SAN FR ANCISCO SYMPHONYMICHAEL TILSON THOMAS

I N M I N I AT U R E

MASTERPIECES

Producer: Jack Vad Engineering Support: Roni Jules, Gus Pollek, Dann Thompson, and Jonathon Stevens. Post-Production: Jonathon Stevens Mastering: Gus Skinas Booklet Photo Credits: Kristen Loken Michael Tilson Thomas Photo Credit: Art Streiber. Yuja Wang Photo Credit: Fadil Berisha

All editorial materials ©2014 San Francisco Symphony. All rights reserved. San Francisco Symphony, Davies Symphony Hall, San Francisco, CA 94102. sfsmedia@sfsymphony.org

All works recorded live at Davies Symphony Hall—a venue of the San Francisco War Memorial and Performing Arts Center, City and County of San Francisco. Ives/Brant The Alcotts from A Concord Symphony recorded in 96 kHz/24-bit audio (February 2–6, 2010), all others in PCM 192 kHz/24-bit audio (September 26–28, 2013, and May 22–25, 2014).

Principal Trumpet Mark Inouye

San Francisco SymphonyMichael Tilson Thomas, conductor Yuja Wang, piano

Masterpieces in Miniature 78:08 1. Henry Litolff Scherzo from Concerto symphonique No. 4 07:36 Yuja Wang, piano2. Gustav Mahler Blumine 08:283. Gabriel Fauré Pavane 06:264. Claude Debussy La Plus que lente 06:265. Franz Schubert Entr’acte No. 3 from Rosamunde 06:536. Charles Ives/Henry Brant The Alcotts from A Concord Symphony 06:117. Sergei Rachmaninoff Vocalise, Opus 34, no. 14 05:298. Antonín Dvorák Legend for Orchestra, Opus 59, no. 6 05:489. Jean Sibelius Valse triste 05:2910. Frederick Delius On Hearing the First Cuckoo in Spring 07:3111. Edvard Grieg The Last Spring, Opus 34, no. 2 05:4412. Léo Delibes Cortège de Bacchus from Sylvia 06:07

Text, artwork, package design © 2014 San Francisco Symphony. All rights reserved. San Francisco Symphony, Davies Symphony Hall, San Francisco, CA 94102. sfsmedia@sfsymphony.org

About this Collection

My earliest musical memories go back to my parents’ home. They lived

in a small ranch-style house surrounded by orange groves and cactus

in the then very rural San Fernando Valley. Music was an important

part of their lives, and they had a collection of 78RPM records that

embraced Bach, Brahms, Britten, Broadway, Villa-Lobos, Sibelius,

and Stravinsky.

They both played piano. We had a vintage Steinway upright with a

rosewood case. My mother played carefully, following the notes in her

volumes of Mozart and Grieg. My father, who barely read music, could

play anything by ear. All he had to do was hear something once and

he’d do a pretty reasonable rendition of it, with occasional outtakes to

his basic Yiddish Tin Pan Alley style.

One musical source my parents had in common was a big red book that

lived on the piano. It was a collection of short pieces called something

like Music the Whole World Loves to Play. The book contained pieces

like Grieg’s The Last Spring, Cui’s Orientale, Schumann’s Happy Farmer,

Liszt’s Liebestraum, Sibelius’s Valse triste, and Beethoven’s Für Elise. I

had my own little book called something like Miniatures of the Masters.

The wonderful tunes in these books were often being played by one or

another of us as people were cooking, reading, or just being at home.

As my musical education continued, I began to encounter these

pieces, and many others like them, played as encores by the great

musicians whose recitals my parents and I attended. These pieces

made unforgettable impressions when played by masters like Heifetz,

Piatigorsky, Rubinstein, or Arrau. It was electrifying to hear and

see Rubinstein play Falla’s Fire Dance, his hands flying up from the

keyboard, or Heifetz playing Sinding’s Suite so rapidly that his bow

became a blur.

But perhaps even more memorable were the quiet and tender pieces

they played, like Debussy’s Rêverie. These pieces were haunting,

unforgettable. They seemed to explore the realms of vanished

emotions, like wistfulness. They seemed like elusive and charming

recollections of long ago. Under the hands of the masters, they

possessed a profound simplicity.

Later I had the opportunity to discover just how seriously artists like

Rubinstein and Heifetz regarded the playing of these pieces. In a

master class they could devote as much time to them as to a whole

movement of a famous sonata. They were aware of every gesture,

every color, every little hesitation—and of finding a way to make this

all seem spontaneous. I drank it in.

One memorable morning in a Heifetz class, I accompanied a young

violinist on a short piece by Elgar. Every note, every sound, was

considered and shaped. Heifetz sometimes played whole second halves

of concerts made of such pieces. That morning he was uncompromising

as he directed us to find the exact balance of charm and elegance. In

the afternoon I accompanied a singer on one of Boulez’s Mallarmé

Improvisations, under the composer’s direction. It was striking to

notice how similar Heifetz’s and Boulez’s musical concerns were. Both

shared the same quest for exact color, gesture, elusive and vulnerable

expression, but in pursuit of different musical styles.

The pieces in this album exist in various versions. Many began as piano

pieces but were, except for the Ives, orchestrated by their composers.

They were often played as encores by conductors like Stokowski and

Beecham, who took special delight in working with their orchestras

to find the most personal and charming way of playing this music, and

giving the wonderful soloists or sections the opportunities to shine.

This recording pays homage to the tradition of these pieces. It marks

the beginning of my twentieth season as Music Director of the San

Francisco Symphony, and my seventieth birthday. On these occasions,

I wanted to give a present to our whole San Francisco family and to

our listeners everywhere. What better way than to fashion a garland

of these charming pieces? Playing them is now nearly a lost art. The

musicians and I have taken a wonderful voyage in creating these

performances, which are a mixture of my musical memories and the

imagination and virtuosity of my colleagues.

