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Index

Letter from the editor! ! ! ! ! ! ! Philip Horan! ! ! 3

Letter from the chairperson! ! ! ! ! ! Kiku Day! ! ! ! 4

A summer of shakuhachi music: London and Prague 2011! ! ! ! ! 5 ! ! ! ! ! ! ! ! ! ! ! Joe Browning

L’atelier de fabrication de shakuhachis au stage d’été 2011 de l’Association Européenne de Shakuhachi " " " " " " " " Annelies Nederbragt" 10

Der Shakuhachibauworkshop bei der European Shakuhachi Summer School 2011

! ! ! ! ! ! ! ! ! ! ! Anneleis Nederbragt ! 12

Rapport sur le Festival de Shakuhachi de Prague 2011! ! ! ! ! ! ! ! ! ! ! Annelies Nederbragt ! 14

My summer with bamboo flutes! ! ! ! ! Hyelim Kim! ! ! 15

The ESS Shakuhachi Summer School ! ! ! ! Hazuki Demachi! ! 16

Prague Review " " " " " " " " Hélène Codjo" " " 17

Regard rétrospectif sur les cinq ans du Festival de shakuhachi de Prague" " 19! ! ! ! ! ! ! ! ! ! ! Marek Matvija

Rückblick auf fünf Jahre Shakuhachifestival Prag" Marek Matvija" 22

A small report from the workshop led by Justin Senryu Williams ! ! ! 25" " " " " " " " " " " Vít Rozkovec

CD release: Listening Station! ! ! ! ! ! Torsten Knaub! ! 26!

Cardboard Zen! ! ! ! ! ! ! ! Ian Skyes!! ! ! 27

Membership page! ! ! ! ! ! ! ! ! ! ! ! ! 28

Cover design by Adrian BainMost of the photos from London are from Kiku and one from Flavien.

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Letter from the editor,

Welcome back to another year of the ESS newsletter. We had two very successful events in Europe this summer, the ESS Shakuhachi Summer School and the Prague Shakuhachi Festival. There are many reviews of both events in this issue from members who enjoyed and learned from their experiences.

We launched the first ESS Journal at the summer school in London. Edited by Michael Soumei Coxall and Philip Horan, it includes articles by various ESS members. It has been a huge success and almost half the printed copies are sold. Unfortunately, we are unable to respond to individual requests to buy the Journal due to the high cost of posting single items. However, the Journal will be availabe at future ESS events. We are also able to bulk post copies (between 6 and 14 copies) to shakuhachi teachers and other organisations who feel they can sell the Journal. When they have sold the copies, they can reinbourse the ESS at events or through Paypal. The Journal sells for 20 euros for ESS members and 23 euros for non-members. We hope to have the Journal available to buy online at a later date.

Many thanks to the contributors of this edition, may of whom are first-time writers for the newsletter. We also appreciate the work of the translators.

Philip Horan.

Recital of Traditional and Modern Japanese Music

Koto: Kameyama KonoShamisen: Naka Kaori

Shakuhachi: Michel Soumei Coxall

Sunday 11th December 2.30pm Pitt Rivers Museum, University of OxfordMonday 5th December 7.00pm Brunei Gallery, SOAS, University of London

Both concerts are Free

To all the readers of the ESS Newsletter,

The summer is over and the cooler nights and colourful leaves show that autumn is here – at least in northern Europe. After yet another fine shakuhachi summer, it is a joy to see the different groups consistently organise events in Europe every year. This continent is thus not too bad a place for shakuhachi players today.

The ESS Shakuhachi Summer School began in London five years ago and this year it was hosted in London again – celebrating our first summer school back where it originated. This was celebrated with a very varied programme including shakuhachi making with Chiku Za, min’y! shakuhachi taught by Endo Yoshihiro and shakuhachi in enka music taught by Hazuki Demachi. At the Prague festival, Sakai Sh!d! was one of the main teachers representing Chikuh!-ry", together with genres such as improvisation and electronic music. In Switzerland, the Chikuyusha group presented workshops and concerts with Tadashi Tajima and an annual summer workshop among their other activities.

I sincerely hope the shakuhachi activities will continue and the ESS can help getting the information about the events out so as many people as possible can make use of the events and meet other like-minded shakuhachi aficionados.

In 2012, the World Shakuhachi Festival will be held in Kyoto from May 31 to June 4. Hopefully many European players can go and participate despite the dates of the festival being earlier than our traditional summer vacation season. The events in Europe will be announced soon.

I wish you a great entry into the winter season with the possibility of many hours of cosy shakuhachi practice!

Kiku DayESS chairperson#

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A summer of shakuhachi music: London and Prague 2011by Joe Browning

Anyone who has attended a shakuhachi summer event in Europe will know that such events can feel like an unexpected and intense exposure to the instrument and its music. Of course today it’s possible to immerse yourself in shakuhachi recordings, but these summer events are a feast of live music, learning and interaction with other players. For some of us this is in stark contrast to the more limited diet of individual practice, enlivened by occasional lessons with a teacher, which make up the majority of our time with the instrument.

This article presents a personal account of two events from the past summer – the ESS summer school in London and the Prague Shakuhachi Festival. By the end of both events this immersion, even overload, could be read on participants’ faces – sleep-deprived, dizzy with the constant sound of shakuhachi, but somehow glad to be doing this all the same.

Both events drew shakuhachi players from different schools across Europe and beyond. They featured classes on music in an incredible range of styles and genres, some of which are described below. Both summer events had a more cerebral side, with stimulating lectures re-examining aspects of shakuhachi tradition and history (Gunnar Linder and Justin Williams), on reading notation (Sakai Sh!d!), playing North Indian classical music on shakuhachi (Philip Horan), and the shakuhachi in electroacoustic composition (Mike McInerney). And both included valuable classes on awareness and relaxation (Christopher Blasdel in Prague and Daniel Liferman in London). The London summer school also had a practical side in the form of two shakuhachi making workshops taught by Chiku Za, with expert assistance from European makers José Vargas and Philip Horan. I could write a separate article on all that was enjoyable and informative in these workshops – an extremely rare opportunity in Europe.

All this was made possible by the high quality, energy and commitment of teachers and event organisers. Kiku Day and Michael Coxall lead the way in London; Marek Matvija, Vlastislav Matou$ek and Christopher Blasdel were crucial in Prague; but of course large teams of people were essential in making both events a success. It would be impossible to describe all that went on in these summer events, so here I've focused on the many concerts. Rather than treating the concerts in Prague and London separately, I've tried to weave them together. What follows is a series of brief interlinked sketches, grouped around particular pieces or themes, which hopefully will convey at least a fraction of the diversity and richness that characterised both meetings.

