THE GREAT COUNTRY

GIOVANNI CERRI

Ringraziamo / Wir danken / Special Thanks go toAndrea Aureli, Bruno Bordignon, Valeria Bottelli, Marco Bottelli, Lorenzo Brocca, Giuliano Capedri, Stefano Cortina, Silvia Daccò, Giusep-pe Fossati, Attilio e Giuseppe Montorfano, Stefano Moretti, Andrea Palmieri, Davide e Maurizio Riva, Luigi Emanuele Rossi, Beatrice e Stefano Vazzana

Mostra / Ausstellung / ExhibitionGiovanni CerriIl Grande Paese / Großes Land / The Great CountryCopenaghen - 14 maggio – 6 giugno 2014 Istituto Italiano di Cultura a Copenaghen - Gjørlingsvej 11, Hellerup 2900Colonia - 4 – 27 settembre 2014Istituto Italiano di Cultura a Colonia - Universitätstrasse 81, 50931 KölnMuseo del Mobile - Riva 1920 Cantù (CO) - 22 novembre 2014 – 6 gennaio 2015A cura di / Kurator / Curator: Bruno Bordignon

Presentazione / Grußwort / Introduction: Lucio Izzo e Fabio RuggirelloTesto critico / Text / Texts by: Flaminio GualdoniIntervista / Interview / Interview: Paul KrokerFotografie di / Fotos von / Photos: Valeriano Borroni, Alfredo Felletti, Giovanni Molino, Roanna Weiss, Isabella Dovera, Federico Brunetti, Fabio ValentiTraduzione / Übersetzung / Translation: Paul Kroker, Barbara Thurau, Birgit Otten (tedesco), Roanna Weiss (inglese)

Progetto grafico / Layout / Graphic design: Fabio ValentiStampa / Druck / Publisher: Press Point S.r.l. – Abbiategrasso (Mi)

In copertina (dettaglio) / Umschlag (Detail) / On the cover (detail):Giovanni Cerri, L’impero, 2014, olio, cm. 100x80

CORTINA ARTE

6 Presentazione - Addetto Reggente Istituto di Cultura a Copenaghen Grußwort - Leiter des Italienischen Kulturinstituts Kopenhagen Introduction - Director Italian Cultural Institute in Copenaghen Fabio Ruggirello

7 Presentazione - Direttore Istituto Italiano di Cultura a Colonia Grußwort - Direktor des Italienischen Kulturinstituts Köln Introduction - Director Italian Cultural Institute in Cologne Lucio Izzo

10 Testo critico Text Texts by Flaminio Gualdoni

19 Opere - Werke - Works Istituto Italiano di Cultura a Copenaghen Istituto Italiano di Cultura a Colonia

40 Intervista - Il mondo perduto Interview - Verlorene Welt Interview - Lost world Paul Kroker

47 Opere - Werke - Works Museo del Mobile - Riva 1920 - Cantù (CO)

64 Biografia - Biografie - Biography

66 Mostre personali - Einzelausstellungen - Personal Exhibitions

67 Mostre collettive - Kollektivausstellungen - Group Shows

68 RIVA 1920 e l’Arte - Riva 1920 und die Kunst - Riva 1920 and Art Davide Riva

Sommario / Zusammenfassung / Contents

Testo critico / Text / Text by:Flaminio Gualdoni

Istituto Italiano di Cultura a Copenaghen - 14 maggio – 6 giugno 2014

Istituto Italiano di Cultura a Colonia - 4 – 27 settembre 2014

Museo del Mobile - Riva 1920 Cantù (CO)22 novembre 2014 – 6 gennaio 2015

The Great Country

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GIOVANNI CERRI

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L’arte come avventura umana della conoscenza, come esercizio di autodeterminazione e riflessione sul proprio ruolo nella so-

cietà e nella storia, tentativo di dar forma e cittadinanza estetica alle ferite aperte di una crisi, quella del rapporto fra uomo e natura, o fra natura e cultura, che è, prima ancora di tutto, rischio di am-nesia e di perdita e di direzione. E’ questo, a mio avviso, il punto di partenza da cui muove la ricerca artistica di Giovanni Cerri, che si fa strada fra periferie urbane degradate, relitti del passato e del presente, presenze umane labili e inquiete, ma che, per il solo fatto di esser-ci e di offrirsi all’osservatore come arte, proietta il fruitore nell’onirico e nell’immaginario, territori da cui, si sa, partono tutte le ricostruzioni. Non si tratta affatto di semplice rovinismo o gusto del distopico, nemmeno di immobilismo metafisico compiaciuto, ma di una riflessione profonda e poetica su dove siamo e dove pos-siamo andare, sulle orme di maestri italiani del Novecento come Mario Sironi o Arturo Nathan. E´ proprio per questo che l’Istituto Italiano di Cultura di Copenaghen è davvero lieto di presentare al pubblico danese le opere di Giovanni Cerri: per vedere le città in cui viviamo non basta tenere gli occhi aperti, sosteneva Italo Calvi-no che concludeva il suo ultimo, grande poema d’amore alla città contemporanea invitando a “cercare e saper riconoscere chi e che cosa, in mezzo all’inferno, non è inferno, e farlo durare, e dargli spa-zio”. Il viaggio attraverso le opere di Gianni Cerri può essere un sug-gerimento, una tappa di questo processo di attenzione e appren-dimento ormai ineluttabile, se vogliamo evitare l’oblio e difenderci dalla sclerosi del non-senso.

Fabio Ruggirello

Addetto ReggenteIstituto Italiano di Cultura di Copenaghen

Presentazione

Die Kunst als menschliches Bewusstseinserlebnis, als Erfahrung der Selbstbestimmung und Reflexion über die eigene Rolle in

der Gesellschaft und in der Geschichte, den offenen Wunden einer Krise, jener der Beziehung zwischen Mensch und Natur oder zwi-schen Natur und Kultur, Gestalt und ästhetische Nationalität zu ge-ben versuchen, das birgt vor allem das Risiko der Amnesie und des Richtungsverlustes. Dies ist, meiner Meinung nach, der Ausgangs-punkt, an dem die künstlerische Suche von Giovanni Cerri beginnt, die sich einen Weg bahnt zwischen den heruntergekommenen städtischen Peripherien, Relikte der Vergangenheit und der Gegen-wart, labile und flüchtige menschliche Präsenz, die aber, einzig weil sie da ist und sich dem Betrachter als Kunst darbietet, den Adressa-ten ins Unwirkliche und Imaginäre führt, ein Bereich, von dem, wie man weiß, alle Rekonstruktionen ausgehen. Es handelt sich nicht nur um einfache Zerstörung oder die Neigung zur Dystopie, nicht einmal um wohlgefällige metaphysische Unbeweglichkeit, son-dern um eine tiefgründige und poetische Reflexion darüber, wo wir sind und wohin wir auf den Spuren der italienischen Meister des 20. Jahrhunderts wie Mario Sironi oder Arturo Nathan gehen können. Deshalb freut sich das Italienische Kulturinstitut in Köln, dem deutschen Publikum die Werke von Giovanni Cerri zu präsen-tieren: um die Städte zu sehen, in denen wir leben, reicht es nicht, die Augen offen zu halten, behauptete Italo Calvino, der seine letzte, große Liebeserklärung an die zeitgenössische Stadt mit der Aufforderung beendete „suchen und zu erkennen wissen, wer und was inmitten der Hölle nicht Hölle ist, und ihm Bestand und Raum geben“. Die Reise durch die Werke von Gianni Cerri kann eine An-regung sein, ein mittlerweile notwendiger Aufmerksamkeits- und Lernprozess auf unserem Weg dahin, das Vergessen zu vermeiden und uns vor dem Auswuchs des Unsinnigen zu schützen.

Fabio Ruggirello

Leiter Italienisches Kulturinstitut Kopenhagen

Grußwort

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Art as an human adventure of knowledge, as an exercise of self-determination and the reflection of ones own role in society

and in history, a tentative to give form and aesthetic citizenship to the open wounds of a crisis, that of the relationship between man and nature, or between nature and culture, which is, first of all, at risk of amnesia, of loss and of direction. It is this, in my opinion, the starting point from which the artistic work of Giovanni begins, which goes between a degraded urban periphery, wreckages of the past and the present, short-lived and restless human presenc-es, but which, purely for being there and for offering themselves to the viewer as art, projects the viewer into the unbelievable, in the imaginary, territories from which, as is known, all reconstructions begin. By all means, this is not about simple ruins or a taste for dystopia, nor for the smug metaphysical paralysis, but a profound and poetic reflection on where we are and where we can go, in the footsteps of great Italian masters of the 20th century like Mario Sironi or Arturo Nathan. It is precisely for this that the Italian Cul-

Introduction

tural Institute in Copenhagen is pleased to present to the Danish public the works of Giovanni Cerri: to see the cities in which we live, it is not enough to keep our eyes open, as Italo Calvino asserted at the end of his last great love poem to the contemporary city, invit-ing us to “search and know how to recognise who and what, in the middle of hell, is not hell, and make it last and give it space”. The journey through the works of Giovanni Cerri can be a suggestion, a stop along this process of now inescapable attention and learn-ing, if we want to avoid oblivion and defend ourselves from the hardening of non-sense.

Fabio Ruggirello

Director Italian Cultural Institute, Copenhagen

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Sono lieto di ospitare presso l´Istituto Italiano di Cultura di Colo-nia la mostra The Great Country di Giovanni Cerri. Figlio d´arte,

come lui stesso ama definirsi in un omaggio di continuità con il padre Giancarlo, Giovanni Cerri è certamente figlio di una grande corrente d´arte novecentesca italiana ed internazionale, che vede in Sironi uno dei suoi esponenti più celebri.Cerri però propone una visione nuova, tutt´altro che nostalgica sia dal punto di vista artistico che storico, semmai critica e propositi-va. Le sue periferie non sono quelle malinconiche e nostalgiche di un´Italia tra Otto e Novecento osservate volgendo il pensiero ad un rurale paradiso perduto mentre l´industrializzazione trionfa. Le sue periferie sono, invece, quelle degradate e postindustriali del XXI se-colo, descritte con distanza critica e l´ironia di citazioni metafisiche che fanno emergere ogni tanto certe Piazze d´Italia e il classicismo rivisitato di un De Chirico più tardo. Tuttavia ognuno può ricono-scere in esse luoghi familiari: non solo Milano o Roma, ma anche Londra o Essen o Detroit possono rispecchiarsi nel limite sfilacciato tra città e campagna che Cerri ritrae, punteggiato d´erba e accia-io, fiori e cemento. Ed attraverso l´ironia critica dei suoi titoli seriali che richiamano una passata grandezza, L´impero, Il regno, Augusto, Ieri e oggi, Cerri sembra dirigere la sua attenzione ad un Occidente divenuto “periferico”, bisognoso di rinascita, di nuove certezze e di nuova concordia.Un´esortazione che l´artista veicola attraverso i suoi cieli bianchi, la ciminiere spesso spente, i residui industriali abbandonati e a volte minuti come lo scheletro di un motorino o di una lavatrice.Una pittura certamente ricca di iperdeterminazioni, densa, che in-vita a riflettere su essa stessa e su quanto ci circonda e che, sono certo, il pubblico tedesco, particolarmente sensibile ed attento, apprezzerà.

