Mar & MúsicaInauguració amb la presència dels artistes, degustació de tapes i música tradicional africana:

Del 25/5 al 29/9 de 2013

Kobina NYARKO - "Unfinished Move" - 65cm Alt x 85cm A - Oli sobre tela - Foto: cedida per l'artista

Larry Otoo & Kobina Nyarko - Ghana - pintura

Dissabte 1 de juny a les 19h

art contemporani - art tribal - art del reciclatge - objectes tradicionals

Publicació gratuïta de la Galeria d’Art Contemporani i Tribal Out of Africa, Sitges - Benasc Maig 2013www.galeria-out-of-africa.com • sorella@galeria-out-of-africa.com • +34 618 356 351 • Carrer Major, 7 - Carrer Nou • 08870 Sitges / Carrer Major, 22 • 22440 Benasc

cata

là /

cas

tella

no /

eng

lish

Larry OTOO - "Mood Jazz" - 61cm Alt x 61cm AAcrílic sobre tela - Foto: cedida per l'artista

Horari: de dimarts a diumenge de 18 a 22h, dilluns tancat

F ruit de la col·laboració entre Sorella Acosta, organitzadora de fires d’art i antiguitats a Brussel·les,

i Salvador Campillo, que des de fa més de vint anys viu llargues temporades a Mali i Burkina Faso, la galeria Out of Africa ha organitzat des de la seva obertura a la Vall de Benasc (Aragó - Espanya), el 15 d’abril de 2011, un gran nombre d’exposicions i activitats culturals que evidencien la creativitat desbordant —en fotografia, pintura, escultura i art del reciclatge— dels artistes contemporanis africans, de la cultura ancestral i de l’art tradicional de les ètnies de l’Àfrica occidental i de l’Àfrica centralDesprés d’aquesta experiència tan enriquidora als peus de l’Aneto, la muntanya més alta dels Pirineus, la galeria Out of Africa s’expandeix, gràcies al treball de dos col·laboradors de primera qualitat, Tais Vidal (relacions públiques i gestora cultural) i Michel de Jong Vazquez (fotògraf i webmaster), i obre l’1 de juny de 2013 un segon espai de 100m2 a Sitges, una localitat exclusiva per a l’art i la cultura al sud de Barcelona.

An enriching blend of contemporary and african tribal art

T he Out of Africa gallery is the result of a collaboration between Sorella Acosta, an art and antiques

exhibition organizer in Brussels, and Salvador Campillo, who has lived among the customs and traditions of ethnic groups in Mali and Burkina Faso for over twenty-five years. Since its opening in the valley of Benasque (Aragon - Spain) on April 15, 2011, the Out of Africa gallery has hosted an impressive number of exhibitions and cultural activities highlighting the unhindered creativity of contemporary African artists (in photography, painting, sculpture and recycling art) as well as ancestral culture and the stripped-down art of ethnic groups in West Africa and Central Africa.As a follow up to this first great experience at the foot of the Pyrenees’ highest peak Aneto, the Out of Africa gallery is expanding, working with the expert collaboration of Tais Vidal (Public Relations and Cultural Management) and Michel de Jong Vasquez (Photography and Webmaster). A second space opens its doors in Sitges on the 1st of June 2013; a space of 100mts2 exclusively dedicated to art and culture to the south of Barcelona.

Una mezcla enriquecedora de arte contemporáneo y tribal africano

F ruto de la colaboración entre Sorella Acosta, organizadora de ferias de arte y antigüedades en

Bruselas, y Salvador Campillo, que desde hace más de veinte años vive largas temporadas en Mali y Burkina Faso, la galería Out of Africa ha organizado desde su apertura en el Valle de Benasque (Aragón - España), el 15 de abril de 2011, un gran número de exposiciones y actividades culturales que evidencian la desbordante creatividad —en fotografía, pintura, escultura y arte del reciclaje— de los artistas contemporáneos africanos, de la cultura ancestral y del arte tradicional de las etnias de África Occidental y de África Central.Después de esta experiencia tan enriquecedora a los pies del Aneto, la montaña más alta de los Pirineos, la galería Out of Africa se expande, trabajando con dos colaboradores de primera calidad, Tais Vidal (relaciones públicas y gestora cultural) y Michel de Jong Vazquez (fotógrafo y webmaster), y abre el 1 de junio de 2013 un segundo espacio de 100m2 en Sitges, una exclusiva localidad para el arte y la cultura al sur de Barcelona.

Out of Africa, una combinació enriquidora d’art contemporani i tribal africà

Sorella Acosta Tais Vidal Michel de Jong

Índex 3— Mar & Música

4— Larry Otoo, Blue Jazz

5— Kobina Nyarko, Blue Sea

6— Art tribal, intensitat màgica

8— De la brossa a la bellesa, o l’art del reciclatge a Burkina Faso

i al Senegal

10— Pintura africana, el culte als materials

12— Pintura africana, humanisme i “librisme”

14— Fotografia africana, on el negre és també color

15— Escultura africana, sorprenent i creativa

16— Sébastien Bouchard, una Àfrica extranya, moderna i inaccesible

DirectoraSorella AcostaRelacions públiquesTais VidalTraduccions a l’anglèsTim Feather

DissenyAnna Bascu i Jordi MascarellImpressióAmbient GràficDipòsit legalB. 12602-2013

Galeria Out of Africa - Sorella AcostaCarrer Santa Bárbara, 1022394 La Pardina-AínsaOsca - EspanyaTel: +34 618 356 351sorella@galeria-out-of-africa.comwww.galeria-out-of-africa.com

Galeria d’Art Contemporani i Tribal • Maig 20132 · Out of Africa

Larry OTOO - "Mellow Moods" - 122cm Alt x 76cm A - Acrílic sobre telaFoto: cedida per l'artista

Kobina NYARKO - "After Party" - 60cm Alt x 67cm A - Oli sobre telaFoto: cedida per l'artista

Mar & Música

L a exposición “Mar & Música” pondrá de manifiesto la creatividad, la libertad de expresión y la originalidad

de dos de los pintores de mayor trayectoria de Ghana: Larry Otoo y Kobina Nyarko, cuyas obras se encuentran en colecciones de todo el mundo.Larry Otoo se define a sí mismo como “contemporáneo tradicionalista”. Sus principales fuentes de inspiración son la vida cotidiana y nocturna de los ghaneses. Sus vibrantes pinturas en óleo y acrílico captan el ritmo del día a día en Ghana. Kobina Nyarko es seguramente uno de los mejores artistas contemporáneos emergentes de Ghana. En muchos de sus últimos trabajos, Nyarko explora sobre el simbolismo de la vida marina representando bancos de peces en formatos muy grandes de lienzo. El resultado de estos trabajos son composiciones que generan efectos casi hipnotizantes.Paralelamente al arte contemporáneo, la galería presenta una selección de obras de arte tribal, que incluirá una colección de instrumentos antiguos de música tradicional africana, seleccionados directamente en los países subsaharianos de origen. La música ritual es un campo muy desarrollado en África: la iniciación de los niños y niñas, el cultivo, la siembra, la caza, las bodas y los funerales, entre otros acontecimientos, dan lugar a importantes manifestaciones musicales. La música media entre los hombres y los dioses, que tienen la capacidad y el poder de atraer las primeras lluvias, alejar a la mala suerte, coronar a un líder o transformar a los niños en adultos.

L’exposició “Mar & Música” posarà de manifest la creativitat, la llibertat d’expressió i l’originalitat

de dos dels pintors de major trajectòria de Ghana: Larry Otoo i Kobina Nyarko, les obres dels quals es troben en col·leccions de tot el món.Larry Otoo es defineix a si mateix com a “contemporani tradicionalista”. Les seves principals fonts d’inspiració són la vida quotidiana i nocturna dels ghanesos. Les seves pintures vibrants en oli i acrílic capten el ritme del dia a dia a Ghana. Kobina Nyarko és segurament un dels millors artistes contemporanis emergents de Ghana. En molts dels seus últims treballs, Nyarko explora el simbolisme de la vida marina mitjançant la representació de bancs de peixos en formats de llenç molt grans. El resultat d’aquests

treballs són composicions que generen efectes gairebé hipnotitzadors.Paral·lelament a l’art contemporani, la galeria presenta una selecció d’obres d’art tribal, que inclourà una col·lecció d’instruments antics de música tradicional africana, seleccionats directament als països subsaharians d’origen. La música ritual és un camp molt desenvolupat a l’Àfrica: la iniciació dels nens i nenes, el conreu, la sembra, la caça, els matrimonis i els funerals, entre altres esdeveniments, donen lloc a importants manifestacions musicals. La música és el mitjà de comunicació entre els homes i els déus, que tenen la capacitat i el poder d’atreure les primeres pluges, allunyar la mala sort, coronar un líder o transformar els nens en adults.