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S!kyoku-jiuta

Both the London and Prague events included several pieces from the repertoire for koto, shamisen and shakuhachi. Shin Musume Dojoji, Aki no Kyoku and Chidori no Kyoku featured Michael Coxall, Christopher Blasdel and Gunnar Linder on shakuhachi respectively. While much could be said about the different performances, I was struck by the audible fact that these three players shared a teacher in the late Living National Treasure, Yamaguchi Gor!. While each had their own distinct character, this brought a remarkable connectedness to the various performances. Perhaps it is my imagination but these three players seem to share much, even in their embouchure and way of holding the flute; certainly they share a refinement and purity of sound. This gracefulness belies the considerable powers of endurance and musicality needed for playing sankyoku. And of course in all this the shakuhachi plays only a supporting role - the koto, shamisen and voice are key. Kitamura Keiko and Onishi Masako in London and Kuroyanagi Minako in Prague brought an important dimension to these events, both through their teaching and many impressive performances in a variety of genres.

Tsuru no Sugomori

Prague

Gunnar Jinmei Linder's performance of S!kaku Reibo was a masterful rendition of the ‘crane piece’ of the Kinko repertoire. Perhaps more so than in other versions of Tsuru no Sugomori, the tension in this piece is between formal design and the liveliness that any ‘crane piece’ demands. The refinement of Gunnar's playing provided both structural clarity and crystal-clear execution of the many dancing, bubbling ornaments.

London

For the second London concert, Véronique Piron and Horacio Curti devised an unusual two-part version of Tsuru no Sugomori. Horacio’s powerful, metallic sound opened the performance with repetitions of otsu no ro; Véronique's intensely musical playing brought the piece to a close; and both dealt expertly with the piece's mix of melodic passages and unusual effects. In between, what made this performance particularly special was the moment when Véronique joined Horacio centre stage to play the freer middle-section of the piece. One performance would have been complex enough, what with the trills, glissandi, flutter-tonguing and various other extended techniques, but two simultaneous renditions made for an extremely exciting performance, full of very mobile sounds overlapping, diverging and re-connecting.

Prague

Given that Sakai Sh!d! has released a CD titled “Five Metamorphoses of Nesting Cranes,” his Prague performance of Tsuru no Sugomori was clearly not to be missed. His extremely dynamic playing style was well suited to this unusually extended version which seems to spend longer investigating each section of the piece. With wild shifts in volume, fluid pitch bends, extremely long passages of flutter-tonguing – not to mention a performance style which engages the whole body – Sakai Sh!d! explored the huge range of possibilities that this piece allows. His performance reminds us how much this piece shares with and has influenced contemporary repertoire for the shakuhachi. Indeed, the dynamism of Sakai Sh!d!’s playing, and that of his assistants Nakamatsu Kaiho and Sano Yachiho, meant that all their performances, even of honkyoku, fitted well with the Prague festival’s emphasis on new music.

New MusicPrague

The Prague Shakuhachi Festival showcased a variety of contemporary music by composers inside and 6

outside Japan, from live electronics to audiovisual projects and avant-garde chamber works, as well as an unusual amount of improvised music. Such an abundance of new compositions and genres is marking this festival as a major gathering-point for composers, performers and students of contemporary shakuhachi music. Two concerts devoted almost entirely to contemporary music saw the shakuhachi in a range of contexts and joined by many different instruments. Steve Cohn's inventive improvisations on shakuhachi, piano, mouth organ and other instruments were matched with spontaneity and flair by George Cremaschi on bass and Liz Albee on trumpet. Vlastislav Matou$ek’s piece for shakuhachi and string quartet blended bowed string and woodwind sounds to luminous effect, and this ensemble was augmented by two female voices, bass, trumpet, piano and other instruments to give compellingly odd instrumental textures in John Cage's Variations No. 1. Among the more remarkable instruments to join the shakuhachi on-stage was the theremin, an early electronic instrument played by moving the hands in relation to – but without touching – two metal antennas. Jim Franklin's Songs from the Lake #2, for shakuhachi, theremin and live electronics is remarkable as a feat of performance because both shakuhachi and theremin are played simultaneously by a solo performer. The piece also proved deeply melodic and finely textured, with something of the musical flow that Jim Franklin also brought to his performance of the honkyoku Takiochi (“Waterfall falling”) in a later concert. Another outstanding example of a piece which bridged the divide between contemporary compositions and more traditional shakuhachi genres was Christopher Blasdel's performance of Byoh. Occupying a thoroughly modern sound-world, this shakuhachi solo, composed by Hirose Ry!hei in 1972, nonetheless shares something of the spirit of honkyoku. Moving to a different area of the stage for each section of the piece, Christopher Yohmei Blasdel combined extreme sensitivity with dramatic flourishes, integrating the piece's contrasting moods with a refined sense of timing and tone. Finally, it would be impossible not to mention Attracted by Light, a collaboration between Slavek Kwi and Vlastislav Matou$ek, which brought improvisatory shakuhachi alongside a dizzying array of sound sources, from pre-recorded sounds of fish, bees, trains and termites, to live-processed underwater noises and the rushing sound of enormous sound-flags waved over the audience amid strobing lights. This last piece had to be heard to be believed.

London

Demachi Hazuki brought a very different kind of new music to the London summer school with classes and performances of enka, a genre of Japanese popular music which shares some characteristics and themes with traditional genres. The sweet tone and understated, highly musical style of her shakuhachi playing – often with pre-recorded accompaniments on strings and synthesizer – brought much valued lightness and emotion in what was the first, but hopefully not the last, appearance of enka in an ESS event.

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New (Old) Music

London

A highlight of this summer school was the focus on min'y!, Japanese folk song. Like enka, min'y! shakuhachi has very rarely been taught or performed in Europe, despite the fact that in Japan, min'y! is the most popular genre of shakuhachi playing. So this music was new in that it had never before been represented at an ESS summer school. European players were introduced to this genre by a team including professional shakuhachi player End! Yoshihiro, former professional min’y! singer Yoshie Asano-Campbell, scholar and performer Dr David Hughes, singer Sylvia Woolridge and

shakuhachi player Chris Mau. Expert and enthusiastic ambassadors for this music, they brought the first London concert to a wonderful close with a min'y! medley. The performances were a pleasure to see and hear: Yoshie Asano-Campbell's powerful and captivating voice filled the room, the ornamented lines of End! Yoshihiro's shakuhachi curling around the sung melody, all with lively accompaniments and interjections on drum, shamisen and voice. David Hughes' explanations and translations gave further life to these sometimes nostalgic, sometimes erotic songs. What better contrast and compliment to the often formal and austere sounds and styles of other genres.

Prague

The Prague meeting also brought music to Europe for the first time when Justin Senryu Williams played Myoan Shimpo-ry" Sou Mukaiji, a piece which he explained had probably never been performed in Europe before. Sou Mukaiji is a fascinating and subtle piece, strange to some listeners because of the unusually high pitch of certain meri notes. This was an exquisite performance, largely delicate but with a strength of tone emerging where necessary. The word ‘peaceful’ is possibly overused in describing shakuhachi music, but deserved in this case.

