötiger Heiterkeit, fast Falstaff-artig in seiner guten Laune. Für Gleichgewicht sorgt das große Thema im Herzen des Satzes (welches in der Dekade

1110