T he galleries’ opening exhibition “Sea & Music” will highlight, the creativity, the originality and freedom

of expression of two well established Ghanaian painters: Larry Otoo and Kobina Nyarko, whose work can be found in many collections all over the world.One of the most renowned painters in Ghana today, Larry Otoo likes to refer to himself as a “contemporary traditionalist”. His subject matter is inspired by the everyday activities of ordinary Ghanaians. His vibrant paintings in oil and in acrylic capture the rhythm and beat of daily life. Kobina Nyarko is one of Ghana’s premier young contemporary artists. Much of Nyarko’s recent work explores the symbolism of fish in paintings that feature numerous tiny fish on often large-scale canvases.The swirling, mesmerizing schools of fish captivate all of Nyarko’s viewers and collectors

Arpa de cinc cordes - Mangbetu-Zandé - RDC 66cm Alt x 21cm A x 13cm P - Fusta, pell i cordes vegetalsFoto: Michel de Jong

Alongside contemporary art, the gallery offers a selection of tribal works of art, which will include an antique collection of traditional African musical instruments, sourced during trips to sub-Saharan countries. Ritualistic music is a highly developed theme in Africa: young boys and girl’s initiation ceremonies, sowing of crops, harvesting, hunting, weddings and funerals… all call for musical celebration. Music bridges the gap between men and gods, who have the power to bring the first rains, keep bad luck away, crown a leader or transform children into adults.

Galeria d’Art Contemporani i Tribal • Maig 2013 Mar & Música · 3

L arry Otoo se graduó en Arte Africano y Literatura Comparada en la Kwame Nkrumah University of

Science and Technology de Kumasi, en Ghana. A nivel internacional, Larry Otoo ha recibido un extenso reconocimiento y su trabajo está presente en colecciones de todo el mundo. Ha realizado exposiciones en África (Ghana, Costa de Marfil, Nigeria), Europa (Países Bajos, Gran Bretaña, Alemania, Italia, Suecia, España), Canadá, EE. UU. y Japón. Sus pinturas decoran la suite presidencial de Ghana y la Cancillería de Ghana en Washington. Su paleta de colores se basa en los tres colores primarios: el azul, el rojo y el amarillo. Da luminosidad a sus obras con el azul, y utiliza los colores azules pálidos para graduar los tonos, para combinar el efecto de los tres colores y para dar una armonía abstracta a través de la luz. Sus temas incluyen desde los grupos de música tradicionales, los bailes típicos de África y los músicos de jazz, hasta las multitudes de los mercados. La música es fundamental en la obra de Otoo. Sus personajes, a veces casi como dibujos animados, irrumpen en los fondos abstractos, invocando con ello a los ritmos de la música jazz. Como artista internacional que es, sus fuentes de inspiración son tanto africanas como europeas; pero, a pesar de ello, siempre vuelve a sus raíces y a los misterios de África.

Larry Otoo, Blue JazzAccra - Ghana - 1956

L arry Otoo es va graduar en Art Africà i Literatura Comparada a la Kwame Nkrumah University of Science

and Technology de Kumasi, a Ghana. En l’àmbit internacional, Larry Otoo ha rebut un extens reconeixement i el seu treball està present en col·leccions de tot el món. Ha realitzat exposicions a l’Àfrica (Ghana, Costa d’Ivori, Nigèria), a Europa (els Països Baixos, Gran Bretanya, Alemanya, Itàlia, Suècia, Espanya), al Canadà, als EUA i al Japó. Les seves pintures decoren la suite presidencial de Ghana i la cancelleria de Ghana a Washington. La seva paleta de colors es basa en els tres colors primaris: el blau, el vermell i el groc. Dóna lluminositat a les seves obres amb el blau, i utilitza els colors blaus pàl·lids per graduar els tons, per combinar l’efecte dels tres colors i per donar una harmonia abstracta a través de la llum. Els seus temes inclouen des dels grups de música tradicionals, els balls típics d’Àfrica i els músics de jazz, fins a les multituds dels mercats. La música és fonamental en l’obra de l’Otoo. Els seus personatges, de vegades quasi com a dibuixos animats, irrompen als fons abstractes, i en fer-ho invoquen els ritmes de la música jazz. Com a artista internacional que és, les seves fonts d’inspiració són tant africanes com europees; però, malgrat això, sempre torna a les seves arrels i als misteris de l’Àfrica.

L arry Otoo holds a Master’s degree in African Art and Comparative Literature from the Kwame Nkrumah

University of Science and Technology, Kumasi, Ghana. Larry Otoo is widely collected and has an international following. He has held exhibitions in Africa (Ghana, Ivory Coast, Nigeria), Europe (The Netherlands, Great-Britain, Germany, Italy, Sweden, Spain), Canada, the USA and Japan. His paintings decorate Ghana’s presidential suite and Ghana’s chancery in Washington, D.C. He often bases his palette around three primaries. Some of his paintings consist of only these three colours. Typically he lightens the blue while leaving the red and yellow more or less saturated. The effect of paler blue is to raise the pitch of the colour cord, to combine

the effect of the three colours and to introduce light into abstract harmony. His subjects include traditional group drummers, dancers, jazz musicians and market crowds… The core interest in music in Otoo’s work is vital. His figures, almost cartoon-like, break down into abstract rhythms, invoking jazz. As an international artist he draws from both African and European sources, but he always focuses back in on the mystery of Africa.

Larry OTOO - "Blue Throb" - 103cm Alt x 103cm A - Acrílic sobre tela - Foto: Michel de Jong

Galeria d’Art Contemporani i Tribal • Maig 20134 · Larry Otoo

Kobina Nyarko, Blue SeaTakoradi - Ghana - 1972

N yarko va estudiar Belles Arts a la Kwame Nkrumah University of Science and Technology de Kumasi,

a Ghana. En la pintura de Kobina, tot convergeix en la vida aquàtica, que amb el temps ha adquirit un significat profund. Utilitza principalment blaus, indis, colors pissarra i l’argentat de l’oceà per captar la massa i la velocitat dels bancs de peixos que habiten al mar. Kobina pinta amb espàtula i pinzells, amb olis i acrílics, segons la textura de la tela. Des del 1998, les seves pintures de peixos han evolucionat en diferents etapes, des de l’abstracció fins a l’expressionisme i l’impressionisme. Les pintures de peixos reflecteixen la bellesa de les profunditats del mar i de la vida que conté. Actualment, la seva obra es troba arreu del món. A Ghana, està present en col·leccions públiques i privades, i en l’àmbit internacional la podem trobar a l’Alt Comissionat de Canadà i Dinamarca o a les ambaixades d’Amèrica, de Rússia o de Sud-àfrica a Ghana. Les seves pintures han estat exposades al San Diego Museum of Man de Califòrnia (EUA), a Londres (Gran Bretanya) i a Brussel·les (Bèlgica). La seva obra es considera representativa de la tercera generació d’artistes de Ghana, els quals s’expressen lliurement sense sucumbir als principis restrictius de l’art africà.

N yarko estudió Bellas Artes en la Kwame Nkrumah University of Science and Technology de Kumasi,

en Ghana. En la pintura de Kobina, todo converge en la vida acuática, que con el tiempo ha adquirido un profundo significado. Utiliza principalmente azules, índigos, colores pizarra y el plateado del océano para captar la masa y la velocidad de los bancos de peces que habitan en el mar. Kobina pinta con espátula y pinceles, con óleos y acrílicos, dependiendo de la textura de la tela. Desde 1998, sus pinturas de peces han evolucionado en diferentes etapas, desde la abstracción hasta el expresionismo y el impresionismo. Las pinturas de peces reflejan la belleza de las profundidades del mar y de la vida que contiene. Actualmente su obra se encuentra en todo el mundo. En Ghana, está presente en colecciones públicas y privadas, y a nivel internacional podemos encontrarla en el Alto Comisionado de Canadá y Dinamarca o en las embajadas de América, Rusia o de Sudáfrica en Ghana. Sus pinturas han sido expuestas en el San Diego Museum of Man de California (EE. UU.), en Londres (Gran Bretaña) y en Bruselas (Bélgica). Su obra se considera representativa de la tercera generación de artistas de Ghana, quienes se expresan libremente sin sucumbir a los principios restrictivos del arte africano.