Koku

Prague

The performance of Koku by Vlastislav Matou$ek, director of the Prague Shakuhachi Festival, could have turned out quite differently. Before playing, he explained that he had chosen to use a particularly old flute (I forget precisely how old, but an Edo-period shakuhachi), one which he greatly valued for its character and history, but which was challenging and unstable when played. In different hands, a performance on this flute might have sounded like a struggle, but instead this was a distinctive interpretation, full of rough, wind-like sounds and long tones rich with harmonics. As the piece progressed, Vlastislav Matou$ek shaped a concentrated performance from these unpredictable sounds, bringing it to a close with

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a few strikes to a hand-bell which hung from his wrist throughout the performance.London

The performance of Koku by Chiku Za (aka Kodama Hiroyuki) counts among the highlights of my year in terms of listening to shakuhachi music. Although teaching shakuhachi making, not performance, at the London summer school, Chiku Za did play two honkyoku – Shingetsu and Koku – in the evening concerts, using an extremely long flute on both occasions. While clearly indebted to his teacher, Okuda Atsuya, Chiku Za has developed a very personal way of interpreting honkyoku. One compelling aspect was the physicality and intense concentration needed to uncover the potential of such a large instrument: this alone had me on the edge of my seat throughout the performance. But beyond this was the sound: an always purposeful tone at turns deep and ethereal; moments, perhaps in moving between the high and low registers, when it seemed a sound could be heard to physically travel along the body of the instrument; an extraordinary bell-like vibrato between the reiterations of the tsu-re figure which opens and reoccurs throughout the piece. But this hardly begins to describe what made this a most remarkable performance,

in a summer of remarkable shakuhachi-related events.

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L’atelier de fabrication de shakuhachis au stage d’été 2011 de l’Association Européenne de Shakuhachi

par Annelies NederbragtTraduction par Hélène Codjo

L’atelier était dirigé par Chiku Za. La signification de son nom est particulière. Chiku veut dire «#bambou#» (comme dans hocchiku) et za signifie «#être assis#» (ce qui correspond aussi à une partie du mot «#zazen#» ou «#méditation assise#»). Chiku Za est aussi connu sous le nom de Kodama Hiroyuki. L’atlier a remporté un grand succès avec l’aide de José Vargas (Espagne) et de Philip Horan (Irlande).

Je suis sûre que les autres étudiants ont aussi apprécié cet atelier car j’ai pu ressentir de la solidarité pendant ces deux jours et tout le monde en oubliait même sa pause-café. Je n’avais rien fait de tel auparavant, excepté il y a très longtemps, quand j’étudiais l’ergothérapie. A cette époque, j’avais acquis une grande expérience du travail du bois et je me suis rendu compte cette année que je n’avais pas perdu la main. Travailler au sol sur un banc était nouveau, mais ça ne m’a pas posé de problèmes grâce à mes exercices de yoga.

Ce qui m’amène à la raison de fabriquer un shakuhachi. Je voulais en faire un long, un 3.0, pour la méditation. Je ne réalisais pas que la largeur de mes doigts pouvait être une restriction. Donc j’ai envoyé à José les mesures de l’envergure de ma main ouverte, du pouce au petit doigt. Et il m’a répondu que je pouvais jouer un 3.0 ou 3.1. Même les étudiants qui ne peuvent pas étirer leur main autant ont la possibilité de jouer des shakuhachis plus longs. Les mains de José sont plus petites que les miennes et maintenant il peut jouer un 3.3 ou 3.4. Donc j’ai fabriqué un 3.0 avec un joli son grave et je ne me soucie pas trop de la justesse. Avec un shakuhachi de cette longueur, je ne vais pas jouer avec quelqu’un d’autre. Je joue seulement des honkyoku et je l’utilise pour la méditation et – surprise – je peux jouer toute la musique de style Myoan que j’ai apprise sur le kyotaku.

C’était stupéfiant d’entrer dans l’atelier, dont le sol était complètement couvert de carton, tous les outils prêts à être utilisés, et le plus impressionnant de tout, le bambou sur le sol, divisé en bambou madake chinois et japonais suivant la taille. Nous avons tous fait une flûte en bambou japonais qui s’appelle hocchiku. La flûte est en une seule partie, sans ji (jinashi)#; la membrane du nœud#toujours visible, juste coupée, sans incrustation dans l’utaguchi.

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Chiku Za nous a montré en premier toutes les techniques que nous allions utiliser, excepté la courbure du bambou à la flamme. Il nous en a fait la démonstration lui-même tout en nous mettant en garde de ne pas le faire par nous-même à cause du risque que le bambou fende. Et par sécurité, il a percé lui-même les deux premiers trous pour être sûr que nous ayons le point central à la bonne place. Et bien sûr, il a vérifié et ajusté chaque hocchiku lui-même à deux reprises pour être sûr que nous ayons une flûte bien juste. Dans mon cas, au bout de deux semaines de pratique, j’ai un joli son grave sur les deux octaves et je joue tous les soirs Yamato Choshi en style Myoan sur mon 3.0 avant d’aller me coucher. Chiku Za nous a même montré comment déplacer un trou en bouchant le trou avec de la sciure de bambou et de la super glue puis en perçant un nouveau trou. La démonstration était si simple que je peux le faire maintenant chez moi sans aucune difficulté.On a commencé par scier la flûte à la bonne longueur, puis l’utaguchi. Après avoir évidé le bambou à partir du bout puis ouvert les autres nœuds, nous avons tout de suite pu jouer un ro. Puis nous avons percé les autres trous, poncé, et appris à ligaturer une fente. Et à la fin, heureusement, personne n’a eu de fente dans son shakuhachi et chacun est parti avec un bambou bien accordé et prêt à être joué.

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Der Shakuhachibauworkshop bei der European Shakuhachi Summer School

2011

Von Anneleis Nederbragt

(Ins Deutsche übertragen von Nina Haarer)

Der Workshop wurde von Chiku Za geleitet. Der Name hat eine spezielle Bedeutung. Chiku bedeutet Bambus (wie in hocchiku) und za bedeutet sitzen (was auch einen Teil des Wortes zazen oder sitzende Meditation ausmacht). Chiku Za ist auch als Kodama Hiroyuki bekannt. Der Workshop war ein großer Erfolg, mit der Hilfe von José Vargas aus Spanien und Philip Horan aus Irland.

Ich bin sicher, dass die anderen Schüler Spaß beim Workshop hatten, weil ich die Solidarität die ganzen zwei Tage über spüren konnte und sogar alle die Kaffeepause vergaßen. Niemals zuvor tat ich so etwas wie dies, abgesehen von vor langer Zeit, als ich Beschäftigungstherapie studierte. Zu jener Zeit hatte ich viel Erfahrung in der Arbeit mit Holz und fand nun heraus, dass ich meine Fähigkeiten nicht verloren habe. Mit der Bank auf dem Fußboden zu arbeiten war mir neu, jedoch wegen meiner Yogaübungen kein Problem.