Lucio Izzo

Direttore Istituto Italiano di Cultura di Colonia

Presentazione

Es freut mich, im Italienischen Kulturinstitut in Köln die Ausstel-lung The Great Country von Giovanni Cerri präsentieren zu kön-

nen. Giovanni Cerri ist nicht nur ein Kind der Kunst, wie er sich in Hommage an seinen Vater Giancarlo, dessen Nachfolge er ange-treten hat, selber bezeichnet, sondern sicher auch das Kind einer großen italienischen und internationalen Kunstströmung des 20. Jahrhunderts, die in Sironi einen ihrer bedeutendsten Vertreter ge-funden hat. Cerri jedoch wirft eine neue Sicht auf, die sowohl vom künstleri-schen als auch historischen Standpunkt aus nicht nostalgisch, son-dern vor allem kritisch und konstruktiv ist. Seine Peripherien sind nicht jene melancholischen und nostalgischen eines Italiens zwi-schen dem 19. und 20. Jahrhundert, die man mit dem Gedanken an ein verlorenes bäuerliches Paradies betrachtet, während die In-dustrialisierung triumphiert.Seine mit kritischer Distanz und der Ironie metaphysischer Zitate dargestellten Peripherien sind stattdessen jene heruntergekom-menen und post-industriellen des 21. Jahrhunderts, in denen hin und wieder bestimmte Piazze d´Italia und der neu interpretierte Klassizismus eines späteren De Chirico sichtbar werden. Jeder kann darin bekannte Orte wiedererkennen: nicht nur Mailand oder Rom, sondern auch London oder Essen oder Detroit können sich in der zerfaserten Grenze zwischen Stadt und Land widerspiegeln, die Cerri mit Gras, Stahl, Blumen und Zement übersät porträtiert. Und durch die kritische Ironie in der Titelreihe L´impero, Il regno, Augusto, Ieri e oggi, die eine vergangene Größe heraufbeschwören, scheint Cerri seine Aufmerksamkeit auf ein unwichtig gewordenes Abendland zu lenken, das eine Wiedergeburt, neue Sicherheiten und eine neue Einheit benötigt.Eine Aufforderung, die der Künstler durch seine weißen Himmel, den oft erloschenen Schornsteinen, den verlassenen Überresten der Industrie und der manchmal kleineren Dinge wie ein Mofa oder eine Waschmaschine übermittelt.Eine an Hyperdeterminationen sicherlich reiche, intensive Malerei, die zu einer Reflexion über uns selber und unsere Umgebung ein-lädt, und die, da bin ich mir sicher, dass besonders sensibilisierte und aufmerksame deutsche Publikum schätzen wird.

Lucio Izzo

Direktor Italienisches Kulturinstitut Köln

Grußwort

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I am glad to host the exhibition The Great Country by Giovanni Cerri at the Italian Cultural Institute in Cologne. Cerri often mentions

that he followed in his father’s footsteps, as an homage to Giancarlo Cerri, a painter himself. But Giovani Cerri is also the heir of a celebrat-ed Italian art movement of the 20th century, which counts Mario Sironi among its most famous figures. Cerri, however, proposes a radically new vision both from the historical and the artistic point of view. Unlike those painters who portrayed Italian industrial outskirts in the beginning and the middle of the 20th century, with images full of melancholy and expressing deep nostalgia for an idyllic rural paradise lost, Cerri is ironical and critical.His fields dotted with industrial ruins and waste recall some Piazze d’Italia and they quote a later De Chirico and his revised classicism. Cerri´s paintings describe a post-industrial landscape, which can be familiar to anyone: not only Milan or Rome, but also London, Es-sen or Detroit outskirts can be found in the fading border between city and countryside, among grass and broken steel, flowers and cement waste.The serial titles of his works ironically recall a past greatness, The Em-pire, The Kingdom, Augustus, Yesterday and Today. Cerri focuses on a Western world by now turned “peripheral”, in deep need of rebirth, of new certainties and of a new harmony. This is the incitement that the painter conveys through his cloudy skies, the dead chimney, the industrial remnants, sometimes as small as the empty structure of a washing machine or a motorbike.Cerri’s work is thick, rich in hyperdetermination, and invites us to analyse it as well as the world around us. I am certain that the Ger-man public, particularly sensitive and attentive will appreciate it.

Lucio Izzo

Director Italian Cultural Institute in Cologne

Introduction

Paesaggio che non c’è più 2013, olio, cm. 83x140Coll. privata, Milano

Il regno 2011, olio su tela, cm. 80x100 Coll. privata, Washington USA

Non è la fascinazione delle periferie, dei territori marginali e privi d’i-dentità per storia o per destino.

Giovanni Cerri constata con occhio lucido il dilavarsi del paesaggio che abbiamo eretto a figura dell’anima e a genere pittorico duraturo, quello su cui far riposare, possibilmente, l’idea tutta di naturale. È un perdersi fisico, storico. Ma per lui, artista di valori, un perdersi anche e soprattutto etico. Il “bel modo di far paesi” di cui ragionava secoli fa Mar-cantonio Michiel non ha più luogo, oggi. Il disagio estetico è, tout court, malessere esistenziale, metafora della condizione umana tutta.A partire da qui, Cerri implica nelle sue opere i segni illustri d’un’altra bel-lezza allarmata, statue e colonne antiche che appaiono anch’esse, in que-sti scenari, come residui morenici del ritrarsi d’una civiltà. Lavatrici e colon-ne, pali della luce e teste romane, statue imperiali e graffiti lordanti… non c’è estetica delle rovine possibile in grado di riscattare queste solitudini.E si rimemora il Pasolini delle Poesie mondane: “Un solo rudere, sogno di un arco, di una volta romana o romanica, in un prato dove schiumeggia un sole il cui calore è calmo come un mare: lì ridotto, il rudere è senza amore”. Si rievoca, soprattutto, il Pound dei Canti pisani: “Pietra dopo pietra la bel-lezza diroccata / e gli autentici disputati da parassiti”.Il fare di Cerri non è tuttavia esercizio iconografico di moralismo: non è discorso, non è invettiva. È pittura. E ragionamento profondo sul riscatto possibile della visione proprio nel momento in cui se ne constata, alla pri-ma, la sconfitta.Cerri lavora per stratificazioni dure e ossose, come spalti di materia im-pastata d’un colore disagiato e impuro. La sua pittura si fa concentrato espressivo che, forzando le aspettative del gusto, obbliga lo spettatore a rinunciare a ogni clausola consolatoria, e veramente a vedere. “Il pittore deve ritrovare la dignità del pensatore e l’intuizione del profeta”, scriveva alcuni decenni fa, 1943, Franco Francese, grande coscienza dolen-te. L’engagement di Cerri è della stessa specie, muove dal bello necessario, si sottrae alla retorica estetica del brutto, cerca una raison d’être della pittu-ra nei coaguli nudi e forti del senso.Nel costrutto stesso dell’immagine, egli dissemina le tracce d’un mood che dalla desolazione si schiude a prospettive diverse. L’orizzonte è slontanato, sempre, ma non chiude: anzi, spera e promette un dove ulteriore. Le ge-ometrie dell’architettura visiva dicono simmetrie, cadenze, uno spazio del quale intuire un ordine è possibile.

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IL GRANDE PAESE

Flaminio Gualdoni Milano, 2014

I colori, ancora. La loro asperità avvelenata conosce squarci e intenerimenti improvvisi, come aliti speranzosi.Infine, egli lascia affiorare lenta ma potente l’incorruttibilità intima, oltre ogni accidente storico, della bellezza fondamentale. Continua la poesia pasoliniana: nel rudere “uso e liturgia, ora profondamente estinti, vivono nel suo stile – e nel sole – per chi ne comprenda presenza e poesia”.La bellezza, una bellezza, è ancora, è sempre possibile.

Il regno2012, olio, cm. 30x60 Coll. privata, Milano

Habitat2010, olio su tela, cm. 60x60Coll. privata, Lentate s/S (Mb)

Il Bunker 2013, olio, 120x80Coll. privata, Segrate (MI)

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Es ist nicht die Faszination der Peripherien, der aus historischen oder schicksalhaften Gründen identitätslosen Grenzgebiete. Giovanni

Cerri stellt mit nüchternem Blick das Wegschwemmen der Landschaft fest, die wir als Abbild der Seele und als jene dauerhafte Malgattung angese-hen haben, auf der möglichst die vollkommen naturgetreue Vorstellung beruht.Es ist ein physisches, historisches Sichverirren. Aber für ihn, den Schöpfer von Werten, auch und vor allem ein ethisches Sichverirren. Die „schöne Art der Länderdarstellung“, über die vor Jahrhunderten Marcantonio Mi-chiel nachdachte, gibt es heute nicht mehr. Das ethische Unbehagen ist, schlechthin, ein existenzielles Missbehagen, Metapher für den ganzen menschlichen Zustand. Davon ausgehend erfasst Cerri in seinen Werken die deutlichen Zeichen einer weiteren beunruhigenden Schönheit, anti-ke Statuen und Säulen, die auch in diesen Szenarien wie das Abbild einer mit Geröll beladenen Zivilisation erscheinen. Waschmaschinen und Säulen, Lichtmasten und römische Köpfe, Kaiserstatuen und beschmierende Graf-fiti … in den Ruinen gibt es keine Ästhetik, die diese Einsamkeit erlösen könnte.Es sei Pasolini der Mondänen Gedichte erinnert:„Ein Ruinenstück nur – Traum eines Bogens,eines Gewölbes, römisch oder romanisch,auf einer Wiese in stiller Wärme wie ein Meer,von der Sonne umschäumt,verlassen dort, die Trümmer, ohne Liebe.¹ Und auch an die “Pisaner Gesänge” von Pound sei erinnert: “Stein um Stein die verfallene Schönheit / und die Glaubwürdigkeit von Parasiten bedroht“.Cerris Schaffensweise ist jedoch keine ikonographische Deutung von Mo-ralismus: es ist kein Diskurs, sie ist nicht herabwürdigend. Sie ist Malerei. Und tiefgreifende Reflexion über die mögliche Befreiung von der eigenen Vorstellung in dem Moment, in dem man zum ersten Mal die Niederlage erkennt. Cerri arbeitet mit festen, knochenharten Schichten, die wie Mauersubs-tanzen aus einer sparsamen und schmutzigen Farbe angerührt sind. Seine Malerei ist geballt expressiv, was den Betrachter dazu veranlasst, sich von den Erwartungen des Kunstverständnisses zu lösen, jeden ermutigenden Ansatzpunkt aufzugeben und wirklich zu sehen. “Der Maler muss die Würde des Denkers und die Intuition des Prophe-ten wiederfinden”, schrieb vor einigen Jahrzehnten, im Jahr 1943, Franco

Francese, in schmerzlichem Bewusstsein. Das Engagement von Cerri ist von der gleichen Art, es geht vom schönen Notwendigen aus, es entzieht sich der ästhetischen Rhetorik des Hässlichen und sucht eine raison d’être der Malerei in den unverhüllten und kraftvollen Sinngerinnseln. Im Bildaufbau selber erschafft er die Spuren einer mood, die sich von der Trostlosigkeit hin zu verschiedenen Perspektiven öffnet. Der Horizont ist immer da, aber er ist nicht begrenzt: im Gegenteil, er hofft auf ein mögliches weitergehen-des Dahinter. Die sichtbaren Architekturen sind gleichmäßig geometrisch, rhythmisch, ein Raum, in dem eine Ordnung zu erahnen möglich ist.