Kobina NYARKO - "Surfers Pride" - 90cm Alt x 105cm A - Acrílic sobre tela - Foto: cedida per l'artista

N yarko studied Fine Art at the College of Art at Kwame Nkrumah University of Science and Technology

in Ghana. Aquatic life has been the focus of Kobina’s painting and takes on a profound significance. Using mainly blues, indigoes, slates, and silvers of the ocean he captures the mass and speed of shoals of fish as they move around and use their habitat. He likes painting with palette knives and brushes in both oil and acrylic, depending on the texture of the canvas. Since 1998, his fish paintings have evolved in different stages, from abstract, to expressionism and impressionism. The fish paintings express the beauty of the sea’s depths and the life therein, hinting at the

real issue of pollution. His paintings are now all over the world. In Ghana, they can be found in private homes and public spaces, like the Canadian and the Danish High Commission and the American, Russian and South African Embassies in Ghana. They are also exhibited in the San Diego Museum of Man in California (USA), in London (Great-Britain) and in Brussels (Belgium). His work is considered to be illustrative of 3rd generation Ghanaian artists, who freely express themselves as artists in a modern world, without succumbing to the restrictive notions of African art.

Galeria d’Art Contemporani i Tribal • Maig 2013 Kobina Nyarko · 5

Maternitat - Mende - Sierra Leone 73cm Alt x 12cm A x 12cm P Fusta, pàtina d’ús Foto: Michel de Jong

Art tribal, intensitat màgicaL a diversitat de l’art tribal africà és extraordinària.

Totes les manifestacions artístiques dels pobles africans són producte i expressió de la seva cultura ancestral. Les obres d’art africanes tenen un significat espiritual i màgic que pren un sentit ple durant les cerimònies i rituals. Segons afirmen els col·leccionistes més apassionats, les petjades que en els objectes tribals perduren com a fruit del seu ús els confereixen una força

màgica i estètica que no posseeixen molts altres objectes. La galeria Out of Africa presenta una col·lecció de màscares, estàtues, bronzes, armes, escuts, reliquiaris i altres peces procedents de l’Àfrica occidental i central, principalment. Tots aquests objectes han estat seleccionats “in situ“, amb la major cura, sense oblidar la relació de l’objecte africà amb el seu entorn d’origen i la seva evident implicació etnològica.

T he diversity of traditional African tribal art suggests great imagination and magical intensity, revealing

the omnipresence of sacred, complex rituals: ceremonies where the definition of pure and impure is usually played out along with Old bits of cars: light the perpetuation of lineage, the legitimization of alliances and the cohesive strength of the clan. In the words of the most passionate of collectors, the signs of wear on these objects lend them a magical power and aesthetic that other objects do not have.The Out of Africa gallery essentially presents a collection of masks, statues, bronzes, arms and shields, and relics from West and Central Africa. They have all been selected on site with the utmost care and with great consideration for the objects’ relationship with their area of African origin and their consequent ethnological associations.

L a diversidad del arte tribal africano es extraordinaria. Todas las manifestaciones artísticas

de los pueblos africanos son producto y expresión de su cultura ancestral. Las obras de arte africanas tienen un significado espiritual y mágico que toma su pleno sentido durante las ceremonias y rituales. Según afirman los coleccionistas más apasionados, las huellas que en los objetos tribales perduran como fruto de su uso confieren a éstos una fuerza mágica y estética que no poseen muchos otros objetos. La galería Out of Africa presenta una colección de máscaras, estatuas, bronces, armas, escudos, relicarios y otras piezas procedentes de África Occidental y Central, principalmente. Todos estos objetos han sido seleccionados “in situ“, con el mayor esmero, sin olvidar la relación del objeto africano con su entorno de origen y su evidente implicación etnológica.

Estatueta ritual - HomboriDogon - Mali 21cm Alt x 6cm A x 3cm PFerro negre - Foto: Michel de Jong

Estàtua reliquiari - Mbete/Ambete Gabon 78cm Alt x 15cm A x 17cm PFusta, corda Foto: Michel de Jong

Guerrer amb arc - Bini EdoNigèria40cm Alt x 16cm A x 15cm P BronzeFoto: Michel de Jong

Festa ritual - Dogon - Mali - Foto: Juan Echeverria

Màscara princessa - Bamileke - Camerun 39cm Alt x 27cm A x 14cm P Fusta, teixit, fibra, perles - Foto: Michel de JongEscut I Ulua - R. D. del Congo

91cm Alt x 36cm A x 12cm PFusta i pigments naturals Foto: Michel de Jong

Espasa Ilwoon - Kuba R. D. del Congo70cm Alt x 13cm Aferro, fusta, incrustacions en coure - Foto: Michel de Jong

Galeria d’Art Contemporani i Tribal • Maig 20136 · Art tribal

E n África, la afición por los objetos bellos no se limita a las esculturas, máscaras y demás objetos rituales, sino

que también se manifiesta en los objetos tradicionales y de uso cotidiano. En muchos de ellos puede observarse una pátina de uso de gran belleza, que demuestra que se trata de un arte realmente popular y que ha sido testigo de un tiempo ya pasado. La galería Out of Africa presenta una selección de objetos tradicionales y cotidianos —escaleras, pilastras de Togu-nà, puertas de granero, taburetes, pulseras, monedas, instrumentos de música, tejidos tradicionales, cerraduras, cucharas, apoya-nucas—“descubiertos” y seleccionados en algunos de los pueblos más alejados de África Occidental.

A l’Àfrica, l’afició pels objectes bells no es limita a les escultures, màscares i altres objectes rituals, sinó

que també es manifesta en els objectes tradicionals i d’ús quotidià. En molts d’ells s’hi pot veure una pàtina d’ús de gran bellesa, que mostra que es tracta d’un art realment popular i que ha estat testimoni d’un temps ja passat. La galeria Out of Africa presenta una selecció d’objectes tradicionals i quotidians —escales, pilastres de Togu-nà, portes de graner, tamborets, polseres, monedes, instruments de música, teixits tradicionals, panys, culleres, recolzaclatells— “descoberts” i seleccionats en alguns dels pobles més allunyats de l’Àfrica occidental.

Pilastra de Togu-nà - Madougou - Dogon - Mali 170cm Alt x 57cm A x 20cm P - Fusta - Foto: Michel de Jong

Polsera moneda - Mossi Burkina Faso 4cm Alt x 10cm A x 10cm PBronze - Foto: Michel de Jong

Poble de Songo - País Dogon - Mali - Foto: Sorella Acosta

I n Africa, not only sculptures, masks and other ritual objects are beautiful, traditional objects and of daily

use present also characteristics of beauty.Time weathered traditional objects have a way of revealing very touching things about truly “popular” art from a time gone by.The Out of Africa gallery offers a selection of traditional and everyday objects: ladders, Togu-n à columns, granary doors, stools, bracelets, coins, musical instruments, traditional textiles, locks, spoons and headrests found in West African villages, whilst always respecting local habits and customs.

Arpa de cinc cordes - Mangbetu-ZandeR. D. del Congo 66cm Alt x 21cm A x 13cm PFusta, pell, cordes vegetals Foto: Michel de Jong

Els objectes tradicionals

Pany mico-antílop - Nyongono - Dogon - Mali 57cm Alt x 47cm A x 7cm P - Fusta Foto: Michel de Jong

Porta de graner - Símbols geomètrics - Irely - Dogon - Mali 52cm Alt x 45cm A x 3cm P - Fusta - Foto: Michel de Jong

Cullera - Baoule - Costa d’Ivori 58cm Alt x 15cm A x 9cm P Fusta - Foto: Michel de Jong

Galeria d’Art Contemporani i Tribal • Maig 2013 Objectes tradicionals · 7

Sahab Koanda, el príncep de les escombraries Ouagadougou - Burkina Faso - 1971

De la brossa a la bellesa,o l’art del reciclatge a Burkina Faso i al Senegal

E n África Occidental, hay un tipo de arte que se expone y se exporta: el arte del reciclaje. Este arte consiste

en la transformación de objetos de deshecho en objetos funcionales o de diseño. Todo un mundo nace a partir de la reutilización de la basura. El artista tiene la capacidad de dar una segunda vida a los residuos. El “recup’arte” es toda una filosofía de vida, un modo de lucha y de resistencia al consumismo desmesurado que invade y destruye nuestro medio ambiente.

I n Western Africa there is a type of sculpture that is widely exhibited and exported. It comes from the

idea of re-using utilitarian objects or waste, changing them from their original use into aesthetically pleasing objects. A whole world is born from salvage, which in turn is the art of seizing and re-cycling. This art form has its own philosophy: Resisting the industrial world and its wasteful ways that eat away at mans vital space and returning its rubbish as works of art.