Dies bringt mich zu dem Grund, warum ich eine Shakuhachi bauen wollte. Ich wollte ein langes Instrument bauen – 3.0 – für den Gebrauch bei der Meditation. Mir war nicht klar, dass die Spanne der Finger eine Beschränkung darstellen könnten. Deswegen sandte ich José die Maße meiner Handspanne meiner ausgestreckten Hand von der Daumenspitze bis zum kleinen Finger. Und dann sagte er, ich könne eine 3.0 oder 3.1 spielen. Sogar Schüler, die ihre Finger nicht weit genug spreizen können, haben die Möglichkeit, längere Shakuhachi zu spielen. Die Hände von José sind kürzer als meine und jetzt kann er eine 3.3 oder sogar eine 3.4 spielen. Also baute ich eine 3.0- Shakuhachi mit einem angenehmen tiefen Klang und ich kümmere mich nicht so sehr um die Tonhöhe. Mit dieser Länge spiele mit keinem anderen zusammen. Ich spiele nur honkyoku und nutze sie zur Meditation und – überraschenderweise – kann ich all die Myoan-Musik spielen, die ich auf der kyotaku gelernt habe.

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Es war unglaublich, den Workshopraum zu betreten, der Boden komplett mit Karton ausgelegt, alle Werkzeuge für den Einsatz bereitgelegt und, am eindrucksvollsten von allem, der Bambus auf dem Boden, aufgeteilt in chinesischen und japanischen madake-Bambus, passend zur Größe. Jeder von uns baute eine japanische Bambusflöte, die hocchiku genannt wird. Die Flöte ist ein einem Stück, ohne ji (jinashi), das Membran des Nodiums noch sichtbar, nur durchstoßen, und ohne Einsatz im utaguchi.

Chicku Za zeigte zunächst alle Techniken, die wir anwenden sollten, außer das In-Form-Biegen des Bambus mit einer Gasflamme. Er zeigte es uns und warnte uns davor, es selbst zu tun wegen des Risikos, den Bambus zum Reißen zu bringen. Und zur Sicherheit bohrte er unser erstes und zweites Loch, um sicherzugehen, dass wir den Zentrumspunkt an der richtigen Stelle hatten. Und natürlich überprüfte und korrigierte jede hocchiku persönlich zweimal, so dass wir auf jeden Fall eine Flöte mit einer angenehmen Stimmung bekamen. In meinem Fall habe ich, nachdem ich zwei Wochen zu Hause gespielt habe, einen angenehmen tiefen Ton in beiden Oktaven und spiele immer Yamato Choshi im Myoan-Stil vor dem Zubettgehen. Chiku Za zeigte sogar, wie man ein Loch versetzen kann, indem man das Loch mit Bambussägemehl und Superkleber verschließt und dann ein neues Loch bohrt. Die Demonstration war so einfach, dass ich es jetzt zu Hause alleine ohne jede Schwierigkeit durchführen kann.

Wir begannen damit, die Flöte auf die richtige Länge zu sägen und sägten dann das utaguchi aus. Nachdem wir den Bambus an einem Ende mit der Hand geöffnet und die anderen Nodien geöffnet hatten, konnten wir sofort ro spielen. Dann bohrten wir die anderen Löcher, schmirgelten ein wenig und lernten, wie man einen Riss abbindet. And am Ende hatte, glücklicherweise, keiner einen Riss in seiner Shakuhachi und wir verließen dem Workshop mit einem gut gestimmten Bambusstück, um darauf zu spielen.

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Rapport sur le Festival de Shakuhachi de Prague 2011

par Annelies NederbragtTraduction par Hélène Codjo

A mon avis, le festival a été un grand succès. C’était unique de pouvoir suivre les cours de Sakai Shodô, maître de l’école Chikuhô au Japon. Sensei nous a appris quatre pièces du Shimpo-ryû, qui a une notation différente du style Kinko. La notation «#Fu-Ho-U-E-Ya-I#» du Shimpo-ryû a une prononciation douce qui permet de chanter plus facilement la mélodie que les sons plus durs du style «#Ro-Tsu-Re-Ri-Chi#». De plus, le nom de chaque note a une signification spéciale. Le Shimpo-ryû est complètement différent des autres styles, en particulier au niveau spirituel.( http://www.dejapansebamboefluit.nl/galerie/shinpo%20ryu.html)

Sensei avait amené deux disciples avec lui, Nakamatsu Kaiho et Sano Yachiho, qui ont beaucoup aidé pendant les leçons, pendant que Christopher Blasdel traduisait du japonais en anglais. Sensei nous a enseigné Hachi Gaeshi, Shimpo-ryû Choshi, Murasaki Reibo, et Shoko Mon. Ces pièces sont vraiment magnifiques et cela valait le coup de faire l’effort de suivre les cours et de s’habituer à la notation. Hachi Gaeshi est une pièce très courte et en fait une mélodie pour l’aumône. Les moines Komusô vous jouaient cette pièce après avoir reçu votre obole. Sans toucher l’argent, ils laissaient glisser les pièces dans leur sac ventral. Shoko Mon vous donne un sentiment de tristesse à cause des notes meri dans la première partie, tandis que le deuxième partie est plus énergique (presque en colère). Après avoir fini d’enseigner les pièces, Sensei nous a dit que nous pouvions maintenant les jouer comme des moines Komusô, marchant à travers les rues du Japon en demandant l’aumône. Avec la permission bien sûr du temple Myoan… qui n’est jamais donnée.

A côté des cours de Sakai Shodô, chacun avait la possibilité de suivre des cours de son niveau et style. Les cours pour débutants et un sankyoku (Shin Takasago) avec Gunnar Linder, un autre sankyoku (Aki no Kyoku), une étude détaillée de Byoh, une comparaison entre Chôshi (Nezasa-ha, Myôan et Kinko) par Christopher Blasdel, Dawn de Jim Franklin et Takiochi dans le style de l’école Chikuhai par Jim Franklin, les compositions de Vlastic Matousek et l’improvisation avec Steve Cohn. Et même des leçons de koto avec Minako Kuroyanagi.

Les concerts étaient impressionnants, bien que le concert d’ouverture avec shakuhachi et dispositifs électroniques n’ait pas été mon préféré. Les deux concerts des professeurs ont été merveilleux, les enseignants jouant les pièces étudiées en cours et Sakai Shodô ayant joué magnifiquement. Sans oublier à la fin le concert des stagiaires, auquel je n’ai pu assister à cause d’une bourde dans la réservation de mon voyage retour. Et bien sûr, j’ai fait beaucoup de photos, que vous pouvez voir sur mon site web#:http://www.dejapansebamboefluit.nl/galerie/galerie.html.