I want to thank Yuja Wang for joining us in Litolff’s Scherzo, and Jack

Vad, our recording producer, for his great sensitivity to the unique sound

and style of every piece.

—Michael Tilson Thomas

HENRY CHARLES LITOLFF (1818–91), who dazzled

Paris with his piano virtuosity and won the admiration

even of Liszt, displayed his keyboard command in works

such as the Scherzo from the Concerto symphonique No.

4, which he composed in 1852. This sleek aristocratic

entertainment leaps forward in perpetual motion, demanding wit and

breakneck speed from the soloist.

GUSTAV MAHLER (1860–1911) is believed to have

composed Blumine for a gala pageant presented in the

summer of 1884 in Kassel, where he was music director

of the Royal Theater. Blumine went on to serve as the

second of five movements in Mahler’s first version of

his Symphony No. 1, but in that context it proved discursive and was

later cut. Complete in itself, this charming work is reminiscent of

Schubert, and of the Bohemian tunes Mahler grew up with.

The Pavane that GABRIEL FAURÉ (1845–1924)

composed in 1886 is a late-Romantic take on a

stately court dance of seventeenth-century Italy.

Fauré melds a languorous melodic line with a diaphanous orchestral

texture, creating music of sensual elegance.

La Plus que lente belongs to a tradition in which

composers used the waltz form to mirror complex states

of mind. CLAUDE DEBUSSY (1862–1918), who wrote this

music in 1910, explores emotions ranging from brooding

to ecstatic, ending in a sense of nostalgia. Debussy’s

orchestration of his piano original includes the exotic sound of the

cimbalom, a hammered dulcimer.

Eager for a theater hit, FRANZ SCHUBERT (1797–1828)

composed ten numbers for the play Rosamunde in 1823.

The Third Entr’acte begins with a section whose lovely

theme Schubert might have reserved for one of his lieder,

and which he also used in his Rosamunde String Quartet

(D.804) and his Impromptu No.3 in B-flat major (D.935). This songlike

section is heard three times, its recurrences—each played slightly

differently—punctuated by two contrasting interludes.

CHARLES IVES (1874–1954) began the piano work

known as the Concord Sonata in 1916 and finished

revising it in 1947. The Alcotts is the third of its

four movements (the movements are titled after

Transcendentalist thinkers active in nineteenth-century Concord,

Massachusetts). In 1994, composer HENRY BRANT (1913–2008)

completed A Concord Symphony, his orchestration of Ives’s sonata.

Concord’s craggy geniuses gathered at Bronson and Abigail Alcott’s

salons, where the music might have included hymns such as “Ye

Christian Heralds,” which Ives quotes. Ives recognized with delight that

this hymn starts with the same notes that begin the Beethoven Fifth

Symphony. References to the hymn (and Beethoven) are contrasted

with evocations of sentimental cornet music.

The haunting Vocalise began as a wordless song

SERGEI RACHMANINOFF (1873–1943) wrote in 1912.

The composer’s 1915 orchestration together with his

tempo indications suggest an understated concept of

performance that allows this luscious, romantic piece

its natural flow.

ANTONÍN DVORÁK (1841–1904) wrote his ten Legends

for piano four-hands in 1881 and introduced orchestral

versions the next year. Legend No. 6 is steeped in the

folkloric heritage of the composer’s native Bohemia,

with the harp emphasizing the music’s ballad-like origins.

The simple theme heard in the outer sections is re-harmonized ever

more sensitively, until it fades into silence.

In the Valse triste, by JEAN SIBELIUS (1865–1957), we

return to the idea of the waltz as a mirror of psychological

states. Composed for a 1903 play with a forbidding title,

Death, this waltz captures a mood of regretful farewell

to life. It is by turns nostalgic, giddy, reckless, desperate, and ultimately

resigned.

On Hearing the First Cuckoo in Spring, which FREDERICK

DELIUS (1862–1934) wrote in 1912, is based on a

Norwegian folk song that here recurs over and over. Each

time, it is rescored and re-harmonized, building in eddies

of emotion—all based on the shape of the folk tune but

delicately changing in character. This subtle, almost minimalist music

presents an enormous challenge to all the orchestra’s members, who

are asked to express all but imperceptible gradations of mood.

The Last Spring is the setting of a song EDVARD GRIEG

(1843–1907) composed in 1880 and orchestrated for

strings (minus voice) in 1881. Grieg’s singer senses life

drawing to a close, and even in this wordless version

the composer’s straightforward lyricism conveys both longing and

acceptance. About halfway through, the melody is given to a choir

of violins playing sul ponticello—with bows drawn on the bridge—

creating a glassy sound that Grieg meant to suggest emotions

imprisoned in winter’s icy grip.

LÉO DELIBES (1836–91) was influenced by both Wagner

and Verdi, but his bold harmonies laid the groundwork for

Debussy and Ravel. He also made wonderful use of the

perfectly chosen “wrong note,” such as the final note of

the fanfare that opens the Cortège de Bacchus, where

the god of wine and the harvest enters in the culminating scene from

the 1876 ballet Sylvia.

—Larry Rothe,

from a conversation with

Michael Tilson ThomasLarry Rothe is author of

Music for a City, Music for the World, a history of the San Francisco Symphony,

and co-author of the essay collection For the Love of Music.

The SAN FRANCISCO SYMPHONY gave its first concerts in

December 1911. Its music directors have included Henry Hadley,

Alfred Hertz, Basil Cameron, lssay Dobrowen, Pierre Monteux, Enrique

Jordá, Josef Krips, Seiji Ozawa, Edo de Waart, Herbert Blomstedt, and,

since 1995, Michael Tilson Thomas. The SFS has won such recording

awards as France’s Grand Prix du Disque, Britain’s Gramophone Award,

Germany’s ECHO Klassik, and the United States’s Grammy. Releases

on the Symphony’s own label, SFS Media, include a cycle of Mahler

symphonies that has received seven Grammys, several volumes

devoted to the works of Beethoven, and John Adams’s Harmonielehre

and Short Ride in a Fast Machine, which won a 2013 Grammy for Best

Orchestral Performance, and the 2013 ECHO Klassik. The Orchestra’s

most recent release on SFS Media is a live recording of the first-ever

complete concert performances of the score from Leonard Bernstein’s

West Side Story. For RCA Red Seal, Michael Tilson Thomas and the

SFS have recorded scenes from Prokofiev’s Romeo and Juliet, a

collection of Stravinsky ballets, and Charles Ives: An American Journey,

among others.