A l’Àfrica occidental, hi ha un tipus d’art que s’exposa i s’exporta: l’art del reciclatge. Aquest art consisteix

en la transformació d’objectes de rebuig en objectes funcionals o de disseny. Tot un món neix a partir de la reutilització de les escombraries. Els artistes tenen la capacitat de donar una segona vida als residus. El “recup’art” és tota una filosofia de vida, una manera de lluita i de resistència al consumisme desmesurat que envaeix i destrueix el nostre medi ambient.

H amed Ouattara treballa com a artista des de fa vint anys. Actualment, és un dels dissenyadors més coneguts de Burkina Faso, gràcies a la seva manera particular de treballar i transformar el metall. Hamed Ouattara exporta els

seus mobles a Algèria, Espanya, França, els Estats Units i altres llocs del món. En els seus dissenys harmonitza els criteris estètics i funcionals sense problemes. A les seves mans, els vells barrils de lubricants o les peces de cotxe es transformen en mobles, tamborets, cadires, taules i altres objectes de decoració.

H amed Ouattara trabaja como artista desde hace veinte años. Actualmente, es uno de los diseñadores

más conocidos de Burkina Faso, gracias a su particular manera de trabajar y transformar el metal. Hamed Ouattara exporta sus muebles a Argelia, España, Francia, Estados Unidos y otros lugares del mundo. En sus diseños armoniza los criterios estéticos y funcionales sin problemas. Entre sus manos, los viejos barriles de lubricantes o las piezas de coche se cambian en muebles, taburetes, sillas, mesas y otros objetos de decoración.

W ith twenty years of experience under his belt, Hamed Ouattara is now one the best known designers in Burkina Faso, largely due

to his trademark transforming style in metal work. His works are exported to Algeria, Spain, France, America and other parts of the world. Hamed Ouattara combines functional needs with beauty, in new products. His philosophy is simple: his work must fulfill a need whilst maintaining a utilitarian look. In his hands, disused oil drums are turned into furniture such as stools, chairs, tables and other decorative objects.

Hamed Ouattara, pintor i dissenyador de moblesOuagadougou - Burkina Faso - 1971

S ahab Koanda, també anomenat “el príncep de les escombraries”, utilitza el metall per crear personatges

dispars, que al·ludeixen de manera simultània a la bellesa i a la perversitat del seu país. Sahab troba la seva inspiració en allò que la societat industrial tira en grans quantitats i de manera incontrolada. Una vegada a les mans de l’artista,

sense esbós o dibuix previ i simplement com a resultat de la seva imaginació, un pern, una vareta de metall o una vella pala es transformen en un objecte d’art: un camperol, un cavall i el seu genet, un músic, una cantant o una ballarina…

S ahab Koanda, también llamado “el príncipe de las basuras”, utiliza el metal para crear personajes

dispares, que aluden de manera simultánea a la belleza y a la perversidad de su país. Sahab encuentra su inspiración en aquello que la sociedad industrial tira en grandes cantidades y de manera incontrolada. Una vez en las manos del artista, sin esbozo o dibujo previo y simplemente como resultado de su imaginación, un perno, una varilla de metal o una vieja pala se transforman en un objeto de arte: un campesino, un caballo y su jinete, un músico, una cantante o una bailarina…

W hen garbage turns to riches you know that Sahab Koanda is not far away. This artist from Burkina

Faso known as “The Prince of Rubbish”, uses metal to create incongruous characters, evoking the beauty and the darkness of his country. Sahab draws his inspiration from an industrial society which carelessly throws things away on a massive scale. In his hands, nuts, strips of metal or old shovels are transformed into “objets d’art” with no prior drawing or plan; a horse and rider, a musician, a singer or a dancer… Old bits of cars and their wheels are also drawn from the pile of materials he uses in his creations.

Bibi SECK - "Taboo" - Taula i tamboret - 75% plàstic reciclat & 25% polietilè - Foto: cedida per l'artistaSahab KOANDA - "Músic djembé" - 161cm Alt x 48cm A x 60cm PArt del reciclatge - Foto: Michel de Jong

Hamed OUATTARA - Moble Watt Watt - 85cm Alt x 165cm A x 40cm PReciclatge de barrils de lubricant - Foto: Michel de Jong

Galeria d’Art Contemporani i Tribal • Maig 20138 · Art del reciclatge

E n els seus inicis Xavier Sayago es va interessar en la reutilització de peces de ferro, en els treballs de

soldadura a l’arc i en l’escultura, per posteriorment passar a transformar la ferralla en ocells fabulosos, que s’han convertit en un element present en totes les seves obres i que al·ludeixen a la lleugeresa i la bellesa de la vida. L’any 2002, les seves obres van ser seleccionades per al projecte

“Nouvelles heures africaines”, una exposició itinerant per Europa que va suposar la seva consagració a Suècia, França i Itàlia. Actualment, exposa en festivals a l’Àfrica (Burkina Faso, Ghana, el Níger) i a Europa (Bèlgica, França, Espanya). Els seus ocells en moviment es troben en diferents col·leccions privades i públiques.

E n sus inicios Xavier Sayago se interesó en la reutilización de piezas de hierro, en los trabajos de

soldadura al arco y en la escultura, para posteriormente pasar a transformar la chatarra en pájaros fabulosos, que se han convertido en un elemento presente en todas sus obras y que aluden a la ligereza y la belleza de la vida. En 2002, sus obras fueron seleccionadas para el proyecto

“Nouvelles heures africaines”, una exposición itinerante por Europa que le supuso su consagración en Suecia, Francia e Italia. Actualmente, expone en festivales en África (Burkina Faso, Ghana, Níger) y en Europa (Bélgica, Francia, España). Sus pájaros en movimiento se encuentran en distintas colecciones privadas y públicas.

X avier started off by developing an interest in collecting pieces of iron and learning the techniques of arc

welding and sculpture. The transformation of recycled iron into fabulous birds symbolizes his work whilst illustrating the lightness and beauty of life. In 2002, his works were selected for the “African News Hour” project, a traveling exhibition in Europe, during which he won great recognition in Sweden, France and Italy. Now he exhibits in festivals in Africa (Burkina Faso, Ghana, Niger) and in Europe (Belgium, France, Spain). His Birds in Motion can be found in various private and public collections.

B ibi Seck trabajó durante doce años como jefe de diseño para la firma francesa Renault. Dos de sus

diseños, el Scenic II SUV y el Trafic Cargo, ganaron el Premio del Coche del Año. También diseñó el reloj Micrograph F1 para la marca Heuer, ganando con éste el Primer Premio de Relojería de Ginebra. “Taboo” es una línea de taburetes y de mesas hecha en Dakar a partir

de un 75% de plástico reciclado y un 25% de polietileno. Los taburetes y las mesas “Taboo” se producen en una multitud de colores —coral, azul, verde— dependiendo del color del plástico reciclado. Esta colección se expone actualmente en el Museo de Arte y Diseño (MAD) de Nueva York y en el MoMA Café de Brooklyn.

B ibi Seck is an automobile designer who designed cars for the French auto-maker Renault during his

twelve-year tenure at the company, two of which, Scénic II SUV and Trafic Cargo Van, have won Car of the Year Awards. He is the designer of the F1 Micrograph watch for Tag Heuer, winning top prize at Prix d’Horlogerie de Genève. “Taboo” is a line of furniture made in Dakar from

75% recycled garbage bags and plastic bottles and 25% polyethylene. “Taboo” tables and stools come in a myriad of colors—, corals, blues, greens—, depending on the color of the recycled plastic content. “Taboo” stools are exhibited at Museum of Arts and Design (MAD) of New York and are the official furniture of the MoMA Café in Brooklyn.

B ibi Seck va treballar durant dotze anys com a cap de disseny per a la firma francesa Renault. Dos dels seus

dissenys, l’Scenic II SUV i el Trafic Cargo, van guanyar el Premi del Cotxe de l’Any. També va dissenyar el rellotge Micrograph F1 per a la marca Heuer, que va guanyar el Primer Premi de Rellotgeria de Ginebra. “Taboo” és una línia de tamborets i de taules feta a Dakar a partir d’un 75% de plàstic reciclat i un 25% de polietilè. Els tamborets i les taules “Taboo” es produeixen en una multitud de colors —coral, blau, verd— que depenen del color del plàstic reciclat. Aquesta col·lecció s’exposa actualment en el Museu d’Art i Disseny (MAD) de Nova York i en el MoMA Cafè de Brooklyn.