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My Summer with Bamboo Flutes

by Hyelim Kim: Taeg!m (Korean transverse flute) player

The ESS Summer School, held in London, was one of my best experiences encountering the ancient instrument from Japan. As a traditional Korean flute (taeg%m) player, I have always been attracted to its counterpart in Japan, due to the fact that these two flutes are made of the same material (bamboo) and are from East Asian countries neighbouring each other. Actually, my interest toward the connection was initiated since I attended the 2004 World Shakuhachi Festival in New York City as an observer. This first experience led into another involvement at the next 2008 World Shakuhachi Festival in Sydney. After that, I also attended the 2009 New York Omi Residency program in which I met various artists from all around the world, including a shakuhachi player. Through that experience, I discovered that this enchanting instrument had a lot of similarities with the taeg%m. The many sources of information in conjuction with the music helped expand my perception of the technical spectrum and cultural context of the Korean flute.

As for the ESS Summer School, I acted as a volunteer to give myself a wider perspectives of the event. This enabled me to have an objective intimacy towards many participants which allowed me to discern the importance of the spiritual part of the performance culture of the shakuhachi. Another perspective I gathered was as a learner grasping basic techniques and the preparation to become a physically and emotional shakuhachi player. I was so pleased to discover the unique parts of this culture; especially the meticulously prescribed techniques and the strict transmission of rules including reverence toward the sensei. In fact, in Korean folk culture, one of the main set-ups for taeg%m performance is the relatively flexible format, allowing some improvisatory elements. Finally, I was invited to introduce Korean culture by performing the taeg%m during the second night of the concert series. I assumed beforehand that the audience, who observed me playing the taeg%m on stage, were forced to compare the cultural context of performance of both instruments. In fact, I was astonished by the openness of the shakuhachi players who accepted Korean music as pure sound, not thinking much of cultural constraints. Maybe this openness of shakuhachi players allows the shakuhachi to be accepted in various settings, ranging from private meditation to festive public events. The level of precision and musical versatility must be a catalyst in making the shakuhachi beloved among non-Japanese people. In addition to the presentation, I also tried to create new pieces for two flutes by interacting with other shakuhachi musicians. This creative collaboration gave me a fresh and personalised understanding of the two instruments, in addition to the socially coded aspects I learnt throught the workshops.

How can the outcomes of a contemporary meeting between Korean and Japanese flutes be revitalised in line with the historical relationship? To find this out, I am still practicing the meri and kari techniques on my shakuhachi. I believe that the similarities and differences between both instruments will bring me to more certain conclusions in the near future. I would like to thank all the sensei and participants I met at the summer school for helping me to embark on a new voyage of discovery.

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The ESS Shakuhachi Summer School by Hazuki Demachi

I participated in the ESS Shakuhachi Summer School 2011 in London as a shakuhachi teacher. This summer school was a precious event providing us with a chance to meet so many shakuhachi players from all over Europe. I had a wonderful time there and was impressed by the following three points.

Firstly, I was amazed at the wide variety of classes. Students could learn three kinds of honkyoku as well as kokyoku, shinkyoku, min’y!, shakuhachi making, enka, koto, shamisen, meditation etc. In Japan, people can usually only learn the pieces of the school they belong to. Of course, there are also some one-shot lectures open to everyone in Japan, but it was the first time for me to see such a large collection of shakuhachi classes.

Secondly, I was deeply impressed by the highly motivated students. Due to the lack of shakuhachi teachers in Europe, many students seem to usually practice shakuhachi by themselves. Probably because of that, the students were very eager and sincere; many students asked questions in class and even after class some students continued to practice shakuhachi. The honkyoku textbooks recommended in class were sold out at the stall of the ESS, which I also had wanted to buy.

Thirdly, I was surprised at the difference in the way of teaching between Europe and Japan. In the Japanese tradition, teachers tend not to give every possible help but recommend students to learn by just watching and listening to their teachers' performance. But at the ESS Shakuhachi Summer School, teachers seemed to teach shakuhachi step by step explaining each technique in detail. Although the former method has many merits, I think the latter method is suitable for European students, especially when they are beginners.

I really enjoyed the ESS Shakuhachi Summer School as a teacher and as a student surrounded by those who love Japanese culture – not only shakuhachi but also Japanese language, karate, animations, TV shows, Zen etc. I appreciate all the participants and would very much like to join again next year.

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Prague 2011 par Hélène Codjo

Pour la deuxième année consécutive, j’ai participé au Festival de shakuhachi de Prague du 25 au 30 août 2011 et cette année à nouveau, c’était extraordinaire. J’aime particulièrement l’ouverture sur la musique contemporaine et les différentes expérimentations avec d’autres instruments, improvisations, dispositifs électroniques, même si je ne suis pas toujours convaincue du résultat#! La présence régulière de Christopher Yohmei Blasdel, Jim Franklin et Gunnar Jinmei Linder, permet de continuer un travail de fond d’une année sur l’autre. Et la venue chaque année d’un maître japonais diffé-rent permet de découvrir de nouveaux styles et de nouvelles écoles.

Cette année nous étions particulièrement gâtés par la venue de Sakai Shodô. Son style Shimpo-ryû, peu diffusé à l’extérieur, est si étonnant et différent de tout ce que je connaissais jusqu’à présent, jusque dans la notation et le nom des notes#! J’ai particulièrement apprécié de pouvoir l’entendre en concert, en solo, duo, trio avec ses disciples et/ou koto, et de pouvoir ainsi découvrir la variété et la profondeur de son jeu.

J’ai été également impressionnée par le dispositif utilisé par Jim Franklin avec le Theremin ainsi que par la maîtrise qu’il en a. Grâce à un dispositif spécialement conçu pour lui, le moindre mouvement de son corps influe sur la hauteur et la durée de l’onde émise par le Theremin, lui permettant de jouer de l’in-strument (qui se pilote normalement avec les mains) tout en ayant les mains prises par le shakuhachi. L’implication visuelle du corps est donc totalement différente d’un concert habituel et m’évoque la pra-tique des arts martiaux. A l’onde du Theremin s’ajoute les effets produits par le dispositif électronique de Jim, plus le son du shakuhachi. C’est donc une véritable composition simultanée pour 3 instruments dont joue Jim avec brio et qu’il nous a présentée lors du concert d’ouverture avec la première de sa pièce «#Lake #2#». Néanmoins, il est difficile de suivre ses traces…

Une autre découverte a été les cours d’improvisation avec Steve Cohn, pianiste de jazz et joueur de shaku-hachi. Ayant lui-même créé des passerelles entre le jazz et le shakuhachi, il nous a guidé sur des chemins étonnants, qui m’ouvrent bien des perspectives dans ma pratique personnelle. Les improvisations jouées lors du concert des stagiaires avec Jean-François Lagrost, Justin Senryu Williams et Marek Matvija ont eu beaucoup de succès. Mais j’ai également trouvé très intéressant de le voir faire travailler des étudiants de tous niveaux et d’entendre les résultats obtenus.