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GROßES LAND

Flaminio Gualdoni Mailand, 2014

Studio per Habitat2010, olio su carta, cm.90x60 Coll. privata, Segrate (MI)

Ecomostro 2008, olio su carta intelata, cm. 54x65Coll. privata, Gallarate (VA)

Lo scivolo 2008, olio, cm. 100x70Coll. privata, Milano

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Noch einmal die Farben. Ihre schmutzige Schroffheit wird plötzlich gebro-chen und zart, wie hoffnungsvoller Hauch.Zum Schluss lässt er langsam aber sicher die von jeder historischen Fügung unberührte innere Unbestechlichkeit der elementaren Schönheit ans Licht kommen.Das Gedicht von Pasolini fährt fort: in den Trümmern „Zweck und Lithurgie sind gänzlich erloschen,aber sie leben durch ihren Stil – und in der Sonne –für den, der ihre Gestalt und Poesie versteht.“²Die Schönheit, eine Schönheit, ist noch, ist immer möglich.

1) aus: Pier Paolo Pasolini, Unter freiem Himmel. Ausgewählte Gedichte. Quarthefte, Verlag Klaus Wagenbach Berlin, 1985. Aus dem Italienischen von Toni und Sabine Kienlechner, S. 111-113

2) aus: Pier Paolo Pasolini, Unter freiem Himmel. Ausgewählte Gedichte. Quarthefte, Verlag Klaus Wagenbach Berlin, 1985. Aus dem Italienischen von Toni und Sabine Kienlechner, S. 113

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It is not the fascination with the outskirts, with the borderlands, without identity, by history or destiny.

Giovanni Cerri shows with a clear vision the leaching of this landscape that we have constructed in the symbol of the soul and the lasting genre of painting, that upon which to rest the idea of all that is natural.It is a losing oneself physically and historically. But for him, an artist with values, it is losing himself also, and above all, ethically. The “beautiful way of making towns” as Marcantonio Michiel reasoned centuries ago no longer exists today. The aesthetic unease is, tout court, an existential discomfort, the metaphor of the human condition.Beginning here, in his works Cerri implies the signs of another beauty in danger, ancient statues and columns, which appear in these scenes as the remains of the decline of a civilisation. Washing machines and columns, streetlamps and Roman busts, imperial statues and dirty graffiti… there is no possible aesthetic of the ruins able to redeem this solitude.And one recalls the Pasolini of Poesie mondane:“A lone ruin, dream of an arch,at one time Roman, or Romanesque,in a field where a sun is frothy,whose heat is calm as the sea:there diminished, the ruin is without love.” And above all, Pound in The Pisan Cantos:“stone after stone of beauty cast down / and authenticities disputed by parasites”.However, Cerri’s work is not an exercise in moralising iconography: it is not discourse, neither is it invective. It is painting and a profound reasoning on the possible redemption of the vision right in the moment in which, at the beginning, the defeat is proven.Cerri works with hard and bony layers, like fortifications of kneaded mate-rials of an impoverished and impure colour. His painting is concentrated expression, which, forcing the expectations of taste, obliges the viewer to renounce every consolatory clause, and to really see.“The painter must find the dignity of the thinker and the intuition of a prophet,” Franco Francese, the great apologetic conscience, wrote in 1943. The engagement of Cerri is of the same species, moving from the neces-sary beauty, backing out of the aesthetic rhetoric of the ugly, searching for a raison d’être of the painting in the naked and strong coagulations of sense.In the construction itself of the image, he scatters the traces of a mood, which from the desolation opens up to different perspectives. The horizon

is always distant, but isn’t closed: on the contrary, it hopes and promises a further location. The geometry of the visual architecture speaks of sym-metry, cadences, a space from which it is possible to grasp order.

ThE GREAT COuNTRy

Flaminio Gualdoni Milan, 2014

Volto urbano1993, olio su tavola, cm. 40x30 Coll. privata, Milano

Il regno 2011, olio su tela, cm. 100x120 Coll. privata, Nova Milanese (Mi)

Ucciso2001, olio, cm. 170x230 Coll. privata, Milano

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Once again, the colours. Their poisoned asperity knows sudden lacera-tions and softenings, like hopeful breezes.Finally, he lets the incorruptible intimacy flower slowly, but strongly, be-yond any historical incident, of the fundamental beauty.The poetry of Pasolini continues: in the ruins“custom and liturgy, now profoundly extinct,live in its style – and in the sun –for he who understands presence and poetry”.Beauty, a beauty, is still, and will always be, possible.

L’impero 2012, olio, 100x85 Coll. privata, Milano

Omaggio a Leonardo2013, olio 60x50 Coll. privata, Parigi

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Foto Valeriano Borroni

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In studio con Flaminio Gualdoni - Foto Fabio Valenti

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Opere - Werke - Works IIC

IL GRANDE PAESE / GROßES LAND / ThE GREAT COuNTRy

Istituto Italiano di Cultura a Copenaghen 14-05-2014 / 06-06-2014Istituto Italiano di Cultura a Colonia 04-09-2014 / 27-09-2014

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L’impero, 2014, olio, cm. 100x80

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Il regno, 2013, olio, cm. 60x90

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L’impero, 2014, olio, cm. 60x90

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Lo scheletro di ferro, 2014, olio, cm. 80x100

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L’impero, 2014, olio, cm. 80x100

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L’impero, 2014, olio, cm. 80x60

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L’impero, 2014, olio, cm. 100x80

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Il regno, 2013, olio, cm. 30x30Il regno, 2013, olio, cm. 30x30

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Ieri e oggi, 2014, olio, cm. 30x30Ieri e oggi, 2014, olio, cm. 30x30

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Ieri e oggi, 2014, olio, cm. 30x40

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Ieri e oggi, 2014, olio, cm. 30x40

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Antico volto, 2014, olio, cm. 40x40

Ieri e oggi, 2014, olio, cm. 40x40Ieri e oggi, 2014, olio, cm. 40x40

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L’impero, 2012, olio, cm. 80x100

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L’impero, 2014, olio, cm. 70x80

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Suburbia, 2013, olio, cm. 90x60

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L’impero, 2014, olio, cm. 80x70

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L’impero, 2014, olio, cm. 60x90

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Augusto, 2014, olio, cm. 90x60

Paul: La tua mostra di quest´inverno 2013/14 è intitolata Lost World. Ma non credo proprio che prenda spunto dall´omonimo romanzo di 100 anni fa, da quel fantasy di Arthur Conan Doyle. Seppur sempre fiction il tuo lavoro, e non voglio mancare a sottolinearlo, non è af-fatto science fiction, non è fantasy. Si inserisce invece, secondo me, anche per definizione nel filone del realismo grazie alla sua viva vero-somiglianza di fronte a un universo di abbandono. Fin qui niente di nuovo; l´hanno già detto in tanti, ma punto al tuo mondo di periferie cittadine e allo splendore di certe opere della guerriglia urbana spesso crudeli per segni e titoli nel loro violento bianco e nero – mi riferisco in particolare a Grido di Guerra del 2004 (Cat. Cortina Arte - Galleria Palmieri, 2009). Ma tu hai mai avuto una visione del mondo in bianco e nero? Una do-manda che è naturalmente anche legata al discorso sul realismo, ti ci riconosci?

Giovanni: No, in realtà sento sempre il colore, anche se a volte è molto scarno in alcuni miei dipinti. Semmai è un colore che si è consumato, è “invecchiato”. Oppure è il risultato di alcune cancellazioni fatte con sovrapposizioni di bianco o grigio, che non nascondono completamente la pittura sottostante. Per questo non mi sento del tutto realista, c’è una componente legata alla memoria che affiora e conduce altrove.

Paul: Vorrei aggiungere ancora un aspetto che collega la questione del realismo ad una dimensione etica: spesso nella rappresentazione delle zone di periferia si notano di qua e là oggetti quotidiani isolati e ab-bandonati, che nella loro singolarità possono assumere una valenza preponderante, direi un certo protagonismo. Quelle sedie, lavatrici o auto lasciate lì come se si trattasse di un deposito d´immondizia. Ma questi immondezzai in realtà non sono mai circoscritti a certe aree, hanno invece invasato tutto il paese a causa di un sfrenato menefreghi-smo civico e alla mancata responsabilità anche dei singoli.

Giovanni: Sono le discariche a cielo aperto, le terre avvelenate e conta-minate, le terre dei fuochi dove vivono gli scarti e I residui del mondo civile. Tutto prima o poi finisce e le cose di oggetto quotidiano sono lì a dirci questo importante concetto ogni giorno con la loro data di sca-denza. Quando mi capita di vedere queste lande desolate, mi appare la metafora del nostro cimitero, del nostro inutile e dannoso affanno al superfluo. Una progressiva a accelerata corsa verso la fine.

Paul: E mi chiedo perché questi oggetti spesso hanno una parvenza così povera, rozza, brutta…

Giovanni: Non nascondo che sono attratto dagli oggetti brutti e rozzi: le carcasse di auto, le lavatrici e I water abbandonati a cielo aperto, nel loro degrado trovo l’analogia all’eroica resistenza al tempo delle statue e dei monumenti antichi, ai bronzi e ai marmi. La lotta (alla consunzione, alla corrosione) è la stessa, hanno solo diversa forma e un diverso valore che noi attribuiamo, sono comunque oggetti.

Paul: Dal 2007 in poi fino all´ultimo ciclo di lavori credo che si possa evidenziare come un leitmotiv dei tuoi lavori: la messa in evidenza dell´orizzonte, spesso una suddivisione netta tra cielo e terra illumi-nata con delle sfumature cromatiche, che variano dal puro bianco fino a una vasta gamma di tonalità sempre molto chiare. Questa linea d´orizzonte che si ritrova anche in alcuni lavori del 2013 (per esempio in Morituri te salutant) in me evoca la demarcazione del passaggio verso l´infinito di Caspar David Friedrich, cioè la dimensione di aprire il varco verso spazi illimitati per potersi immaginare un mondo, un fu-turo diverso. Tu stesso in un´altra occasione avevi attribuito un valore utopico a certi spazi bianchi lì dove si immagina l´orizzonte…

Giovanni: Certo, è lo spazio del riscatto, oltre il primo piano dove di solito rappresento scenari non proprio positivi! Come dicevo prima, la

LOST WORLD

Paul Kroker

Con Andrea Palmieri e Stefano Cortina alla Triennale di Milano, 2010Foto Valeriano Borroni

Brema (Kunoweb), 2013

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rappresentazione di una terra cosparsa di scorie è un modo di riferirsi alla nostra esistenza, disseminata di errori e sbagli, atti e ripensamenti. Ma in tutto questo c’è sempre un “oltre”, un motivo quasi eroico, epico di andare avanti, proseguire l’impervio cammino di stare nel mondo. Dopo l’orizzonte c’è una grande luce, la cosa importante è vederla, non raggiungerla, perchè forse non ci si arriva mai. Ma vedere lontano offre prospettive, ambizioni, motivazioni.