Some of the most important conductors of the past and recent years

have been guests on the SFS podium, among them Bruno Walter,

Leopold Stokowski, Leonard Bernstein, and Sir Georg Solti, and the

list of composers who have led the Orchestra includes Stravinsky,

Ravel, Copland, and John Adams. The SFS Youth Orchestra, founded

in 1980, has become known around the world, as has the SFS Chorus,

heard on recordings and on the sound tracks of such films as Amadeus

and Godfather III. For more than two decades, the SFS Adventures in

Music program has brought music to every child in grades 1 through 5

in San Francisco’s public schools. SFS radio broadcasts, the first in the

US to feature symphonic music when they began in 1926, today carry

the Orchestra’s concerts across the country. In a multimedia program

designed to make classical music accessible to people of all ages

and backgrounds, the SFS launched Keeping Score on PBS-TV, DVD,

radio, and at the website keepingscore.org. San Francisco Symphony

recordings are available at sfymphony.org/store.

MICHAEL TILSON THOMAS first conducted the San Francisco

Symphony in 1974 and has been Music Director since 1995. A Los

Angeles native, he studied with John Crown and Ingolf Dahl at

the University of Southern California, becoming Music Director of

the Young Musicians Foundation Debut Orchestra at nineteen and

working with Stravinsky, Boulez, Stockhausen, and Copland at the

famed Monday Evening Concerts. In 1969, Mr. Tilson Thomas won

the Koussevitzky Prize and was appointed Assistant Conductor of the

Boston Symphony. Ten days later he came to international recognition,

replacing Music Director William Steinberg in mid-concert at Lincoln

Center. He went on to become the BSO’s Principal Guest Conductor.

He has also served as Director of the Ojai Festival, Music Director of

the Buffalo Philharmonic, and a Principal Guest Conductor of the Los

Angeles Philharmonic. He became Principal Conductor of the London

Symphony Orchestra in 1988 and now serves as Principal Guest

Conductor. He is the founder and Artistic Director of the New World

Symphony, America’s Orchestral Academy.

Michael Tilson Thomas’s recorded repertory reflects interests

arising from work as conductor, composer, and pianist. His

television credits include the New York Philharmonic Young

People’s Concerts, and in 2004 he and the San Francisco Symphony

launched Keeping Score on PBS-TV. Among his honors are Columbia

University’s Ditson Award for services to American music and

Musical America’s Musician and Conductor of the Year award. He

is a Chevalier des Arts et des Lettres of France, was selected as

Gramophone 2005 Artist of the Year, was named one of America’s

Best Leaders by U.S. News & World Report, has been elected to

the American Academy of Arts and Sciences, and in 2010 was

awarded the National Medal of Arts by President Barack Obama.

YUJA WANG entered the Central Conservatory of Music in Beijing at

a young age to study under Ling Yuan and Zhou Guangren. From 1999

to 2001 she participated in the Morningside Music summer program

at Calgary’s Mount Royal College and began studying with Hung-Kuan

Chen and Tema Blackstone at the Mount Royal College Conservatory.

Ms. Wang then moved to the US to study with Gary Graffman at the

Curtis Institute of Music in Philadelphia, from which she graduated

in 2008. In 2006 she received the Gilmore Young Artist Award and in

2010 was awarded an Avery Fisher Career Grant. She made her San

Francisco Symphony debut in February 2006 and became a Shenson

Young Artist later that year. She was also the featured artist in the

Symphony’s 2010–11 and 2013–14 Project San Francisco initiatives.

Ms. Wang’s recordings for Deutsche Grammophon include Sonatas

& Etudes, for which she was named the Classic FM 2009 Young Artist

of the Year by Gramophone magazine; Transformation, for which she

received an ECHO Klassik award for Young Artist of the Year; and a

Grammy-nominated concerto album of works by Rachmaninoff, with

Claudio Abbado and the Mahler Chamber Orchestra. Her recordings

include a live album with Gustavo Dudamel and the Simón Bolívar

Symphony Orchestra, and a disc with Leonidas Kavakos for Decca, of

Brahms’s sonatas for violin and piano.

Principal Clarinet Carey Bell

Michael Tilson Thomas and the San Francisco Symphony

Associate Principal Flute Robin McKee

À propos de cette anthologie

Mes premiers souvenirs musicaux remontent au temps où mes

parents habitaient une petite maison aux allures de ranch, entourée

d’orangeraies et de cactus, dans la vallée de San Fernando, encore

très rurale à cette époque. La musique comptait beaucoup dans leur

vie, et ils avaient une collection de 78-tours qui s’étendait de Bach à

Broadway, en passant par Brahms, Britten, Villa-Lobos, Sibelius et

Stravinsky.

Tous deux jouaient du piano, et nous avions un vieux Steinway en

palissandre. Ma mère jouait avec application, en suivant sur la partition

dans ses volumes Mozart et Grieg. Mon père, qui savait à peine lire la

musique, pouvait tout jouer d’oreille. Il lui suffisait d’entendre quelque

chose une fois, et il arrivait à le reproduire tout à fait correctement,

avec d’occasionnels retours à son style de base, une musique de Tin

Pan Alley aux accents yiddish.

