El apropiacionismo es un movimiento artístico que es basa en la apropiación de

elementos tomados para la creación de una nueva obra (pintura, escultura, poesía). Estos

elementos pueden ser imágenes, formas o estilos de la historia del arte o de la cultura

popular, o bien materiales o técnicas obtenidas de un contexto no artístico. Desde la

década de 1980, el término también se refiere más específicamente al hecho de citar la

obra de otro artista para crear una nueva obra. La obra puede alterar o no la obra

original.

Como todo movimiento artístico, el apropiacionismo tiene sus causas en el momento

histórico. La intención del arte apropiacionista, influenciado por las teorías

posmodernas1, se sumaba a las líneas de resistencia a las formas de poder. Así pues, a

través del desplazamiento y la sustitución, desmitifica y evidencia los contenidos de los

sistemas de conocimiento (museos e instituciones) y de la tradición histórica. El

objetivo del que nace, entonces, es el de terminar con la relación tradicional y

distanciada bajo la que se apoya todo un sistema ideológico basado en el pasado, no

sólo a nivel estético, sino también a nivel ético y político.

Así la apropiación cuestiona varios puntos: la genialidad, la autoría, la creación, la

perennidad y la originalidad. No obstante, la sociedad de consumo sigue cultivando

fuertemente el peso político y económico que implica la noción de “obra de arte”,

tratando de no perder la influencia de la figura del autor y del “aura tradicional” o “lo

auténtico”, basándose en la tradición humanista histórica donde el sujeto/artista es el

genio creador.

Walter Benjamin2, filósofo cuyas teorías influenciaron el cambio ideológico-artístico de

las nociones antes mencionadas que llevaron al arte de apropiación, habla del “aura” de

la obra o, como él lo define: “la manifestación irrepetible de una lejanía por cercana

que pueda estar, la cual es producida y administrada por las instituciones del mundo 1Las teorías posmodernistas aparecieron durante la segunda mitad del siglo XX, identificado a principios de los 70’, época de auge apropiacionista. El movimiento artístico posmoderno defiende la.idea de que la renovación radical de las formas tradicionales en el arte, la cultura, el pensamiento y la vida social impulsada por el proyecto modernista, fracasaron en su intento de lograr la emancipación de la humanidad, y de que un proyecto semejante es imposible o inalcanzable en las condiciones actuales. Frente al compromiso riguroso con la innovación, el progreso y la crítica de las vanguardias artísticas, intelectuales y sociales, al que considera una forma refinada de teología autoritaria, el posmodernismo defiende la hibridación, la cultura popular, el descentramiento de la autoridad intelectual y científica y la desconfianza ante los grandes relatos.2 Walter Benjamin (Berlín, 15 de julio de 1892 – Portbou, 27 de septiembre de 1940) fue un filósofo y crítico literario alemán de tendencia marxista.

capitalista”. Es decir, la esencia de un objeto surge y tiene importancia al ser

manipulada por las instituciones, las cuales afirman que esta se basa en la relación

autor-obra, donde la genialidad del artista es la que otorga el valor. Sin embargo, según

Benjamin, el “aura” no radica en la presencia física del autor que la produce, la obra la

posee en sí misma, sin hacerla depender de la relación entre obra y autor.”. Será a través

del adueñamiento de los objetos en la más próxima de las cercanías, mediante la imagen

o la reproducción, que se conseguirá eliminar el valor aurático de la obra. Hablará así

Roland Barthes3 de “la muerte del autor”: “La obra anula al autor una vez que pasa a

manos del público.(…) La obra tiene entidad propia y no depende del autor, sino de la

interpretación que da de esta el espectador.”. Esto conlleva, entonces, la necesidad de un

nuevo público.

No sólo esto, también se pone en duda el concepto de originalidad, concepto que se ha

asimilado siempre al adjetivo “novedoso”. Como describe C.R. Hausmann4 en su escrito

“Figurative Lenguaje in Art History” el termino creatividad se refiere a “condición de

hacer algo que sea novedoso (…) crear es introducir algo nuevo que pueda ser

cognitivamente significante e irreductible”. Pero, en una sociedad donde predomina la

hegemonía de la reproductibilidad, se defiende que esta definición pierde su s

ignificado, tal como veremos más adelante con la artista Sherrie Levine.