Paul: Vorrei fare un’ ipotesi sul perché stai elaborando un concetto che prende la realtà nella sua spesso esaltata banalità e la rende poi peculiare, potrei anche osare a dire: bella – ma non in modo affer-mativo. E questo grazie a una tecnica di estraniamento – che è quella dei romantici e poi di Brecht. Dunque, col tuo lavoro rispondi con chiarezza a una domanda importante: perché mai l´artista dovrebbe occuparsi delle brutture del mondo senza che si offra una possibilità di epifania e cioè di scoprire un altro mondo, magari anche sublime, accanto a quello perduto, lost world?! Potresti accettare la mia ipotesi che Giovanni Cerri nel suo profondo è un artista romantico?

Giovanni : Forse, certamente non mi accontento di raffigurare uno stato delle cose, cerco un orizzonte più in là. E questo, probabilmente, è quello che consente di far diventare uno scenario “brutto” qualcosa di bello o poetico. Le discariche, o le rovine archeologiche del mondo industriale diventano dei simboli, dei luoghi al di là del tempo, degli spazi dove tutto si può reinventare, ricostruire.

Paul: Rappresentare in un quadro un mondo diverso o l´idea di un´utopia credo sia molto difficile se non addirittura inutile. Però, quando l´estetica di un artista non è priva di elementi etici, lui non può evitare di farli trapelare. E non sto parlando di promozione o di propaganda. Ma sono convinto che si fanno trovare e sentire dei segni, delle allusioni a un´aura inerente oppure a uno spazio immaginativo e aperto alla partecipazione. In un lavoro del 2011, La seconda vita, per esempio una figura vestita di azzurro si sta muovendo verso lo sfondo di un´orizzonte color bianco sporco. L´immagine magari di un´addio, un omaggio a una persona cara, portatrice di un´altra vita oppure del-lo struggimento per una dimensione diversa.

Giovanni: Hai citato il quadro dedicato a mia madre appena avvenuta la sua scomparsa, tre anni fa. Quella scena ribadisce ciò che abitual-mente rappresento nei miei quadri: il desiderio del raggiungimento di una destinazione, di una terra promessa. Si tenta di andare verso un orizzonte più luminoso, di fare quel passo avanti che ci consente di pro-gredire, o diventare consapevoli di un cambiamento.

Paul: Quella figura vestita di azzurro ha suscitato in me il ricordo di una poesia di Reiner Kunze intitolata A te nel cappotto blue: “Leggo ancora daccapo/ il rigo delle case cerco/ te la virgola blue che/ dà senso”.

Giovanni: Ecco, dare un senso alla vita, è in sintesi il concetto che espri-mevo. Noi passiamo i nostri giorni tra ostacoli, barriere, cancelli e porte che vorremmo aprire. La luce che scorgiamo là in fondo è ciò che fa muovere il pensiero, le emozioni, le gambe per camminare, passo dopo passo.

Paul: Guardando i lavori ultimi si nota sul piano tematico una forte spopolazione dei soggetti, quelli tipici dell´ultimo decennio, ritrovabili ora solo in pochissimi segni che quasi si perdono del tutto. No, guarda lì: sul grande quadro L´impero (180x200 cm) c´è ancora l´immagine di una ciminiera! Però, il figurativo di quel mondo si perde…

Giovanni: L’archeologia industriale delle fabbriche abbandonate si è fusa con l’archeologia del mondo antico abbandonato anch’esso all’in-curia, sfregiato, vandalizzato. Le polveri velenose delle ciminiere si sono posate sulle statue classiche. I liquami chimici di scarto hanno allagato la nostra cultura classica. Quello che dipingo ora è la “Pompei industriale”, la violenza sulla memoria classica, nostro fondamento della cultura in cui viviamo. Il degrado, la corruzione, la crisi (non solo economica) ha intaccato pericolosamente anche il nostro passato, storico e artistico.

Paul: Si riaffacciano infatti le tracce di un passato creduto strapassa-to: raffigurazioni di idoli e simboli dell´antichità greco-latina a mo´di graffiti, applicati su una densissima stratificazione di carte e colori che trasmette perfettamente l´idea della profondità storica e mitologica. Mi sembra una domanda quasi retorica, ma quant´ è importante per te l´idea, per citare William C. Faulkner, che il passato non è morto ma non è nemmeno passato?

Giovanni: La bellezza resiste a tutto questa aggressione eroicamente, anche se ferita, sopravvive. Nei dipinti più recenti, che tu citi, c’è un chia-ro riferimento al mondo classico, greco o romano. Volti e figure di un tempo lontano, di un mondo perduto. Resti e frammenti di statue, o af-freschi che dialogano col nostro inquinato presente. Dei e divinità, eroi e miti che convivono con ciminiere e scheletri di industrie.

Paul: E la sostituzione del palo del semaforo – che vedevamo nei quadri sulla periferia – con il tridente di Nettuno (Morituri te salutant, 2013)? In questo paesaggio con qualche residuo d´oggetto indecifrabile, quasi sgombro, fatto solo di colori e contrasti che ricorda sì il tuo primo mon-do svuotato e desertico, ma assume ora una forte valenza metafisica…

Giovanni: Sono le presenze che vengono da un passato remoto, ad av-vertirci, a scuoterci su ciò che staimo compiendo di profondamente sba-gliato. Se non ci ricordiamo da dove proveniamo, non potremo andare molto lontano nel futuro. Sono dei simboli contro un processo di distru-zione culturale e di impoverimento ormai in atto da molti anni, proprio qui in Italia, un territorio saturo di arte e testimonianza storica.

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Paul: Deine Ausstellung in diesem Winter 2013/14 unter dem Titel „Lost World“ ist wohl kaum inspiriert worden von dem gleichnamigen Science-Fiction-Roman von Arthur Conan Doyle vor 100 Jahren. Ob-gleich natürlich immer Fiktion, ist Deine Arbeit aber doch alles andere als Science Fiction, vielleicht doch eher eine Art Realismus gerade we-gen ihres so treffenden Zugriffs auf eine Welt der Verloren- und Ver-lassenheit des für Dich typischen urbanen Elends und ihrer mitunter hinreißenden Darstellung der Stadtguerilla, oft brutal in Zeichen und Titel, in einem Schwarzweiß wie bei Grido di Guerra (Kriegsgeschrei, 2004). Deine Vision von dieser Welt, war die jemals durch solch ein Schwarzweiß geprägt?

Giovanni: Nein, eigentlich eher durch ein Farbempfinden, durch Farbe, die dann in einigen meiner Bilder aber nur noch sehr ausgezehrt vor-handen ist, verbraucht, ausgelaugt. Auch als Auslöschung durch Über-malung mit Weiß und Grau, ohne vollständig verbergen zu wollen, was darunter liegt. Auch ein Grund, dass mir der Schuh des Realismus nicht so ganz passen will, weil da immer ein Moment des Erinnerns ist, das ganz woanders hinführt.

Paul: Oft lassen sich in Deiner Darstellung urbaner Peripherien ver-schiedentlich Alltagsgegenstände ausmachen, isolierte Hinterlas-senschaften, jedoch von einer Einzigartigkeit, die ihnen geradezu einen gewissen Protagonismus zuweist. Stühle, Waschmaschinen, Autowracks wie auf einer Riesenmüllkippe, in einer unendlich wei-ten Landschaft aus Industrie- und anderen Abfällen. Und in der Tat überziehen diese Halden in Italien ja das ganze Land dank einer allge-meinen Gleichgültigkeit und mangelnder ziviler Verantwortung auch des Einzelnen.

Giovanni: Genau in diesen Deponien unter freiem Himmel, auf diesen verdreckten und vergifteten Böden mit ihren Müll verbrennenden Feu-ern überall, „terre dei fuochi“, vegetieren Abfall und Überfluss der zivi-lisierten Welt vor sich hin. Früher oder später findet das alles sein Ende und all diese Gebrauchsgegenstände sagen uns das unmissverständlich ins Gesicht, per Verfallsdatum. Diese desolate Brachlandschaft erscheint mir dann als eine Metapher, als Friedhof einer immer hektischeren Jagd nach immer mehr Überfluss, immer weiter, immer schneller. Und ir-gendwann ist Schluss.

Paul: Ich frage mich manchmal, warum eigentlich diese Objekte unseres Alltags bei Dir oft so ein grobes, erbärmlich hässliches Aussehen haben…

Giovanni: Ich will gar nicht leugnen, dass mich solche Wracks faszinie-ren, diese Autos, Waschmaschinen und Kloschüsseln in freier Wildbahn, wie sie da verrotten und sich mir anbieten als Analogie zum heroischen Widerstand gegen den Zahn der Zeit all dieser Statuen und Denkmä-ler der Antike aus Bronze und Marmor. Verschieden ist deren Beharren gegen Korrosion und Verfall ja nur der Form nach und in Hinblick auf den Wert, den wir diesen Objekten zuschreiben. Aber Objekte sind und bleiben sie allesamt.

Paul: Von 2007 bis zum letzten Zyklus von Arbeiten scheint mir ein Leitmotiv ganz evident: Das ist die besondere Hervorhebung des Ho-rizonts; oft in einer ganz klaren Aufteilung von Himmel hier und Erde dort im Licht eines Spiels von Farbschattierungen, von purem Weiß bis zu einer Vielzahl an stets leuchtenden Nuancen. Diese Linie am Hori-zont, auch in einigen Gemälden von 2013, so bei „Morituri te salutant“, evoziert in mir den Blick in die Bildtiefe der Unendlichkeit bei Caspar David Friedrich, wo sich Räume öffnen zur Imagination einer anderen Welt. Du hast ja selbst einmal bestimmten weiß gehaltenen Flächen in Deinen Bildern einen utopischen Wert zugeordnet, dort, wo sich ein Horizont abzeichnen könnte…

Giovanni: Genau! Da tut sich ein Raum auf, ein Freiraum der Mög-lichkeiten, jenseits dieses Vordergrunds, der doch kaum eine Bühne fürs Positive ist. Ich deutete ja schon an, dass meine Abfalllandschaften auf Grundsätzliches unserer Existenz anspielen in ihrem Chaos aus Irrtü-mern und Fehlgriffen, Versuchen und Korrekturen. Und doch gibt es da das ganz Andere, das motiviert zum Weitermachen quasi in einem hero-ischen, epischen Akt des In-der-Welt-Seins. Am Horizont hinten leuchtet ein großes Licht und es kommt nur darauf an, das wahrzunehmen – das ist das Wichtigste. Nicht dahin zu kommen, klappt vielleicht eh nicht. Diese Weit-Sicht aber öffnet Perspektiven, Ziele, Motivationen.

Paul: Seit langem schon arbeitest Du an einem Konzept, das die Realität in ihrer mitunter exaltierten Banalität als solche nimmt und daraus eine Idee von Einzigartigkeit heraustreibt, ich wage zu sagen: von Schönheit, aber natürlich nicht im affirmativen Sinn. Und dies dank einer Technik der Verfremdung – wie bei den Romantikern oder Brecht. Mit Deiner

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Arbeit beantwortest Du eine wichtige Frage ganz klar: Warum sollte sich ein Künstler der Hässlichkeit der Welt annehmen, ohne jegliche Möglichkeit zu einer Epiphanie, zum Auffinden einer anderen Welt, vielleicht sogar von Formen der Erhabenheit – neben dieser lost world in ihrer ganzen Verlassen- und Vergessenheit. Könntest Du mir folgen, wenn ich an dieser Stelle in Giovanni Cerri einen romantischen Kern ausmache?