Un autre point fort pour moi a été les cours de sankyoku sur Shin Takasago avec Gunnar Jinmei Lin-

der. Ce n’était que ma deuxième expérience en la ma-tière, mais grâce au travail effectué l’année précédente sur Yûgao, je me suis sentie bien plus à l’aise. Et un grand merci à Kuroyanagi Minako pour avoir joué avec nous lors du concert des stagiaires.

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Le concert des stagiaires a été inventif et d’un bon niveau. Du «#shakublues#» au duo avec sitar, les pièces travaillées en cours en si peu de temps par les stagi-aires avaient une bonne tenue au concert et ont bien reflété la qualité de l’enseig-nement reçu, sans oublier une version décoiffante de Sakura sakura au koto.

Quant aux concerts des professeurs, ils étaient comme toujours excellents#!

Et Prague ne serait pas Prague sans l’in-ventivité des compositions de Vlatislav Matousek, notamment son éblouissant et stromboscopique Attracted by light…

Le concert en matinée du dimanche (au-quel j’ai eu l’honneur et le plaisir de participer) qui s’est déroulé dans un lieu différent (la «#tour#» du conservatoire) a été un très bon moment de découverte et d’écoute partagée dans une acoustique très agréable.

Le ro-buki du matin dans la cour me manque, c’est une manière tellement belle de commencer une journ-ée#! Mais je sais que tous ces moments concentrés en quelques jours vont nourrir le reste de mon année, jusqu’à la prochaine rencontre avec vous tous#!

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Regard rétrospectif sur les cinq ans du Festival de shakuhachi de Prague

par Marek(traduction par Jean-François Lagrost)

Le Festival de shakuhachi de Prague est un événement qui accueille concerts, ateliers sur les instruments de musique japonais, conférences et, ces deux dernières années, des projections de films et des installations audiovisuelles. En 2011, la Faculté de Musique et de Danse de l'Académie des Arts du spectacle a mis à disposition ses locaux pour la deuxième fois. J'aimerais, dans cet article, parler de l'historique du Festival et de quelques idées qui le sous-tendent.

En 2007, de conserve avec Vlastislav Matou$ek, un compositeur et ethnomusicologue tchèque reconnu, et Christopher Yohmei Blasdel, un joueur de shakuhachi habitant Tokyo, nous avons décidé de créer un festival qui attirerait à Prague d'excellents interprètes de la musique japonaise et, également, permettrait à des artistes locaux de collaborer avec eux dans des projets transversaux. Le but du Festival est de présenter la musique japonaise et la musique

expérimentale au public tchèque et d'intégrer le shakuhachi dans le contexte de la scène tchèque. Nous comprenons l'élargissement et le changement de discours musical comme une opportunité d'offrir au public de nouvelles perspectives et de nouveaux horizons, non seulement sur la musique, mais aussi sur d'autres aspects de la vie sociale. Pour nous, la musique est une manière de penser le monde. On prétend parfois que la musique se caractérise par un rythme et une mélodie. Ce n'est pas le cas. La musique japonaise en est un bel exemple et quand elle est jouée par de bons musiciens, c'est à couper le souffle. Elle fonctionne avec différentes notations et esthétiques, mais elle parle au cœur. J'estime que notre société, dans son état actuel, peut tirer profit de ces nouvelles perspectives.

Les cinq soirées du Festival sont réparties selon différents genres : musique électroacoustique, musique contemporaine, musique du répertoire bouddhiste et un concert principal. Chaque année le Festival se

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termine sur un concert des étudiants présentant le travail effectué durant les cours et se focalisant sur les musiques contemporaine et traditionnelle.

Indépendamment des extraordinaires interprètes d'instruments japonais, le Festival a mis en vedette des personnes comme le vainqueur du Prix Emmerson James Ragan, l'artiste sonore Slavek Kwi, Radim Labuda, lauréat 2008 du Prix Jind&ich Chalupeck', ainsi que plusieurs autres artistes de différents horizons. Stanislav Abrahám travaille sur un projet de musique électroacoustique avec Christopher Yohmei Blasdel depuis maintenant plusieurs années. Anna Fliegerová, qui a participé plusieurs fois aux cours de koto du Festival, se spécialise maintenant dans la musique contemporaine au sein de l'orchestre Berg.

Le shakuhachi a été un des premiers instruments à s'étendre en dehors du Japon. À la fin des années soixante, l'intérêt pour cet instrument s'est accru grâce aux compositeurs Toru Takemitsu, John Cage et Henry Cowell. Les intellectuels occidentaux intrigués par le zen se sont également intéressés à la musique spirituelle du shakuhachi. Certains d'entre eux sont même partis au Japon et sont devenus des maîtres de cet instrument. Nous trouvons actuellement d'excellents interprètes en Europe, en Amérique du Nord et en Australie. Le shakuhachi est sur le point d'être un instrument répandu dans le monde entier.

En dépit de cela, le shakuhachi et la musique japonaise en général restent mal connus en République tchèque. Durant les premières années du Festival, le public était peu nombreux aux concerts. Nous ne voulions pas d'un événement familial, où le public a seulement un aperçu de différents aspects du Japon comme les samouraïs, la calligraphie et peut-être une joueuse de koto, puis vont voir un autre objet du cabinet des curiosités. Depuis le tout début, nous avons préparé un événement susceptible d'attirer les intellectuels et la communauté artistique, un événement qui ne ferait pas de compromis entre qualité et simples attractions. Cette situation m'a poussé à repenser le sens du genre lui-même.

Ma conclusion a été que, du point de vue du producteur d'événement, le sens d'un genre n'est signifiant que quand le public est familier avec la musique qu'il représente. S'il n'est pas familier avec elle, le public n'est pas incité à venir. Telle est la situation avec les musiques japonaise et contemporaine. Après quelques années de lutte pour attirer une audience plus large, nous avons décidé une apporche différente du problème. Par exemple, nous avons renoncé à expliquer ce que le visiteur potentiel allait entendre pour plutôt mettre en valeur le fait qu'il ne connaît pas cette musique. Ces deux dernières années, cette stratégie a été illustrée dans les titres d'accroche du Festival : "Musique que vous n'avez jamais entendue" (2010) et "Au-delà du silence" (2011). Par conséquent, notre audience est constituée de personnes ouvertes à des choses nouvelles. L'année dernière, le Festival a accueilli environ six cents visiteurs.