L’une des sources musicales que mes parents avaient en commun était

un grand livre rouge toujours posé sur le piano : un recueil de pièces

brèves dont le titre était quelque chose comme Music the Whole World

Loves to Play (Musique que le monde entier aime jouer). Il contenait

des pièces comme Le Dernier Printemps de Grieg, Orientale de César

Cui, Le Gai Laboureur de Schumann, Liebestraum de Liszt, la Valse triste

de Sibelius, et la Lettre à Élise de Beethoven. J’avais mon propre petit

livre, Miniatures of the Masters (Miniatures des maîtres), ou quelque

chose de ce genre. Les merveilleux airs de ces livres étaient souvent

joués par l’un ou l’autre d’entre nous pendant qu’on faisait la cuisine,

lisait ou était simplement à la maison.

À mesure que j’ai progressé dans ma formation musicale, j’ai commencé

à rencontrer ces pièces, et beaucoup d’autres du même genre, jouées

comme bis par les grands interprètes aux récitals desquels mes parents

et moi assistions. Elles laissaient une impression inoubliable quand elles

étaient jouées par des maîtres comme Heifetz, Piatigorsky, Rubinstein ou

Arrau. Il était galvanisant d’entendre et de voir Rubinstein jouer la Danse

du feu de Falla avec les mains qui s’envolaient sur le clavier, ou Heifetz

jouer la Suite de Sinding si rapidement que son archet en devenait flou.

Mais peut-être les pièces calmes et tendres qu’ils jouaient, comme

la Rêverie de Debussy, étaient-elles encore plus mémorables. Ces

pièces étaient envoûtantes, inoubliables. Elles paraissaient explorer

des émotions disparues, comme la mélancolie ; elles semblaient des

souvenirs fugaces et charmants d’autrefois. Sous les doigts des maîtres,

elles revêtaient une profonde simplicité.

Par la suite, j’ai eu l’occasion de découvrir à quel point des artistes

comme Heifetz et Rubinstein jouaient sérieusement ces pièces. Lors d’un

cours d’interprétation, ils pouvaient y consacrer autant de temps qu’à un

mouvement entier d’une sonate célèbre. Ils étaient conscients de chaque

geste, chaque couleur, chaque petite hésitation—tout en trouvant le

moyen de faire paraître tout cela spontané. Je m’en imprégnais.

Un matin, lors d’un cours de Heifetz, j’accompagnais un jeune violoniste

dans une pièce brève d’Elgar. Chaque note, chaque son était pensé

et modelé. Heifetz donnait parfois une deuxième partie de concert

entièrement composée en ces pièces. Ce matin-là, il insista jusqu’au bout

pour que nous trouvions le juste équilibre entre charme et élégance. Dans

l’après-midi, j’ai accompagné une chanteuse dans l’une des Improvisations

sur Mallarmé de Boulez, sous la direction du compositeur. Les similitudes

entres les préoccupations musicales de Heifetz et de Boulez étaient

frappantes. Tous deux partageaient la même quête de la couleur et du

geste exacts, d’une expression insaisissable et vulnérable, mais dans des

styles musicaux différents.

Les pièces de cet album existent dans diverses versions. Beaucoup ont

vu le jour comme pièces pour piano, mais ont ensuite été orchestrées

par leur compositeur, à l’exception de la pièce d’Ives. Elles étaient

souvent jouées en bis par des chefs comme Stokowski et Beecham, qui

aimaient particulièrement les travailler avec leur orchestre pour trouver la

manière la plus personnelle et la plus charmante de jouer cette musique,

et prenaient tout autant de plaisir à donner aux merveilleux solistes ou

pupitres des occasions de briller.

Cet enregistrement rend hommage à cette tradition. Il marque le début

de ma vingtième saison comme directeur musical du San Francisco

Symphony, et mon soixante-dixième anniversaire. Je voulais donc faire

un cadeau à toute notre famille de San Francisco et à nos auditeurs du

monde entier. Que pouvais-je offrir de mieux qu’une guirlande faite de ces

pièces charmantes ? Les jouer est maintenant un art presque perdu. Les

musiciens et moi-même avons fait un merveilleux voyage en gravant ces

interprétations, qui sont un mélange de mes souvenirs musicaux, et de

l’imagination et de la virtuosité de mes collègues.

Je voudrais remercier Yuja Wang de s’être jointe à nous dans le Scherzo

de Litolff, et Jack Vad, notre directeur artistique, pour sa grande

sensibilité au son et au style uniques de chaque pièce.

—Michael Tilson Thomas

HENRY CHARLES LITOLFF (1818–1891), qui éblouit Paris par sa

virtuosité pianistique et gagna même l’admiration de Liszt, déploie sa

maîtrise du clavier dans des œuvres comme le Scherzo du Concerto

symphonique no 4, qu’il composa en 1852. Cet élégant divertissement

aristocratique s’élance dans un mouvement perpétuel, exigeant du

soliste humour et vitesse vertigineuse.

On pense que GUSTAV MAHLER (1860–1911) composa Blumine pour

un spectacle de gala présenté au cours de l’été 1884 à Cassel, où il

était directeur musical du Théâtre royal. Blumine devint ensuite le

deuxième des cinq mouvements de la version primitive de sa Première

Symphonie, mais la pièce se révéla trop digressive dans ce contexte et

fut ensuite coupée. Cette œuvre charmante, qui se suffit à elle-même,

rappelle Schubert et les airs bohémiens de l’enfance de Mahler.

La Pavane que GABRIEL FAURÉ (1845–1924) composa en 1886

est une vision postromantique d’une danse de cour solennelle de

l’Italie du XVIIe siècle. Fauré mêle une ligne mélodique langoureuse

à une écriture orchestrale diaphane, concevant une musique d’une

sensuelle élégance.

La plus que lente appartient à une tradition dans laquelle les

compositeurs utilisèrent la forme de la valse pour refléter des états

d’âme complexes. CLAUDE DEBUSSY (1862–1918), qui composa cette

pièce en 1910, explore des émotions qui vont de la sombre réflexion

à l’extase, terminant dans un climat de nostalgie. L’orchestration de

la version originale pour piano faite par Debussy utilise la sonorité

exotique du cymbalum, instrument à cordes frappées par de petits

maillets.