Xavier Sayago, ocells en movimentDissin - Burkina Faso - 1981

Bibi Seck, taules i tamborets a

partir de residus de plàstic

Dakar - el Senegal - 1965

Xavier SAYAGO - “Ocell caminant” - 107cm Alt x 75cm A x 130 P Reciclatge de metall de barrils de lubricant - Foto: Michel de Jong

Bibi SECK - "Taboo" - Taula i tamboret - 75% plàstic reciclat & 25% polietilè - Foto: cedida per l'artista

Hamed OUATTARA - Moble Watt Watt - 85cm Alt x 165cm A x 40cm PReciclatge de barrils de lubricant - Foto: Michel de Jong

Galeria d’Art Contemporani i Tribal • Maig 2013 Art del reciclatge · 9

Pintura africana, el culte als materialsL a incorporació de nous materials en la pintura va ser

una de les grans innovacions de l’art contemporani internacional. Picasso i Matisse van ser precursors en aquestes tècniques que es troben en plena expansió a l’Àfrica. Allà, les pintures importades tenen un cost molt elevat i molts artistes barregen els pigments amb materials diversos, com ara sutge, sorra, fulles i trossos de fusta, entre d’altres. L’avantatge d’aquests materials d’origen natural és que tenen coherència els uns amb els altres i proporcionen harmonia sense dissonància a les obres. Altres artistes intenten substituir els suports de tela, cartró o fusta per estores i teixits de fibres que aporten ritme i color als quadres.

L a incorporación de nuevos materiales en la pintura fue una de las grandes innovaciones del arte

contemporáneo internacional. Picasso y Matisse fueron precursores en estas técnicas que se encuentran en pleno auge en África. Las pinturas importadas tienen costes muy elevados en África, por lo que muchos artistas mezclan los pigmentos con materiales muy diversos, como hollín, arena, hojas y trozos de madera, entre otros. La ventaja de estos materiales de origen natural es que tienen coherencia los unos con los otros y proporcionan armonía sin disonancia a las obras. Otros artistas intentan sustituir los soportes de tela, cartón o madera por esteras y tejidos de fibras que aportan ritmo y color a los cuadros.

I nternational contemporary art is heavily influenced by the cult of materials. Picasso along with Matisse

gave the trend great impetus and support, and it’s now experiencing a boom in Africa. Paints from overseas come at high cost; economic means and materials are needed. But for some, inspiration is drawn from Africa’s earth and the sand from her streams. For others its’ her soot and the bark from her trees. The strength of these natural materials is the coherence that exists between them; harmony without discord. Others still, try swapping canvas, cardboard and wood for wicker and braided matting which hold within them rhythm and colour and bring texture to the piece.

Sambo Boly, originalitat i

llibertat cromàtica Sabcé - Burkina Faso - 1960

L’ésser humà, l’element central de l’obra de Sambo Boly, s’inspira en personatges —cantants

ambulants, endevins, camperols, caçadors, guerrers— que formen part de les tradicions ancestrals de l’Àfrica. No obstant això, el cromatisme i l’originalitat del seu llenguatge visual fan que la seva obra prengui certa distància amb les referències tradicionals i proposa un qüestionament més universal de la naturalesa humana. Les teles sobre les que treballa són fragments de teixits embrollats i estripats en els quals l’artista introdueix trossos de fusta, puntes de llances i fragments de fotografies.Ha exposat a Burkina Faso, Dinamarca, Suïssa, França i Espanya. A més, les seves teles es troben en col·leccions privades dels Estats Units.

E l ser humano, el elemento central de la obra de Sambo Boly, se inspira en personajes —cantantes

ambulantes, adivinos, campesinos, cazadores, guerreros—que forman parte de las tradiciones ancestrales de África. Sin embargo, el cromatismo y la originalidad de su lenguaje visual hacen que su obra tome cierta distancia con las referencias tradicionales y propone un cuestionamiento más universal de la naturaleza humana. Las telas sobre las que trabaja son fragmentos de tejidos enredados y rasgados en los que el artista introduce pedazos de madera, puntas de lanzas y fragmentos de fotografías.Ha expuesto en Burkina Faso, Dinamarca, Suiza, Francia y España. Además, sus telas se encuentran en colecciones privadas de Estados Unidos.

H e draws his inspiration from everyday life and from observing his contemporaries. His work harks back

to ancestral times and at the heart of it lies man, whether taking the role of storyteller or soothsayer, initiate or villager, hunter or fighter, chief or wise man. Yet through his liberty of tone and textural language, the artist keeps his distance from tradition and offers a more universal appraisal of human nature.

Some of his canvases are a woven fabric of tangled rags where he uses bits of wood, large spoons, spearheads and fragments of photography. As well as exhibitions in Burkina Faso, Denmark, Switzerland, France and Spain, his work appears in private collections in the United States.

Sambo BOLY - "Le livre" - 90cm Alt x 77cm A - Acrílic, sorra i cola de fuster sobre tela - Foto: Michel de Jong

Galeria d’Art Contemporani i Tribal • Maig 201310 · Pintura

Christophe Sawadogo, somiar amb un món millorTikaré - Burkina Faso - 1972

Méné, innocència i puresaAbidjan - Costa d’Ivori - 1977

C hristophe Sawadogo va estudiar Arts i Comunicació a la Universitat d’Ouagadougou. És un apassionat

de la poesia i la cal·ligrafia. Les seves primeres obres consistien en dibuixos sobre paper, fets amb tinta xinesa o amb llapis de colors, en els quals creava universos en els que flotaven personatges, essencialment femenins, reals o imaginats. Posteriorment, va treballar en el camp de la pintura, amb obres en les que destaca la textura que

crea a partir d’una base de sorra. Aquesta mirada cap al somni i la realitat suposa per a la seva obra una obertura, una finestra a nous horitzons. Pinta la vida quotidiana de les dones africanes, els mercats ambulants, els “taxi-brousse” o l’emigració. Després de realitzar diverses exposicions a Burkina Faso, ha exposat amb èxit a diferents països europeus (França, Espanya i Dinamarca).

C hristophe Sawadogo estudió Artes y Comunicación en la Universidad de Uagadugú. Es un apasionado de

la poesía y la caligrafía. Sus primeras obras consistían en dibujos sobre papel, hechos con tinta china o con lápices de colores, en los que creaba universos en los que flotaban personajes, esencialmente femeninos, reales o imaginados. Posteriormente, trabajó en el campo de la pintura, con obras en las que destaca la textura que crea a partir de una base de arena. Esa mirada hacia el sueño y la realidad supone para su obra una apertura, una ventana a nuevos horizontes. Pinta la vida cotidiana de las mujeres africanas, los mercadillos, los “taxi-brousse” o la emigración. Después de realizar varias exposiciones en Burkina Faso, ha expuesto con éxito en diferentes países europeos (Francia, España y Dinamarca).

C hristophe Sawadogo was trained in “Art and communication” at the university of Ouagadougou.

A passionate fan of poetry and calligraphy, his first works were dedicated to drawings on paper with Chinese ink or oil pastels creating a world mainly of feminine characters, real or imaginary, who seem to float about the canvas. At the same time he has developed a built up earth texture as part of his painting technique giving a crusty finish and tone. In blurring the line between dream and reality, his work becomes an opening, a window on new horizons. He paints the everyday life of African women - fetching water - or going to market - the ”Brousse-Taxis”, and the emigration. After several exhibitions in Burkina Faso, he successfully exhibited in different European countries (France, Spain and Denmark).

M éné es va diplomar l’any 2002 a l’Escola Nacional de Belles Arts d’Abidjan (ENBA) i, el 2009, al Centre

de Formació Pedagògica per a l’Art i la Cultura (CFPAC). Entre 2003 i 2011, va exposar a França i va participar en la 8a edició de l’exposició “Arkadi” en el Centre Cultural francès d’Abidjan i, el 2012, va participar en el OFF de la Biennal de Dakar.Molt influenciat per la pintura rupestre, Méné ha adoptat els traços d’aquesta pintura minimalista com a forma d’expressió. S’inspira en el passat per entendre el present. “Innocència i puresa”: aquestes dues idees van conduir l’artista a l’adopció de formes minimalistes i colors sobris propis de la pintura rupestre. Ha experimentat amb diferents materials, suports i pigments: terra, caolí, sorra, escorça d’arbre... D’aquesta manera, fons i forma constitueixen un tot que dóna com a resultat una fusió dinàmica de materials.