Desde principios del siglo XX se empezaban a introducir conceptos, materiales y

métodos que conllevarían a dar forma y nombre al Apropiacionismo. Empezando con el

Dadaísmo y su intención de acabar con la relación institución-arte, que los llevaba a

utilizar un sistema iconoclasta y, por lo tanto, apropiacionista.

Marcel Duchamp5, el icono dadaísta, es el claro ejemplo de la desmitificación del

objeto. Su famosa obra “L.H.O.O.Q” (1919) es una copia de “La Mona Lisa” de

Leonardo Da Vinci.

3 Roland Barthes (Cherburgo, 12 de noviembre de 1915 – París, 25 de marzo de 1980) fue un filósofo, escritor, ensayista y semiólogo francés.4 C.R. Hausmann profesor de filosofía en la universidad de PennState en Pennsylvania5 Marcel Duchamp (Blainville-Crevon, 28 de julio de 1887 - Neuilly-sur-Seine, 2 de octubre de 1968) fue un artista y ajedrecista francés.

(1919)

La cambia de sexo añadiéndole bigote y barba, y por tanto realiza una inversión en el

tradicional “voyeurismo” masculino: la excitación femenina, y por tanto, de las

espectadoras. Con ello consigue que la pintura pierda su carácter sublime y el

cuestionamiento de todos aquellos principios estéticos sobre los que está edificada la

tradición del pensamiento histórico occidental.

Otro artista significativo posterior es Braco Dimitrijevic6, quien desde 1974 trabaja en

una obra basada en la apropiación de obras originales llamada “Triptychos Post

Historicus”, la cual se basa en la realización de bodegones tridimensionales donde uno

de los objetos que lo componen son cuadros reales de grandes artistas prestados por

museos, rodeados de objetos cotidianos y elementos de la naturaleza. Con ello se

plantea la atemporalidad de la obra y la relación de dependencia entre ella y la

institución. Se cambia el status de tranquilidad, equilibrio y protección que goza

normalmente el espectador a causa del riesgo material que se realiza: se coloca algo que

normalmente se nos presenta como objeto muy importante de admiración, fríamente

salvaguardado y distante en un contexto que nos es cuotidiano y sin ningún tipo de

protección.

6 Slobodan Dimitrijević (18 June 1948 Bosnia y Yugoslavia), conocido como Braco Dimitrijević, artista residente en parís.

En los años 80, el apropiacionismo vive su momento culminante. Stephen Prina7 realiza

una obra llamada“A Structural analisis and Reconstruction of MS57098 As Determined

by the Difference Between the Measurements of Duration and Displacements”, que

consiste en la reconstrucción de la grabación original de Glen Gould8 de Arnold

Schönberg9 “The Complete Music for Solo Piano” añadiendo nuevas bandas de silencio

y borrando los últimos veinte minutos de la grabación. Lo realiza, sin embargo, a partir

del resultado de una ecuación algebraica que analiza la duración de la grabación con

relación al área atravesada por la aguja del tocadiscos. Esta obra hace referencia a las

posibilidades de aplicación de los sistemas lógicos de discurso analítico en la

transformación o revisión de las formas culturales heredadas y de las convenciones

7 Stephen Prina (1954, Galesburg, Illinois) artista Americano.

8 Glenn Herbert Gould (Toronto, Canadá, 25 de septiembre de 1932 – 4 de octubre de 1982), más conocido con el nombre de Glenn Gould, fue un pianista canadiense, especialmente reconocido como intérprete de las sonatas y de las Variaciones Goldberg de Bach, así como de las obras pianísticas de Arnold Schönberg.9 Arnold Schönberg (Viena, 13 de septiembre de 1874 – Los Ángeles, 13 de julio de 1951) fue un compositor, teórico musical y pintor austriaco de origen judío.

asociadas a ellos. Además, suscita a la reflexión sobre los umbrales de la autoría y de la

tolerancia de la obra mediante un análisis tanto estructural como interpretativo. Es, por

tanto, una crítica a la recepción estética tradicional refiriéndose a la posibilidad de su

permeabilidad y su nueva participación.