Désireux de connaître le succès au théâtre, FRANZ SCHUBERT

(1797–1828) composa dix numéros pour la pièce Rosamunde en 1823.

Le Troisième Entracte débute par une section dont Schubert aurait

pu réserver le thème ravissant à l’un de ses lieder, thème qu’il utilisa

également dans son Quatuor à cordes Rosamunde (D. 804) et son

Impromptu no 3 en si bémol majeur (D. 935). Cette section en manière

de lied est entendue trois fois, les retours—chacun joué un peu

différemment—étant ponctués par des interludes contrastants.

CHARLES IVES (1874–1954) commença l’œuvre pour piano intitulée

Concord Sonata en 1916 et acheva de la réviser en 1947. The Alcotts

est le troisième de ses quatre mouvements (les mouvements portent

les noms de penseurs transcendentalistes actifs au XIXe siècle à

Concord, dans le Massachusetts). En 1994, le compositeur HENRY

BRANT (1913–2008) acheva A Concord Symphony, son orchestration

de la sonate d’Ives. Ces esprits rugueux se réunissaient à Concord

dans les salons de Bronson et Abigail Alcott, où l’on pouvait entendre

des cantiques comme « Ye Christian Heralds », qu’Ives cite. Ives eut

plaisir à voir que ce cantique débute avec les mêmes notes que la

Cinquième Symphonie de Beethoven. Des allusions au cantique (et à

Beethoven) sont opposées à des évocations de musique sentimentale

pour cornet à pistons.

L’envoûtante Vocalise de SERGE RACHMANINOV (1873–1943)

vit le jour comme une mélodie sans paroles qu’il écrivit en 1912.

L’orchestration faite par le compositeur en 1915 ainsi que ses

indications de tempo invitent à une interprétation toute en retenue, qui

donne à cette somptueuse pièce romantique son débit naturel.

ANTONÍN DVORÁK (1841–1904) écrivit ses dix Légendes pour piano

à quatre mains en 1881, avant d’en présenter une version orchestrale

l’année suivante. La Légende no 6 est imprégnée de l’héritage folklorique

de la Bohême natale du compositeur, avec la harpe qui souligne les

origines de la musique dans la ballade populaire. Le thème simple

entendu dans les sections extrêmes est harmonisé avec encore plus de

sensibilité, jusqu’à ce qu’il s’évanouisse dans le silence.

Dans la Valse triste de JEAN SIBELIUS (1865–1957), on revient à

l’idée de la valse en tant que miroir des états d’âme. Composée pour

une pièce de 1903 au titre inquiétant, Mort, cette valse peint un climat

d’adieu à la vie, plein de regrets. Elle est tour à tour nostalgique,

étourdissante, téméraire, désespérée et finalement résignée.

On Hearing the First Cuckoo in Spring (En entendant le premier

coucou au printemps), que FREDERICK DELIUS (1862–1934)

écrivit en 1912, est fondé sur une chanson traditionnelle populaire

norvégienne qui revient ici encore et encore. Chaque fois, elle est

réorchestrée et réharmonisée, dans des tourbillons d’émotions—

chaque apparition reste fondée sur les lignes de l’air traditionnel,

mais change délicatement de caractère. Cette musique subtile,

presque minimaliste, est un immense défi pour tous les membres de

l’orchestre, qui doivent exprimer des gradations de climat presque

imperceptibles.

Le Dernier Printemps est une mélodie que EDVARD GRIEG (1843–1907)

composa en 1880 et orchestra pour cordes (sans voix) en 1881. Le

poème chanté évoque le sentiment de la vie qui arrive à son terme, et

même dans cette version sans paroles le lyrisme direct du compositeur

exprime à la fois la nostalgie et l’acceptation. À mi-parcours, à

peu près, la mélodie est confiée à un chœur de violons qui jouent

sul ponticello—avec l’archet près du chevalet—produisant une

sonorité cristalline avec laquelle Grieg voulait évoquer les émotions

prisonnières du froid glacial de l’hiver.

LÉO DELIBES (1836–1891) fut influencé à la fois par Wagner et par

Verdi, mais ses audacieuses harmonies ouvrirent la voie à Debussy

et à Ravel. Il fit également un merveilleux usage de la « fausse note

» parfaitement choisie, telle la note finale de la fanfare qui ouvre le

Cortège de Bacchus, où le dieu du vin et de la moisson entre au point

culminant du ballet Sylvia (1876).

—Larry Rothe,

extrait d’un entretien avec

Michael Tilson Thomas

Traduction: Dennis CollinsLarry Rothe est l’auteur de

Music for a City, Music for the World, une histoire du San Francisco Symphony,

et co-auteur de la collection d’essais For the Love of Music.

Le SAN FRANCISCO SYMPHONY a donné ses premiers concerts

en décembre 1911. Henry Hadley, Alfred Hertz, Basil Cameron, lssay

Dobrowen, Pierre Monteux, Enrique Jordá, Josef Krips, Seiji Ozawa,

Edo de Waart, Herbert Blomstedt, et, depuis 1995, Michael Tilson

Thomas se sont succédé comme directeur musical de l’orchestre.

Le SFS a remporté des prix discographiques comme le Grand Prix

du disque français, le prix Gramophone britannique, l’ECHO Klassik

allemand et le Grammy américain. Les parutions sur le propre label de

l’orchestre, SFS Media, comprennent une intégrale des symphonies

de Mahler qui a reçu sept Grammys, plusieurs albums consacrés aux

œuvres de Beethoven, ainsi que Harmonielehre et Short Ride in a Fast

Machine de John Adams, qui a remporté un Grammy comme meilleure

interprétation orchestrale en 2013 et l’ECHO Klassik 2013. Le disque le

plus récent de l’orchestre pour SFS Media est un enregistrement live

des toutes premières exécutions intégrales en version de concert de

West Side Story de Leonard Bernstein. Pour RCA Red Seal, Michael

Tilson Thomas et le SFS ont enregistré des scènes de Roméo et Juliette

de Prokofiev, une anthologie de ballets de Stravinsky, et Charles Ives :

An American Journey, entre autres.