Giovanni: Vielleicht. Denn ich gebe mich natürlich nicht damit zufrie-den, einfach den Stand der Dinge abzuschildern, und suche einen Aus-weg, eine Lücke in diesem Szenario der Hässlichkeiten für den Einbruch eines poetischen, schönen Moments. Deponien oder die archäologischen Überreste einer industriellen Welt werden so zu Symbolen, zu Orten jen-seits von Zeit und Raum, wo alles neu erfunden, erbaut, rekonstruiert werden kann.

Paul: Auf einem Bild eine andere Welt oder die Idee einer Utopie zu entwerfen, denke ich, ist sehr schwierig, wenn nicht ganz und gar un-nütz. Berührt aber die Ästhetik eines Künstlers ethische Aspekte, ist es wohl unvermeidbar, diese nicht irgendwo in seiner Arbeit aufspüren zu können. Und ich rede hier natürlich nicht von Propaganda. Doch sie werden sich finden lassen, diese Zeichen und Anspielungen auf eine immanente Aura oder einen Raum für Träume und Anteilnahme. Wie in Deiner Arbeit von 2011, “La seconda vita” (Zweites Leben), wo sich eine Figur in Blau in Richtung auf einen Horizont im schmutzig weißen Hintergrund bewegt. Ein Abschied vielleicht, die Hommage an einen geliebten Menschen, Symbol eines anderen Lebens oder der Sehnsucht nach dem Anderen schlechthin.

Giovanni: Du sprichst von einem Bild, das ich meiner Mutter unmittel-bar nach ihrem Tod vor drei Jahren gewidmet habe. Ja, darin stellt sich so etwas wie eine Konstante meiner Arbeit dar: die Sehnsucht nach einem Ziel, einem Land der Verheißung. Im Versuch, sich in Richtung auf einen lichten Horizont zu bewegen, diesen Schritt nach vorne zu machen hin zu Veränderung und zu einem klaren Bewusstsein davon.

Paul: Mich erinnert das an ein Gedicht von Reiner Kunze, „Auf dich im blauen Mantel“: „Von neuem lese ich von vorn/ die häuserzeile suche// dich das blaue komma das/ sinn gibt“.

Giovanni: Naja, dem Leben einen Sinn zu geben, das ist es doch, was ich zum Ausdruck bringen wollte. Überall nur Hindernisse, Barrieren, Tore und Türen, die wir gerne öffnen würden. Das Licht, das wir dahinten wahrnehmen, darum geht es doch, dass sich etwas bewegt: Gedanken, Ge-fühle, dass wir laufen lernen, Schritt für Schritt.

Paul: Ein Blick auf Deine neuesten Arbeiten zeigt auf der themati-schen Ebene eine unübersehbare Entvölkerung von Gegenständ-

lichem, sonst so typisch für die letzten zehn Jahre, wovon aber nun kaum noch etwas vorhanden ist. Auf dem recht großen “L´impero” (Das Reich, 180x200 cm) gibt es zwar noch einen einsamen Schorn-stein, doch scheint das Figurative dieser Welt mehr und mehr verloren zu gehen ...

Giovanni: Die industrielle Archäologie der verlassenen Fabriken heute geht Hand in Hand mit der Archäologie der Welt der Antike, alles bleibt der Vernachlässigung und dem Vandalentum überantwortet – die klas-sischen Statuen unter giftigen Staubablagerungen aus den Schornstei-nen der Umgebung, um sie herum alles von Chemiejauche und Schlamm geflutet. Das male ich, das industrielle Pompeji, Verschandelung und Schändung des klassischen Erbes, unseres kulturellen Fundaments. Ver-fall, Korruption, Krise – und nicht nur die wirtschaftliche – eine hoch-gefährliche Erosion unserer ganzen historischen und künstlerischen Ver-gangenheit.

Paul: Und sie tauchen auf, die Spuren einer Vergangenheit – die mehr als vergangen geglaubt war – in den Abbildern von Symbolen der griechisch-römischen Antike: Sie muten fast wie Graffiti auf dicken Schichtungen von Papier und Farbe an, was die Idee von mytholo-gischer und historischer Tiefe perfekt in Materie übersetzt. Fast eine rhetorische Frage, was bedeutet Dir der Gedanke, um William Faulk-ner zu zitieren, dass die Vergangenheit nicht nur nicht tot ist, sondern nicht einmal vergangen?

Giovanni: Schönheit widersetzt sich all dieser Aggression heroisch, und, obwohl schwer angeschlagen, überlebt sie doch. In meinen jüngsten Bil-dern, das hast Du ja erwähnt, ist der Bezug zur Antike, zu Griechenland und Rom, ganz eindeutig: Figuren, Gesichter und Körper einer fernen Zeit, eine vergessene Welt scheinen wieder auf. Reste und Fragmente von Statu-en, Fresken im Dialog mit unserer vermüllten Gegenwart. Götter, Helden und Mythen mit Schornsteinen und Industriebrachen im selben Boot.

Paul: Und dass der Mast mit der Ampel – wohlbekannt aus vielen Dei-ner Peripherien – nun ersetzt wird durch den Dreizack des Neptun (“Morituri te salutant”, 2013)? In dieser total entvölkerten Landschaft aus Kontrasten und Farben mit ihren nur noch vagen Andeutungen nicht mehr wirklich entzifferbarer Objekte, die natürlich noch immer an die frühere Welt verwüsteter Landschaften erinnert, aber jetzt eine starke metaphysische Tönung annimmt…

Giovanni: Das sind Mahnungen aus einer fernen Vergangenheit, die uns wachrütteln wollen, auf dem eingeschlagenen Weg nicht weiterzugehen. Denn ohne zu wissen, woher wir kommen, kommen wir nicht weit. Und es sind Symbole gegen einen lange Jahre währenden Prozess der kulturel-len Zerstörung und Auszehrung in einem Land wie Italien, das so reich an Kunst und historischem Zeugnis ist.

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Paul: Your exhibition this winter, 2013/2014, is called Lost World (www.kunoweb.jimdo.com), but I don’t believe this is inspired by Sir Arthur Conan Doyle’s novel of 100 years ago. Although, your work is still fic-tion, I would like to underline that it isn’t science fiction, it’s not fantasy. Your work is, for me, in the vein of realism thanks to its vivid resem-blance to a universe of abandon, to your world of city outskirts and to the splendour of certain operas of urban war often cruel in their signs and titles in their violent black and white – I’m referring, in particular, to Grido di Guerra (2004).But have you ever had a view of the world in black and white?

Giovanni: No, in reality I always feel colour, even if at times in some of my paintings there is little of it. If anything, it is a colour which has been con-sumed, “aged”, or it is the result of some cancellations made with overlap-ping in white and grey, which do not completely hide the paint underneath. For this I don’t feel completely realist. There is a component connected to the memory that emerges and leads elsewhere.

Paul: Often in the representation of the outskirts there are things of daily use, isolated and abandoned, which in their singularity take on a predominant virtue, become a protagonist. Those chairs, washing ma-chines or cars left there as if in a dump. But this trash in reality is never contained in certain areas, instead it invades the whole country due to an uncontrolled uncaring attitude of the population and to the lack of responsibility on an individual level.

Giovanni: They are dumps out in the open, the land is poisoned and con-taminated, the terre dei fuochi, the toxic land between Naples and Caserta where they burn the trash, where the trash and the residue of civilisation live. Sooner or later everything finishes and things of daily use are there to remind us of this important concept everyday with their expiry date. When I see these desolate lands, I see the metaphor of our cemeteries, of our useless and damaging anxiety for excess. A progressive and accelerated rush towards the end.

Paul: I ask myself why these things often look so poor, course, ugly…

Giovanni: I don’t hide that I’m attracted by ugly and course things: in the carcasses of cars, in washing machines in the abandoned toilets out in the open, in disrepair, I find an analogy with the heroic resistance of ancient

sculpture and monuments, of bronze and marble. The fight – with the con-sumption, with the corrosion – is the same, only the form is different, and different is also the value that we give them, but they are still things.

Paul: From 2007 on, right up to the latest cycle of works, it seems to me that there is an underlying leitmotiv in your works: the highlighting of the horizon, often a clean subdivision between the sky and the land il-luminated by chromatic shades varying from pure white to a vast selec-tion of shades ever lighter. This horizon line, which is found also in some paintings from 2013 (for example in Morituri te salutant), evokes in me the dividing line of the landscape towards the infinite of Caspar David Freidrich, that is, the dimension to open the passage towards unlimited space to be able to imagine a world, a different future. You, on a separate occasion, have attributed a value of utopia to certain white spaces where the horizon is imagined.

Giovanni: Yes, it’s the place of redemption, beyond the foreground where the usual representation isn’t quite so positive! As I was saying earlier, the representation of a land scattered with trash is a way of referring to our existence, scattered with errors and mistakes, acts and afterthoughts. But in all this there is always a “beyond”, a reason which is almost heroic, epic, to go forward, to continue on the inaccessible path of staying in the world. After the horizon there is a great light, the most important thing is seeing it, not reaching it, because maybe we won’t ever get there. But seeing far offers perspectives, ambitions, motivations.

Paul: You have been working for some time on a concept that takes re-ality in its often exalted banality and makes it unusual, I venture to say “beautiful”, but naturally not in an affirmative way. And this is thanks to a technique of alienation – which is that of the romantics and then of Brecht. With your work you answer clearly an important question: why on earth should an artist focus on the ugly in the world without offering an epiphany and therefore the discovery of another world, maybe even a sublime one, next to the lost one, to the lost world? Do you accept my hypothesis that Giovanni Cerri is really a romantic artist?

Giovanni: Maybe, I’m certainly not content with drawing the state of things, I look for a further horizon. And probably this is what allows an “ugly” scenario to become beautiful and poetic. The dumps, or archaeo-

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logical ruins of the industrial world, become symbols, of places further in time, of spaces where everything can be reinvented, reconstructed.

Paul: Representing a different world or idea of an utopia in a painting is, I believe, very difficult if not completely useless, but when the aesthetic of an artist is not devoid of ethical elements, he can’t avoid letting them seep through. And I’m not speaking of propaganda. I am, however, convinced that the signs are found and felt, the allusions to an inherent aura or an imaginative space and open to participation. In a work from 2011, La seconda vita (The Second Life), a figure dressed in blue moves towards the background in a dirty white horizon – the image perhaps is a farewell, an homage to a dear person, bearer of another life or the yearning for a different dimension.

Giovanni: You’ve cited the painting dedicated to my mother just after her passing, three years ago. That scene reaffirms that which I habitually rep-resent in my paintings: the desire to reach a destination, a promised land. We try to go towards an ever more luminous horizon, to make that step forward allowing us to progress or become aware of change.

Paul: This reminds me of a poem by Reiner Kunze entitled To You in the Blue Coat: “Once more I scan the row of houses / from the beginning searching for // you the blue comma that / gives meaning”.

Giovanni: Yes, giving meaning to life is the concept I was trying to express. We pass our days between obstacles, barriers, gates and doors which we would like to open. The light that we see there at the end is that which moves the thoughts, emotions, legs to walk, step by step.

Paul: Looking at your latest works I notice, on the thematic plane, a strong depopulation of the subjects, those typical of the last decade, found now only in very few signs that are nearly lost. In the large paint-ing L’impero (180x200cm) there is still the image of a chimney stack, but the figurative in that world is lost…

Giovanni: The industrial archaeology of the abandoned factories is merged with the archaeology of the ancient world abandoned in neglect, pockmarked and vandalized. The poisonous dust from the chimneys lays on the classical sculptures. The chemical sludge of waste has flooded our classical culture. What I paint now is the “Industrial Pompeii”, the vio-lence against classical memory, the foundation of the culture in which we live. The decay, the corruption, the crisis – not just economic – has danger-ously corroded our historical and artistic past.