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L'année 2010 a été une percée. Cette année-là, grâce à la coopération de la Fédération européenne de shakuhachi (ESS), Prague était le principal événement européen. Les ateliers, conduits par des maîtres du Japon, d'Europe, d'Australie et des États-Unis, ont été suivis par des participants venant de seize pays incluant le Japon. Les conférences ont accueilli un des plus grands spécialistes de la musique japonaise, Shimura Satoshi, professeur associé à l'université d'Osaka. Les projections du Festival ont permis de voir deux longs-métrages et une sélection de courts-métrages du Kunitachi College (Tokyo). Par-dessus tout, le Festival a reçu un écho positif de la part de la communauté musicale japonaise. Grâce à cela, cette année, nous avons pu inviter le principal interprète d'une des plus importantes écoles de musique traditionnelle, l'école Chikuho, en la personne de Sakai Sh!d!, qui est venu accompagné de deux autres joueurs de l'école Chikuho et d'une extraordinaire joueuse de koto, Kuroyanagi Minako. Pour la toute première fois, le Festival a présenté deux créations mondiales. Pour la première fois également, nous avons pu écouter de la musique totalement improvisée jouée par les Américains Steve Cohn, George Cremaschi et Liz Allbee, et une démonstration d'art sonore par Slavek Kwi. Cette année, les cours ont été suivis par des étudiants venant de douze pays et conduits par des musiciens exceptionnels du monde entier. Le programme du Festival a été complété par les installations audiovisuelles de jeunes artistes tchèques. Par conséquent, j'espère qu'il est juste de dire que nous avons réussi à maintenir l'élan acquis en 2010.

Dans le futur, nous aimerions accueillir davantage de musiciens tchèques dans les ateliers du Festival, obtenir un soutien plus large du secteur privé et continuer encore à profiler le Festival comme un événement prestigieux qui recevra une attention plus ample dans et hors de la République tchèque.

J'espère qu'entre le 24 et le 28 août 2012, Prague continuera à dégager les horizons musicaux.

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Rückblick auf fünf Jahre Shakuhachifesti-val Prag

Von Marek(Ins Deutsche übertragen von Nina Haarer)

Das Prager Shakuhachifestival ist eine Veranstaltung, die Konzerte, Workshops für japanische Musikin-strumente, eine Musikkonferenz und in den letzten zwei Jahren Filmvorführungen und audiovisuelle In-stallationen präsentiert. 2011 stellte die Fakultät für Musik und Tanz der Akademie der darstellenden Künste in Prag ihre exklusiven Räumlichkeiten zum zweiten Mal dafür zur Verfügung. In diesem Artikel möchte ich die Geschichte des Festivals und einige der dahinterstehenden Ideen umreißen.

Im Jahre 2007 entschieden wir zusammen mit Vlasti-slav Matou$ek, einem bekannten tschechischen Ethnomusikologen und Komponisten, und Chris-topher Yohmei Blasdel, einem in Tokyo lebenden Shakuhachispieler, ein Festival ins Leben zu rufen, das außergewöhnli-che Künstler der japan-ischen Musik jedes Jahr nach Prag bringen und auch lokalen Künstlern die Möglichkeit bieten sollte, mit ihnen in genreüber-greifenden Projekten zu-sammenzuarbeiten. Das

Ziel des Festival ist es, dem tschechischen Publikum japanische Musik und experimentelle Musik zu präsentieren und die Shakuhachi in den Kontext der tschechischen Kunstszene zu integrieren. Wir verstehen die Erweiterung und Verän-derung des musikalischen Diskurses als Möglichkeit, den Menschen neue Perspektiven und Horizonte, nicht nur bezüglich der Musik, sondern auch bezüglich anderer Aspekte des sozialen Lebens, aufzuzei-gen. Für uns ist Musik eine Art, über die Welt zu nachzudenken. Ich selbst stoße manchmal auf Behaup-tungen, Musik müsse Rhythmus, Melodie und dies und das haben. Dies muss sie nicht. Die japanische Musik ist ein schönes Beispiel dafür und wenn sie von einem Top-Musiker aufgeführt wird, ist sie Atem-schöpfen. Sie arbeitet mit verschiedenen Notationen und ästhetischen Mitteln, und doch spricht sie das Herz an. Ich nehme an, dass der gegenwärtige Zustand unserer Gesellschaft von neuen Perspektiven in jedem Fall profitieren kann. Die fünf Abende des Prager Shakuhachifestivals sind verschiedenen Genres gewidmet: elektroakustische Musik, moderne Musik, japanische spirituelle Musik und ein Hauptkonzert. Jedes Jahr endet das Festival mit einem Schülerkonzert mit den Teilnehmenden an den Festivalkursen, die auf moderne und traditionelle Musik ausgerichtet sind.

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( Neben den außergewöhnlichen Spielern auf japanischen Instrumenten präsentierte das Festival auf Künstler wie den Gewinner des Emerson-Preises James Ragan, die Klangkünstler Slavek Kwi und Jind&ich Chalupeck', den Preisträger Radim Labuda und viele weitere Künstler auf verschiedenen Gebi-eten. Stanislav Abrahám arbeitet nun schon seit mehreren Jahren an einem elektroakustischen Projekt zu-sammen mit Christopher Yohmei Blasdel. Anna Fliegerová, die den mehrmals am Kotokurs des Festivals teilnahm, führt jetzt erfolgreich moderne Musik mit dem Berg Orchestra auf.

Die Shakuhachi war eines der ersten Instrumente, das sich außerhalb Japans verbreitete. Ende der 1960er Jahre wurde das Interesse an diesem Instrument durch die Komponisten Toru Takemitsu, John Cage und Henry Cowell rapide verstärkt. Vom Zen fasziniert begannen westliche Intellektuelle sich auch für die traditionelle spirituelle Shakuhachimusik zu interessieren. Manche von ihnen reisten sogar nach Japan und wurden Meister auf diesem Instrument. Gegenwärtig finden wir ausgezeichnete Spieler überall in Eu-ropa, Nordamerika und Australien. Die Shakuhachi könnte ganz nahe davor stehen, ein globales Musikin-strument zu werden.

Trotzdem sind die Shakuhachi und die japanische Musik im Allgemeinen in der Tschechischen Republik relativ unbekannt. Während der ersten Jahre des Festivals hatten die Festivalkonzerte nur wenig Zulauf. Wir wollten keine Veranstaltung für Familien mit Kindern, bei denen die Leute nur einen flüchtigen Blick auf verschiedene Aspekte Japans wie Samurai, Kalligraphie und vielleicht eine Kotospielerin erhaschen und dann zu einem anderen Ausstellungsstück des Kuriositätenkabinetts weitergehen. Von Beginn an bereiteten wir eine Veranstaltung vor, die für Intellektuelle und die Künstlercommunity attraktiv sein sollte, eine Veranstaltung ohne Kompromisse zwischen Qualität und anspruchslosen Attraktionen. Diese Situation brachte mich dazu, die Bedeutung des Genres selbst zu über-denken.