Certains des chefs d’orchestre les plus importants des années

passées et récentes ont été invités à diriger le SFS, dont Bruno Walter,

Leopold Stokowski, Leonard Bernstein et Sir Georg Solti, et la liste des

compositeurs qui ont dirigé l’orchestre comprend Stravinsky, Ravel,

Copland et John Adams. Le SFS Youth Orchestra, fondé en 1980, s’est

fait connaître dans le monde entier, de même que le SFS Chorus, entendu

dans des enregistrements et sur la bande-son de films comme Amadeus

et Le Parrain III. Depuis plus de vingt ans, le programme SFS Adventures

in Music fait découvrir la musique à tous les enfants du primaire dans les

écoles publiques de San Francisco. Les retransmissions radiophoniques

du SFS, les premières aux États-Unis à faire entendre de la musique

symphonique à leurs débuts en 1926, diffusent aujourd’hui les concerts

de l’orchestre à travers le pays. Dans un programme multimédia conçu

pour rendre la musique classique accessible aux personnes de tout âge

et de tout milieu, le SFS a lancé Keeping Score sur PBS-TV, en DVD, à la

radio, et sur le site internet keepingscore.org. Les enregistrements du

San Francisco Symphony sont disponibles à sfymphony.org/store.

Zu dieser Sammlung

Meine frühesten musikalischen Erinnerungen gehen zurück in das

Haus meiner Eltern. Sie lebten in einem kleinen Farmhaus umgeben von

Orangenhainen und Kakteen im damals sehr ländlichen San Fernando

Valley. Musik war ein wichtiger Teil Ihres Lebens und sie hatten eine

Sammlung von 78er Schallplatten, die die Musik von Bach, Brahms,

Britten, Broadway, Villa-Lobos, Sibelius und Strawinsky umfasste.

Beide spielten Klavier. Wir hatten ein altes Steinway Klavier aus

Palisander. Meine Mutter folgte gewissenhaft den Noten ihrer

Mozart- und Grieg-Bände. Mein Vater, der kaum Noten lesen konnte,

konnte alles nach Gehör spielen. Er musste ein Stück nur einmal hören

und war in der Lage, eine ziemlich annehmbare Wiedergabe davon zu

spielen, mit gelegentlichen Ausbrüchen in den ihm eigenen Yiddish Tin

Pan Alley Stil.

Eine musikalische Quelle, die meine Eltern beide nutzten, war ein

großes rotes Buch, das auf dem Klavier lebte. Es war eine Sammlung

kurzer Stücke und hatte einen Titel wie in etwa Musik, die jeder zu

spielen liebt. Das Buch enthielt Stücke wie Griegs Letzter Frühling,

César Cuis Orientale, Schumanns Fröhlicher Landmann, Liszts

Liebestraum, Sibelius’ Valse triste und Beethovens Für Elise. Ich hatte

mein eigenes kleines Buch, Miniaturen der Meister oder so ähnlich.

Die wundervollen Melodien in diesen Büchern wurden vom einen oder

anderen von uns oftmals gespielt, während andere kochten, lasen oder

einfach zuhause waren.

Im weiteren Verlauf meiner musikalischen Ausbildung, stieß ich immer

wieder auf diese und viele andere ähnliche Stücke, die als Zugaben von

den großartigen Musikern gespielt wurden, deren Rezitale meine Eltern

und ich besuchten. Aufgeführt von Meistern wie Heifetz, Piatigorsky,

Rubinstein oder Arrau, hinterließen diese Stücke unvergessliche

Eindrücke. Es war mitreissend, Rubinstein de Fallas Feuertanz spielen

zu hören und zu sehen, mit seinen über die Tasten fliegenden Händen.

Oder Heifetz, der Sindings Suite so schnell spielte, dass sein Bogen

begann, vor den Augen zu verschwimmen.

Aber vielleicht waren die ruhigen und zarten Stücke noch

einprägsamer, wie Debussys Träumerei. Sie waren tief bewegend und

unvergesslich. Sie schienen das Reich der verschwundenen Emotionen

zu erkunden, wie die Wehmut. Sie schienen wie flüchtige und anmutige

Erinnerungen an längst vergangene Zeiten. Unter den Händen der

Meister verfügten sie über eine unglaubliche Schlichtheit.

Später hatte ich die Gelegenheit herauszufinden, wie ernst Künstler

wie Heifetz und Rubinstein das Spielen dieser Stücke nahmen. In

einem Meisterkurs konnten sie ihnen genauso viel Zeit widmen wie

einem ganzen Satz aus einer berühmten Sonate. Sie waren sich jeder

Geste, jeder Klangfarbe, jeder kleinen Verzögerung bewusst—und

fanden einen Weg, all dies spontan erscheinen zu lassen. Ich habe es

aufgesaugt.

An einem unvergesslichen Morgen während eines Meisterkurses von

Heifetz begleitete ich einen jungen Geiger in einem kurzen Stück von

Elgar. Jede Note, jede Klangfarbe wurde bedacht und geformt. Heifetz

spielte manchmal ganze zweite Konzerthälften nur mit solchen Stücken.

An diesem Morgen war er kompromisslos, als er uns half, eine genaue

Balance von Anmut und Eleganz zu finden. Am Nachmittag begleitete

ich eine Sängerin in einer von Boulez‘ Mallarmé Improvisationen

unter der Leitung des Komponisten. Es war verblüffend festzustellen,

wie ähnlich Heifetz‘ und Boulez‘ musikalische Anliegen waren. Beide

teilten dasselbe Streben nach präziser Klangfarbe, Gestik, flüchtigem

und verletzlichem Ausdruck, verfolgten dabei allerdings verschiedene

musikalische Stile.