Paul: In fact the traces of a past we thought was gone reappear: depic-tions of idols and symbols of Greek and Roman antiquity in the form of graffiti, applied on a very dense stratification of paper and colour, which perfectly transmit the idea of historical and mythological profundity. It seems to me almost a rhetorical question, but how important is the idea for you, to cite William Faulkner, that the past isn’t only not dead, but hasn’t even passed?

Giovanni: Beauty endures heroically through all this aggression; even if it is wounded, it survives. In more recent paintings, which you cite, there is a clear reference to the classical Greek and Roman world. Faces and figures from a faraway time, from a lost world. The remains and fragments of statues, or frescos that dialogue with our polluted present day. Gods and divinities, heroes and legends that live together with chimney stacks and industrial skeletons.

Paul: And the substitution of the traffic light – which we saw in paint-ings of outskirts – with Neptune’s pitchfork (Morituri te salutant, 2013)? This landscape with some residue of indecipherable objects, nearly emp-ty, made only of colours and contrasts that recalls your first empty desert world now takes on a strong metaphysical virtue…

Giovanni: They are the presences that come from a remote past to warn us, to shake us from the deeply wrong things we are doing. If we don’t remember where they come from, we can’t go very far. They are symbols against a process of cultural destruction and of impoverishment, which have been in act for many years right here in Italy, a territory saturated with art and historical evidence.

Trittico Habitat alla Triennale Design Museum di Milano, nella mostra Riprogettare l’archeologia 2010Foto Giovanni Molino

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Foto Valeriano Borroni

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Opere - Werke - Works Museo del Mobile - RIVA 1920

IL GRANDE PAESE / GROßES LAND / ThE GREAT COuNTRy

Museo del Mobile - RIVA 1920 - Cantù (CO) 22-11-2014 / 05-01-2015

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Ecomostro, cm. 100x120, olio, 2009

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L’impero, 2012, olio, cm. 80x120

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Il regno, 2012, olio, cm. 80x120

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L’impero, 2014, olio, cm. 136x100

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Paesaggio che non c’è più, 2013, olio, cm. 100x120

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Il bunker 2014, olio, cm. 80x160

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L’impero, 2013, olio, cm. 100x120

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Mondo perduto, 2013, olio, cm. 130x160

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Marco Aurelio, 2014, olio, cm. 120x100

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Nettuno, 2013, olio, cm. 140x90

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Morituri te salutant, 2013, olio, cm. 140x220

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L’Assemblea, 2014, olio, cm. 140x220

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L’Impero, 2013, olio, cm. 180x220

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Giovanni Cerri è nato nel 1969 a Milano, dove vive e lavora.Ha iniziato a esporre nel 1987 e da allora ha tenuto mostre in Italia e all’e-stero. Parallelamente all’attività artistica, ha svolto il ruolo di promotore, organizzatore e curatore di mostre in spazi pubblici e gallerie private, collaborando tuttora con riviste, siti web e blog che si occupano di arte moderna e contemporanea.Da sempre attratto dal territorio urbano di periferia, la sua ricerca si è sviluppata nell’indagine tematica dell’archeologia industriale, con raffi-gurazioni di fabbriche dismesse, aree abbandonate e relitti di edifici al confine tra città e hinterland. Dal 2001 al 2009, con il ciclo delle «città fantasma», ha lavorato dipingendo sulla carta di quotidiano. Un suppor-to che – attraverso alcuni frammenti di scritte – raccontava la nostra contemporaneità, come una sorta di cronaca affiorante dalla materia pittorica. Nel 2006, con questa tecnica, ha rivisitato in sedici quadri alcu-ni celebri volti della Cappella Sistina e del Giudizio Universale di Miche-langelo per una mostra alla Galleria Blanchaert di Milano e successiva-mente è stato invitato dal curatore Philippe Daverio al Premio Michetti a Francavilla al Mare. Nel 2008 espone con il padre Giancarlo al Museo della Permanente a Milano nella mostra «I Cerri, Giancarlo e Giovanni. La pittura di generazione in generazione». Nel 2009 realizza il grande trittico dal titolo «Gomorra, l’altro Eden», ispirato al best-seller di Roberto Saviano.In questi anni, diversi suoi cataloghi sono stati accompagnati dai testi dell’amico scrittore Raul Montanari.Nel 2010 è tornato alla pittura su tela, presentando nell’ambito del Pre-mio «Riprogettare l’archeologia», un altro grande trittico dal titolo «Ha-bitat» alla Triennale Design Museum di Milano. Nel 2011, invitato dal curatore Vittorio Sgarbi, espone al Padiglione Italia Regione Lombardia alla 54° Biennale di Venezia, e successivamente alla mostra «Artisti per Noto. L’ombra del divino nell’arte contemporanea» a Palazzo Grimani a Venezia.Una sua opera è presente nella collezione del Museo della Permanente a Milano.

Giovanni Cerri ist 1969 in Mailand geboren, wo er lebt und arbeitet.1987 findet die erste Ausstellung von Giovanni Cerri statt. Seitdem werden seine Werke regelmäßig in Italien und im Ausland gezeigt. Ne-ben seiner künstlerischen Tätigkeit hat er als Initiator, Veranstalter und Kurator Ausstellungen in öffentlichen Institutionen und Galerien be-treut und schreibt auch heute für Zeitschriften, Webseiten und blogs, die sich mit moderner und zeitgenössischer Kunst befassen.Seit jeher von Stadtrandgebieten angezogen, entwickelt sich sein künstlerisches Anliegen in der Erforschung der industriellen Archäolo-gie mit Darstellungen von stillgelegten Fabriken, verlassenen Grund-stücken und Gebäuderelikten an der Grenze zwischen Stadt und Hinterland. Von 2001 bis 2009 malt er den Zyklus «Città fantasma» (Geisterstadt) auf Zeitungspapier, einem Bildträger, der – durch seine Textfragmente – das Zeitgenössische wie in einer Art Reportage aus der malerischen Materie ans Licht kommen lässt. Mit dieser Technik interpretiert der Künstler 2006 in 16 Bildern die berühmten Gesichter der Sixtinischen Kapelle und des Jüngsten Gerichts von Michelangelo für eine Ausstellung in der Galerie Blanchaert in Mailand neu. Anschlie-ßend wird er von Kurator Philippe Daverio zum «Premio Michetti» in Francavilla al Mare eingeladen. 2008 stellt er gemeinsam mit dem Va-ter Giancarlo im Museo della Permanente in Mailand unter dem Titel «I Cerri, Giancarlo e Giovanni. La pittura di generazione in generazione» aus. 2009 verwirklicht er ein großes Triptychon mit dem Titel «Gomor-ra, l’altro Eden», das unter dem Eindruck des Bestsellers von Roberto Saviano über die Camorra entsteht.Mehrere Ausstellungskataloge Cerris werden von Texten des befreun-deten Schriftstellers Raul Montanari begleitet.2010 kehrt Cerri zur Malerei auf Leinwand zurück und präsentiert im Rahmen des «Premio Riprogettare l’archeologia» ein weiteres großes Triptychon mit dem Titel «Habitat» im Triennale Design Museum von Mailand.Auf Einladung von Kurator Vittorio Sgarbi stellt er 2011 im Italienischen Pavillon, Region Lombardei, der 54. Biennale di Venezia aus und betei-ligt sich außerdem an der Ausstellung «Artisti per Noto. L’ombra del divino nell’arte contemporanea» im Palazzo Grimani in Venedig.Ein Werk von Giovanni Cerri befindet sich in der Sammlung des Museo della Permanente in Mailand.

BIOGRAfIEBIOGRAfIA

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Giovanni Cerri was born in 1969 in Milan, where he lives and works.He began exhibiting in 1987 and since then has exhibited in Italy and abroad. Alongside his artistic activity, he has worked as a promoter, organiser and curator of exhibitions in public and private galleries, col-laborating still today with magazines, websites and blogs in the field of modern and contemporary art.Always attracted by the urban and hinterland territories, his research has developed in the thematic investigation of industrial archaeology, with depictions of disused factories, abandoned areas and wreckages of buildings on the border of city and outskirts. From 2001 t0 2009, with the cycle of “ghost cities”, he painted on newspaper, a support that – through some fragments of text – tells of the present-day, like a sort of emerging chronicle of the pictorial material. In 2006, with this technique, he revisited in 16 paintings some of the most celebrated faces of the Sixteen Chapel and The Last Judgement of Michaelangelo for an exhibition at Galleria Blanchaert in Milan and successively was invited by the curator, Philippe Daverio, to take part in the Michetti Prize at Francavilla al Mare. In 2008, together with his father, Giancarlo, at the Museo della Permanente in Milan, he held the exhibition “The Cerris: Giancarlo and Giovanni: Painting from Generation to Genera-tion”. In 2009, he completed a large triptych entitled: “Gomorra: The Other Eden”, inspired by Robert Saviano’s best-seller.In these years, several of his catalogues were accompanied by texts written by his friend and writer, Raul Montanari.In 2010, he returned to painting on canvas, presenting another great triptych entitled “Habitat” at the Trinnale Design Museum in Milan, in occasion of the “Redesigning Architecture” Prize.In 2011, he was invited by the curator, Vittorio Sgarbi, to exhibit in the Lombardy Section of the Italy Stand at the 54th Biennale di Venezia, and successively in the exhibition “Artists for Noto. The Shadow of the Divine in Contemporary Art” at Palazzo Grimani in Venice.One of his works is present in the collection of the Museo della Perma-nente in Milan.