Meine Schlussfolgerung war, dass vom Standpunkt des Veranstalters die Bedeu-tung eines Genres nur so weit geht, wie die Men-schen mit der Musik, die es repräsentiert, vertraut sind. Sind die Menschen nicht damit vertraut, bleiben sie eher fern. Dies ist die Situa-tion bei den Genres mod-erne Musik und japanische Musik. Nachdem wir einige Jahre gekämpft hatten, mehr Publikum anzuziehen, beschlossen wir, uns der Sache auf eine andere Weise zu nähern. Teilweise haben wir aufgegeben, zu erklären, was der potenzielle Besucher hören wird, und versuchten allein die Tatsache, dass er es nicht weiß, zu betonen. In den letzten beiden Jahren wurde diese Strategie in den Festivalüberschriften: „Mu-sik, die Sie noch nicht gehört haben“ (2010) und „Jenseits der Stille“ (2011) beispielhaft umgesetzt. So-mit ist unsere Zuhörerschaft aus Menschen rekrutiert, die offen für Neues sind. Letztes Jahr hatte das Fes-tival ca. sechshundert Besucher.

Das Jahr 2010 war ein Durchbruch. In diesem Jahr wurde Prag, dank der Kooperation der Europäischen Shakuhachigesellschaft zu der offiziellen Veranstaltung in Europa erklärt. Die von Meistern aus Japan, Europa, Australien und den Vereinigten Staaten geleiteten Workshops wurden von Teilnehmenden aus

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sechzehn Ländern, darunter auch Japan, besucht. Die Konferenz präsentierte einen der größten Experten für japanische Musik, Shimura Satoshi, außerordentlicher Professor an der Universität Osaka. Bei den Filmvorführungen des Festivals wurden zwei japanische Filme in Spielfilmlänge und eine Auswahl an Kurzfilmen vom Kunitachi College Tokyo gezeigt. Insgesamt erfuhr das Festival eine positive Reaktion in der japanischen Musikszene. Dank dieser Tatsache konnten wir dieses Jahr den Meister Sakai Shod!, ein führender Spieler einer der wichtigsten Schulen für traditionelle Musik, der Chikuh!-ry", einladen, der in Begleitung zweier anderer Chikuh!-ry"-Spieler und einer wunderbaren Kotospielerin, Minako Ku-royanagi, kam. Zum allerersten Mal präsentierte das Festival die Welturaufführung von zwei Komposi-tionen. Zum ersten Mal präsentierte das Festival komplett improvisierte Musik der amerikanischen Mu-siker Steve Cohn, George Cremaschi und Liz Allbee und eine Klang-Kunstaufführung von Slavek Kwi. Dieses Jahr wurden die Festivalkurse von Schülern aus 12 Ländern besucht und von ausgezeichneten Spielern der ganzen Welt geleitet. Vervollständigt wurde das Festivalprogramm durch audiovisuelle In-stallationen junger tschechischer Künstler. Daher hoffe ich, können wir mit Recht sagen, dass es uns ge-lungen ist, an das Monument, das wir 2010 erreicht haben, anzuknüpfen

Ich hoffe, dass Prag am 24.-28. August 2012 weiterhin musikalische Horizonte aufbrechen wird.

In Zukunft würden wir gerne mehr tschechische Musiker bei den Festivalworkshops begrüßen, mehr Un-terstützung aus dem privaten Sektor erhalten und das Profil des Festivals als qualitativ hochwertige Veranstaltung, die mehr Aufmerksamkeit innerhalb und außerhalb der Tschechischen Republik erfährt, weiter festigen.

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A small report from the workshop led by Justin Senryu Williams by Vít Rozkovec

The workshop took place at one room at Lublanska street at Vlastislav's place. We were three students there, Vlastislav, Frantisek and me, Vit. The workshop took three days, which was very nice because in the end we went through and played each piece a couple of times - there was no need to hurry. First lesson was on Friday afternoon and on Saturday and Sunday, we started in the morning and continued into the afternoon after a short after-lunch siesta.

The pieces that we studied were Honte-shirabe, Shizu and Taki Ochi from Seien-ry", Shirabe from Kimpu-ry" and Shirabe from Fudaiken temple. Justin came well prepared. He was patiently correcting our postures and was attentive to our playing, correcting our mistakes immediately. We studied the pieces phrase by phrase. First, Justin played the phrase for us, then we played it all together and then each of us alone.#

As a person who considers himself a beginner, I liked the Seien-ry" style most, with its direct approach and meditative nature that lack the ornamentation which you can find in other styles and schools. After the lecture on Friday and Saturday, we spent nice evenings at concerts where Justin was playing. On Friday, it was here in Prague in one small tea-room where Justin had his solo concert in front of a room almost full of people. It was a nice atmosphere with people interested in the instrument (and some of them in the player). The next day we went to Pilsen where Justin played with Vlastislav and Marek in another tea room, but this one was more intimate. It was a smaller place with less people and the person running it was fond of Japanese culture. At the end of the course, our scores got Justin's stamp and after the last visit to a nearby pub we parted, going towards the next adventure that may await us. Thanks Justin! We had a nice time.

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music for abandoned structures and shakuhachi

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Cardboard Zen by Ian Skyes

I’ve been playing for about a year now, using a bamboo flute bought from Monty and I love it, but I was reading about how the Fuke monks would just wander off into the forest, lop off a piece of bamboo, stick a few holes in it and start playing.

Sadly this is not possible in Dublin, so I had to make do with a trip to the supermarket where I found a tube of baking foil for cooking the Christmas turkey which was a suitable length and thickness. The baking foil was discarded (no turkeys were harmed in researching this article) and with the help of a modeling knife and some brown ink, half an hour later, voila!

I wasn’t surprised that it looks like a shakuhachi, but I was surprised by how good it sounds. The out of tune and fluffed notes are my fault, not the flutes – it does a full two octaves and has a reasonable meri.

I feel much more like a real Zen monk now and it will save me a fortune – the tube cost me )2 but most houses have got one lying around in a cupboard somewhere. Two questions for ESS readers:a) can anyone do better (photo and recording

required – no cheating) for less than say )5?b) does anyone want to buy an excellent 2.0

shakuhachi?

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Membership of the European Shakuhachi Society

Membership of the ESS is open both to players of the shakuhachi and to non-players who are interested in the music of the shakuhachi in all its forms.

Since the ESS is not affiliated with a particular school or aesthetic direction, its members represent a broad cross-section of styles and genres of shakuhachi.

Supporting ESS through joining is a means of helping maintain a coordinating resource of the shakuhachi in Europe.

The benefits of membership include access to information about shakuhachi events and tuition throughout Europe and beyond, as well as discounted participation fees at events such as the European Shakuhachi Summer Schools.

The membership fee is !20. To join the ESS:

• Please send email, giving your name and contact details, and if you wish, a little information about your interest in and experience with the shakuhachi.

• and pay the membership fee by Pay-Pal."If you cannot make payment using this method, please send an email to

ess-member@shakuhachisociety.eu ."

We look forward to welcoming you into the European Shakuhachi Society!

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