M éné se diplomó en 2002 en la Escuela Nacional de Bellas Artes de Abiyán (ENBA) y, en 2009, en el

Centro de Formación Pedagógica para el Arte y la Cultura (CFPAC). Entre 2003 y 2011, expuso en Francia y participó en la 8ª edición de la exposición “Arkadi” en el Centro Cultural francés de Abiyán y, en 2012, participó en el OFF de la Bienal de Dakar.Muy influenciado por la pintura rupestre, Méné ha adoptado los trazos de esta pintura minimalista como modo de expresión. Se inspira en el pasado para entender el presente. “Inocencia y pureza”: estas dos ideas condujeron al artista a la adopción de formas minimalistas y colores sobrios propios de la pintura rupestre. Ha experimentado con diferentes materiales, soportes y pigmentos: tierra, caolín, arena, corteza de árbol... De este modo, fondo y forma constituyen un todo que da como resultado una fusión dinámica de materiales.

M éné graduated in 2002 from the Abidjan Academy of Fine Arts (ENBA) and from the Training Centre

for Arts and Culture (CFPAC) in 2009. He has exhibited in France, he participated in eight editions of the “Arkadi” exhibition at the French Cultural Centre in Abidjan and in 2012 he participated for the first time at the OFF of the Dakar Biennale. Influenced by cave painting, Méné has developed his own breed of expression based on these ancient sketches. He draws on the past to understand

the present. “In the beginning was innocence and purity” this vision guides the artist in his work by using minimalist shapes and sober colors. The artist feels the need to express himself through the use of different material, media and pigments - dirt, kaolin, sand, bark juice – Background and shapes constitute wholeness in a dynamic of merging materials.

Christophe SAWADOGO - "Les Porteuses d'eau" - 75cm Alt x 75cm A Sorra, pintura acrílica i pastels- Foto: Michel de Jong

MÉNÉ - “Géants” - 130cm Alt x 162cm AAcrílic i pigments naturals sobre tela - Foto: Michel de Jong

Galeria d’Art Contemporani i Tribal • Maig 2013 Pintura · 11

Pintura africana, humanisme i “librisme”

E n sus obras, los pintores africanos nos cuentan hechos, vivencias, estados de ánimo y desolación.

Durante mucho tiempo vivieron situaciones que no les dejaron expresarse, que les encerraron y les convirtieron en seres pasivos, en observadores que debían esconder sus deseos y ejecutar acciones tomadas por otros. Todo eso se refleja en sus obras. Hoy en día, los pintores africanos no se limitan a ver y oír, y a través de sus obras denuncian la vida cotidiana de África…

A les seves obres, els pintors africans ens expliquen fets, vivències, estats d’ànim i desolació. Durant

molt de temps van viure situacions que no els van deixar expressar-se, que els van mantenir aïllats i els van convertir en éssers passius, en observadors que havien d’amagar els seus desitjos i dur a terme accions preses per altres. Tot això es reflecteix a les seves obres. Avui dia, els pintors africans no es limiten a veure i sentir, i a través de les seves obres denuncien la vida quotidiana de l’Àfrica…

A frican painters use their work as a means of telling us of events, personal experience, mental head

states and desolation. For a long time their expression was quashed, they were closed in and made into passive beings that could only look on as they were forced to dampen their desires and carry out other peoples’ actions; all of this pours out of their work. Nowadays, African painters don’t just look and listen, but they reveal everyday African life…

Rafiy, el indignat Porto-Novo - Benín - 1979

L’ any 2007, Rafiy es va diplomar a l’Escola Nacional de les Arts de Dakar i, en 2009, va participar en les

“Trobades professionals d’art contemporani”, a Benín. De les seves teles neix un món fantàstic de criatures en sofriment i rostres, generalment amb la mirada perduda, que passegen per les ciutats. Carrega les seves obres de símbols, paraules i traços, fruit de les seves observacions i de la seva mirada al món que l’envolta: inventa lletres, una escriptura a la manera d’un nou llenguatge que li resulta alliberador. Rafiy cobreix les seves teles de rovell, i amb això al·ludeix a com s’imagina el temps present i viscut. Les seves creacions contenen silencis i crits que el seu pensament sublima i els seus gestos expressen. Aquestes “petjades de la vida” han estat exposades a galeries de França, Bèlgica i Espanya.

E n 2007, Rafiy se diplomó en la Escuela Nacional de las Artes de Dakar y, en 2009, participó en los

“Encuentros profesionales de arte contemporáneo”, en Benín. De sus telas nace un mundo fantástico de criaturas en sufrimiento y rostros, generalmente con la mirada perdida, que deambulan por las ciudades. Carga sus obras de símbolos, palabras y trazos, fruto de sus observaciones y de su mirada al mundo que lo rodea: inventa letras, una escritura a modo de nuevo lenguaje que le resulta liberador. Rafiy cubre sus telas de herrumbre, y con ello alude a cómo imagina el tiempo presente y vivido. Sus creaciones contienen silencios y gritos que su pensamiento sublima y sus gestos expresan. Estas “huellas de la vida” se exponen en galerías de Francia, Bélgica y España.

H aving trained in 2007 at the National Arts school in Dakar, he took part in “Rencontres professionelles

en art contemporain” in Bénin. Rafiys’ canvases evoke a fantasy world of suffering creatures. Faces, often with a blind stare soar above cities. His paintings are interspersed with symbols, words and signs, taken from his observations, from a steely view of his environment:

he invents letters and handwriting creating a new and liberating language. Rafiy sometimes coats his canvases with rust as if exploring the nature of time, not just time gone by, but time as an omnipresent entity. His work is imbued with the silences and the screams that come from his thoughts and actions. His “Life prints” are exhibited in galleries in France, Belgium and Spain.

RAFIY - "Les cris" - 109cm Alt x 89cm - Tècnica mixta: acrílic i oli sobre tela - Foto: Michel de Jong

Galeria d’Art Contemporani i Tribal • Maig 201312 · Pintura

Francis Mampuya, l’home al punt de miraKinshasa - R. D. del Congo - 1967

Freddy Mutombo, el pintor-polític · Kinshasa - R. D. del Congo - 1978

E l pintor congolès Francis Mampuya, que el 2006 va fundar el corrent del “librisme”, treballa i crea sense

atenir-se a les normes clàssiques establertes. El “librisme” és un moviment que es caracteritza per la diversitat de materials que utilitza en els processos creatius, en particular els que es troben abandonats en la naturalesa: ferros, flascons, ampolles, sorra o taps, en comptes de la tela. A més, les línies i les formes no s’ajusten a cap norma preestablerta. Mampuya té com a tema predilecte l’humanisme, que situa l’home en el punt de mira. Ha participat en exposicions col·lectives a Kinshasa i a Europa. El 2007, va rebre a Alemanya el premi d’art Missio. Aquell mateix any va exposar a Bèlgica i a França i, el 2010, a Miami(EUA).

E l pintor congoleño Francis Mampuya, fundador en 2006 de la corriente del “librisme”, da rienda suelta a su

creatividad sin atenerse a las normas clásicas establecidas. El “librisme” es un movimiento que se caracteriza por la diversidad de materiales que utiliza en los procesos creativos, en particular los que se encuentran abandonados en la naturaleza: hierros, frascos, botellas, arena o tapones, en vez de la tela. Además, las líneas y las formas no se ajustan a ninguna norma preestablecida. Mampuya tiene como tema predilecto el humanismo, que sitúa al hombre en el punto de mira. Ha participado en exposiciones colectivas en Kinshasa y Europa. En 2007 recibió en Alemania el premio de arte Missio. Ese mismo año expuso en Bélgica y en Francia y, en 2010, en Miami (EE. UU.)

M ampuya, founder of the “Librisme” movement in 2006, gives free reign to creativity instead of just

conforming to the classic established rules.”Librisme’s” creativity is characterized by the diversity of the materials used, notably those taken from nature, iron, jars, bottles, sand and corks instead of canvas. In other cases, on canvas, lines and shapes don’t conform to any of the classic learned rules. For Mampuya, “Librisme” could

revolutionize the teaching at the Fine arts academy in Kinshasa through investigating new forms of creativity. Mampuya has a liking for the “Humanism” theme, placing man at the centre of everything. He has taken part in collective exhibitions in Kinshasa and in Europe as well as in Germany in 2007 where he won the Missio art prize. He also exhibited in Belgium in the same year and in France and Miami, USA in 2010.