BIOGRAPhy

Con Salvatore A. Sanna Foto Alfredo Felletti

Con Gian Marco Walck e Giancarlo CerriFoto Valeriano Borroni

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1995 Galleria Cortina – Milano1998 Fantasmi apolidi – Galleria Ragno – Milano1999 Fantasmi apolidi – Galleria Prisma - Verona2000 In-corpo-reo – Galleria Magrorocca – Milano2002 Galleria Monogramma – Roma2004 Places – Museo Pagani – Castellanza (VA)2005 Sopravvivenze – Cortina Arte – MilanoSopravvivenze – Casa G. Cini – Ferrara2006 Sixteen-a – Galleria Blanchaert – MilanoGalleria Cappelletti – MilanoBianchi e neri - Cortina Arte – Milano2007 News-papers – Galleria Palmieri – Busto Arsizio (VA)2008 Acute presenze – Como Arte – ComoI Cerri, Giancarlo e Giovanni. La pittura di generazione in generazione – Museo della Permanente - MilanoLa città che scende – Spazio Tadini – MilanoC’era una volta la città – Avanguardia Antiquaria – Milano2009 Gomorra, l’altro Eden – Gli Eroici Furori – MilanoL’inquieto esistere – Museo d’Arte Moderna di Gazoldo degli Ippoliti (MN)L’inquieto esistere – Ex Chiesa di San Pietro in Atrio – ComoArchéologie du present – Orenda Art International – Paris2010 L’inquieto esistere – Cortina Arte – MilanoA hurricane of light – De Luca Fine Art – TorontoHabitat – Galleria Cappelletti – MilanoHabitat – Galleria Palmieri – Busto Arsizio (MI)Pastorale – Galerie Kuhn & Partner – Berlin2011La seconda vita – Spazio Arte – MilanoIl regno – Galleria Berga – Vicenza

2012 LPortraits – De Luca Fine Art – TorontoLo sguardo dentro, lo sguardo fuori – Area 35 – Milano2013 Voyage en Italie – Orenda Art International – ParisGiancarlo e Giovanni Cerri. Due generazioni di artisti milanesi – Frankfur-ter Westend Galerie – Frankfurt am Main2014 Habitat – Auinger Werkstatt für möbel & objekte – Zell a/Main Würzburg The great country – Istituto Italiano di Cultura – CopenaghenThe great country – Istituto Italiano di Cultura – KölnThe great country – Riva1920 – Cantù – (CO)

MOSTRE PERSONALI / EINZELAuSSTELLuNGEN / PERSONAL ExhIBITIONS

Con Bruno BordignonFoto Roanna Weiss

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1991Artisti di via Manzoni – Palazzo Bagatti Valsecchi – Milano1993Premio San Carlo Borromeo – Museo della Permanente – MilanoPremio Internazionale d’Arte “Bice Bugatti” – Nova Milanese (MI)1995 Milano, cento artisti per la città – Museo della Permanente – Milano1996 Premio Suzzara – Galleria Civica d’Arte Contemporanea – Suzzara (MN)1997 Figurazioni – Museo della Permanente – Milano1998 Milano/Berlino – Metropoli a confronto – Galerie Verein – BerlinBiennale Postumia Giovani – Museo d’Arte Moderna di Gazoldo degli Ippoliti (MN)Di padre in figlio – Antica pretura di Castell’Arquato (PC) 1999 Premio Ennio Morlotti – Imbersago (LC)2001 Giovane Arte Europea – Castello Visconteo – PaviaM.I.M. Museo in movimento – Castello di S. Pietro in Cerro (PC)Molteplici frequenze – Cortina Arte – Milano2002La Galleria Cortina, 40 anni d’arte e cultura a Milano – Galleria Civica d’Arte Contemporanea “Cascina Roma” – San Donato Milanese (MI)Premio Ennio Morlotti – Imbersago (LC)Arte per tempi nuovi – Galerie Die Ecke – AugsburgA tutto tondo – Museo della Permanente – MilanoPremio La Fenice – Hotel la Fenice – Venezia2003 Naturarte – Ex Ospedale Soave – Codogno (LO)Dialoghi incrociati – Galleria Luka – Pola 2005 Biennale Internazionale d’Arte – Museo di AnkaraInfinity – Cern – Ginevra2006 Antologhia Machon – Galleria delle Battaglia – Brescia60x60, una collezione in crescita – Young Museum – Revere (MN)Premio Michetti – Museo Michetti – Francavilla a Mare (CH)2007 Mai dire Mao – Mercante in Fiera – ParmaRi-tratti dalla memoria – Complesso Agostiniano di Montecosaro (MC)

2008 Donazioni dal 1970 a oggi – Museo della Permanente - Milano Maestri di Brera – Museo Nazionale d’Arte Moderna – Shanghai2009 Acquisizioni 2009 – Museo Civico “Parisi Valle” – Maccagno (VA)Luci della ribalta – Spazio Tadini - Milano2010 Riprogettare l’archeologia – Triennale Design Museum – MilanoLe Meduse – Fabbrica del Vapore – MilanoImpreviste presenze – Galleria Alba d’Arte - Brescia2011 Cinque per Masolino – Museo Branda Castiglioni – Castiglione Olona (VA)Territori del Sud – Martadero - CochabambaArtisti per Noto – L’ombra del divino nell’arte contemporanea – Palazzo Grimani – VeneziaFreunde der Galerie – Galerie Kuhn & Partner – Berlin54° Biennale di Venezia, Padiglione Italia, Regione Lombardia – Palazzo Lombardia – Milano2012 Le Meduse, the black sea – Avalon Gallery – Orlando, U.S.A.Premio Sulmona – Ex Convento di Santa Chiara – Sulmona (AQ)Tracce di contemporaneo in ville aperte – Castello Lampugnani Cremo-nesi – Sulbiate (MB)Articolo 4 – Torre Viscontea – LeccoFreunde der Galerie – Galerie Kuhn & Partner - BerlinColori – Biblioteca di Mezzago (MI)2013 Dall’immagine all’orizzonte – Museo Civico “Parisi Valle” – Maccagno (VA)50 e oltre. La Galleria Cortina 1962-2013 – Galleria d’Arte Contempora-nea “V.Guidi” – Cascina Roma – San Donato Milanese (MI)Footballspacegallery – Ex Università degli Studi, Casa Suardi – BergamoArtisti per Tazio Nuvolari – Casa Museo Sartori – Casteldario (MN)9th Asian and African Exhibition – Luo Qi International Art Gallery – Sui Chang County, Zeijang Province - CHINAFreunde der Galerie – Galerie Kuhn & Partner – BerlinHommage à la Gallerie Cortina de Milan – Orenda Art International – ParisVeleni – Centro Civico di Oltrisarco (BZ)Save the dreams – Spazio Tadini - Milano2014 “Omaggio a Michelangelo” – Frankfurter Westend Galerie – Frankfurt am Main

MOSTRE COLLETTIVE E RASSEGNE / KOLLEKTIVAuSSTELLuNGEN / GROuP ShOWS

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Da anni lavoriamo a questo progetto: costruire mobili che sfidano il tempo e rispettano la natura.

Tutto nasce negli anni 20 del secolo passato, mio nonno Nino e poi papà Mario segnano la via di questa avventura imprenditoriale.Dalla bottega sotto casa iniziavo ad apprendere i primi segreti nelle lavora-zioni del legno con mio fratello Maurizio e papà Mario.Ricordo che già ha quei tempi nei nostri arredamenti proponevamo fini-ture naturali. Potevamo scegliere una strada piu’ semplice nel produrre i nostri manufatti con materiali molto più facili da lavorare, non il legno massello materiale sempre imprevedibile nei suoi movimenti.Il progetto di fare mobili di qualità, il 1992 è per noi una svolta importante: da artigiani diventiamo in pochi mesi un’azienda che conta circa 30 colla-boratori. Nello stesso anno ci presentiamo per la prima volta al Salone In-ternazionale del Mobile di Milano, ed entra nell’azienda Riva anche nostra sorella Anna che si occuperà dell’ambito amministrativo.

Il tempo che passo in azienda comincia a diventare sempre piu’ impegna-tivo, si passa da momenti di grande euforia a momenti di sconforto, ma il vedere i progetti un tempo solo presenti solo nella mia mente prendere forma ed essere apprezzati come azienda da la carica.Ci aspettano anni di importanti investimenti sia a livello di struttura interna che commerciali.Io e mio fratello Maurizio ci siamo sentiti sempre un po’ artisti nello scoprire e lavorare nuovi legni. Non essere i primi nel modo di pensare ma creare mobili che diventino opere d’arte.Nel 1992 progettiamo, “pardon” mio fratello Maurizio disegna creando per la nostra ditta la prima vera e propria collezione.Nel contempo cominciamo a collaborare con diversi designer. E’ proprio in questo periodo che il marchio Riva Arredamenti cambia diventando R1920.Grazie alle finiture naturali, al calore del legno e al supporto di un design curato, il nostro prodotto inzia ad essere apprezzato anche all’estero.

RIVA1920 E L’ARTE

Davide Riva Cantù, 04/10/2011

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“Punto e a caposi ricomincia.Si ricomincia dall’iniziole idee si affollano nella mentementre tutto va avanti, si avvita, se ne va.Gli obiettivi cambiano, si modellano, lasciando posto a nuovi entusiasmi, stili di vita, proprio come accade per il design del mobileIl design ci ha insegnato cos’è l’estetica dell’abitare ma è ancora troppo ingor-do per non approffitarsi di una qualita’ che spesso rimane vincolata da un costo.A me non rimane che raccogliere le parole scritte, i pensieri nella mente e farsi largo tra quello che sarà cercando di fare meglioricominciando dall’inizio”

Nel 1999 ci si innamora di uno stabile (una vecchia fabbrica del legno in Cantù), si decide così di acquistare questa stupenda struttura per creare uno spazio dedicato ai clienti e ha chiunque volesse conoscere la realtà e il pensiero Riva R1920.In questo spazio ai nostri clienti permettevamo di toccare con mano (come si suol dire) la qualita’ di un prodotto artigianale realizzato in legno massello, qualità che non si puo’ trasmettere tramite i cataloghi.Ma era anche un luogo di incontro per mostre che periodicamente veniva-no realizzate in questo spazio, tra cui la mostra dedicata ai progetti scenici di Arnaldo Pomodoro e agli studi di design di Renzo e Matteo Piano, Pi-ninfarina Extra. Decidiamo di creare un Museo o meglio una Collezione di utensili e macchinari per la lavorazione del legno che negli anni diventera’ sempre piu’ ricca di oggetti, ad oggi circa 2.800 pezzi.Sia io che Maurizio abbiamo dedicato il poco tempo libero alla ricerca di questi utensili trovati sia in Italia che in Europa.Passano gli anni è c’è l’esigenza di ampliare le unità produttive, proprio per questo motivo nel 2004 lasciamo questo stupendo stabile per investire appunto in una delle due unità produttive.Ad oggi i Designer che ci aiutano e ci stimolano con i loro progetti sono sempre di più, peccheremo di presunzione elencando tutti loro, ma sia io che Maurizio siamo entusiasti e a volte quasi increduli che architetti di fama mondiale condividano con noi l’evoluzione della R1920.Nel 2004 in ditta arrivano i rinforzi la quarta generazione figli e nipoti. Con il loro aiuto possiamo affrontare con più decisione e sicurezza i nuovi tempi che si prospettano sempre più impegnativi.Gli anni passano veloci come settimane e l’evoluzione del nostro prodotto è sempre continuo. Nel 2010 finalmente costruiamo il nuovo show room che abbiamo sempre desiderato. Una struttura di circa 3.000 mq molto suggestiva totalmente ricoperta in legno di larice.Al suo interno è visibile parte della nostra produzione nonché il nostro caro Museo del Legno. Siamo ai giorni nostri , continuiamo a lavorare nello stesso identico modo di quando eravamo giovani artigiani.Il nostro prodotto è e sarà sempre fatto come quel giorno che entrai per la prima volta nel laboratorio (la bottega sotto casa).Ancora qualche riga per poter spiegare con quanto entusiasmo e curiosita’ sia io che Maurizio decidiamo di produrre articoli con legni mai utilizzati per la produzione di arredamenti come il cedro , il legno kauri millenario proveniente dalla Nuova Zelanda, le Briccole di Venezia e altri molti altri legni particolari saranno utilizzati in futuro.La passione si trasforma nell’arte del costruire elementi in legno che “forse” ci accompagneranno per un lungo periodo della propria esistenza, con sfide sempre piu’ importanti e con il rispetto della terra, che ci permette di lavorare questo stupendo materiale che è il legno.Probabilmente avrei dovuto descrivere in altro modo la mia azienda, ma vi dico la verità… non sono un bravo scrittore…. Non sono nato per scri-vere ma per fare il falegname , per sentire sotto le mie dita le venature e i profumi del legni.Vorrei chiudere questo mio scritto con un pensiero che forse spiega tutto quello che io non sono stato capace di fare.