Siguiendo la línea de la reproducción de obras, a través de las nuevas técnicas

mecánicas, encontramos la relación reproducción-repetición. Un artista que lo refleja

claramente es Mike Baldo10, quien, a partir de la pintura, rehace doce cuadros de picasso

desde 1901-1971 representando a mujeres en el año 1986/1987, realizando copias

exactas.

Not Pollock, 1982

SHERRIE LEVINE

Una de las artistas más representativas que trabaja el mismo concepto, y donde más

visible se hacen estos hechos y esa apropiación, es Sherrie Levine11. Se trata de una

fotógrafa y artista apropiacionista Americana cuyos trabajos se basan principalmente en

su propia versión de la re-fotografía, creando sus propias obras a partir de otros trabajos

y su significado. Su información biográfica es limitada debido a la negativa a participar

en la "creación de mitos" relacionados con la producción de arte. Se sabe que estudió en

la Universidad de Wisconsin, Madison (BA 1969, MAE, 1973). Primero ganó la

atención crítica en la década de 1980, cuando se asocia con Cindy Sherman, Robert

Longo, David Salle y otros apropiacionistas conocidos para dibujar en las imágenes

existentes de "alta" y "baja" cultura. Sus obras se han interpretado como un comentario

sobre la muerte de la modernidad y sus ideales, las nociones de originalidad artística, la

autenticidad y la autonomía del objeto artístico y su estatus como una mercancía.10 Michael "Mike" Bidlo (20 Octubre 1953, Chicago) Pintor, escultor y artista de performance Americano.11 Sherrie Levine (17 Abril, 1947 - Hazleton, Pennsylvania) : fotógrafa y artista apropiacionista americana.

No sólo eso, el acto apropiativo de Levine se extiende sólo a creadores masculinos,

considerados “artistas héroes de la modernidad del siglo xx”. Este hecho puede

interpretarse en un contexto feminista que, desde la perspectiva posestructuralista,

plantea los distintos roles feminidad-masculinidad, así como una reflexión crítica sobre

la cuestión del género, más allá de la diferencia sexual.

Ya en sus obras de principios de los años ochenta, sus re-fotografías, a parte de

desmitificar el concepto de originalidad (el mito de la modernidad por excelencia),

cuestiona la noción de ‹‹paternidad» de la obra:” Es cierto —afirma Levine— que la

paternidad artística y la propiedad intelectual existen. Pero pienso que, según las

épocas, interpretamos esas palabras de manera diferente. Lo que me interesa realmente

es el carácter dialéctico de estos términos-. Y en relación a la pregunta ¿dónde radica

la diferencia entre una fotografía y su reproducción?, Levine apostilla: - “La

reproducción implica en cierto modo dos fotografías — una foto por debajo de otra

foto. Para mí, es un medio de crear una metáfora superponiendo dos imágenes. En

lugar de yuxtaponerlas. Esto permite una lectura alegórica de mi obra”

Su trabajo más importante es el llamado “After Walker Evans”, donde la artista

fotografió las fotografías de Walker Evans12 del catálogo de la exposición “"First and

Last." y las exhibió sin ninguna manipulación en 1980 en la galería de arte de Nueva

York “Metro Pictures”. Con ello y bajo la idea de “A picture is no substitute for

anything” (Una imagen no es sustituta de nada), critica la relación arte-representación,

y se cuestiona la originalidad, la intención y la expresividad modernas, afirmando que

se podía volver a fotografiar una imagen y crear algo nuevo en el proceso (aunque se

crea una originalidad postmoderna alterna.).Como decía el teórico Walter Benjamin, la

reproducción se convierte en la auténtica experiencia y se destruye la sacralizad del

objeto, haciéndolo útil para aquellos que no pueden poseer esos mismos objetos.