Die Stücke in diesem Album gibt es in vielen Versionen. Viele begannen

als Klavierstücke und wurden, abgesehen von Ives, von ihren

Komponisten orchestriert. Sie wurden von Dirigenten wie Stokowski

und Beecham oftmals als Zugaben gespielt. Für sie war es ein

besonderes Vergnügen, mit ihren Orchestern den persönlichsten und

bezauberndsten Weg zu finden, diese Stücke zu interpretieren und den

wunderbaren Orchestersolisten oder Stimmgruppen die Gelegenheit zu

geben zu glänzen.

Diese Einspielung huldigt der Tradition dieser Werke. Sie markiert

den Beginn meiner zwanzigsten Spielzeit als Music Director des San

Francisco Symphony und meinen siebzigsten Geburtstag. Zu diesen

Anlässen wollte ich meiner San Francisco-Familie und unserem

Publikum weltweit ein Geschenk machen. Was wäre besser, als eine

Girlande aus diesen reizenden Werken zu gestalten? Sie zu spielen ist

mittlerweile eine vergessene Kunst. Die Musiker und ich haben eine

wundervolle Reise unternommen, um diese Aufführungen zu gestalten,

die eine Mischung aus meinen musikalischen Erinnerungen und der

Fantasie und Virtuosität meiner Kollegen ist.

Ich möchte Yuja Wang dafür danken, dass sie mit uns Litolffs Scherzo

gespielt hat, und Jack Vad, unserem Produzenten, für seine große

Sensibilität für den einzigartigen Klang und Stil jedes einzelnen Stückes.

—Michael Tilson Thomas

HENRY CHARLES LITOLFF (1818–91), der Paris mit seiner Virtuosität

auf dem Klavier begeisterte und sogar die Bewunderung von Liszt

gewann, stellte seine pianistischen Fähigkeiten in Werken wie dem

Scherzo des Concerto symphonique No. 4, das er 1852 komponierte, zur

Schau. Diese geschmeidige aristokratische Unterhaltungsmusik springt

in unaufhörlicher Bewegung vorwärts und fordert vom Solisten Witz und

halsbrecherisches Tempo.

Man vermutet, dass GUSTAV MAHLER (1860–1911) den Andante-

Satz in C-Dur Blumine für eine Festveranstaltung im Sommer 1884 in

Kassel komponiert hat, wo er Musikdirektor des Königlichen Theaters

war. Blumine wurde zunächst zum zweiten von fünf Sätzen in Mahlers

erster Version seiner Symphonie Nr. 1. Später wurde er jedoch

wieder gestrichen, da er die Symphonie zu ausschweifend machte.

In sich geschlossen, ist dieses bezaubernde Werk eine Reminiszenz

an Schubert sowie die böhmischen Melodien, mit denen Mahler

aufgewachsen ist.

Die Pavane, die GABRIEL FAURÉ (1845–1924) 1886 komponierte, ist eine

spätromantische Version eines herrschaftlichen Hoftanzes aus dem

Italien des 17. Jahrhunderts. Fauré vereint eine lange melodische Linie

mit einer durchsichtigen orchestralen Textur zu einer Musik sinnlicher

Eleganz.

La Plus que lente stammt aus einer Tradition, in der Komponisten die

Form des Walzers verwendeten, um komplexe Gemütsverfassungen zu

beschreiben. CLAUDE DEBUSSY (1862–1918), der dieses Stück 1910

komponierte, erforscht darin Emotionen von grüblerisch bis ekstatisch

und endet in einem Gefühl der Nostalgie. Debussys Orchestrierung

seines ursprünglichen Klavierwerkes verwendet den seltenen Klang des

Zymbals.

FRANZ SCHUBERT (1797–1828) komponierte 1832 zehn Nummern für

das Theaterstück Rosamunde. Das Entr’acte Nr. 3 beginnt mit einem

Abschnitt, dessen bezauberndes Thema Schubert auch für eines seiner

Lieder gedacht haben könnte und das er auch in seinem Rosamunde

Streichquartett (D.804) sowie in seinem Impromptu Nr. 3 in B-Dur (D.935)

verwendet hat. Dieser liedhafte Abschnitt erscheint dreimal—stets ein

wenig abgewandelt—jeweils unterbrochen von zwei kontrastierenden

Zwischenspielen.

CHARLES IVES (1874–1954) begann sein als Concord Sonata

bekanntes Klavierstück 1916 und überarbeitete es letztmalig 1947.

The Alcotts ist der dritte von vier Sätzen (die Sätze sind nach den

Transzendentalisten des 19. Jahrhunderts benannt, die sich in Concord,

Massachusetts trafen). 1994 vervollständigte der Komponist HENRY

BRANT (1913–2008) A Concord Symphony, seine Orchestrierung

von Ives’ Sonata. Concords verschrobene Genies trafen sich in den

Salons von Bronson und Abigail Alcott, wo auch Musik wie der

Hymnus “Ye Christian Heralds”, den Ives in seiner Sonata zitiert, zu

hören gewesen sein dürften. Ives hat mit Vergnügen festgestellt, dass

der Hymnus mit denselben Noten beginnt, wie Beethovens Fünfte

Symphonie. Referenzen an den Hymnus (und an Beethoven) werden von

sentimentaler Kornettmusik kontrastiert.

Die schwermütige Vocalise begann 1912 als Lied ohne Worte von

SERGEI RACHMANINOW (1873–1943). Die Orchestrierung des

Komponisten von 1915 sowie dessen Tempobezeichnungen deuten

auf ein bewusst zurückhaltendes Aufführungskonzept, das diesem

phantastischen romantischen Werk seinen natürlichen Fluss gibt.