RIVA 1920 uND DIE KuNST

Davide Riva Cantù, den 4. Oktober 2011

Der Bau von Möbelstücken, die die Zeit überleben und die Umwelt res-pektieren: Das ist seit Jahren unsere Philosophie.Alles begann in den 20er Jahren des letzten Jahrhunderts: mein Großvater Nino und dann mein Vater Mario haben den Weg dieses abenteuerlichen Unternehmens vorgezeichnet.In einer kleinen Werkstatt im Keller unseres Hauses erlernte ich, zusammen mit meinem Bruder Maurizio und mit der Hilfe meines Vaters Mario, die ersten Tricks der Holzbearbeitung. Ich kann mich noch sehr gut daran erin-nern, dass wir schon damals natürlich behandelte Möbelstücke anboten. Natürlich hätten wir auch einen leichteren Weg für die Herstellung unserer handgefertigten Produkte mit viel einfacher zu bearbeitenden Materialien wählen können, und nicht das Massivholz, das ständig Formschwankun-gen unterliegt. 1992 ist ein wichtiges Jahr für unseren Plan, Qualitätsmö-bel herzustellen: Aus einem kleinen Handwerksbetrieb wird in wenigen Monaten eine Firma mit ungefähr 30 Mitarbeitern. Im gleichen Jahr nehmen wir zum ersten Mahl an der Internationalen Mö-belmesse in Mailand teil, und auch unsere Schwester Anna tritt in die Firma in, um sich um die Buchhaltung zu kümmern. Immer mehr Zeit verbringe ich in der Firma; man lebt zwischen Hochgefühl und Verzagtheit, aber wenn die Projekte, die zunächst nur in meinem Kopf existieren, Gestalt annehmen und in der Branche geschätzt werden, dann ermutigt das. Die folgenden Jahre sind von bedeutenden Investitionen sowohl struktureller als kom-merzieller Art geprägt. Mein Bruder Maurizio und ich haben uns immer ein wenig als Pioniere bei der Suche und Bearbeitung von neuen Holzarten ge-

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sehen. Nicht als die Ersten bei dem Entwurf sondern bei der Herstellung der Möbel, so dass diese zu einem Kunstwerk werden. 1992 realisieren wir, „pardon“, entwirft mein Bruder Maurizio für unsere Firma die erste eigene Kollektion. In der Zwischenzeit beginnen wir, mit verschie-denen Designern zusammenzuarbeiten. Und in dieser Zeit wird die Marke Riva Arredamenti zu R1920. Dank der natürlichen Bearbeitung, der Wärme des Holzes und der Anwen-dung eines formsicheren Designs beginnt man unsere Kollektion auch im Ausland zu schätzen. 1999 verlieben wir uns in ein wunderschönes Gebäude (eine alte Holzfab-rik in Cantù) und entscheiden uns, diese Fabrik zu kaufen, um unsere Kun-den und jeden, der die Philosophie der Firma Riva R1920 kennenlernen möchte, dort zu empfangen. In diesen Räumlichkeiten konnten unsere Kunden die Qualität eines aus Massivholz handgefertigten Produkts sozusagen fühlen, etwas, was man nicht in einem Katalog vermitteln kann. Aber es war auch ein Ort für Aus-stellungen, die regelmäßig dort realisiert wurden, darunter eine Ausstel-lung mit Bühnenbildern von Arnaldo Pomodoro, den Designstudien von Renzo und Matteo Piano sowie von Pininfarina Extra. Dann entschieden wir uns, ein Museum oder besser gesagt, eine Samm-lung von Werkzeugen für die Holzbearbeitung zu gründen, die mit den Jah-ren immer umfangreicher wird und auf heute fast 2.800 Stück angewach-sen ist. Maurizio und ich waren in unserer knappen Freizeit immer auf der Suche nach diesen Werkzeugen, sowohl in Italien als auch in ganz Europa.Ein paar Jahre später müssen unsere Werkstätten erweitert werden, des-halb verlassen wir 2004 dieses wunderschöne Gebäude und kaufen die

erste von zwei neuen Produktionsstätten.Leider können wir nicht alle die vielen Designer nennen, die bis heute mit uns zusammenarbeiten und uns mit ihren Projekten anspornen, aber sowohl Maurizio als auch ich sind begeistert und können es manchmal kaum glauben, dass international bekannte Architekten zu der Fortent-wicklung von R1920 beitragen. Im Jahre 2004 tritt die vierte Generation in die Firma ein. Dank ihrer Hilfe kann das Unternehmen mit mehr Dynamik und Entschlossenheit auf die steigenden Bedürfnisse des Marktes reagieren. Die Jahre vergehen wie Wochen und unsere Produkte werden kontinu-ierlich weiterentwickelt. 2010 eröffnen wir endlich den neuen Showroom, den wir uns immer gewünscht haben. Ein ungefähr 3.000 qm großes, sehr beeindruckendes und mit Lärchenholz verkleidetes Gebäude.

Drinnen kann man einen Teil unserer Produktion sowie auch unser gelieb-tes Holzmuseum besichtigen.Auch heute noch arbeiten wir mit der gleichen Leidenschaft wie als junge Handwerker. Unsere Produkte werden noch immer so hergestellt wie an jenem Tag, als ich zum ersten Mal die Werkstatt (im Keller unseres Hauses) betrat. In wenigen Zeilen möchte ich noch anfügen, mit welchem Enthusiasmus und welcher Neugier sowohl Maurizio als auch ich uns der Herstellung von Gegenständen aus Hölzern widmen, die noch nie für die Herstellung von Möbeln benutzt wurden, wie das Zedernholz, das tausendjährige Kauri-Holz aus Neuseeland, die Dalben aus Venedig und viele andere be-sondere Holzarten, die in Zukunft verarbeitet werden.Unsere Leidenschaft verwandelt sich in die Kunst, Holzobjekte zu entwer-fen, die uns „vielleicht“ für eine lange Zeit unseres Lebens begleiten werden, und mit immer größeren Herausforderungen und dem Respekt für die Erde können wir jenes wunderbare Material bearbeiten, welches das Holz ist.Wahrscheinlich hätte ich meine Firma anders beschreiben sollen, aber ehr-lich gesagt bin ich kein guter Schriftsteller ... Ich bin nicht geboren, um zu schreiben, sondern um Schreiner zu werden, um unter meinen Fingern die Maserung des Holzes zu fühlen und seinen Geruch einzuatmen.Ich möchte mit einem Gedanken schließen, der vielleicht all das erklärt, was ich nicht in der Lage war zu tun.

„PunktUnd neue Zeile.Man beginnt wieder von vorneDie Ideen gehen durch den KopfWährend alles weitergeht, sich bewegt, sich entfernt.Die Ziele ändern sich, nehmen Form an und lassen Platz für neue Begeisterungen,Lebensstile, genau wie beim Möbeldesign.Design hat uns gelehrt, was Wohnästhetik ist, aber es ist immer noch zu gierig, um sich nicht einer Qualität zu bedienen, die oft an die Kosten gebunden ist.Mir bleibt nur, die schriftlichen Worte zu sammeln, die Gedanken, mir einen Weg zu bahnen zwischen dem, was sein wird und das Beste daraus zu machen, indem ich von vorne anfange.“

Foto Isabella Dovera

The years go by and we need to expand our production units: that is why in 2004 we left our building and moved to a bigger one.Nowadays there are several designers collaborating with us; we do not want to list them and act as selfish people, but we are very excited to work with them every day. Still, sometimes we just can not believe that such important and famous designers could share with us Riva 1920’s development.In 2004 the fourth generation enters the company: our children and neph-ews start working for us and thanks to their help we can be more positive and face the future with strength and confidence, together against the problems and difficulties which can arise in the years to come. Time goes by and quickly and the development of our products carries on. In 2010 we managed to build our showroom at last, the one we had al-ways longed for: a very fascinating 3000 metres-square structure com-pletely covered with larch-wood, where you can see some of our products and our beloved Museum of Wood. Nowadays we carry on working in the same way we were used to when we were young craftsmen. Our products are and always will be made in the same way as when I first started working in the workshop by our house. Let me explain in a few lines more how enthusiastic and curious Maurizio and I were when we first decided to work with newly discovered thousand-year old kauri coming from New Zealand or with those types of wood, which had never been used for furniture, like cedar wood, Briccole from Venice or other special kinds of wood which we are going to deal with in the near future. Our passion turns into the art of making and producing wood works which – maybe – will play a great role for most of our lives, challenging us and always respecting the earth and our environment, which allow us to work with such a special material like wood. I should have probably talk differently about my company, but frankly…I am not a good writer…actually I wasn’t born to write, but to be a carpen-ter, to feel the grains under my fingers and to smell wood. I would like to end with some word, which explains all that I didn’t man-age to do.

“Full stop,we start again.Back to the start,ideas come to mind,while everything goes on, twirls, goes away.Aims change, take shape, new feelings and styles come to life, in the same way as in furniture design.Design teaches us what furniture aesthetics is, but it is too greedy and unfor-tunately forces quality to be hung on price.All I can do is treasure the written words, my thoughts and go on facing the world and always trying to do my bestgoing back to the start”

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For some years now we have been working on the project of producing furniture defying time and respecting the environment.

Everything starts in 1920s, when my grandfather Nino and my dad Mario began our company adventure. I started working and learning the first secrets of wood carving with my dad and brother Maurizio. At that time already our furniture had natural finishes.We could have chosen a far simpler way of working, using other materials, such as those easier to work with. Instead, we decided to work with solid wood, the most unpredictable one. Following our project of producing high-quality furniture, the year 1992 has marked a key turning point in Riva: in a few months our craftsman’s studio turned into a company with 30 collaborators. In the same year, we exhibited at Salone Internazionale del Mobile in Milan for the first time and our sister Anna enters the company and starts working in accountancy.I start spending a lot of time in the company, living days of high spirits and others of disappointment and frustration. However, I could see that our company was appreciated and the projects, that once were only in my mind, were now becoming true were taking shape. That was really exciting for me.We had several investments ahead. My brother Maurizio and I have always felt like artists who are finding out and working new types of wood. We didn’t want to be the first in our way of thinking and working, but our aim was to produce furniture which could turn into works of art. In 1992 we designed, sorry my brother Maurizio designed the first real collec-tion of our company. In the meantime we started our collaboration with sev-eral designers and our brand name changed from Riva Arredamenti to R1920.Thanks to our natural finishes, wood warmth and an accurate design, our products start being appreciated abroad as well. In 1999 we fell in love with an old factory in Cantù and decided to buy the building, in order to create a place where our customers and everyone interested in our products can get to know Riva 1920’s world and philoso-phy. Here our customers could see and “touch” our design works and feel the quality of our solid wood products and all those characteristics which catalogues can not convey.This building was also dedicated to art- and design exhibitions, like the one featuring Arnaldo Pomodoro’s projects, Renzo and Matteo Piano’s de-sign studies and Pininfarina Extra’s. We decided to create a Museum, a Collection of historic woodworking machines and tools, which will develop in time and now boasts about 2800 pieces. Maurizio and I have spent our little spare time looking for these tools, which we eventually found in Italy as well as in Europe.

RIVA 1920 AND ART

Davide Riva Cantù, October 4th 2011