D esprés d'estudiar humanitats científiques, va decidir estudiar arquitectura d'interiors i, paral·lelament,

va treballar com a escenògraf. En el seu entorn proper i entre els seus amics hi havia un gran nombre de pintors, la qual cosa va propiciar que, a poc a poc, s'interessés per la pintura i que, finalment, s’hi dediqués. Als seus quadres reflecteix el que li envolta, allò que veu diàriament, i es posiciona políticament. En aquests es fa ressò dels esdeveniments viscuts pels congolesos en els últims temps: detencions, eleccions, corrupció… A l'oli, a l'acrílic o barrejant tots dos, Freddy Mutombo no té por a enfrontar-se a grans teles amb pinzellades enèrgiques. Sovint, en elles sorgeixen caps d'un magma de diferents colors. L’artista intenta que els quadres parlin per si mateixos perquè el públic els comprengui.

A fter studying human sciences, Freddy Mutombo went into interior design as well as concentrating on set

building. Most of his friends were painters so naturally he fell in love with the medium and since then he paints his surroundings and what he sees in everyday life, always true to his own inner feelings. His paintings tell of recent events experienced in Congolese society: arrests, elections, corruption...In oil, in acrylic or sometimes mixing the two, Freddy Mutombo isn’t afraid of boldly taking on large painted canvases. Faces often emerge from magma of bright colours. Freddy tries to get his paintings to speak for themselves so the viewer fully understands their message.

D espués de estudiar humanidades científicas, decidió estudiar arquitectura de interiores y, paralelamente,

trabajó como escenógrafo. En su entorno cercano y entre sus amigos había un gran número de pintores, lo que propició que, poco a poco, se interesara por la pintura y que, finalmente, se dedicara a ella. En sus cuadros refleja lo que le rodea, aquello que ve a diario, y se posiciona políticamente. En ellos se hace eco de los

acontecimientos vividos por los congoleños en los últimos tiempos: detenciones, elecciones, corrupción… Al óleo, al acrílico o mezclando ambos, Freddy Mutombo no teme enfrentarse a grandes telas con pinceladas enérgicas. A menudo, en ellas surgen cabezas de un magma de distintos colores. El artista intenta que los cuadros hablen por sí mismos para que el público los comprenda.

Francis MAMPUYA - "Autoportraît rêvant de la culture" 100cm Alt x 100cm ATècnica mixta: acrílic, collage i oli sobre tela - Foto: Michel de Jong

Freddy MUTOMBO - "Mopao" – 70cm Alt x 89cm A - Tècnica mixta: acrílic i oli sobre tela - Foto: Michel de Jong

Galeria d’Art Contemporani i Tribal • Maig 2013 Pintura · 13

Fotografia africana, on el negre és també colorMiquel Arnal, el cos escultural de la dona africana Barcelona - Espanya - 1960

T oda la trayectoria artística de Miquel Arnal tiene por tema principal el cuerpo humano, especialmente

valorado en las series “White”, “Black”, “Sculpture” y “Animal”. Basado en la experimentación y utilizando diferentes medios y técnicas, desde la Polaroid hasta el vídeo, el collage, la impresión digital y el papel, éste es un perfecto ejemplo del trabajo de un fotógrafo ecléctico, en continua transformación. En los últimos años, su actividad ha sido intensa: impartiendo conferencias y seminarios, y participando en exposiciones individuales o colectivas. En 2008, colaboró con la ONU en el proyecto

“Agua” de la EXPO de Zaragoza. En 2009, expuso su obra “CRITICAL MASS” y, en 2010, presentó en el Ateneu de Caixa Laietana “Works 1992-2010”.

E l cos humà és un tema principal en tota la trajectòria artística de Miquel Arnal, especialment valorada a les

sèries “White”, “Black”, “Sculpture” i “Animal”. Basat en l’experimentació i utilitzant diferents mitjans i tècniques, des de la Polaroid fins al vídeo, el collage, la impressió digital i el paper, aquest és un exemple perfecte e del treball d’un fotògraf eclèctic, en contínua transformació. En els últims anys, la seva activitat ha estat intensa: ha impartit conferències i seminaris, i ha participat en exposicions individuals o col·lectives. L’any 2008, va col·laborar amb l’ONU en el projecte “Aigua” de l’EXPO de Saragossa. El 2009, va exposar la seva obra “CRITICAL MASS”i, el 2010, va presentar a l’Ateneu de Caixa Laietana “Works 1992-2010”.

T hroughout his artistic journey, Miquel Arnal has shown particular interest in the human body, evident

in the series “White”, “Black,” “Sculpture” and “Animal”. Based on experimentation and a variety of media and techniques, from Polaroid to video, collage, digital printing and “Transformer” paper, his work is a perfect example of an eclectic photographer in constant flux.

In recent years, he has been extremely active: giving conferences and seminars or by participating in individual exhibitions or during group exhibitions. In addition to this, he collaborated with the “Agua” UNO project during the 2008 Zaragoza EXPO. In 2009 he exhibited his recent work “CRITICAL MASS” and in 2010 he exhibited “Works 1992-2010”.

A ngèle Etoundi Essamba grew up in Yaounde and Paris before moving to the Netherlands where her

passion for photography materialized at the Nederlandse Fotovakschool. She had her first exhibition in 1985 in Amsterdam, since then her work has been exhibited worldwide: Africa, Europe, Asia, South America and the USA. Her work is represented in several public and private collections and has appeared in a number of publications. The various cultural backgrounds in which Angela Etoundi Essamba grew up have greatly influenced her vision. She draws her inspiration from a cultural mix mainly dominated by her African heritage. The central focus of her work is “The human being” but specifically

“Woman”.

A ngèle Etoundi Essamba va créixer i va viure entre Yaoundé i París fins que es va traslladar als

Països Baixos, on es va matricular en la Nederlandse Fotovakschool. Les seves fotografies es van exhibir per primera vegada el 1985, a Amsterdam. Des de llavors, han recorregut tot el món: l’Àfrica, Europa, l’Àsia, l’Amèricadel Sud i els EUA. Les seves obres estan presents en

col·leccions privades i públiques, i han estat objecte de diversos llibres. Les diferents cultures entre les que l’artista va créixer han influït de manera molt significativa en el seu treball. S’inspira en aquesta barreja cultural, en la qual domina l’herència africana. L’ésser humà i, principalment, la dona constitueixen els elements centrals en la seva obra.

A ngèle Etoundi Essamba creció y vivió entre Yaundé y París hasta que se trasladó a los Países Bajos,

donde se matriculó en la Nederlandse Fotovakschool. Sus fotografías se exhibieron por primera vez en 1985, en Ámsterdam. Desde entonces, han recorrido todo el mundo: África, Europa, Asia, América del Sur y los EE. UU. Sus obras están presentes en colecciones privadas y públicas y han sido objeto de varios libros. Las diferentes culturas entre las que la artista creció han influido de manera muy significativa en su trabajo. Se inspira en esta mezcla cultural, en la que domina su herencia africana. El ser humano y, principalmente, la mujer constituyen los elementos centrales en su obra.

Angèle Etoundi Essamba, una reflexió sobre la identitat de la dona africana Yaoundé - el Camerun - 1962

Angèle ETOUNDI ESSAMBA - “Allure 2” - 100cm Atl x 150cm A Dibond & Plexiglàs o acrílic

Miquel ARNAL – Sèrie Nela - “Sculpture I” - 60cm Alt x 50cm APaper baritat

Galeria d’Art Contemporani i Tribal • Maig 201314 · Fotografia

Boukaré Bonkoungou, el renéixer de la fusta

Koubri – Burkina Faso – 1978

L’ escultura africana contemporània es caracteritza per la seva diversitat i riquesa. S’inspira tant en

les tradicions del continent com en les realitats urbanes contemporànies d’una Àfrica en contínua transformació. Les tècniques i els materials varien: des de la fusta, la pedra o el bronze fins als residus. L’any 1989, l’exposició “Els mags de la terra” va presentar per primera vegada a Europa, al Centre Pompidou de París, obres d’art contemporani africà. El 2005, l’exposició “Africa Remix”, que va itinerar entre Alemanya, el Regne Unit, França i el Japó, va ser considerada com la primera a presentar el panorama actual de l’art contemporani africà.

L a escultura africana contemporánea se caracteriza por su diversidad y riqueza. Se inspira tanto en

las tradiciones del continente como en las realidades urbanas contemporáneas de una África en continua transformación. Las técnicas y los materiales varían: desde la madera, la piedra o el bronce hasta los residuos. En 1989, la exposición “Los magos de la tierra” presentó por primera vez en Europa, en el Centre Pompidou de París, obras de arte contemporáneo africano. En 2005, la exposición “Africa Remix”, que itineró entre Alemania, Gran Bretaña, Francia y Japón, fue considerada como la primera en presentar el panorama actual del arte contemporáneo africano.