ANTONÍN DVORÁK (1841–1904) schrieb seine zehn Legenden für

Klavier zu vier Händen 1881 und stellte im darauffolgenden Jahr

orchestrale Versionen vor. Die Legende Nr. 6 taucht in das folkloristische

Erbe der böhmischen Heimat des Komponisten ein, wobei die Harfe den

balladenhaften Ursprung der Musik unterstreicht. Das einfache Thema

der äußeren Abschnitte wird behutsam immer wieder neu harmonisiert,

bis es in absoluter Stille verklingt.

Im Valse triste von JEAN SIBELIUS (1865–1957) kehren wir zur Idee des

Walzers als Spiegel psychologischer Zustände zurück. 1903 komponiert

für die Bühnenmusik zum Drama mit dem bedrohlichen Titel Der Tod,

fängt dieser Walzer eine Stimmung von bedauerndem Abschied vom

Leben ein. Es ist abwechselnd nostalgisch, albern, unbekümmert,

verzweifelt und letztlich resigniert.

On Hearing the First Cuckoo in Spring, von FREDERICK DELIUS (1862–

1934) 1912 komponiert, basiert auf einem norwegischen Volkslied,

das hier wieder und wieder erklingt. Von Mal zu Mal ändern sich die

Orchestrierung und die Harmonisierung, so dass emotionale Strömungen

entstehen—alle basierend auf der Form des Volksliedes doch mit

sensibel verändertem Charakter. Diese subtile, fast minimalistische

Musik stellt eine enorme Herausforderung für alle Orchestermitglieder

dar, denen vorgeschrieben wird, kaum wahrnehmbare Abstufungen von

Stimmungen auszudrücken.

The Last Spring ist die Fassung eines Liedes, das EDVARD GRIEG

(1843–1907) 1880 komponierte und 1881 für Streicher (ohne Gesang)

arrangierte. Griegs Sänger spürt, dass sein Leben zu Ende geht, und

sogar in dieser wortlosen Version vermittelt die Lyrik des Komponisten

sowohl Sehnsucht als auch Hinnahme. Etwa in der Mitte des Stückes ist

die Melodie in den Violinen zu hören, die sul ponticello—mit dem Bogen

am Steg—spielen und so einen gläsernen Klang erzeugen, mit dem Grieg

die Gefühle im eisigen Griff des Winters beschreibt.

LÉO DELIBES (1836–91) wurde sowohl von Wagner als auch von

Verdi beeinflusst, doch seine gewagten Harmonien legten die Basis

für Debussy und Ravel. Er nutzte wunderbar den perfekt gewählten

„falschen Ton”, so wie die letzte Note der Fanfare, die die Cortège de

Bacchus eröffnet, wenn der Gott des Weines die kulminierende Szene

des Ballettes Sylvia von 1876 betritt.

—Larry Rothe,

aus einem Gespräch mit

Michael Tilson Thomas

Übersetzung: Charlotte SchneiderLarry Rothe ist Autor von

Music for a City, Music for the World, einer Geschichte des San Francisco Symphony,

und Co-Autor der Essay-Sammlung For the Love of Music.

Das SAN FRANCISCO SYMPHONY (SFS) gab seine ersten Konzerte

im Dezember 1911. Zu den bisherigen Chefdirigenten des Orchesters

gehörten Henry Hadley, Alfred Hertz, Basil Cameron, lssay Dobrowen,

Pierre Monteux, Enrique Jordá, Josef Krips, Seiji Ozawa, Edo de Waart

und Herbert Blomstedt. Seit 1995 ist Michael Tilson Thomas Music

Director des Orchesters. Das SFS wurde für seine Einspielungen mit

Auszeichnungen wie dem französischen Grand Prix du Disque, dem

englischen Gramophone Award, dem deutschen ECHO Klassik und

dem Grammy in den USA geehrt. Zu den Veröffentlichungen auf dem

orchestereigenen Label SFS Media gehört ein Mahler Zyklus, der mit

sieben Grammys ausgezeichnet wurde, einige Aufnahmen, die sich dem

Werk Beethovens widmen und John Adams‘ Harmonielehre und Short

Ride in a Fast Machine, die 2013 sowohl mit dem Grammy der Kategorie

„Best Orchestral Performance“ als auch mit dem ECHO Klassik

ausgezeichnet wurde. Die jüngste Veröffentlichung des Orchesters

auf SFS Media ist die live Einspielung der allerersten vollständigen

konzertanten Aufführung der Partitur von Leonard Bernsteins West

Side Story. Für RCA Red Seal haben Michael Tilson Thomas und das

SFS unter anderem Szenen aus Prokofjews Romeo und Julia, einige von

Strawinskys Ballettmusiken und Charles Ives: An American Journey

eingespielt.

Einige der bedeutendsten Dirigenten der Vergangenheit und Gegenwart

haben das SFS dirigiert, darunter Bruno Walter, Leopold Stokowski,

Leonard Bernstein und Sir Georg Solti. Zu den Komponisten am Pult des

Orchesters gehören Strawinsky, Ravel, Copland und John Adams. Das

1980 gegründete SFS Youth Orchestra genießt weltweite Anerkennung

ebenso wie der SFS Chorus, der auf vielen Einspielungen sowie auf

den Sound Tracks von Filmen wie Amadeus und Der Pate III zu hören

ist. Seit über zwei Jahrzehnten bringt das „SFS Adventures in Music“

Programm jedes Kind der 1. bis 5. Klasse in San Franciscos Schulen

mit Musik in Berührung. Die Konzerte des SFS können seit 1926, der

allerersten Radioübertragung klassischer Musik in den USA überhaupt,

landesweit verfolgt werden. In einem Multimedia-Programm, das

klassische Musik Menschen aller Altersgruppen und musikalischer

Hintergründe zugänglich machen will, startete das SFS Keeping Score in

Fernsehübertragungen des Public Broadcasting Systems, auf DVD, im

Radio und auf der Website keepingscore.org. Die Einspielungen des

San Francisco Symphony sind auf sfsymphony.org/store verfügbar.

SFS 0060821936-0060-2