“En el siglo XVII, Miguel de Cervantes publicó El Quijote. En 1962, Jorge Luis Borges

publicó "Peirre Menard, autor del Quijote", la historia de un hombre que vuelve a

escribir los capítulos noveno y trigésimo octavo de Don Quijote. Su objetivo no era

producir una transcripción mecánica del original, no quería copiarla. Su ambición era

proponer páginas que coincidieran con las de Cervantes, para seguir siendo Peirre

Menard y llegar al Quijote a través de la experiencia de Peirre Menard. Al igual que

12 Walker Evans (3 de noviembre de 1903 en San Luis Misuri -10 de abril de 1975 en New Haven Connecticut) fotógrafo estadounidense.)

Menard, me permitió variantes de tipo formal y psicológica.” (“Sherrie Levine's

statement” 1981,1985)13

Por otro lado, Levine ha acabado haciendo de sus objetos algo incluso más sagrado, de

manera que sus trabajos son incluso más difíciles de encontrar que los originales de

Evans, pues nunca han sido reproducidos y sólo existen en los museos y en las

colecciones privadas. Ella evitó toda publicidad y reproducción de sus imágenes

conscientemente para evitar el mito del genio creador, pero la falta de este tipo de

información crea exactamente lo que ella intenta evitar: el anonimato crea atención y un

tipo de ego artístico. Por ello, en 2001, Michael Mandiberg14 escaneó esas mismas

fotografías del mismo libro y creó las páginas web AfterWalkerEvans.com y

AfterSherrieLevine.com para facilitar su difusión y como crítica y colaboración. Así,

unas imágenes hechas para estar en un libro pueden verse en una pantalla de ordenador,

de manera similar a como los instrumentos de producción de imágenes se han

trasladado a los medios digitales.

Distribuyendo las imágenes de manera gratuita, incluyendo la alta resolución y calidad

para descargar e imprimir, con el certificado de autenticidad en cada imagen, se crea,

además, un objeto de arte con alto valor cultural y con muy poco o ningún valor

económico.

13 http://www.afterwalkerevans.com/statement1.html 14 Michael Mandiberg (nacido en 1977, Detroit, Michigan) es un artista, programador, diseñador y educador americano.

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Su obra causó mucha polémica: primero, porque al fotografiar fotografías, homologaba

la obra de arte al resto de objetos del mundo, y en segundo lugar, por los problemas

legales que le comportaron, pues suponía una violación de la defensa de la originalidad,

contra los derechos de autor (problema con el que muchos otros artistas apropiacionistas

han tenido que lidiar en algún momento).

Y finalmente, algunos de sus otros trabajos, que fueron expuestos recientemente en

“Sherrie Levine: Mayhem”, en el “Whitney Museum of Art” (des de noviembre de 2011

hasta enero de 2012), instalación donde se han ordenado meticulosamente sus re-

fotografías más famosas, incluida su serie más reciente “Crystal Skull” (2010) (Calavera

de cristal). Encontramos re-fotografías de pinturas famosas, sus piezas de madera

contrachapada y, finalmente su “Fountain” (1991), un orinal de bronce que modeló

después de la “Fountain” (1917) de Marcel Duchamp, que podemos encontrar

actualmente en la web de la misma exposición:

http://whitney.org/Exhibitions/SherrieLevine/Images

Bibliografia:

http://fotolamm.blogspot.com.es/2012/02/sherrie-levine-y-el-discurso.html

http://www.aftersherrielevine.com/

http://www.afterwalkerevans.com/

http://whitney.org/Exhibitions/SherrieLevine

MARTÍN PRADA J.. “La apropiación Posmoderna. Arte, práctica apropiacionista y

teoría de la posmodernidad” Ed. Fundamentos.(2001) Madrid.

YOLDI LÓPEZ, M. directora de tesis: Pilar Palomer Mateos. “Apropiacionismo y

citación en el arte de los años ochenta [Microforma] : Mike Bidlo, Louise Lawler,

Sherrie Levine, Sigmar Polke, Richard Prince, David Salle, y Cindy Sherman”.

Barcelona : Publicacions Universitat de Barcelona, 2000.