C ontemporary African sculpture is very dynamic. It’s inspired as much by the traditions of the continent

as it is by the contemporary urban realities of a changing Africa. Techniques and materials are diverse, ranging from wood, stone and bronze through to sculptures made of recycled materials...In 1989, the “Magicians of the Earth” exhibition (Centre Pompidou, 1989) included contemporary African works of art for the first time in Europe. In 2005, the “Africa Remix” exhibition which toured Germany, England, France and Japan is considered to have been the first to provide a significant overview of contemporary African art.

B oukaré Bonkoungou s’inicià en l’escultura en el taller familiar, i acabà perfeccionant la seva

tècnica al Centre Nacional de l’Artesà d’Art (CNAA) d’Ouagadougou el 1999. L’any 2002, va rebre el Premi del Saló Internacional de l’Artesà d’Ouagadougou (SIAO) i, el 2001, el primer premi de l’EXPO d’Ouagadougou. Basa el seu treball en la seva pròpia experiència i té un control sorprenent de la tècnica de la fosa a la cera perduda, la qual cosa li permet innovar barrejant bronze, fusta i ferro. Pot recórrer la sabana a la recerca d’un fragment de fusta amb la forma precisa i necessària per a la seva propera obra. Aquest mitjà natural li serveix de font d’inspiració per donar a les fustes inertes una nova vida. Els fragments de fusta són completats amb bronze, ferro i tela tradicional, i així passen a convertir-se en unes escultures figuratives sorprenents: homes, joves o animals molt expressius que fan referència al tema de la naturalesa o de la vida en la sabana.

B oukaré Bonkoungou se inició en la escultura en el taller familiar, y acabó perfeccionando su técnica

en el Centro Nacional del Artesano de Arte (CNAA) de Uagadugú en 1999. En 2002, recibió el Premio del Salón Internacional del Artesano de Uagadugú (SIAO) y, en 2001, el primer premio de la EXPO de Uagadugú. Basa su trabajo en su propia experiencia y tiene un control asombroso de la técnica de la fundición a la cera perdida, lo que le permite innovar mezclando bronce, madera y hierro. Es capaz de recorrer la sabana en busca de un fragmento de madera con la forma precisa y necesaria para su próxima obra. Este medio natural le sirve de fuente de inspiración para dar a las maderas inertes una nueva vida. Los fragmentos de madera son completados con bronce, hierro y tela tradicional, y pasan así a convertirse en asombrosas esculturas figurativas: hombres, jóvenes o animales muy expresivos que hacen referencia al tema de la naturaleza o de la vida en la sabana.

B oukaré Bonkoungou was initiated into sculpture in the family workshop before honing his skills

at CNAA (The National Center for the Arts and Crafts) in Ouagadougou in 1999. While exhibiting in Burkina Faso and France; he was awarded the SIAO at the International Exhibition of Crafts in Ouagadougou in 2002 and the first prize of the 2001 expo in Ouagadougou.He bases his work on personal experience and has an astonishing mastery of wax casting in bronze making

his work ever more innovative; mixing bronze, wood and iron. He travels the bush in search of just the right pieces of wood he needs for his work. This natural environment inspires new life for these inert wooden objects. They are then finished in bronze and iron or sometimes with traditional textiles, transforming them into amazing figurative sculptures: men young and old, or powerful and expressive animals, reflecting nature and life in the bush.

Boukaré BONKOUNGOU - "Transmission de savoir" 77cm Alt x 41cm A x 32cm P - Bronze, fusta, ferroFoto: Michel de Jong

Escultura africana, sorprenent i creativa

Galeria d’Art Contemporani i Tribal • Maig 2013 Escultura · 15

Artistes Miquel ARNAL

(Fotografia - Espanya)

Sambo BOLY(Pintura - Burkina Faso)

Boukaré BONKOUNGOU(Escultura - Burkina Faso)

Sébastien BOUCHARD(Pintura - França)

Chéri CHÉRIN(Pintura - R. D. del Congo)

Angèle ETOUNDI ESSAMBA(Fotografia - Camerun)

Sahab KOANDA(Escultor - Art del reciclatge - Burkina Faso)

Francis MAMPUYA(Pintura - R. D. del Congo)

MÉNÉ(Pintura - Costa d’Ivori)

JP MIKA(Pintura - R. D. del Congo)

Freddy MUTOMBO(Pintura - R. D. del Congo)

Kobina NYARKO(Pintura - Ghana)

Larry OTOO(Pintura - Ghana)

Hamed OUATTARA(Pintura - Disseny - Art del reciclatge - Burkina Faso)

RAFIY(Pintura - Benín)

Christophe SAWADOGO(Pintura - Burkina Faso)

Xavier SAYAGO(Escultor - Art del reciclatge - Burkina Faso)

Bibi SECK(Disseny - Art del reciclatge - el Senegal)

www.galeria-out-of-africa.com sorella@galeria-out-of-africa.com

+34 618 356 351 Carrer Major, 7 - Carrer Nou • 08870 Sitges

Carrer Major, 22 • 22440 Benasc

L’ any 1996 es va graduar a l’Escola de Belles Arts de Nantes i, des de llavors, ha viscut entre Guinea, el

Brasil i el Senegal, on va tenir el seu taller durant 5 anys. Tots aquests viatges van influenciar el seu treball i li van obrir noves perspectives en el camp de l’experimentació pictòrica. El 2010, va exposar a l’Institut Nacional de les Arts de Bamako (Mali). El 2012 va exposar a Saint-Louis (el Senegal), en el marc de l’edició OFF de la Biennal de Dakar, i va participar en les últimes edicions de “Regards sud Cours”, a la illa de Gorée (el Senegal). També ha exposat a diferents ciutats de França.Des del 2005, Sébastien Bouchard ha pintat una sèrie de personatges i retrats que qüestionen la seva identitat cultural, tot representant una Àfrica estranya, moderna i alhora inaccessible. Inspirat al mateix temps per la pintura contemporània i el grafisme dels nous mitjans de comunicació, és un artista plàstic al que la investigació pictòrica el porta de la pantalla de l’ordinador al llenç i dels píxels a la pintura.

E n 1996 se graduó en la Escuela de Bellas Artes de Nantes y, desde entonces, ha vivido entre Guinea,

Brasil y Senegal, donde tuvo su taller durante 5 años. Todos estos viajes influenciaron su trabajo y le abrieron nuevas perspectivas en el campo de la experimentación pictórica. En 2010, expuso en el Instituto Nacional de las Artes de Bamako (Mali). En 2012, expuso en Saint-Louis (Senegal), en el marco de la edición OFF de la Bienal de Dakar, y participó en las últimas ediciones de “Regards sur Cours”, en la isla de Gorée (Senegal). También ha expuesto en diferentes ciudades de Francia.Desde 2005, Sébastien Bouchard ha pintado una serie de personajes y retratos que cuestionan su identidad cultural, representando una África extraña, moderna pero inaccesible al mismo tiempo. Inspirado alternativamente por la pintura contemporánea y el grafismo de los nuevos medios de comunicación, es un artista plástico al que la investigación pictórica le lleva de la pantalla del ordenador al lienzo y de los píxeles a la pintura.

S ébastien Bouchard graduated in 1996 from the Nantes Academy of Fine Arts and lives alternately in Guinea,

Brazil and Senegal, where he set up his workshop for a 5 year period. His work has been strongly influenced by his travels, opening a vast field of exploration in painting. In Mali, he exhibited at the National Arts Institute in Bamako in 2010. In Senegal, in 2012, he exhibited at the Mame Tiouth Gallery in St. Louis during Dak’Art OFF and in the last four editions of “Regards sur Cours “ on Gorée

Island in Senegal and in various cities in France. Since 2005, Sébastien Bouchard has painted a series of portraits and figures that question cultural identity, revealing a strange Africa, modern and yet so elusive. Alternately inspired by contemporary art and the graphics of new media, Sébastien Bouchard is a plastic artist whose pictorial research swings from screen to canvas and from pixels to paint.

Sébastien Bouchard,una Àfrica extranya, moderna i inaccesible Nantes - França - 1971

Sébastien BOUCHARD - “The future is now” - 60cm Alt x 60cm AAcrílic i tinta sobre tela - Foto: cedida per l'artista

Galeria d’Art Contemporani i Tribal • Maig 201316 · Pintura i grafisme